AMAZING GRACE: CRÍTICA DE CINE

El documental, Amazing Grace está dirigido por Alan Elliott y Sydney Pollack.

La gran Aretha Franklin entre el 12 y el 13 de noviembre de 1972 en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watts, en la ciudad de los Ángeles, grabó un concierto de góspel. El álbum, titulado “Amazing Grace” se convirtió en un gran éxito de ventas, pero lo que nos incumbe, desde el punto de vista cinematográfico, es que fue filmado por el gran director Sydney Pollack.  El material, por problemas de montaje, fue archivado y rescatado por Alan Elliott, quien ha cumplido con el deseo de Pollack de que un día, el filme, viera la luz.

Alan Elliott y Sydney Pollack. Comenzaré por el productor musical, Alan Elliott. Se graduó en la Universidad de Northwestern en 1986, estudió composición y orquestación con Jack Smalley, además de trabajar y estudiar con grandes artistas. Poco después de graduarse, firmaría con el presidente de la Warner Bros Records, Lenny Waronker, un contrato de grabación; dos años más tarde se convertiría en el primer escritor musical contratado por Steven Bochco, para la serie musical de televisión “Cop Rock” 1990, continuó con nuevos contratos y proyectos, entre ellos trabajando en la división de Artistas y Repertorio de Warner Brothers Records, siendo el enlace para grandes estrellas como: George Clinton, Paul Simon, o Prince, entre otros. Saltamos al año 1995, año en el que compuso, arregló y orquestó partituras para programas de televisión, como “La cruda realidad, 1995, o componer los temas iniciales y de cierre de los Grammy en 1997 y 98. En el año 2000 produjo el espectáculo del comediante Bandon Browlin “Return from the Underground”. Su carrera ha continuado, hasta alcanzar una gran popularidad. Ahora recupera un viejo proyecto de Sydney Pollack, embarcándose en este espectacular documental, sobre una de las voces más grandes de la historia: Aretha Franklin.

  Para no alargar mucho este espacio y creyendo que la gran mayoría es conocedor de la obra del gran maestro, Sydney Pollack, que desgraciadamente nos abandonó el 26 de mayo de 2008, tras  una brillante carrera como productor, actor y director de cine, solo haré referencia a algunas de sus grandes obras, pues sobre su vida, existe mucha información. Nos dejó película como: “El nadador” 1968, “Danzad, danzad, malditos” 1969,  “Ausencia de malicia” 1981, la inolvidable “Tootsie” 1982,  “Memorias de África”  1985, “La tapadera” 1993 o “La intérprete” 2005 y dirigió a estrellas como: Dustin Hoffman, Jane Fonda, Meryl Streep, Nicole Kidman, Paul Newman, Robert Redford, Sally Field, Sean Penn o Tom Cruise.

Más de cuatro décadas, casi 47 años,  han tenido que pasar para poder disfrutar en la gran pantalla de este espectacular concierto, cuyo montaje resultaba imposible debido a que en su día, no se usaron claquetas y fue imposible, en aquel tiempo, sincronizar las imágenes con el sonido. Pero un hombre, dispuesto a que aquel suceso histórico en la música, viera la luz, decidió ponerse al frente del proyecto, cuando Sydney le cedió el trabajo en 2008, antes de morir de cáncer. Él ha sido, Alan Elliott, el gran productor musical.

La belleza del documental estriba en que Elliott no ha querido ocultar los problemas en la filmación. Durante los 87 minutos que dura el filme, veremos imágenes fuera de foco, los lugares donde las cámaras estaban situadas y las órdenes que iba dando Pollack al equipo, los problemas con  los cables de sonido, los instantes grabando planos sin ningún interés e incluso el ver cómo pasa gente frente a la cámara durante el concierto, todo para no perder lo más importante, el sonido, las canciones y la interpretación de una de las más grandes de la música y a la vez, esos “fallos” ofrecer la cercanía e intimidad que el concierto suponía. Como bien se le escucha al reverendo James Cleveland, antes de cada uno de los concierto, dirigiéndose a la gente que estaba presente, que no olvidaran que ante todo, era un acto religioso y es que lo que evidencia todo el filme, es el homenaje que Aretha Franklin rinde a las canciones con las que se crio, a la educación religiosa de su padre el reverendo C.L. Fanklin, quien asiste al concierto y le dedica unas palabras a su hija, celebrando en la mujer y artista que se ha convertido.

Una obra con gratas sorpresas, partiendo de la banda que acompaña a Aretha durante su concierto, liderada por el guitarrista Cornell Dupree y el batería Bernad Purdie, la agrupación góspel “The Southern California Community Choir”  dirigida por el cantante, pianista y reverendo James Cleveland o ver entre los invitados a personalidades como: Chuck Rainey, Alexander Hamilton, Charlie Watts y Mick Jagger (miembros de The Rolling Stones) o Clara Ward.

Finalizo mencionando algunos de los temas que se pueden escuchar como: “You´ve got a friend”, “Precious Lord, take my hand”, “How I got over”, “Wholy holy”, “Amazing grace”, “You´ll never walk alone”, “Precious memories” o “Never grow old”

Como documento histórico dentro de la música, no tiene parangón, es una joya, con sus imperfecciones, que la convierten en perfecta. Un filme muy recomendable para los amantes de la música.

