PIG: CRÍTICA DE CINE

Pig, está dirigida por Michael Sarnoski compartiendo guion con Vanessa Block. “El regreso de Nicolas Cage a la interpretación más comedida”

Robin (Nicolas Cage) es un buscador de trufas que vive en una cabaña aislada en un bosque de Oregón, acompañado de su cerda trufera, cuyo comportamiento es similar al de un perro. Recibe la visita de Amir (Alex Wolff), quien negocia con Robin por las trufas que recoge. Una noche unos jóvenes asaltan la cabaña, golpeando con fuerza a Robin y llevándose con ellos a la cerda. Robin, tras recuperarse de los golpes recibidos, decide ir en busca de su amiga, con la ayuda de Amir.

El guionista y director, Michael Sarnoski, estudió en la Universidad de Yale. Ha dirigido los cortometrajes “Love of the Dead” 2011, “Fight Night Legacy” 2011junto a Hisonni Mustafa y “That” 2012 junto a Jeremi Szaniawski. Para televisión ha co-dirigido tres episodios de la serie “Fight Night Legacy” y “Olympia” ambos en 2012 y debuta en el largometraje con  “Pig” 2021.

Entré en la sala de cine esperando ver una nueva excentricidad del carismático Nicolas Cage y salí sorprendido, tras el visionado de un filme delicado, sereno, dramático, al que acompañaban algunas pinceladas de humor; todo ello aderezado en su justa medida. Y es que conociendo a Cage, quien en los últimos tiempos nos viene brindando una media de cuatro películas por año y cada una de ellas más singular, tomemos como ejemplos: “Mandy” 2018 de Panos Cosmatos, “Color Out of Space” 2019 de Richard Stanley, “Prisioneros of the Ghostland” 2021 de Sion Sono o la recientemente estrenada “El insoportable peso de un talento descomunal” 2022 de Tom Gormican; quién nos iba a decir que este filme, con un título tan peculiar, nos dejaría pegados a la butaca por su historia y su  excelente interpretación, cerrando muchas bocas. Sí, Nicolas nos ofrece un magnífico trabajo actoral con el que sufrimos, sonreímos y reflexionamos mientras nos sumimos en ese viaje en busca de su compañera y amiga. No, no es solo una simple mascota ni una buscadora maravillosa de trufas, que le ayuda a ganarse la vida, es con quien ha compartido sus años de soledad en ese bosque e incluso sus confidencias. Tranquilos, no tengo intención de desvelar el motivo de su aislamiento, pero sí deciros que ese animal, que no lo parece tanto, lo es todo para él y por tal motivo, decide ir tras ella y de quienes la han separado de él.

Pig, a través de su cuidado guion, que el director comparte con Vanessa Block, nos presenta una carta de emociones y sentimientos, de recuerdos dolorosos y otros plenos de felicidad, en una narración en apariencia sencilla que trata temas de actualidad como la soledad y la pérdida, el amor o la falta del mismo y a la vez, lanzar una crítica voraz hacia ese mercado consumista en torno a la gastronomía, tan en boga y que tantas rivalidades provocan pero también, abriendo un camino hacia esa  búsqueda incansable por alcanzar los sabores y texturas que transportándonos a tiempos pasados, a los platos más tradicionales, se mire hacia el futuro, con nuevas técnicas. Ese estado en el que la comida nos despierta e ilumina los espacios que esperan ser despertados en nuestras mentes.  

A través de este drama dividido en tres partes. I “Hojaldre rústico de setas”, II “Torrijas de mamá y Vieiras deconstruidas y III “Un ave, una botella  y una baguette salada”, Sarnoski, consciente o no, ha entregado a Cage un personaje construido a su medida, pero no al Cage que hemos visto en sus últimos trabajos, sino al actor más dramático que ya teníamos olvidado. Michael, en su aplaudible debut en la dirección, toma como referencia un tema cada vez más de moda en el cine, el arte de la gastronomía, deconstruyendo y llevándolo a su terreno, para ofrecernos un filme singular con el que hacernos disfrutar, a través de sus múltiples capas. Todo en este plato mantiene un perfecto equilibrio, desde las interpretaciones, principalmente la ya mencionada de Nicolas Cage, pasando por sus ingredientes esenciales; la fotografía en la mirada de Patrick Scola, la banda sonora que surge del pentagrama de Alexis Grapsas y Philip Klein, el correcto metraje y ese aroma del que se adueña toda la obra.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de julio.

REPARTO: Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, Nina Belforte, Gretchen Corbett, Dalene Young, Julia Bray, Darius Pierce, Elijah Ungvary, Brian Sutherland, David Knell, Sean G. Tarjyoto, Tom Walton, Davis King, Beth Harper, Dana Millican, October Moore y Kevin Michael Moore.

PRODUCTORA: Ai Film// Escape Artists// Pulse Films// Saturn Films// Sweet Tomato Films// Valparaiso Pictures// BlockBox Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

PROGRAMACION JULIO 2022 EN STARZPLAY

 

PRISMA IDEAS e IVÁN DEL BARRIO nos informa sobre la programación de Julio en STARZPLAY.

¿Puedes matar a alguien con un mensaje de texto? Inspirada en el tristemente célebre juicio de Michelle Carter sobre el suicidio por mensaje de texto, “The Girl From Plainville” está protagonizada por Elle Fanning y Chloe Sevigny. La serie es fascinante, ya que va más allá de los titulares de un caso impactante y que sienta precedente, para sumergirse en la mente de Michelle, y explorar los acontecimientos que rodean la muerte de su novio, Conrad Roy III, así como la relación que condujo a ella. “The Girl From Plainville” se estrena el 10 de julio en STARZPLAY.

En julio, las calles de Madrid se llenan de vida con motivo del Orgullo 2022 y para celebrarlo, STARZPLAY te trae el día 3 de Julio la segunda temporada de “P-Valley” y el 31 de julio el estreno de “Queer As Folk”, la colorida y sentida reimaginación de la innovadora e icónica serie de Russell T. Davies que celebra la comunidad queer. Ambientada en Nueva Orleans, se centra en la vuelta a casa de Brodie, que descubre que han cambiado muchas cosas desde que se fue de la ciudad. Mientras atraviesa la vuelta a la escena, la tragedia golpea y todos deben lidiar con las consecuencias. Prepárate para el honesto y vibrante relanzamiento que todo el mundo ha estado esperando.

SERIES

THE GIRL FROM PLAINVILLE. A PARTIR DEL 10 DE JULIO. Un nuevo episodio en streaming todos los domingos.

