BECKY: CRÍTICA DE CINE

BECKY está dirigida por Jonathan Milott y Cary Murnion con guion de Nick Morris, Lake Skye y Ruckus Skye. “Érase una vez una niña que tenía un ricito justo en medio de la frente. Cuando era buena, era muy muy buena, pero cuando era mala, era terrible”

Jeff (Joel McHale) va a buscar a su hija Becky (Lulu Wilson) al colegio para llevarla a su lugar favorito, la casa que tienen en el lago Sinclair. La madre de Becky murió de cáncer un año atrás y desde entonces la joven se ha vuelto aun más rebelde. Su padre aprovechará la ocasión  para comunicarle que no venderá la casa del lago y que esos días los pasarán junto a Kayla (Amanda Brugel) su nueva pareja y el hijo adolescente de Kayla, Ty (Isaiah Rockcliffe). De la primera noticia se alegra, pero en cuanto a la segunda…

Ese mismo día, cuatro reclusos escapan, armados, del furgón que les trasladaba a la prisión. En el camino se encuentran a una familia a la que matan para apoderarse del coche y llegar hasta la casa del lago, propiedad de Jeff y su hija, en la cual Dominick (Kevin James), quien parece ser el jefe de la banda, ha escondido algo importante, que desea recuperar. 

Jonathan Milott y Cary Murnion se conocieron mientras estudiaban en la Parsons School of Design y decidieron dirigir una empresa en torno a la animación, publicidad de vanguardia y diseño, explorando la realización cinematográfica. Realizaron diversos cortometrajes hasta llegar a su ópera prima en el largometraje con la comedia adolescente de zombies “Dulces criaturas” 2014 para continuar con “Bushwick” 2017 y “Becky” 2019 que se estrena este año en Movistar+

En ocasiones enfadar o enfadarse con los adolescentes no  es una buena idea y si encima la joven en concreto, está cabreada con el mundo, ha perdido recientemente a su madre y le arrebatan a su padre disparándole a sangre fría, mejor que te apartes pues la sangre te puede salpicar, en el amplio sentido de la frase, pues Becky utilizará cuanto tiene en su cuarto de estudiante, para defenderse: Reglas, lápices de colores, pistolas de agua y otros objetos, para convertirlos en armas mortíferas. Una joven guerrera, una Rambo adolescente, llega en esta ocasión a la pequeña pantalla, para demostrar una vez más, que ellas no se dejan amedrentar tan fácilmente.

Un thriller gore y violento que transcurre durante un fin de semana, el cual prometía unir por un lado al viudo Jeff y su hija Becky y por el otro a Kayla y su hijo Ty, y así crear una nueva familia dejando atrás los dramas ya vividos; pero las cosas, en manos de estos dos directores, nunca resultan  tan sencillas y menos, si deciden llevar a sus personajes fuera de la ciudad y con reclusos asesinos merodeando la casa. Nada bueno puede salir de esa situación, por lo que nos debemos preparar para ser testigos de una locura llevada al límite entre muertes violentas, que irán “abonando” el bosque cercano al lago. Mi escena favorita es la del ojo, que quieras o no, terminas por apartar la mirada de la pantalla o taparte los tuyos propios, que también es otra solución. Hay escenas para todos los gustos: Lápices de colores que desfiguran los rostros, afiladas reglas de estudiantes que traspasan el cuello como si fueran cuchillos recién afilados, cuerpos cortados por la mitad o incluso uno sin cabeza y sí, disparos también tenemos. Becky nos propone un menú degustación para todos los gustos pero no para todos los paladares. Todo lo relatado y mucho más sucede alrededor de la casa, pues el hogar en sí, permanecerá lo más limpio y ordenado posible.

Resumiendo, Becky, es un filme correctamente dirigido e interpretado, destacando a la joven Lulu Wilson, a quien una vez cabreada y con su gorro de ardilla, la seguimos hasta ver de lo que es capaz y  sin la menor duda, hace disfrutar a los amantes del género, los cuales, en más de una escena, entre la sangre y las mutilaciones, esbozarán sonrisas maliciosas. Greta Zozula, ha sido la encargada de fotografiar este baño de sangre y de carreras frenéticas entre los árboles, el lago y la pequeña cabaña. Se me olvidaba, Becky también cuenta con dos perros.  Lo que está claro, es que a estos dos directores, les va la marcha.

Mi nota es: 6

ESTRENO en España: 12 de Febrero

REPARTO: Kevin James, Lulu Wilson, Joel McHale, Amanda Brugel, Robert Maillet, Ryan McDonald, Gage Graham-Arbuthnot, Mike Dara, Chandra Michaels, James McDougall, Isaiah Rockcliffe, Markus Radan, Charles Boyland, Andrew Siwik y Chelsea Barner.

PRODUCTORA: Yale Productions// BoulderLight Pictures// Bondlt// Buffalo 8 Productions// SSS Entertainment// SSS Film Capital// United Talent Agendy.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Movistar+

LA CHICA DEL BRAZALETE: CRÍTICA DE CINE

 

La chica del brazalete está escrita y dirigida por Stéphane Demoustier. “¿Hasta qué punto podemos llegar a conocer a nuestros hijos?

En plano general vemos a una familia en la playa: Bruno, el padre (Roschdy Zem). Celine, la madre (Chiara Mastroianni), la adolescente Lise (Melissa Guers) y el jovencito Jules. A ellos se acercan varios policías que piden a la joven que les acompañe, el padre habla con la policía y accede a que se lleven a su hija.

Han pasado dos años y Lise  está acusada de haber asesinado a Flora, su mejor amiga. En el juicio Lise estará acompañada por su padre, pues la madre no se atreve a acudir, excusándose en que tiene mucho trabajo. Durante la vista el padre irá descubriendo la vida secreta de su hija, una vida muy alejada y diferente, a lo que él podía pensar.

Las salas de vistas de un juicio o espacios relacionados con el mismo,  también han sido escenarios a lo largo de la historia del cine, así nos podemos encontrar con dos obras maestra filmadas el mismo año como son “Testigo de cargo” 1957 de Billy Wilder y “12 hombres sin piedad” de Sidney Lumet, para continuar con otras obras importantes como: “Anatomía de un asesinato 1959 de Otto Preminger, “¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg)” 1961 de Stanley Kramer, “Matar a un ruiseñor” 1962 de Robert Milligan, “Kramer contra Kramer” 1979 de Robert Benton,  “La caja de música” 1989 de Costa-Gavras, “En el nombre del padre” de Jim Sheridan y “Philadelphia” de Jonathan Demme en 1993 y ya más actuales “Loving” 2016 de Jeff Nichols, “Los archivos del Pentágono” 2017 de Steven Spielberg o “Una cuestión de género” 2018 de Mimi Leder. Todas y cada una de ellas, tocando temas muy diversos de la sociedad o la política.