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Octubre

REPARTO: (DOCUMENTAL) Aretha Franklin, Reverand James Cleveland, C.L. Franklin, Alexander Hamilton, Bernard Purdie, Chuck Rainey, Clara Ward, Mick Jagger, Sydney Pollack, Charlie Watts.

PRODUCTORA: Sundial Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

UNTOUCHABLE: CRÍTICA DE CINE

El documental sobre el escándalo Harvey Weinstein, Untouchable, está dirigido por, Ursula Macfarlane.

 

Harvey Weinstein fue un gran hombre de negocios, muy inteligente y un ser repulsivo. Estaba considerado como el titán de Hollywood, creador, junto a su hermano Bob Weinstein, de las productoras de cine independiente Miramax y The Weinstein Company. La primera de ellas, Miramax, se convirtió en la más importante productora de cine independiente norteamericana, ante la visión que Harvey demostró tener sobre la industria.

Ursula MacFarlane, es una afamada directora de documentales y productora ejecutiva. Una mujer apasionada por el séptimo arte que despertó en ella el espíritu de colaboración y creatividad. Su opinión sobre el documental es que está en constantes cambios y ella desea explorar todos los campos posibles, para llevar a la gran pantalla, obras que sorprendan al espectador, desde la tragedia, la comedia o ambas, siempre desde su visión personal y psicológica, para hacer reflexionar al espectador. Comenzó su carrera en 1997 con la miniserie “A-Z Horror” pasando por la miniserie de tres capítulos titulada “The Genius of Mozart” 2004 junto a Andy King-Dabbs y James Kent, continuó con otro gran compositor de la música “El Genius of Beethoven” 2005 junto a Francesca Kemp y Damon Thomas en otra miniserie de 3 capítulos, en 2013 realizó el documental “Nots from the inside with James Rhodes”   sobre uno de los proyectos de James Rhoder en uno de los hospitales psiquiátricos más grandes del Reino Unido, “Cautivos” 2016 con sus compañeros David Sington, David Belton, Sam Blair, Nick Green, Zara Hayes y Nadav Schirman Jesse Vile o “West Side Stories: The Making of a Classic” 2016, entre otros, hasta llegar a “Untouchable” un desgarrador documento sobre este despreciable genio de la industria del cine.

Ursula MacFarlane, ha sabido captar la esencia del drama que rodea a esta historia y trasladarlo a la gran pantalla. Un filme basado en hechos reales, sobre uno de los personajes más… abominables, sería otra de las palabras para definirlo. La cara y la cruz de Harvey. La cara de un ser con una gran mente,  uno de los más grandes en la industria cinematográfica en la cual su productora, Miramax, se convirtió en la primera productora independiente de los Estados Unidos, produciendo películas como: “Sexo, mentiras y cintas de vídeo” de Steven Soderbergh, en 1989, “Pulp Fiction”  1994 de Quentin Tarantino, “El paciente inglés” 1996 de Anthony Minghella, “Shakespeare in Love” 1998 de John Madden o “Mi semana con Marilyn” 2011 de Simon Curtis. El éxito de la productora fue tal, que hasta la compañía Disney en 1993, ofreció a los dos hermanos 80 millones de dólares por la compañía, lo que reforzó el poder de los Weinstein en Hollywood. En una ocasión, en esa arrogancia que caracterizaba a Harvey, un miembro de la prensa logró grabar la frase más importante  e impactante, dicha por el magnate: “Estoy contento de ser el puto sheriff de este pueblo”. Pero aquel puto sheriff, como él mismo se definió, en un abrir y cerrar de ojos, vería como se daba vuelta la moneda, mostrando su cruz. Sería en octubre de 2017, cuando “The New York Time” y la revista “The New Yorker” sacaban a la luz los primeros casos de escándalos sexuales en los que estaba involucrado.

Un documental con una gran fuerza visual, al que Ursula ha acompañado de entrevistas de algunas de las actrices que denunciaron a Harvey Weinstein, entre ellas: Rosanna Arquette, Hope D`Amore, Paz de la Huerta y Erika Rosenbaum, además de la participación de directores, managers y  periodistas, entre los que se encontraba, Ronan Farrow, quien comentó que todo el mundo pensaba que las querellantes estaban locas, lo que originó que aquel gran imperio en el que vivían los dos hermanos, durase demasiado tiempo sin caer, ninguna condena sobre él. El poder lo puede manchar todo.  

Un testimonio impactante, demoledor y sobrecogedor, que llega ahora a nuestras pantallas, con una fantástica fotografía de Patrick Smith, Neil Harvey y Amza Moglan y la banda sora de Anne Nikitin.

Un documental muy recomendable por todo lo que presenta y la sensibilidad con que está realizado.