“The Girl From Plainville” está basada en la historia real de Michelle Carter e inspirada en el  “caso del suicidio por mensajes de texto”, que no tiene precedentes similares. Basada en el artículo de la revista Esquire del mismo nombre escrito por Jesse Barron, la miniserie explora la relación de Michelle Carter con Conrad Roy III y los acontecimientos que condujeron a la muerte de éste y, posteriormente, a la condena por homicidio involuntario de Michelle.

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QUEER AS FOLK. A PARTIR DEL 31 DE JULIO. Dos nuevos episodios en streaming todos los domingos.

“Queer as Folk” es una vibrante reinterpretación de la innovadora serie británica creada por Russell T. Davies, que explora un grupo diverso de amigos en Nueva Orleans cuyas vidas se transforman tras una tragedia.

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P-VALLEY S2. A PARTIR DEL 3 DE JULIO. Un nuevo episodio en streaming todos los domingos. PRIMERA TEMPORADA DISPONIBLE EN STARZPLAY

Cuando la noche se cierne sobre Chucalissa, todo el mundo y sus madres deben luchar con uñas y dientes para sobrevivir. Mientras que algunos se lanzan a nuevas y peligrosas alturas, otros se aferran a sus tacones de aguja y se mantienen firmes sin importar el precio. De vuelta al Pynk, Autumn y el Clifford luchan por el trono mientras la sangre nueva sacude el vestuario. Mientras tanto, con el destino del casino pendiendo de un hilo, la maquinaria política local se pone en marcha. En estos tiempos sin precedentes, la muerte y el peligro acechan en cada esquina.

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EL REFUGIO. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY. UNA SERIE ORIGINAL DE STARZPLAY. Un nuevo episodio en streaming todos los jueves.

En “El Refugio”, una familia vive las horas más extrañas de su vida cuando comienzan a producirse fenómenos inusuales, causados por una fuerza de la naturaleza completamente desconocida. Pero todo ocurre a través de sus pantallas. Cuando salen al exterior, no parece ocurrir nada, aparte de lo que la primavera en el campo mexicano depara a un grupo de humanos. Los padres deben proteger a sus hijos de un enemigo invisible que ni siquiera ellos saben que existe de verdad. ¿Qué es lo real? ¿Qué ha pasado con el mundo que conocían? ¿Es este rancho un refugio? ¿Es el último reducto de la humanidad?

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BECOMING ELIZABETH. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY. Un nuevo episodio en streaming todos los domingos. El 24 de julio habrá una pausa y no se emitirá ningún episodio.

“Becoming Elizabeth” es la fascinante y desconocida historia de los primeros años de la reina más emblemática de Inglaterra. Mucho antes de ascender al trono, la joven Isabel Tudor era una adolescente huérfana que se vio envuelta en la dinámica de la política  sexual de la corte inglesa. La muerte del rey Enrique VIII pone en marcha una peligrosa lucha por el poder. Sus hijos supervivientes se encuentran como peones en un juego entre las grandes familias de Inglaterra y las potencias de Europa que se disputan el control del país. 

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PELICULAS

LA HABITACIÓN, A PARTIR DEL 1 DE JULIO

La habitación, ganadora del premio de la academia a la mejor actriz protagonista, relata como una madre secuestrada y su hijo, emprenden una temeraria fuga, experimentando después un traumático regreso a casa. Brie Larson consiguió el Oscar a “Mejor Actriz” por su papel en esta película.

ES LA JEFA. A PARTIR DEL 1 DE JULIO

Michelle Darnell es una gran mujer de negocios que es enviada a prisión por tráfico de influencias.

LA LEGIÓN DEL AGUILA. A PARTIR DEL 1 DE JULIO

Veinte años después de la inexplicable desaparición de la novena legión completa en las montañas de Escocia, el joven centurión Marcus Aquila marcha desde Roma para resolver el misterio y restablecer el honor de su padre, comandante de la Novena.

BIENVENIDOS A ZOMBIELAND. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY

Los sobrevivientes (Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone) de un apocalipsis de zombies usan medios creativos para eliminar a los muertos vivientes mientras se dirigen a un refugio seguro en Los Ángeles.

Estrenos directos de cine en julio en Movistar Plus+

Una cinta de animación de los creadores de la exitosa “Ballerina”, un homenaje al cine negro de siempre con la adaptación de una de las novelas del detective Charlie Waldo con Mel Gibson, Charlie Hunnam y Morena Baccarin, un turbador thriller francés de Fabrice du Welz y un drama nórdico mezclado con mucha ternura que ganó el Oso de cristal del jurado infantil y juvenil del Festival de Berlín 2022, son los estrenos de películas que no han pasado por salas en julio en Movistar Plus+.

FIREHEART. Desde el 16 de julio.

La productora L’Atelier Animation abandona el París de finales del XIX de su primera película, “Ballerina”, para viajar al Nueva York de 1920 y ofrecernos otra divertida y optimista historia de superación y valentía.

La protagonista de “Fireheart” es Georgia, una niña de 6 años que no desea otra cosa que convertirse en bombera, como lo fue su padre antes de dejarlo todo para cuidarla. El problema es que, en 1920, las mujeres no pueden ser bomberos... y tampoco 10 años después, cuando los teatros de Broadway empiezan a arder de manera extraña y todos los bomberos de Nueva York desaparecen misteriosamente. Ante la emergencia, el alcalde de la ciudad acuda a Shawn, el padre de la ahora adolescente Georgia, para que investigue los sucesos.

Con una animación tan lujosa como la de “Ballerina”, la película cuenta con las voces en versión original de actores tan conocidos como Kenneth Branagh, William Shatner y Olivia Cooke. “Fireheart” es todo un homenaje a quienes arriesgan su vida a diario para proteger a los demás y a las mujeres que, como la protagonista de la película, intentan cumplir sus sueños a pesar de los obstáculos.

PEQUEÑA REINA, Desde el 26 de julio.

Un tierno drama, con la risa como cura para el dolor, que ganó el Oso de cristal del jurado infantil y juvenil en el Festival de Berlín de 2022. La protagonista de 'Pequeña reina' es Sasha, una chica de 13 años que, tras el suicidio de su madre, está decidida a no parecerse a su progenitora y a conseguir que su padre vuelva a reír; para ello, nada mejor que convertirse en la reina de la comedia.