El  productor, guionista y director, Stéphane Demoustier, es licenciado en Ciencias Políticas y HEC, comenzó trabajando en el Ministerio de Cultura, en el departamento de Arquitectura desde el cual produjo y dirigió documentales, antes de dedicarse por completo al cine. En el 2005/06 se formó en Atelier Ludwigsburg-Paris. Junto a su hermana Jeanne Demoustier fundó la productora Years Zero. Ha dirigido los cortometrajes: “Première” 2008, “Dans la jungle des villes” 2010, “Bad Gones” 2011, “Des noeux dans la Tête” 2011, “Fille du calvaire” 2012 y “Les Petits Joueurs” 2014 hasta llegar a su ópera prima en el largometraje “Terre Battue” 2014 para continuar con “Cléo&Paul” 2018 y el pasado año “La chica del brazalete” que se estrena ahora en nuestras pantallas.

Stéphane Demoustier nos invita a sentarnos en un lugar privilegiado en la sala de un juicio en donde Lise, va a ser juzgada por la muerte de su mejor amiga Flora. Un lugar desde el cual el espectador se cuestionará las preguntas que nos lanza el propio director, además de la que abre esta reseña; preguntas como “¿Es incondicional el amor de los padres?” o “¿Hay límites para el amor que podemos sentir?”. Un filme que nos sitúa no en las verdades o mentiras que expone el acusado, sino a través de quienes se sientan en la sala, teniendo que sortear entre las evidencias que no siempre son tan claras como nos hacen creer abogados, fiscales o testigos, en un principio.  

La chica del brazalete es una de esas películas sencillas que te hace pensar en temas trascendentales de forma inteligente y astuta a través de un juicio, en donde al final, aunque deseamos conocer el veredicto, una gran parte de lo que vamos a escuchar, cobrará mayor relieve, dejando atrás lo que nos llevó hasta esa sala y todo ese misterio que rodea a cualquier asesinato  en donde la realidad, es solo conocida por dos personas: la víctima y el culpable. La primera ya no puede contarnos nada y la segunda… Es aquí donde entra en juego Melissa Guers que encarna a Lise, la chica de rostro imperturbable y de los largos silencios a través de los cuales destila vulnerabilidad y entereza a partes iguales, a lo largo de un juicio en el cual sabe que deberá, por mucho que lo quiera dilatar en el tiempo, exponer sus secretos. Un acto que teme más que la propia acusación de asesinato. La chica del brazalete es una obra original que cuenta con un extraordinario elenco actoral.

Sin duda uno de los grandes aciertos de Demoustier ha sido elegir a dos mujeres como abogadas, la una defendiendo la causa y la otra en la acusación, para que cualquier sombra de machismo quede alejada. Hay un momento que compartiré con vosotros que hace referencia al sexo frente a la mujer, en donde vemos a la fiscal,  que siendo mujer, se atreverse a preguntar a Lise: “¿Dirías que eres lo que se conoce como una chica fácil?” a lo que Lise le responde, retándola con la mirada “¿Por qué no le preguntas a Nathan, si él también es fácil?” dejando muda a la fiscal y al joven Nathan, que en ese instante se encontraba en el estrado testificando; avergonzado y sin saber que decir. Otro de los aciertos, sin desvelar nada, es que Demoustier en su cuidadísimo guion, no nos muestra en ningún instante imágenes de la muerte de la joven, porque no son necesarias.

He comentado que La chica del brazalete cuenta con un importante reparto entre las que quiero destacar, además de la impecable y sobrecogedora interpretación de Melissa Guers, a las secundarias Annie Mercier como la abogada defensora y Anaïs Demoustier como la fiscal y no me quiero olvidar de la fotografía en la sagaz mirada de Sylvain Verdet, una fotografía en apariencia muy sencilla, pero solo en apariencia.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Febrero.

REPARTO: Melissa Guers, Roschdy Zem, Anaïs Demoustier, Annie Mercier, Pascal Garbarini y Chiara mastroianni

PRODUCTORA: Petit Film// France 3 Cinéma// Frakas Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

MI PRIMO: CRÍTICA DE CINE

MI PRIMO, está dirigida por Jan Kounen compartiendo guion con Vincent Lindon y Fabrice Roger-Lacan. “Hay que escuchar las señales”

Pierre Pastié (Vincent Lindon) es el consejero delegado de un gran grupo familiar. El día en que debe firmar un acuerdo muy importante para la continuidad de su negocio, se queda encerrado en el ascensor de la notaría. Mientras tanto al despacho llega su primo Adrien (François Damiens) que debe firmar el contrato al haber fallecido su madre, la Sra. Françoise Pastié. Adrien dice que no firmará hasta que no llegue Pierre. Cuando los bomberos logran sacar a Pierre del ascensor,  Adrien ya se ha ido. Pierre tendrá que ir con pies de plomo, pues si su primo no firma, todo el negocio que tiene pensado, se irá al traste.

El productor, guionista y director, Jan Kounen, estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Niza, en donde filmó sus primeros cortometrajes. En 1988 obtuvo el Diploma Nacional Superior de Expresión Visual. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el videoclip como operador y director, entre los que rodó “Erasure: Always” 1994. Entre sus cortometrajes encontramos: “Gilèle Kérozène” 1990, “Capitaine X” y “Vibroboy” ambos en 1994 y “Caperucita Roja” 1996. Un año más tarde llegaría su primer largometraje “Dobermann”, continuando con el documental “D`autres mondes (Other Worlds)”  y “Blueberry: La experiencia secreta”, los dos en 2004. El documental “Darshan: el abrazo” 2005, “13,99 euros” 2007, “8 (ocho)” 2008, “Coco Chanel & Igor Stravinsky” 2009, el documental “Telegramas visuales” 2011, “El documental “Vape Wave” 2015,  el documental “Mère Océan” 2016 y este año llega a nuestro país de la mano de las plataformas digitales con, “Mi primo” 2020.

“Mi primo” es una de esas películas amables que se disfruta de principio a fin y aunque vestida de comedia, que lo es, no puede ocultar ese maravilloso poso de drama en el que refleja la cruda realidad en la que vivimos, de aquello que muchos han perdido aferrándose a un poder que les deshumaniza y a un estatus social en el cual importa más lo material, que las personas con las que se vive; olvidándose muchas veces de cómo eran o cuáles eran las raíces, para perderse en un laberinto engañoso, que promete felicidad y ocasiona, muchas veces, soledad, tristeza y estrés. 

Tradición, familia y valores; es el lema que escuchamos en un momento determinado. ¿Qué valor real le damos a estas palabras que encierran lo más vital del ser humano, de esos pilares fundamentales que nos mantienen en equilibrio, recordando quienes somos ante el espejo de quienes queremos fingir ser?. La obra cuenta con dos actores excepcionales, maravillosamente arropados por un importante elenco actoral. Vincent Lindon en su papel de Pierre, representa al empresario que ha logrado sacar de la ruina la empresa familiar y que su obsesión por el más todavía y la asfixia del trabajo, le ha llevado a descuidar lo más importante y François Damiens como Adrien, es la otra cara de la moneda, un amante de la naturaleza, que sabe escuchar las señales que esta le ofrece y que sueña con un mundo ideal, cuya nobleza desconcierta hasta el punto de ser considerado un loco; pero benditos los locos como él, que abren los ojos a los demás ante el amor, la familia, la amistad y las cosas sencillas de la vida, a las que debemos aferrarnos, pues forman parte de nuestra identidad. 

Jan Kounen dirige con sutileza y honestidad este filme sencillo y cargado de emociones, con un buen ritmo y un correctísimo guion que ha compartido con Vincet Lindon y Fabrice Roger-Lancan.  Una de las mejores escenas, para mí, el momento del avión. Divertida, con un montaje magnífico y una cuidadísima realización. Cuenta con una elegante fotografía en la mirada de Guillaume Schiffman y la banda sonora de Anne- Sophie Versnaeyen. Banda sonora que os incluyo al final de esta crítica y en donde quienes ya tenemos unos años, canturrearemos un tema tan inmortal como “Whatever you Want” de Status Quo. Espero que disfrutéis de esta exquisita comedia con toques dramáticos. 

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 10 de Febrero.

REPARTO: Vincent Lindon, François Damiens, Pascale Arbillot, Alix Poisson, Olivia Gotanègre y Lumina Wang.

PRODUCTORA: Eskwad// TF1 Films Production// Umedia/ uFund.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films. 

La banda sonora está compuesta por los temas: “Et si tu n´existais pas” de Salvatore Cutugno - Pasquale Losito, “Lost in space” de India Coenen y Dina Ladgham, “Whatever you Want” de Status Quo, “Lost in Space” (générique fin) de India Coenen y Dina Ladgham, “Dos amores” (Jair Sanchez) por Los Wembler´s de Iquitos, “Symphonie en ré maj. Nº53 “Impériale” de Joseph Haydn, “Casse´-noisette: Danse de la fée dragée” de Piotr Ilitch Tchaikowsky, “Linda Nina” de Frank Sark, “The Good life” interpretada por Par Tony Bennett, “Call of the wild” por Agoria&STS.

SOUL: CRÍTICA DE CINE

 

SOUL está dirigida por Pete Docter y Kemp Powers quienes comparten el guion con Mike Jones. “La melodía es una excusa para que aparezca tu yo y por eso yo, me convertí en músico de Jazz”

Joe Gardner es profesor de música en un colegio, pero su verdadero sueño es tocar en una orquesta de Jazz. El mismo día que le contratan a tiempo completo en dicho colegio, recibe la llamada de un ex alumno para formar parte del cuarteto de la famosa Dorothea Williams. Dorothea le contrata y lleno de felicidad corre, salta, habla por teléfono por las calles de Nueva York mientras inconsciente, sortea todo tipo de peligros hasta que desgraciadamente, cae en el agujero de una alcantarilla y muere, viéndose transportado al otro lado. Allí conocerá a 22 y se convertirá en su mentor.

Pete Docter y Kemp Powers.

El productor, guionista y director, Pete Docter, es una de las figuras clave de Pixar desde los inicios del estudio. Aprendió animación de forma autónoma creando folioscopios y cortos de animación con una cámara doméstica. Se inspiraba en los animadores Chuck Jones, Jack Davis y por supuesto Walt Disney. Estudió en la Universidad de Minnesota Filosofía y Arte durante un curso y posteriormente pasó al Instituto de las Artes de California, en donde ganó un premio de la Academia de Estudiantes por su producción “Next Door”, graduándose en 1990. Antes de entrar a trabajar en Pixar, realizó tres cortometrajes: “Winter” 1988, “Palm Springs” 1989 y “Next Door” 1990, para saltar al largometraje con “Monstruos, S.A.” 2001 de Pixar, junto a Lee Unkrich y David Silverman. Un filme que como todos sabemos, obtuvo un gran éxito. Continuó con “UP” 2009 junto a Bob Peterson (Oscar a mejor película de animación, entre otros premios),  “Del revés (Inside Out) 2015 junto a Ronaldo Del Carmen (Oscar a mejor película de animación, entre otros premios), “The 19th Annual Animation Show of Shows” 2017, junto a un nutrido grupo de directores y “Soul” 2020 con Kemp Powers. Atrás quedó también el corto “El coche nuevo de Mike” 2002 junto a Roger Gould y en este año 2021 la serie de televisión creada por él y dirigida junto a Kathleen Thorson Grood y Rob Gibbs “Monsters at Work”. También ha puesto la voz a diversos personajes de las películas de Pixar en su idioma original.

En cuanto a  Kemp Powers, comentaros que es codirector, guionista y dramaturgo de cine. Escribió el cortometraje “This Day Today” 2012 de Daniel “Cloud” Campos. Un año más tarde escribió  “Una noche en Miami” que se ha llevado al cine este pasado año por  Regina King. Durante el año 2017 escribió varios guiones para la serie “Start Trek: Discovery”, en 2018 junto a Pete Docter y Mike Jones, coescribió el guion de “Soul” con la que además ha debutado en la dirección y en el 2020, presentaría los primeros tres episodios del podcast “Soul Stories” lanzándose a la plataforma Spotify. Para finalizar comentaros que estudió en la universidad de Howard y que es el primer codirector afroamericano en Pixar.

Película a película hemos ido viendo la espectacular evolución de Pixar y con Soul, roza la excelencia entre dos mundos tan dispares como el terrenal y el espiritual. El terrenal con sus carreteras, coches,  puentes, comercios,  casas, calles y el fluido constante de transeúntes por las aceras en  plena hora punta. El ritmo con que dota a la acción y los propios personajes que parecen de carne y hueso, sin olvidar los sonidos de la ciudad; todo con el máximo detalle y por otro lado, el lugar al que van las almas; más relajado y etéreo, en el cual  nos encontramos con una paleta de color y unas tramas más suaves y lineales. Dos mundos por los que viajaremos junto a sus personajes.

Una obra que nos ofrece un mensaje claro, como ya es tradición. En esta ocasión el hacernos entender hasta qué punto no somos conscientes de todas las cosas importantes que nos perdemos por las prisas, soñando con conseguir nuevos objetivos, sin haber finalizado los que tenemos entre manos y no pararnos a mirar a nuestro alrededor, toda la vida que se abre a nuestro paso. Que debemos vivir la vida instante a instante, con cada soplo y cada latido que nos ofrece nuestro corazón y despejar nuestros sentidos para percibir, sentir y experimentar que no estamos solos, que hay muchos más corazones y mentes luchando por cumplir sus sueños, mientras se disfruta con lo que se tiene. En definitiva, vivir el presente sin pensar tanto en el futuro, pues tal vez el futuro…

Hay muchos instantes para no olvidar, pero yo me quedo con uno que nos hace pensar y reflexionar por igual. “Joe está como perdido en sus pensamientos y Dorothea le pregunta qué le sucede, tras recibir la contestación ella le comenta: Escucha esta historia, es sobre un pez. Se topa con un pez viejo y le dice: “Amigo, estoy buscando esa cosa a la que llaman Océano”. “¿El Océano? - Le responde el otro pez - estás en él”. “¿Esto?” - Le dice el pez más joven, sorprendido - “Esto es agua. Lo que quiero es el Océano””

Aunque sé que este filme ya lo habéis visto muchos y habéis disfrutado de la belleza de las imágenes, de la originalidad de las situaciones, de esa innata elegancia en los planos utilizados y de la música que siempre nos cautiva; me apetecía aportar mi granito de arena y comentaros lo que he sentido al verla. Lo único que me ha molestado, es el no haber podido disfrutarla en la gran pantalla, pues nuestros televisores o monitores, por muy buena calidad que ofrezcan, nunca podrán sustituir la magia de la gran pantalla. Espero que Disney y Pixar pronto vuelvan a sorprendernos con sus historias animadas, en los cines. 