Basada en la novela “Comedy Queen”, de la galardonada escritora sueca de literatura infantil y juvenil Jenny Jägerfeld, esta comedia dramática (más drama que comedia) habla de los sueños de una adolescente y de la siempre difícil gestión del duelo en una historia que consigue equilibrar perfectamente el sentimiento de culpabilidad, la tristeza, la rabia y el deseo de salir adelante de la protagonista, interpretada por una excelente Sigrid Johnson que desprende verdad, alegría y ganas de vivir.

INEXORABLE. Desde el 27 de julio.

Un fascinante y turbador thriller con una implacable trama llena de giros, en la que los acontecimientos del pasado y las diferencias de clase tienen mucho que decir. En “Inexorable”, Benoît Poelvoorde da vida a Marcel Bellmer, un escritor de éxito que disfruta de una cómoda existencia junto a su familia. Sin embargo, la llegada de una chica joven a la casa provoca un terremoto en el que se desvelarán terribles secretos del pasado y que desencadenará el miedo y la violencia.

Un thriller dramático muy, muy negro en el que el director Fabrice du Welz, ganador de varios premios en Sitges, vuelve a escudriñar la maldad intrínseca al ser humano, pero, en esta ocasión, con un mayor acercamiento al drama.

LA ÚLTIMA MIRADA. Desde el 30 de julio.

Charlie Hunnam, Mel Gibson, Morena Baccarin y Rupert Friend  encabezan el espectacular reparto de este homenaje al cine negro de detectives y a las películas del mítico guionista y director Shane Black, llenas de diálogos ingeniosos y de personajes peculiares de Los Ángeles que siempre esconden algún secreto.

Adaptación del primer libro de la serie de novelas negras de Howard Michael Gould sobre el detective Charlie Waldo, 'La última mirada' une acción, suspense y comedia en una divertida y vertiginosa película que comienza con un Waldo (Hunnam) imbuido de espíritu ecologista: tras tener que abandonar la policía de Los Ángeles, vive una tranquila vida en una caravana en mitad del bosque, utiliza energía solar, se desplaza en bicicleta y solo posee cien cosas. Sin embargo, esa tranquilidad pronto se verá alterada por la visita de su ex (Baccarin), una detective privada que le lleva un caso más que interesante: un famoso (y siempre beodo) actor de televisión (Gibson) que ha sido arrestado por el asesinato de su exmujer.

LANDARTE 2022 ACOGE SEIS PROCESOS DE CREACIÓN CULTURAL

NUEVE CARTAS nos informa que Landarte 2022 acoge seis procesos de creación cultural contemporánea en poblaciones del medio rural de Navarra

El programa Landarte, que celebra su sexta edición bajo el lema “Cultura contemporánea y ruralidad”, se desarrolla en seis localidades navarras, en las que varios artistas y creadoras y creadores generarán diversos procesos culturales en colaboración con sus habitantes.

La cineasta Marina Lameiro trabaja en el municipio de Uztárroz/Uztarroze; el arquitecto y cineasta Patxi Burillo en Urroz-Villa; la artista visual Greta Alfaro en San Martín de Unx; los creadores escénicos Itsaso Iribarren y Germán de la Riva en Falces; la ilustradora Andrea Ganuza y la artista visual Karmele Oteros en Cabredo; y la directora de cine Maddi Barber en Leache/Leatxe.

Estos procesos creativos se encuentran actualmente en su fase inicial. Las y los artistas llevarán a cabo hasta el 15 de julio la labor de prospección, estableciendo vínculos con las localidades donde van a trabajar. A continuación, definirán  sus proyectos y los desarrollarán hasta el próximo 2 de octubre.

El director general de Cultura–Institución Príncipe de Viana, Ignacio Apezteguía; el director del Servicio de Acción Cultural, Lorenzo García; y los miembros del equipo coordinador del proyecto, Anne Ibáñez y Marc Badal, del colectivo Kanpoko Bulegoa, han presentado esta mañana Landarte 2022. Han estado acompañados por parte del equipo técnico del programa y los y las artistas participantes. Además, los municipios seleccionados han estado representados a través de unos vídeos grabados por autoridades locales.

“El modo en que se realiza la creación es tan importante como el qué se hace”

Landarte es la apuesta de la la Dirección General de Cultura – Institución Príncipe de Viana del Departamento de Cultura y Deporte (Gobierno de Navarra) “por un arte público sensible a los problemas, necesidades e intereses de la población rural. Se configura como un programa que facilita la creación contemporánea desde el mundo rural y en el que el modo en que se realiza la creación es tan importante como el qué se hace”, según ha comentado Ignacio Apezteguía, director general de Cultura.

Apezteguía también ha destacado que Landarte “promueve procesos de creación cultural contemporánea con comunidades rurales que participan junto a los y las creadoras en un proceso de cocreación y de reflexión generador de conocimiento y experiencias”.

El director del Servicio de Acción Cultural, Lorenzo García, se ha referido a Landarte como “un programa que aspira a crear una red donde dialogar, aprender y compartir, incorporando un programa ético en cuanto a modos sustentables desde el punto de vista medioambiental, social y económico”. 

García también ha desgranado los objetivos de este programa, que persigue “el empoderamiento de las comunidades rurales a través de la cultura contemporánea, comprometida y entrelazada con su tiempo, cercana al territorio y a sus gentes”.

Además, Landarte pretende “rebasar las experiencias de acción cultural en el mundo rural centradas, por lo común, en el acceso en su acepción más tradicional e ilustrada (de raíz prestacional e identificada con el patrimonio, con el festival, el evento y el turismo). Landarte persigue alcanzar unos resultados, pero resulta importante enfatizar la importancia del proceso y cuidarlo”.

Asimismo, a través de este programa “se promueve una acción cultural que ensanche la autonomía y la capacidad de decisión de las comunidades y establezca un diálogo real, una relación directa e íntima, con su territorio, con su patrimonio cultural inmaterial, con la transmisión de sus formas de vida, con su imaginario colectivo, etc”.

García ha recordado que “se quiere contribuir, en la medida de las posibilidades de este programa, a la profesionalización del sector cultural, y que el sector adapte su mirada al medio rural; esto es, que los procesos creativos recojan la voz de las y los vecinos, desde la empatía, pongan en valor sus conocimientos y movilicen su capacidad de acción en un proyecto cultural”.

Finalmente, el director del Servicio de Acción Cultural ha destacado que con Landarte  se aspira a “implantar una programación cultural con visión territorial, en este caso con un proyecto centrado en pequeñas poblaciones o identificadas como zonas de despoblación”. Con la excepción de Falces, con 2.300 personas censadas, la población de los municipios de este programa es inferior a los 1.000 habitantes, llegando a 50 en Uztárroz o 20 en Leache. 