Para todos los que aún no la hayáis visto, os invito a que lo hagáis.

Mi nota: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Diciembre

PRODUCTORA: Pixar Animation Studios// Walt Disney Pictures.

DISTRIBUIDORA: Disney+

CINE Y FESTIVALES 2021 (III)

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa de que “FOREIGNER” de CARLOS VIOLADÉ candidato a los Premios ÓSCAR® en la categoría de LIVE ACTION SHORT FILM.

“FOREIGNER”, el cortometraje dirigido por Carlos Violadé es uno de los candidatos este año para representar a España en los Premios de la Academia® de Hollywood en la categoría de Live Action Short Film.

Además de haber conseguido la nominación en los Premios Goya en la categoría de Mejor Cortometraje de Ficción el pasado año, y numerosos premios internacionales, entre ellos el premio a Mejor Cortometraje Internacional en el prestigioso Festival  de Cortos de Bogotá (Bogoshorts), tres premios en Cortogenia, galardonado también en el Festival de Sevilla, ZINEBI, Mecal 2019, Fescigu, en los Premios Fugaz, también consiguió el Premio Asecan a Mejor Cortometraje 2019 y pasó por el prestigioso Festival de Busan. 

El equipo de “FOREIGNER” está muy contento con la internacionalidad que da este gran paso hacia el Oscar®  del cortometraje, que está también consiguiendo que el drama de la migración en España salga de nuestras fronteras.

El cortometraje está protagonizado por Josh Taylor, acompañado de Brice Kameni y Luka Peros. Kameni, un migrante camerunés que se jugó la vida en varias ocasiones cruzando el Estrecho para llegar a Europa, volvió a subirse a una patera para contar esta historia, pese a no saber nadar. Las localizaciones incluyen zonas de la costa de Cádiz y Alicante.

 Sinopsis: Verano. Mark acaba de empezar sus vacaciones en España. Una comida entre amigos, una playa, un barco, el mar…Lo más hermoso va a convertirse en la experiencia más extrema de su vida.

 “FOREIGNER nace de la mezcla de varios ingredientes que conviven en las playas del Sur: vacaciones, barbacoas entre amigos, paisajes idílicos junto a la diversidad de extranjeros y turistas  atraídos por el buen tiempo y la cultura del Sur. Las aventuras que vive nuestro protagonista inglés en su primer día de vacaciones pretenden hacernos reflexionar acerca de lo que significa ser extranjero en un mundo globalizado, donde, paradójicamente, surgen cada vez más fronteras. La historia navega sin control entre lo hermoso y lo trágico que puede llegar a ser el mar y, sobre todo, el propio ser humano.” Carlos Violadé

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa de la nominación de MABEL LOZANO a los Premios GOYA con “BIOGRAFÍA DEL CADÁVER DE UNA MUJER”

Primero fue “Chicas Nuevas 24 Horas”, después “Tribus de la Inquisición” y ahora “Biografía del Cadáver de una Mujer”, nominado a Mejor Cortometraje Documental, nominación que corona una lista interminable de premios y reconocimientos a su lucha por mostrarnos un mundo tan insertado como escondido en nuestra sociedad.

Biografía del Cadáver de una Mujer cuenta la historia de Yamiled Giraldo una mujer superviviente de la trata con fines de explotación sexual y testigo protegida, acribillada a tiros en un pueblo de Pamplona en presencia de su hijo.

Los preparativos de la emboscada, fraguados desde la cárcel de Navarra, exigieron la complicidad de varios conspiradores y de 10.000 euros, dinero que salió de un conocido puticlub de Irún.

Biografía del cadáver de una mujer, indaga en las causas del asesinato, uno de los muchos ocurridos en circunstancias atroces, para que los nombres de estas mujeres no sean borrados de la historia.

Estrenado el pasado día 8 de Marzo del 2020, cuenta con más de 25 selecciones oficiales y 5 premios.

Biofilmografía de la directora

Mabel Lozano (Toledo, España, 28/12/1967). Dedicada al mundo del audiovisual desde 2005, funda la productora Mafalda Entertainment para llevar a cabo sus proyectos comprometidos con los Derechos Humanos y la mujer. Entre otros muchos trabajos, coproduce con New Atlantis el largometraje documental «Voces contra la trata» (2007), «Las sabias de la tribu» con TVE (2010) o «Chicas Nuevas 24 Horas», nominado al Goya 2016 a mejor documental y a los Premios Platino como mejor largometraje iberoamericano, además de múltiples campañas. En 2017 publica su primer libro, «El proxeneta», sobre los amos de la prostitución en España, que se convierte en un documental con el mismo título en 2018 («El proxeneta. Paso corto, mala leche»). «Biografía del cadáver de una mujer» (2020) es un paso más en la denuncia de la explotación humana y la desnudez de derechos de las mujeres y niñas víctimas de este delito. Acaba de publicar su nuevo libro PornoXplotación sobre el fenómeno de la pornografía.

Biografía del cadáver de una mujer es una producción de Mafalda Entertainment con la colaboración del Instituto de la Mujer de Castilla- la Mancha, Castilla- la Mancha Media, el Ayuntamiento de Santander y CattsCamera. Está distribuido por Distribution with Glasses

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “EL PADRE” de FLORIAN ZELLER está nominada a los GOYA y a los Premios CEC. La película ya ha sido vista por 100.000 espectadores en su primer mes en cartelera.

Protagonizada por Anthony Hopkins y Olivia Colman, la película ganadora del Premio del Público en el Festival de San Sebastián inicia su carrera de premios y la película y su protagonista suenan como firmes candidatos en las quinielas de los Oscar 

EL PADRE (“The Father”), ha sido nominada a los Goya en la categoría de Mejor Película Europea y a los Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos como Mejor Película Extranjera. Hasta el momento la película solo se ha estrenado en cines en nuestro país de la mano de A CONTRACORRIENTE FILMS y en breve lo hará en el resto del mundo. Sony Pictures Classics estrenará la película en Estados Unidos el próximo 26 de febrero con una gran campaña de Oscar para posicionarla como una de las grandes favoritas en varias categorías, entre ellas Mejor Película y Mejor Actor.

La película que lleva en España más de 100.000 espectadores en su primer mes en cartelera, también ha conseguido un extraordinario recibimiento por parte de la prensa. Al igual que en los festivales en los que ha participado, San Sebastián, donde ganó el Premio del Público, Sundance y Toronto, la crítica ha sido unánime elogiando las grandes interpretaciones de sus protagonistas, los oscarizados actores Anthony Hopkins y Olivia Colman y ensalzando el debut en la gran pantalla de su director Florian Zeller, novelista y dramaturgo que adapta al cine su propia obra teatral homónima.

Además de Anthony Hopkins y Olivia Colman, completan el reparto Imogen Poots, Rufus Sewell y Olivia Williams. Florian Zeller debuta como director en este primer largometraje coescrito junto a oscarizado Christopher Hampton.

Sinopsis: Un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar.

PRISMA IDEAS Y EVA CALLEJA nos informan que el documental “NUESTRA VIDA COMO NIÑOS REFUGIADOS EN EUROPA” de SILVIA VENEGAS es candidato a LOS PREMIOS ÓSCAR en la categoría de Best Documentary Short Subject. 

El valiente testimonio de niñas y niños que han buscado refugio en Europa.

Hace un año “Nuestra vida como niños refugiados en Europa” de la directora Silvia Venegas ganaba el Premio Goya al Mejor Cortometraje Documental en la gala que se celebró en Málaga.

Este año  “Nuestra vida como niños refugiados en Europa” es candidato a los Premios de la Academia® de Hollywood en la categoría de Best Documentary Short Subject.

Para Silvia Venegas “estar entre los candidatos es una oportunidad única para que más personas conozcan las historias de los menores que han buscado refugio en Europa. Sólo hay que escucharles para poder entenderles, y romper así estereotipos y prejuicios sobre ellos”.

En los últimos años, Europa ha vivido la mayor crisis de refugiados desde la Segunda Guerra Mundial. Durante este tiempo más de un millón de niñas y niños han buscado refugio en Europa, muchos de ellos completamente solos. Toda una generación que ha huido de la guerra y que ahora, en vez de ser niños, tienen que enfrentarse a la burocracia, la desconfianza, la espera, la frustración, la incomprensión y el miedo.  Este documental mira directamente a sus ojos y escucha sus opiniones, sus sentimientos, sus deseos, sus canciones. La película se filmó en Grecia, el principal país de entrada de refugiados, y Suecia, el país soñado por la mayoría de los menores.

“Nuestra vida como niños refugiados en Europa” se estrenó internacionalmente en el Tampere Film Festival (Finlandia), y ha participado entre otros en Documentary Edge Festival (Nueva Zelanda), Shorts México (México), Athens International Children´s Film Festival (Grecia), International Film Festival for Children and Young People (Suecia), Cameroon International Film Festival (Camerún), Davis Feminist Film Festival (EEUU), Women Make Waves International Film Festival (Taiwan) y el en Festival de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires (Argentina). En España ha participado entre otros en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, en la Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid, en la Semana de Cine de Medina del Campo y en el Festival Internacional de Cine de Lanzarote.

Silvia Venegas es directora y productora de cine documental. Es académica de la Academia de Cine Europeo y de la Academia de Cine de España. Sus producciones se han centrado en documentales de temáticas sociales como “Kafana(¡Basta ya!)”, “Boxing Freedrom”, “Arte por prescripción” y “Los hijos de Mama Waata”. El 2018, recibió el Premio Liberpress Cine por su compromiso con el cine y los derechos humanos.

“Nuestra vida como niños refugiados en Europa” es una producción de Making DOC con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte-ICAA, Comunidad de Madrid y Fundación SGAE. Además, formó parte del Catálogo Jara de la Junta de Extremadura.

Making DOC es una productora creada en 2010 por los directores Juan Antonio Moreno y Silvia Venegas. Desde entonces, nuestras producciones han participado en más de 500 festivales de todo el mundo y han recibido más de 100 premios entre los que destacan dos Premios Goya al Mejor Cortometraje Documental por “Walls” y “Nuestra vida como niños refugiados en Europa”, una nominación en la misma categoría con “Palabras de Caramelo” y otra candidatura con “Donde nos lleve el viento”. La Academia de Cine Europeo seleccionó “Boxing for Freedom” para los Premios de Cine Europeo a Mejor Documental.

ESTRENO EN FILMIN DE “PARAÍSO EN LLAMAS” Y NOMINACIÓN A LOS PREMIOS GOYA.

“Paraíso en Llamas”, el cortometraje documental dirigido por José Antonio Hergueta se estrenó el viernes 22 de enero en Filmin. Tras la nominación a los Premios Goya, José Antonio Hergueta comentó que se sentía honrado de recibir dicha nominación.

“Llevaba tiempo queriendo contar esta historia poco conocida incluso en Málaga, y hacerlo recuperando las voces de unos testigos extraordinarios que quedaron impactados, por lo que el formato de “falso documental” me pareció la forma idónea para contarlo. Es una gran satisfacción que esté nominado para unos Goya cuya gala se vuelve a celebrar en mi ciudad, y espero que contribuya a difundir y naturalizar los sucesos de aquel febrero de 1937”

Paraíso en Llamas está dramatizado por  Pedro Casablanc (Arthur Koestler) Ana del Arco (Gerda Grepp) y la colaboración de Denis Rafter como Sir Peter Chalmers-Mitchell, y tiene el sello GREEN SCREEN que es una experiencia pionera de producciones sostenibles que ha estrenado la Málaga Film Office y su Ayuntamiento a través de un programa europeo. El pasado mes de noviembre fue ganador del premio IMAGENERA que otorga la  Junta de Andalucía a producciones que traten sobre historia y patrimonio andaluces.

Sinopsis: En una Noruega invadida por el ejército alemán, Gerda Grepp recuerda su experiencia como foto-reportera en la Guerra Civil Española y, en particular, los días que pasó en Málaga antes de ser conquistada por el ejército franquista. Dos hombres marcaron aquellos días en una ciudad sitiada: el escritor y periodista Arthur Koestler y Sir Peter Chalmers-Mitchell, que los acoge en su villa mientras se desmorona el mundo que habían venido a testimoniar.

BTEAM PICTURES nos informa que “LAS NIÑAS” consigue 13 Nominaciones a Los Premios GAUDÍ.

“LAS NIÑAS” opta al premio de “Mejor Película en Lengua no catalana”, “Mejor Dirección”, “Mejor Guion”, “Mejor Protagonista Femenina”, “Mejor Direción de Producción”, “Mejor Dirección Artística”, “Mejor Montaje”, “Mejor Actriz Secundaria”, “Mejor Música Original”, “Mejor Fotografía”, “Mejor Maquillaje y Peluquería”, “Mejor Sonido” y “Mejor Vestuario”

“LAS NIÑAS”, ganadora  del Premio Forqué a “Mejor Película” y del Premio Dias de Cine a Mejor Película, tiene  9 nominaciones a los Premios Goya. La película está de nuevo en los cines desde el pasado viernes día 15 de enero. 

Tras la premiere mundial de la película en febrero 2020, en el pasado  Festival Internacional de Cine de Berlín, Berlinale, “LAS NIÑAS” ganaron la Biznaga de Oro, la Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía y el Premio Feroz Puerta Oscura en  Festival de Málaga que se celebró el mes de agosto. Con seis nominaciones a los Premios Feroz (entre ellas la de Mejor Película), “LAS NIÑAS” ganaron el Premio a la Mejor Ópera Prima, Película y Dirección en el Festival de Cine de Almería y en Cibra, el premio al Mejor Guion.