Pero a pesar de su reducida población, las localidades seleccionadas para formar parte de Landarte se caracterizan por ser receptivas a los proyectos culturales. Así, Cabredo atesora un taller histórico de escultura; las comunidades de Falces y de Urroz-Villa están muy involucradas en la actividad cultural de ambos municipios; en Leache hay una importante afición a la música y el canto… Además, municipios como San Martín de Unx o Uztárroz cuentan con un atractivo patrimonio paisajístico y urbanístico.

En total, desde que se puso en marcha este programa, 51 localidades de Navarra han participado en Landarte.

Por su parte, Anne Ibáñez y Marc Badal han repasado las localidades y artistas participantes en esta nueva edición de Landarte, y han explicado su labor de acompañamiento a artistas y creadoras y mediación con entidades locales y poblaciones rurales.

Se trata de artistas que trabajan desde distintas disciplinas. De esta forma, Andrea Ganuza experimenta, a través de la narración gráfica y el dibujo, con los límites del lenguaje del cómic; Karmele Oteros compagina su labor docente con la creación plástica y la mediación; Itsaso Iribarren y Germán de La Riva exploran sobre temas como la historia de la danza, las relaciones laborales y familiares, o el diálogo entre cuerpo y máquina; Greta Alfaro propone una crítica del poder en las sociedades contemporáneas en relación con la tradición visual y el imaginario barroco; las cineastas Maddi Barber y Marina Lameiro trabajan en el género del documental creativo; y Patxi Burillo explora las relaciones del cine y la arquitectura.

EQUIPO LANDARTE 2022

Landarte 2022 cuenta con un equipo mediador encargado de coordinar a todos los participantes (localidades, artistas e instituciones), dinamizar la población local, acompañar a los y las creadoras en la vinculación con la comunidad y su entorno, e identificar y asesorar a las y los artistas en proyectos coherentes.

Además, el programa cuenta con un equipo de documentación y de comunicación para registrar los procesos de trabajo. También se generarán materiales gráficos y audiovisuales que está previsto difundir a través de la página web, blog y redes sociales. Precisamente, la página web de Landarte (https://landarte.es) es el principal canal de comunicación de este programa. Acoge toda la información del programa, de las localidades y artistas, junto a materiales gráficos y audiovisuales, y acoge un blog desde donde se puede seguir el desarrollo de esta edición, a través de publicaciones donde se recoge la trayectoria de los seis proyectos. 

Landarte apuesta, como en las últimas ediciones, por fomentar la participación de la población local en todo el desarrollo del proyecto, de manera colectiva y horizontal, para generar contenidos y discurso. Se quiere convertir este programa en una oportunidad para que las comunidades rurales de Navarra se planteen cuestiones fundamentales acerca del modelo de mundo rural deseado y las prácticas (sociales, culturales y económicas). Para conseguirlo, las y los creadores trabajarán en las poblaciones seleccionadas, interactuando con ellas, mapeando sus gentes y sus discursos para desarrollar proyectos de forma colaborativa que recojan los intereses y las necesidades de la comunidad local.

LA REPRESENTACIÓN LGBTIQ+ EN LA FICCIÓN AUDIOVISUAL INCREMENTAN SU POLARIZACIÓN

EVA CALLEJA y PRISMA IDEAS nos informan que la representación LGBTIQ+ en la ficción audiovisual incrementa su polarización.

ODA presentó en el Ministerio de Igualdad y junto al CERMI su estudio anual sobre la representación de personajes LGBTIQ+, con discapacidad y racializados en cine y series.

La representación en 2021 se condensa en tan solo tres películas y seis series.

El Observatorio de la Diversidad en los Medios Audiovisuales (ODA) ha presentado en la sede del Ministerio de Igualdad (Calle Alcalá, 37), su tercer informe sobre la imagen que se proyecta de las personas LGBTIQ+ en la ficción audiovisual española. Para su elaboración se ha analizado la presencia de los personajes LGBTIQ+, racializados y con discapacidad en 51 películas y 46 temporadas de 43 series de ficción de 2021.

Es la tercera vez que el Informe ODA incluye el análisis de personajes con discapacidad gracias a la colaboración con el Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad (CERMI).

El estudio, que ha sido amadrinado por HBOmax, también observa la representación de personajes racializados. Su objetivo es promover imágenes diversas y no estereotipadas en los medios audiovisuales, que erradiquen prejuicios y actitudes discriminatorias hacia estos colectivos.

La representación LGBTIQ+ ha crecido tanto en porcentaje como en números absolutos; de 83 personajes del año anterior que significaban un 7,1% del total, este año pasamos a contar con 106 que suponen un 9,3% de todos los personajes analizados. Sin embargo, es importante aclarar que este aumento únicamente ha sido posible gracias al incremento de personajes LGBTIQ+ en el cine que retrata 35 personajes del colectivo frente a los escasos 11 del pasado año.

Este año nos enfrentamos una vez más con una industria audiovisual polarizada, pues nada más en el cine, casi dos tercios de estos personajes se encuentran en tan solo 3 películas. En la ficción seriada casi la mitad de los 71 personajes de este informe, pertenecen a 6 series de las 43 analizadas.

Este año consideramos que es una gran noticia haber presenciado la aparición de 4 personajes no binarios, esto ha permitido hablar sobre la identidad, el uso de pronombres, la exploración personal del género, y hasta tener que lidiar con documentos de identificación.

Por otra parte, la representación femenina vuelve a ser menor que la masculina en cine, del 52,5% del año pasado, pasamos a un 44,8% de este año. Pero en contraposición existen más propuestas creadas y dirigidas por mujeres, sobre todo en la ficción seriada.

En los personajes con discapacidad, la representación aumentó de 25 personajes en el 2020 hasta llegar a 38 en 2021, de los cuales 27 aparecen en 15 series, y 11 figuran en 5 películas.

El gran avance para la representación de personas con discapacidad es sin duda Maricón Perdido (TNT, HBOmax), que retrata la vida de Roberto Enriquez, más conocido como Bob Pop, quien es el propio creador y que estuvo presente en el evento.

La presencia de personajes racializados aumentó muy levemente, de 7,2% a un 7,5% este año, siendo los personajes latinos los más representados.

En la presentación de estos datos han participado la directora de la Dirección General de Diversidad Sexual y Derechos LGTBI, María Dolores “Boti” García Rodrigo y el presidente y CEO de ODA, Jorge Gonzalo.

También se ha celebrado una mesa redonda moderada por el periodista Borja Terán en la que han  participado Roberto Enríquez Higuera (más conocido como Bob Pop), Paula Guerra Cáceres, comunicadora social y activista antirracista, David Martínez Menayo, periodista y comunicación CERMI,  Cristina Paredero, formadora experta en género y sexualidad y Emilio Papamija, director del Informe y director de representación trans de ODA.

CITAS: La directora de la Dirección General de Diversidad Sexual y Derechos LGTBI, María Dolores “Boti” García Rodrigo habló de los estereotipos que ha perpetuado la ficción: “Lesbianas malvadas destinadas a una muerte cruel. O lo que es peor, tuvimos que resignarnos a vivir con el silencio, en la oscuridad del armario infame. Algo parecido han tenido que vivir las personas con discapacidad o racializadas, sin referentes.”

“Por eso celebro la existencia de un observatorio como ODA y agradezco que permanezca alerta para analizar la realidad de los discursos audiovisuales y hacer las recomendaciones pertinentes para mejorar año tras año.”

Bob Pop: “Tuve la suerte de que mi mirada interesó. hablar de mi vida es una excusa para hablar de otras cosas como la identidad, la pérdida, el sexo o el cuerpo.”

“Las plataformas y televisiones asuman que no somos una cuota, que no haya una serie gay de la temporada, que no somos un género.”

Paula Guerra Cáceres: “Las mujeres migrantes o somos hipersexualizadas siempre dispuestas o somos el opuesto, asexuadas, cuidadoras... Al hablar de racialización, hay tres narrativas principales, la de persona subalterna, violenta o exotizante”

David Martínez Menayo: “La visibilización es la primera puerta a la inclusión social. Un niño si no la conoce difícilmente va a estar comprometido con ella en el futuro.”

Cristina Paredero: “Algo importante de estar jornadas es que se está contando con nosotres y con distintas entidades que ahora podemos ir juntes a impulsar el cambio.”

Emilio Papamija: “Nuestro mensaje siempre ha sido de alianzas. Nuestro estudio es colectivo. Cuando hay una persona LGBTIQ+ detrás de la cámara, hay más diversidad delante.”

Jorge Gonzalo: “Desde ODA celebramos que cada vez más generadoras de contenido se interesen en los datos de nuestros informes e invitamos a productoras, plataformas y distribuidoras a colaborar con nosotres para crear argumentos y personajes que representen de manera más fidedigna la diversidad de la sociedad. Igualmente hacemos un llamamiento a instituciones y asociaciones a utilizar nuestros datos para promover un cambio en la diversidad de nuestro país.”

MONEYBOYS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria, Francia, Taiwán y Bélgica, MoneyBoys, está escrita y dirigida por C.B. Yi. “Soy como una araña, no dejo ir a ninguno y los amo a todos”

Fei (Kai Ko) se dedica a la prostitución para mantener a su familia, la cual acepta de buen grado su dinero pero no  la manera en que lo gana. Cuenta con un amigo especial, Xiaolai (J.C. Lin). Un día Xiaolai se pelea con un ex cliente de Fei con la intención de protegerlo y en el transcurso de la pelea Xiaolai recibe unos fuertes golpes, con un mazo, en una pierna, lo que le dejará imposibilitado de esa extremidad.

Pasan unos años y vemos a Fei en otra ciudad trabajando en el mismo oficio, buscando olvidar el pasado, pero le resulta complicado. Conocerá a Long (Bai Yufan) que se enamora de él, pero Fei no parece estar preparado, pues no ha olvidado a su amor Xiaolai. Su dolor le llevará a encontrarse de nuevo con él.

El guionista, productor y director, C.B. YI, estudió en la Universidad de Viena la carrera de Sinología y más tarde, en la misma universidad, Dirección de Cine bajo la tutela de Michael Haneke y Christian Berger. Debuta en el largometraje con “MoneyBoys” 2021, que en un primer momento fue planificado como un documental sobre la prostitución masculina y finalmente derivó a una narración más cinematográfica y artística.

Un debut más que interesante y arriesgado, contándonos no solo una historia homosexual y de prostitución masculina sino que incide en el alma sobre la materia. Una narración entre hombres que no cae en ningún momento en los estereotipos, en lo vulgar o el exhibicionismo gratuito, pues va más allá, profundizando en sus mentes y en la vulnerabilidad que les acompaña y que  intentando ocultar, sale a la luz con la sutileza revestida de drama. Personajes a los que les persigue la culpa, desengañados por esa familia que aceptando el dinero que les envían para sacarles de la pobreza, les repudian por la profesión y su condición sexual; por los amores no correspondidos ante la necesidad de amar, ser amados o el deseo de alejarse de la soledad que les muerde. En definitiva, MoneyBoys, nos habla de las relaciones interpersonales, de la atracción, de las emociones y sentimientos, de la familia, del amor y la pérdida de éste, de los amigos y de los entornos laborales que les rodean, relatado con honestidad, verdad y sencillez, entre personajes que traspasan las líneas escritas en el guion, para penetrar en su humanidad.

Hablaba al principio de que el filme es arriesgado, aunque  C.B. Yi - que goza de la doble nacionalidad austriaca y taiwanesa – nos presenta con suma delicadeza la homosexualidad en China y más concretamente la prostitución masculina. Un país en el cual está prohibida y perseguida dicha orientación sexual, dejándonos ejemplos vergonzosos e incluso vetando los estrenos de algunas películas internacionales, como ha sido el caso reciente de: “Eternals” 2021 de Chloé Zhao, por presentar un personaje gay casado y con hijos o la última creación animada de Disney-Pixar “Lightyear” 2022 de Angus MacLane por ofrecer un simple beso entre dos mujeres. Nos podemos por tanto imaginar cómo habrá calado este proyecto antes de su estreno. Tal vez, aunque lo dudo, les pueda servir para abrir los ojos y la mente, ante una realidad cada vez más palpable, que demanda la visibilidad que le corresponde. 