“LAS NIÑAS” se estrenó con éxito de público y crítica el pasado 4 de septiembre y ya ha sido vista por más de 100.000 espectadores.  Este pasado viernes ha vuelto a los cines. La ópera prima de Pilar Palomero cuenta la historia de muchas de las mujeres de hoy, dibujada a través de la educación que recibieron a principios de los 90 en España.

“LAS NIÑAS” es una producción de Inicia Films y Bteam Prods. Cuenta con la participación de Radio Televisión Española, Televisión de Catalunya, Televisión de Aragón, Movistar Plus y con el apoyo del ICAA y del ICEC. También cuenta con la participación del Programa Media y de Ibermedia, el Gobierno de Aragón y el Ayuntamiento de Zaragoza

SINOPSIS: Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia.  En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

PA´QUE NOS CONQUISTAN: MONÓLOGOS LATINOS.

 

PJ COMUNICACIÓN nos informa que “PA' QUE NOS CONQUISTAN” son los monólogos latinos que triunfan en Madrid desafiando a la pandemia.

El humor latinoamericano triunfa en la capital española gracias al espectáculo pionero “Pa´ que nos conquistan” que, a pesar de la pandemia, lleva desde el pasado septiembre llenando todos los domingos a las 19:00 horas el aforo de la sala San Mateo Circus (Calle de San Mateo, 6), demostrando que otro tipo de comedia es posible; una comedia más inclusiva que desafía estereotipos y puntos de vista tradicionales.

Nacido hace más de cinco años, el show “Pa´ que nos conquistan” tiene el honor de ser el primer espectáculo de comedia 'stand-up' latinoamericana hecho en España. Poco a poco se ha ido abriendo hueco en el competitivo panorama nacional, hasta finalmente convertirse en todo un referente en nuestro país, que resiste los duros envites del coronavirus, gracias al esfuerzo y la calidad interpretativa de los cómicos que forman parte del elenco.

Con una importante presencia femenina, en cada función participan humoristas hispanohablantes de distintas nacionalidades, por lo que el público puede disfrutar de varias clases de humor, donde se abordan temas desde políticos hasta mundanos y absurdos. “Durante su monólogo, cada artista dedica un tiempo a contextualizar, haciendo referencia a su país de origen y, después, muestra su visión de España como inmigrante”, explica la artista venezolana Dianela Padrón, creadora del espectáculo. De esta manera, el espectador conoce diferentes puntos de vista a través de los ojos de personas de diversas nacionalidades, al tiempo que el show hace hincapié en la pluralidad existente en la vasta Latinoamérica.

Padrón señala que “a menudo se piensa que todos los latinos son muy parecidos, cuando resulta que Latinoamérica es un territorio enorme, con grandes diferencias entre los muchos países que lo conforman”. En este sentido, a ella misma le gusta resaltar que, mientras vivía en Venezuela, “no sabía prácticamente nada de Chile, por ejemplo”, y empezó a conocer más cosas sobre ese país residiendo en España que cuando estaba en Latinoamérica.

Padrón cree que el éxito del show radica en que el público demanda “una comedia más integradora, que responda a la gran diversidad que existe actualmente en la sociedad española”. Por tanto, “Pa´ que nos conquistan” llena “un hueco que era necesario ocupar, dando voz a sectores de la población, como inmigrantes, mujeres u otros colectivos, que no suelen figurar en las principales carteleras de comedia”.

Detrás de este éxito también se encuentra la firma Monologamia, productora líder en España en comedia latinoamericana, que actualmente posee su propio show de humor en Amazon Prime Video -llamado “Monologamia REC” y que ya tiene tres entregas de más de sesenta minutos cada uno- y es responsable de haber traído a nuestro país a cómicos de la talla de Connie Ballarini (Argentina), Carlos Ballarta (México) o Natalia Valdebenito (Chile), que cuentan con sus propios programas en Netflix y con miles de seguidores en toda Hispanoamérica.

Además de Dianela Padrón, el reparto de “Pa´ que nos conquistan” en Madrid lo conforman los chilenos Javier Ubilla y Hugo Contreras, cómicos LGBTI; la dominicana y afrodescendiente Victoria Santos; la argentina Belén Caccia y la peruana Clara Seminara. Por su parte, el elenco en Barcelona cuenta con los cómicos Marco Morgante (México) y Alejandro Valdebenito (Chile), pero debido a la actual crisis sanitaria las funciones están suspendidas en la Ciudad Condal. Y asimismo, a modo de sorpresa, cada función cuenta siempre con un invitado especial de origen español.

El éxito ha llevado a “Pa´ que nos conquistan” a tener un álbum propio producido por la discográfica americana “Comedy Discos” y, a finales de enero, esperan tener lista una segunda entrega. Igualmente, Padrón va a grabar su propio álbum en solitario para la misma firma.

SOBRE MONOLOGAMIA PRODUCCIONES

La productora Monologamia está conducida por dos cómicos y un guionista de dilatada experiencia, como son Dianela Padrón, Fernando Moraño y Juan Pérez. Se trata de una empresa especializada en shows de comedia alternativa, que da voz a colectivos normalmente marginados por la comedia generalista, como la población latinoamericana o las mujeres.

Dianela Padrón es una cómica venezolana afincada en España. Arquitecta de carrera, comenzó a trabajar en comedia 'stand-up' y teatro cómico en 2014. Directora creativa de Monologamia, fue la fundadora del primer show de monólogos de humor latinoamericanos de España, “Pa´ que nos conquistan”.

También ha participado en sketches del programa “Late Motiv” de Andreu Buenafuente, fue colaboradora habitual de “El Despertador” en Fiesta FM en 2018 y ha ejercido como presentadora en las giras europeas de diversos monologuistas latinoamericanos con shows propios en NETFLIX, como Franco Escamilla, Mellera y Lauriente, Carlos Ballarta o Natalia Valdebenito.

CINE DE ESTRENO EN MOVISTAR+ (FEBRERO 2021)

Llegan a Movistar+ los últimos éxitos de taquilla del cine español como “Superagente Makey”, la comedia policíaca familiar protagonizada por Leo Harlem, o la comedia dramática “La lista de los deseos”, con María León, Victoria Abril y Silvia Alonso. Y también, estreno sorprendentes como lo último de Nicolas Cage, que protagoniza el thriller de ciencia ficción, “Color Out of Space”, o la comedia con toques musicales con Dakota Johnson, “Personal Assistant”, entre más títulos.

ESTRENOS DESTACADOS

“La lista de los deseos”. Desde el viernes 5

María León, Victoria Abril y Silvia Alonso protagonizan esta tierna comedia (no exenta de drama) llena de esperanza, buenos sentimientos, compañerismo, mujeres que toman la rienda de sus vidas... y cáncer de mama. Con forma de road movie, la película sigue a Eva y Carmen, dos mujeres con cáncer que, antes de saber si el tratamiento las ha curado, comparten su lista de deseos vitales y deciden llevarla a cabo junto a Mar, una amiga de Eva que se acaba de separar de su novio. Dirigida y escrita por Álvaro Díaz Lorenzo.