Una película muy recomendable contando con una cuidada fotografía de Jean-Louis Vialard y las correctas interpretaciones de su elenco actoral, destacando a Kai Ko, quien defiende con credibilidad el drama personal que arrastra su personaje Fei, a la vez que nos muestra la realidad de un país hipócrita y homófobo.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de Julio

REPARTO: Kai Ko, Chloe Maayan, Yufan Bai, J.C. Lin, Qiheng Sun

PRODUCTORA: KGP Kranzelbinger Gabriele Production// Zorba Production// arte France Cinéma// Panache Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual

THOR: LOVE AND THUNDER: CRÍTICA DE CINE

THOR: Love and Thunder está dirigida por Taika Waititi  compartiendo guion con Jennifer Kaytin Robinson. “Lo único de lo que se preocupan los Dioses, es de ellos mismos, así que este es mi juramento, todos los Dioses morirán”

Un hombre camina por el desierto con su hija en brazos, agotado se sienta y acaricia a la pequeña, ésta le comenta que se siente muy cansada y se muere. Mientras el cuerpo del hombre permanece tendido al lado de la tumba de su hija, escucha voces a las que decide seguir, llegando a una especie de oasis. Se baña en el agua, come de los frutos y se topa con un Dios. El hombre recrimina al Dios que no salvara a su hija y jura que se vengará, recibiendo la Necroespada y convirtiéndose en el Carnicero de Dioses (Christian Bale)

Thor (Chris Hemsworth) se encuentra de retiro, buscando la paz interior con el fin de descubrir quién es realmente, pero pronto deberá volver a la acción para enfrentarse a la nueva amenaza, Gorr. En esta nueva epopeya estará acompañado de: Jane Foster/Poderosa Thor (Natalie Portman) su ex novia, Valkiria (Tessa Thompson) la reina del Nuevo Asgard y Korg (Taika) Waititi) el hombre roca. La nueva aventura os aseguro está llena de sorpresas, emoción y mucha, mucha diversión.

La nueva secuela del siempre bienvenido Dios del Trueno, Thor, está producida por Marvel Studios y será distribuida en España por Walt Disney Studios Motion Pictures Spain, convirtiéndose en la cuarta entrega de la tetralogía y la vigésima novena del  (UCM) Universo Cinematográfico  de Marvel. La dirección ha recaído en Taika Waititi quien ya lo había hecho con “Thor: Ragnarok” 2017, ofreciendo un giro inesperado y cómico a la saga que la convirtió en uno de los grandes éxitos del año. Ha coescrito el guion junto a Jennifer Kaytin Robinson. En esta ocasión cuenta con la presencia de los Guardianes de la Galaxia, pues esta nueva entrega tiene lugar tras lo sucedido en “Vengadores: Endgame” 2019 dirigida por los hermanos Anthony y Joe Russo. Thor decide abandonar Nueva Asgard dejando el reino en manos de Valkiria (Tessa Thompson) y se va con los Guardianes de la Galaxia. Esta nueva entrega promete muchas sorpresas entre ellas la entrada de Jane Foster/Mighty Thor interpretada por Natalie Portman, quien será la portadora de famoso martillo Mjölnir, mientras Thor esgrimirá su impresionante hacha Stormbreaker. Junto a ellos veremos a Valkiria (Tessa Thomson) a la que ya he mencionado y que gobierna el Nuevo Asgard y Korg, con la voz original de Taika Waititi, uniendo fuerzas para enfrentarse Gorr, interpretado por Christian Bale, cuya misión es destruir a todos los dioses.

El escritor, comediante, pintor, actor y director, Taika Waititi, estudió en la escuela secundaria, Onslow Collage, pasando a estudiar teatro en la Universidad Victoria de Wellington, donde formó parte de un grupo de cinco estudiantes “So You´re a Man” recorriendo Nueva Zelanda y Australia, con relativo éxito. Comenzó a realizar cortometrajes de comedia para el concurso anual de cine de 48 horas de Nueva Zelanda, entre ellos “John & Pogo” 2002, “Two Cars, One Night” 2003, “Heinous Crime” 2004, “Tama tu” y “What We Do in the Shadows: Interviews with Some Vampires” ambas en 2005. Su ópera prima en el largometraje llegó con “Eagle vs Shark” 2007, “Boy” 2010, “Lo que hacemos en las sombras” 2014, donde obtuvo los premios de mejor película en el Festival de Toronto y el Premio del Público en el Festival de Sitges; “A la caza de los ñumanos” 2016, “Thor: Ragnarok” 2017, “Jojo Rabbit” 2019 y este 2022 nos llega “Thor: Love and Thunder”. También ha dirigido capítulos de series como “Los Conchords” 2007/09, “Super City” 2011, “The Inbetweeners” 2012, “Lo que hacemos en las sombras” 2019, “The Mandalorian” 2019 y “Nuestra bandera significa muerte” 2022, en cuanto a cortometrajes también continuó con “42 One Dream Rush” 2010 y  “Team Darryl” 2018 para finalizar con los video cortometrajes “Team Thor” 2016, “Team Thor: Parte 2” 2017 y “Coca-Cola: The Letter” 2020.

Estamos ante la última entrega de la tetralogía de uno de los superhéroes más carismático de la factoría Marvel, Thor. La primera de ellas llegó a las pantallas con “Thor” 2011 de Kenneth Branagh, la segunda bajo el título de “Thor: El mundo oscuro” 2013 de Alan Taylor y la tercera y cuarta dirigidas por Taika Waititi, tituladas “Thor: Ragnarok” 2017 y la que se estrena ahora en nuestras pantallas, “Thor: Love and Thunder” 2022. El superhéroe ha pasado por las manos de varios directores con mayor o menor suerte y parece que ha sido Waititi, quien dándole ese nuevo aire a sus aventuras, ha despertado en el público un mayor interés y aceptación.

Amor y Trueno, como reza parte del título, serán los impulsores y ejes principales que harán girar los engranajes de esta nueva historia. El amor presente entre Thor y Jane, perdido en el tiempo pero no olvidado; el amor filial de un padre hacia su hija, que clamará venganza, tan importante en el desarrollo de esta historia o aquel que surge de la complicidad, el acercamiento o la amistad; que ya iréis descubriendo y por supuesto, los truenos, generados en las batallas en magníficas coreografías y las chispas, más que truenos propiamente dichos, que pueden desatarse entre los espectadores al asistir a ese desnudo integral del Dios del Trueno, que el provocador Zeus (Ruseell Crowe), impulsado por los guionistas, ofrece a la audiencia en una escena cargada de diálogos  muy divertidos a los que no les faltará la parte crítica y hasta emocional.

Un filme que estoy seguro no va a dejar indiferente a ningún fan de Marvel, gracias al divertido e irónico guion que Waititi comparte con Jennifer Kaytin Robinson, entre la fina ironía, los chistes fáciles, como la confusión con el nombre y apellido de Jane Foster, los instantes de nostalgia que vive Thor cuando está en presencia de Mjolnir o la pareja de animales que le regalan, por poner tres sencillos ejemplos; todo ello a través de esos escenarios singulares en medio de la psicodelia ocasionada por la euforia de un universo fantástico al que han dotado de una casi imposible paleta de color y una brillante iluminación, en la mirada del director de fotografía, Barry Idoine, junto a sus cuidadísimos encuadres, para transportarnos a esos espacios tantas veces disfrutados en los cómic, pues sin ninguna duda, este nuevo Thor, sigue bebiendo y enriqueciéndose de las viñetas, que le dieron vida. Y a este delirio absoluto no podía faltar  Michael Giacchino con su banda sonora, entre temas del Rock más duro, que funciona perfectamente en las escenas de batallas.

Para ir terminando vamos con las interpretaciones. Chris Hemsworth está en su salsa, divertidísimo y juguetón como un niño grande encarnando al Dios del Trueno. Deja más que claro que no hay nadie, hoy por hoy, que pueda meterse en la piel de Thor, como lo hace él, vestido o desnudo, batallando o enamorándose, riendo o bajo esa capa de introspección. Nos lo creemos y disfrutamos con todas sus maravillosas locuras. Natalie Portman, en el papel de la Poderosa Thor, en un doble personaje, el humano bajo la apariencia de una mujer luchadora contra el cáncer que la consume y el de Superheroína, en los instantes que su nuevo compañero, Mjolnir, viene a ella; dos personajes muy diferentes y atractivos que defiende con máxima credibilidad. Christian Bale, irreconocible en el cuerpo de Gorr, el carnicero de dioses, quien nos hace olvidarnos del actor para despreciar al personaje que encarna y Tessa Thompson aceptando a Valkiria, la nueva reina de Asgard. Tan aguerrida como emotiva.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de julio

REPARTO: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Christian Bale, Tessa Thompson, Chris Pratt, Jaimie Alexander, Matt Damon, Karen Gillan, Dave Bautista, Pom Klementieff, Melissa McCarthy, Russell Crowe, Sam Neill, Sean Gunn, Luke Hemsworth y Akosia Sabet.

PRODUCTORA: Marvel Studios y Walt Disney Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. 

LINGUI, LAZOS SAGRADOS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Chad, Francia, Alemania y Bélgica, Lingui, lazos sagrados, está escrita y dirigida por Mahamat- Saleh Haroun. “Es mi vientre! ¡Asúmelo!”

Amina (Achouackh Abakar), que vive con su hija María (Rihane Khalil Alio), trabaja creando y vendiendo estufas hechas a mano con varillas de metal. Un día al regresar a casa, María, a la que ella llama cariñosamente Mamita, no quiere ni que la toque ni que le hable. Amina descubre que su hija está embarazada durante una conversación con la directora del colegio que la ha expulsado, por ser una mala influencia para las demás alumnas. La joven se niega a tener el hijo que espera, aun siendo consciente de que en el país está prohibido abortar por ley y por la religión. Por otro lado conoceremos a Brahim (Youssouf Djaoro), un vecino y hermano de religión, quien le pide a Amina que se case con él, que la ama y que a él no le importa que sea madre soltera, que las quiere a las dos.

El periodista, productor, guionista y director, Mahamat- Saleh Haroun, estudió en el Conservatorio Libre del Cine Francés de París y periodismo en la Universidad de Burdeos. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el periodismo y saltó al cine con su primer cortometraje “Tal koul” 1991. En 1994 rodó su segundo cortometraje “Maral tanié” para continuar con los documentales “Sotigui Kouyaté, a modern Griot” y “Bord´Africa” en 1995, “Bye Bye Africa” 1998, “Kalala” 2006,  “Hissein Habré, une tragédie tchadienne” 2016 y “Interdependence Film 2019”  2019. En el cortometraje ha dirigido “Goï – Goï” 1995,  “B 400” 1997, “Un thé au sahel” 1998, “Letter from New York” 2001, “Scenarios from Africa: African Solidarity” y “Scénarios d´Afrique: L`arbre et le vent” ambas en 2004 y “Expectations” 2008 y en el largometraje nos encontramos con “Abouna” 2002, “Estación seca (Daratt)” 2006, “Un hombre que grita” 2010, “GriGris” 2013, “Une saison en France” 2017 y este año nos ofrece “Lingui. Lazos sagrados” 2021, para finalizar comentaros que también ha realizado el telefilme “Sexe, gombo et beurre salé” 2008.

La película ha sido rodada en los suburbios, a las afueras de la ciudad, en donde la gente más humilde trabaja desde que amanece hasta el anochecer, para sobrevivir y sacar a sus familias adelante. Este es el caso de Amina, una madre soltera con una hija adolescente a la que está dando una educación y cuanto precisa, pero como tantas jóvenes, también quedará embarazada, negándose a descubrir la identidad del padre, aunque Haroun nos lo desvelará antes de finalizar la obra. La noticia de que su hija desea abortar, la llevará de cabeza. 

Un filme tranquilo en el que el guionista y director africano sabe muy bien dosificar los elementos importantes que quiere destacar a lo largo del metraje, realizando una fuerte crítica social. Temas como la importancia de la familia, los abusos sexuales, la ablación y la negación de algunas madres a dicha práctica con sus hijas o el embarazo no deseado, entrando en conflicto lo que en conciencia se debería hacer frente a lo que la ley les dicta.

Una historia generacional en la cual las más jóvenes se rebelan ante lo establecido, abriendo los ojos, incluso, a sus progenitoras, acostumbradas a obedecer. Una historia de mujeres que luchan o intentan hacerlo desde sus posiciones, aunando fuerzas, frente a esa sociedad que aún las mantiene reprimidas bajo una religión y unas leyes castradoras. Escucharemos en un momento determinado a María, discutiendo con su madre, afirmar que su cuerpo es de ella y que lo demás no le importa. Una frase que oímos con frecuencia en nuestra sociedad y que las leyes deberían tener más en cuenta. La mujer es la verdadera dueña de su cuerpo, por lo tanto será la única que acoja lo que se debe o no gestar en su interior.

Lingui, lazos sagrados, posee un guion con una sólida estructura y frases impactantes que clavándose como puñales, nos invitan a la introspección sobre el cómo viven aún las mujeres en otros países, sometidas al yugo del hombre y una religión que las condena al estrato social más bajo, al sufrimiento, la desesperación e incluso al intento de suicidio; pues entre  las nuevas generaciones ya no aceptan esos códigos y están dispuestas a todo y algunas madres, viendo lo que les espera a sus hijas, buscan la forma de eludir su encarcelamiento en vida, con inteligentes estratagemas. Sin desvelar los mejores momentos, hay uno que me llamó la atención y que incluso me atrevería a afirmar que el director de fotografía Mathieu Giombini, encuadra e ilumina de manera diferente. Es el instante en que madre e hija se miran entre ellas, tras la reprimenda que el Imán, el encargado de dirigir la oración colectiva en la mezquita, ha descargado contra Amina. Momento clave para esta madre coraje.