“Personal Assistant”. Desde el sábado 6

Música, drama, comedia y romance se unen en esta cinta ambientada en el mundo de la industria musical protagonizada por Dakota Johnson y Tracee Ellis Ross, a las que acompañan Ice Cube y Kelvin Harrison Jr.

“Wendy”. Desde el lunes 8

Una versión peculiar de la historia de Peter Pan con un grupo de niños perdidos en una isla. Este regreso a la dirección de Benh Zeitlin ocho años después de su nominación al Oscar por “Bestias del sur salvaje”, trata de nuevo temas relacionados con la infancia con una gran impronta estética.

“Becky”. Desde el viernes 12. Estreno directo

Implacable “thriller” de venganza, con un toque de humor negro, que se convirtió en la película más taquillera en Estados Unidos en las diezmadas carteleras de la pandemia Covid-19. Un fenómeno al que no es ajeno el hecho de encontrarse al popular cómico Kevin James, especializado en papeles de bobo adorable, en su primer personaje dramático, interpretando, además, a un asesino despiadado. Todo un canto al poder femenino coprotagonizado por Lulu Wilso.

“Superagente Makey”. Desde el viernes 19

Alfonso Sánchez, codirector, coguionista y coprotagonista de “El mundo es suyo” (2018) y “El mundo es nuestro” (2012), vuelve a buscar la risa del espectador en esta comedia policiaca familiar protagonizada por el cómico Leo Harlem, quien da vida a un peculiar agente de policía que termina inmerso en una peligrosa trama de narcotráfico. Todo un homenaje a películas de acción de la década de 1980.

“Madre oscura”. Desde el sábado 20

Una constante tensión sobrenatural, abundantes sustos, algo de terror y un poco de humor negro son los principales ingredientes de este oscuro cuento de hadas con maligna bruja milenaria que fue todo un éxito de público en los cines estadounidenses durante la pandemia, liderando la taquilla durante cinco semanas consecutivas.

“Color Out of Space”. Desde el viernes 26

El cada día más sorprendente e inclasificable intérprete Nicholas Cage protagoniza esta adaptación de uno de los relatos más icónicos de H. P. Lovecraft. Producida por SpectreVisión -la compañía cofundada por el actor Elijah Wood que está revolucionando el género fantástico con filmes originales y arriesgados como “Mandy” o “Daniel no es real”-, “Color Out of Space” une ciencia ficción y “thriller” de terror en una película que cuenta con los excelentes efectos especiales del estudio español User T38 para crear una delirante y opresiva atmósfera.

TEATRO TYL TYL (PROGRAMACIÓN FEBRERO 2021)

 

MADAVENUE PR COMMUNICATIÓNS informa que la SALA TYL TYL, presenta su programación de Febrero: “UN DÍA EN EL TEATRO”, “JUEGO DE SILLAS” Y “PULGARCITO”

La Sala Tyl Tyl es el único centro para la infancia de la comunidad de Madrid y cumplió en el pasado mes de diciembre, 25 años.

Bajo el lema, “El arte es una de las bases de la educación para la mejora de la salud integral de la infancia”, TYL TYL presenta tres espectáculos este mes, dos de compañías invitadas especializadas también en la infancia y uno propio.

UN DIA EN EL TEATRO, SESIÓN DOBLE

PRÓXIMO DOMINGO 7 DE FEBRERO: 12.30h a 13.30h y de 18.00h a 19.00h. (Compañía Arbolé- Zaragoza). Público familiar

Este espectáculo está pensado para que sea la primera experiencia teatral. El espectáculo acerca a los más pequeños a los diferentes lenguajes teatrales: el mimo, la danza, el clown, los títeres, el circo, la música, de una manera sencilla que engloba en una gran historia contada.

JUEGO DE SILLAS, SESIÓN DOBLE

DOMINGO 14 DE FEBRERO: 12.30h a 13.30h y de 18.00h a 19.00h. (Compañía Cal Teatre- Cataluña). Público familiar

Este espectáculo trata sobre la relación entre las personas y las sillas y cómo el lugar que ocupamos condiciona  nuestro punto de vista: todo depende de la silla desde la que se mire. 

Una familia se sienta a la mesa. Cada uno ocupa su silla y su lugar, como ha sido siempre. Y nadie se pregunta quién le asignó ese sitio ni por qué, como ocurre con las cosas que simplemente son “así”. Pero ¿qué pasaría si un día alguien se sienta en un lugar diferente al que le toca?

PULGARCITO

DOMINGO, 21 DE FEBRERO: 12.30h a 13.30h. (Compañía TYL TYL). Público familiar.

Adaptación fiel del famoso cuento de los Hermanos Grimm, con una puesta en escena de una forma dinámica y divertida encarnada por tres actores. Canciones en vivo, manipulación de objetos y juego con los tamaños desarrollan de manera ágil la línea de trabajo identificada con la Compañía Tyl Tyl.

El conjunto de la adaptación refleja el sentimiento de ser poca cosa tan frecuente en la etapa infantil. Al finalizar el espectáculo cada espectador recibe un obsequio representativo de Pulgarcito

ESPECIAL FLIXOLÉ: EL MEJOR CINE ESPAÑOL LGBTIQ+

 

FLIXOLÉ invita a que disfrutemos del mejor cine español LGBTIQ+

Desde sus orígenes, FlixOlé tiene un compromiso con el cine español, sin duda el mejor representante de nuestra sociedad, de su desarrollo histórico, de sus características identitarias y de su fuerza simbólica. También considera que el séptimo arte es un motor de conciencia y de cambio social, por eso quiere apoyar, a través de las películas, la consolidación de los movimientos y corrientes de igualdad que se están dando en nuestros días.

Por eso nos presenta la colección VISIBILIZACIÓN, INCLUSIÓN Y DIVERSIDAD: EL CINE LGBTIQ+, cuestión que el cine español ha retratado y revindicado en distintas épocas, desde distintos modelos y formas.

Este movimiento comenzó en los setenta, coincidiendo con la Transición a la democracia, cuando una serie de directores decidieron abordar un tema hasta entonces espinoso. De esta tendencia salieron unos cuantos clásicos contemporáneos, como MI QUERIDA SEÑORITA (Jaime de Armiñán, 1972), con una soberbia interpretación de José Luis López Vázquez o los largometrajes de Eloy de la Iglesia, especialmente LA SEMANA DEL ASESINO (1972) primera película que representó una relación homosexual en el cine español o EL DIPUTADO (1978) sobre la hipocresía de los grupos políticos respecto a la vivencia homosexual. En esta línea de clásicos, también ofrece largometrajes como A UN DIOS DESCONOCIDO (Jaime Chávarri, 1977), maravilloso homenaje a la figura de Federico García Lorca; LA MUERTE DE MIKEL (Imanol Uribe, 1983), una película sobre la manipulación de la sexualidad por parte de algunos políticos; VESTIDA DE AZUL (Antonio Giménez Rico, 1983), un documental pionero en la visibilización trans o del movimiento trans o PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980), la ópera prima, gamberra y desinhibida de Pedro Almodóvar.

Junto a este conjunto de filmes, también se podrán revisar algunos títulos más contemporáneos, también clásicos que contribuyeron a la normalización, como LAS COSAS DEL QUERER (Jaime Chávarri, 1989), homenaje al pionero Miguel de Molina o SEGUNDA PIEL (Gerardo Vera, 1999), con un magnífico duelo interpretativo entre Jordi Mollá y Javier Bardem. De este último presentamos la película que supuso su primera nominación al Óscar, ANTES QUE ANOCHEZCA (Julian Schnabel, 2000), una biografía del escritor cubano Reinaldo Arenas.

De esa misma década, destacan las comedias KRÁMPACK (2000), que supuso la revelación de Cesc Gay; las películas de David Menkes y Alfonso Albacete, SOBREVIVIRÉ (1999) y I LOVE YOU BABY (2001), o las alocadas películas, al más puro estilo almodovariano PERDONA BONITA PERO LUCAS ME QUERIA A MI (Félix Sabroso, Dunia Ayaso, 1997) y ALMEJAS Y MEJILLONES (Marcos Carnevale, 2000), llenas de confusiones y situaciones divertidísimas. Junto a ellas, dos películas que abrieron la visibilización LGBTIQ+ a otros géneros, como CLANDESTINOS (Antonio Hens, 2008), otra gran muestra de cine político o la experimental y narrativamente audaz HABITACIÓN EN ROMA (Julio Medem, 2010).

Por último, dentro de esta colección también se incluyen películas actuales, que muestran que queda todavía mucho camino por andar, como el documental LA MARGOT (Enrique Belloch, 2017); LAS HERIDAS DEL VIENTO (Juan Carlos Rubio, 2017) o AL ÓLEO (Pablo Lavado, 2019).

Todos estos títulos, como siempre, se ofrecen en extraordinarias copias remasterizadas en HD, con una altísima calidad de imagen y sonido.

FlixOlé está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Amazon Fire TV, Orange TV, ZapiTV o a través del ordenador, además la película se puede descargar para verla sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil. 

EL CHICO: CRÍTICA DE CINE

 

EL CHICO, está escrita y dirigida por Charles Chaplin. ¡Feliz centenario!

Una joven (Edna Purviance) tiene un bebé no deseado y decide dejarlo dentro de un coche a las puertas de una gran mansión, pero por diversas circunstancias el bebé termina en un callejón entre cubos de basura. Un Cristalero (Charles Chaplin) que está realizando su paseo diario, escucha los llantos del niño y tras recogerlo, decide adoptarlo.

Han pasado 5 años y el pequeño John (Jackie Coogan), como le llama el cristalero, ayuda a su padre adoptivo rompiendo los cristales de las ventanas del vecindario con piedras, para que él pueda ponerle otros nuevos y así ganarse un dinero para comer. Por otro lado, la madre del chico se ha convertido en una famosa cantante y cuando tiene tiempo,  se interna en los suburbios repartiendo juguetes a los niños y dinero a los más necesitados. Uno de esos días, conocerá a John.

Muchas cosas han pasado desde aquel  6 de Febrero de 1921 cuando Charles Chaplin estrenaba su primer largometraje, “The Kid” (El Chico) en los cines, con su famoso personaje de Charlot. En el año 2011, la película fue considerada por la Biblioteca de Congreso de Estados Unidos “Cultural, histórica y estéticamente significativa” y seleccionada para su conservación en el National Film Registry. Ahora, tras un largo proceso de remasterización en 4k, se podrá disfrutar desde el 5 de febrero en salas. Os aseguro que merece la pena.  

Charles Chaplin fue actor, humorista, compositor, productor, guionista, escritor, editor y director. Uno de esos genios que se atrevía con todo y todo lo hacía bien, en tiempos en que el séptimo arte, se abría camino pasito a pasito, sorprendiendo a los espectadores, ávidos de nuevas experiencias. El personaje que le dio fama mundial sería Charlot, considerado hoy en día como un símbolo, un icono del humor y del cine mudo. Comentaros que Charlot, pues es el personaje de este filme, vio la luz en 1914 con la película “Ganándose el pan” y ese mismo año y aunque parezca casi imposible, rodó treinta y cinco cortometrajes destacando: “Charlot en el baile” o “Charlot y el fuego”. Debido a su impresionante filmografía, mencionaré los largometrajes más importantes: “El chico” 1921, “Una mujer de París” 1923, “La quimera del oro” 1925, “Luces de la ciudad” 1931, “Tiempos modernos” 1936, “El gran dictador” 1940, “Candilejas” 1952, “Un rey en Nueva York” 1957 o “La condesa de Hong Kong” 1967. Charles Chaplin obtuvo diversos reconocimientos entre los que destacan el Óscar Honorífico en 1928 y 1972. Candidato al Premio Nobel de la Paz en 1948. Posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood desde 1970 y fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico en 1975.

Sin la menor duda, la gran estrella de este primer largometraje de Chaplin es el jovencísimo Jackie Coogan encarnando a John, en una interpretación que no solo logra que el corazón se contraiga sino que las propias conciencias se convulsionen, con un tema tan importante y doloroso como la pobreza y la infancia, que desgraciadamente sigue persiguiendo y golpeando a la humanidad a lo largo y ancho del planeta. Chaplin, como comentó, se inspiró tanto en su hijo fallecido  que había nacido prematuro como en su propia infancia y es evidente que todas esas emociones y sentimientos que guardaba en su interior, afloran de forma muy acertada en este filme. Los planos  en los que mira directamente a la cámara, los instantes en que juega con el bebé y la relación que mantiene con el jovencito Coogan, entre otras muchas, te rompen en dos. Han pasado 100 años, todo un siglo en el séptimo arte y hoy en día su visionado resulta divertido y dramático a la vez y es muy raro, que al espectador no se le humedezcan los ojos.

Una obra cautivadora y muy bien narrada, que contiene momentos muy  originales para la época y que hoy en día nos sigue conquistando, esbozando sonrisas, más de una carcajada y mucha nostalgia, con algunos efectos visuales que aunque nos puedan parecer elementales, debemos reparar que está rodada en 1921. Es por ello que la magia estribe, precisamente, en esa elegante sencillez que posee el filme, que aunque a lo largo de nuestras vidas hayamos visto todo tipo de dramas, comedias y ante nuestros ojos, desfilado los más sofisticados efectos visuales, una obra como “El chico”  nos siga manteniendo con la mirada pegada a la pantalla. A mi juicio los momentos más divertidos están en la primera parte de la película. La escena más conmovedora la situaría cuando al pequeño John se lo quieren llevar al orfanato y la que me resulto un poco fuera de contexto, el sueño que tiene el cristalero Charlot. Un filme mudo, pues no se había inventado el sonoro, pero no echamos en falta escucharles, pues cada gesto declama cuanto precisamos comprender. Para terminar no me quiero olvidar de la magnífica banda sonora que también compuso Charles Chaplin y que ha sido restaurada para esta celebración.

Mi nota es: 8,5

REESTRENO en ESPAÑA: 5 de Febrero

REPARTO: Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman y Lita Grey.

PRODUCTORA: Charles Chaplin// First National Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA 2021: A Contracorriente Films.