En resumen, estamos ante una historia rodada con pocos medios, pero los suficientes para construir una obra que atrae la atención del espectador ante la verdad que nos ofrece. Disfruta de unas interpretaciones naturales y frescas, con las que se conecta desde el primer minuto. Una fotografía que capta la existencia como si se tratara de un documental y la banda sonora, con música autóctona en la batuta de Wasis Diop, que escuchamos en los instantes en los que la palabra le da paso.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de julio

REPARTO: Achouackh Abakar Souleymane, Rihane Khalil Alio, Youssouf Djaoro, Briya Gomdigue y Hadje Fatime N´Goua.

PRODUCTORA: Beluga Tree// Made in Germany// Pili Films// Goï Goï Productions// Cana+ International// Proximus.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Wanda Visión.

BENEDICTION: CRÍTICA DE CINE

Benediction, está escrita y dirigida por Terence Davies. “La Poesía como protesta a la guerra  y al deseo de vivir en libertad”

La voz en off de Siegfried Sassoon (Jack Jowden) nos sitúa en el Londres de 1914, en un teatro en el que esperan disfrutar de un concierto de Stravinski. Durante la espera sus recuerdos nos trasladan a la I Guerra Mundial, a la cual se alistó para luchar en el frente. Escucharemos sus poemas bajo el soporte de  imágenes ficcionadas y de archivo y así poder comprender lo que la guerra marcó tan profundamente en Sassoon, hasta el punto que aun siendo condecorado por su heroicidad, se convirtió en un duro crítico de las políticas bélicas de su gobierno, lo que le ocasionó serios problemas.

El novelista, actor, guionista y director, Terence Davies, estudió en la Coventry Drama School, donde escribió y dirigió su primer cortometraje “Niños” 1976, tras este primer proyecto se matriculó y finalizó los estudios en la Escuela Nacional de Cine, dirigiendo su segundo cortometraje “Madonna and Child” 1980 y tres años más tarde concluyó la trilogía con “Death and Transfiguration” 1983, ese mismo año juntaría los tres cortometrajes en una sola obra a la denominó “The Terence Davies Trilogy”. “Voces distantes” sería su primer largometraje dirigido en 1988 para continuar con “El largo día acaba”,  “La biblia de neón” 1995, “La casa de la alegría” 2000, “The Deep Blue Sea” 2011, “Sunset Song” 2015, “Historia de una pasión” 2016, el documental largometraje “Of Time and The City” 2008, el cortometraje “But Why?” 2021 y en el mismo año, “Benediction”, la película que llega ahora a nuestras salas.

Siegfried Sassoon, fue un escritor y poeta británico que se enroló voluntariamente al Ejército durante la I Guerra Mundial y aun siendo nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico y recibiendo la Cruz Militar, por su valor y estrategias en el combate, al final de un permiso por convalecencia, Siegfried se negó a volver al servicio, deprimido por cuanto había visto en el campo de batalla. Protestó contra la prolongación de la guerra enviando una carta a su comandante en jefe que tituló “Declaración de un Soldado”, la cual fue leída en el Parlamento. En vez de hacerle pasar por un tribunal de guerra, lo ingresaron en el Hospital de guerra Craiglockhart, tratándole de neurastenia. Su poesía, que antes de la guerra ofrecía un tono romántico y dulce tornó a poemas antibelicistas, en los que se detallaban cuerpos en descomposición o miembros mutilados en medio de la cobardía, el suicidio o la suciedad. Vivió una vida llena de dolor, amores imposibles, despechos, conflictos internos, una familia rota en parte por la pérdida de su hermano en la batalla de Galípoli, encuentros con otros artistas con los que compartió su amor a la poesía y lecho, no solo con ellos, sino con muchos jóvenes, pues su homosexualidad fue claramente abierta, aunque como tantos homosexuales a través de la historia, sucumbió al contraer matrimonio.

Un filme de rabiosa actualidad, pues Benediction nos presenta una narración dura y realista exponiendo por un lado la orientación sexual de su protagonista y máxime, las consecuencias que origina una guerra, pues aun teniendo la suerte de retornar al hogar, las heridas físicas y psicológicas marcarán para siempre sus cuerpos, mentes y almas. Terence se apoya en la magnífica fotografía de Nicola Daley, entre las mencionadas imágenes ficcionadas y las dolientes extraídas de archivos en blanco y negro, revelando a hombres arrastrándose por el fango, en las trincheras, en situaciones precarias y muriendo a manos de sus enemigos. La banda sonora de  Benjamin Woodgates, eleva aún más el drama invadido por la melancolía, con piezas de Charlestón, Ragtime e incluso un tema de un wéstern recreando una perfecta metáfora entre los rebaños de ganado conducidos por los vaqueros y los hombres hacinados en las trincheras y campo de batalla, guiados hacia un cruel destino.

En resumen, Terence Davies, dirige un filme excesivamente lento, teatralizado y clásico en su ejecución, lo que le lleva en cierta medida a encorsetar en parte a sus personajes, entre los espacios en los que se deben desenvolver, provocando con ello una cierta rigidez en los movimientos y gestos de los actores que los interpretan, aunque algunos, como es el caso de Jack Jowden, bordan su actuación. Lo que resulta sin duda indiscutible, es el destello de sofisticación y elegancia que confiere a sus obras.

“La pureza es como la virginidad, en cuanto la tocas se corrompe”

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de Julio

REPARTO: Jack Jowden, Simon Russell Beale, Peter Capaldi, Jeremy Irvine, Kate Philips, Gemma Jones, Ben Daniels, Geraldine James, Joanna Bacon, Anton Lesser, Lia Williams, Thom Ashley, Kellie Shirley, Suzanne Bertish, Paddy Rowan, Calam Lynch, Harry Lawtey, Tom Blyth, David Shields, Edmund Kinsgley, Jude Akuwudike, Jamie-Lee Beacher, Stacey Lynn Crowe, Bobby Robertson, Ernest Vernon y Ben Steele.

PRODUCTORA: Emu Films// Creative England// M.Y.R.A. Entertainment// Bankside Films// BBC Films// British Film Institute.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Festival Films.