ESTRENO en ESPAÑA: 6 de Septiembre

REPARTO: Harvey Weinstein, Rosanna Arquette, Hope D`Amore, Paz de la Huerta, Erika Rosenbaum, Ronan Farrow entre otros (Documental)

PRODUCTORA: Media Finance Capital.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine

LA MIRADA DE ORSON WELLS: CRÍTICA DE CINE

La mirada de Orson Welles, es el imprescindible documental sobre una de las faceta menos conocidas de uno de los grandes maestros del séptimo arte, con guion y dirección de Mark Cousins.

El polifacético,Mark Cousins, es presentador, director, crítico de cine, historiador y  productor. Ha entrevistado a famosos como: Martin Scorsese, Roman Polanski o David Lynch. Su primer trabajo fue con el cortometraje documental “First Impressions” 2008, al que siguió, junto a otros realizadores, “The New Ten Commandments”. En 2009 rodó  “The First Movie” en una aldea iraquí, donde entregó varias cámaras a niños para que grabasen lo que ellos desearan. Ese mismo año y junto a la actriz y directora Tilda Swinton, crearon un proyecto: Montaron una sala de cine portátil, con un peso de más de 33,5 toneladas que trasportaban en un camión por las Tierras Altas de Escocia. De aquella experiencia nació el documental “Cinema is Everywhere” que dirigió Teal Greyhavens en 2011. Saltamos un par de años y nos encontramos con “Here Be Dragons” 2013, viajando a Albania para investigar sobre el cine de Chris Marker y descubriendo el mal estado del archivo cinematográfico del país. En 2015 rodó el documental sobre la historia nuclear titulado “Atomic: Living in Dread and Promise” y entre otros muchos trabajos, llegamos al documental “La mirada de Orson Welles” Sirva esta modesta presentación de este extraordinario documentalista, para comprender un poco más su obra.

Mark homenajea al gran cineasta a través de un guion/carta con el máximo respeto, idealismo y sensibilidad. La idea nace cuando en una de sus investigaciones se encontró, en un almacén de Nueva York, una caja que contenía dibujos, pinturas y bocetos del artista, muchos de los cuales, no habían visto la luz. A través de dichos dibujos y pinturas, producto de toda una vida, Mark intentan esclarecer aquello que aun no sabemos de Wells. Cuadernos que reflejan: su vida, sus obras, sus viajes, las personas que conoció y los lugares que le fascinaron, así como su posición  personal en cuanto a la política, la sociedad y lo que le rodeaba. En definitiva, sus inquietudes como artista y persona.  Una especie de diario en imágenes, que Mark ha estudiado con detenimiento y devoción.
 

Muchos de esos dibujos llegaron a cobrar vida a través de los fotogramas que componían sus películas, como la extraordinaria “Macbeth” que dirigió, adaptó al cine e interpretó en 1948 o “El Proceso” adaptación de la obra de Franz Kafka en 1962. Cualquier material, del que disponía en ese momento, le servía para plasmar sus ideas pictóricas, desde lienzos, folios o incluso los márgenes de una página, en los cuales ya había escrito. Un documento a través de más de mil ilustraciones, algunas dibujadas al detalle y otras esbozadas en sencillas líneas, quizás para no olvidar un momento o recordar otros.  Un documental, que si bien sorprende al espectador sobre esta faceta de Orson, Cousins aprovecha  para intentar descubrir aquello que aún no se sabe sobre la personalidad tan compleja, la vida íntima y la mente tan lúcida que presentaba el cineasta. Un autor que dejó a los amantes del séptimo arte boquiabiertos con su ópera prima. Una obra que todavía hoy en día sirve de estudio para quienes se quieren dedicar a la profesión. “Ciudadano Kane” en 1941. Un actor de carácter de teatro y cine, dando vida a personajes shakesperianos. Un hombre de radio que revoluciono con la representación radiofónica, junto a miembros de su compañía, de “La Guerra de los mundos” provocando el terror en Nueva Jersey, donde se desarrollaba la acción ficticia y un director, cuya filmografía, habla por sí misma y lo seguirá haciendo, mientras el cine siga existiendo.

“Todavía podemos seguir viendo a través de tus ojos”

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Julio

REPARTO (Documental) Mark Cousins y Orson Welles.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

APOLO 11: CRÍTICA DE CINE

Con motivo del 50 aniversario de la llegada del hombre a la Luna y por un tiempo limitado, se estrenará en las salas de cine, este magnífico documental, Apolo 11, dirigido por Todd Miller.

Voy a valorar dicho filme desde dos puntos de vista, el primero, el que interesa a casi todo el mundo, el lado puramente cinematográfico. Espectacular recreación de las imágenes reales, intercalando fotografías del acontecimiento. Todo ello tratado con los medios más avanzados, para ofrecer la máxima calidad en la gran pantalla. Un acontecimiento que marcó toda una Era. Un documental sobresaliente, así como la gran idea de que dicha historia no tenga un narrador propio, como es lo habitual, sino que serán los archivos de audio que conserva la NASA, los que  nos irán acompañando.

 

Una hazaña que tuvo lugar el 16 de Julio de 1969, desde el complejo de la NASA en Cabo Kennedy, Florida. Despegando a las 9:32 hora local e impulsado por el cohete Saturno V. A bordo iban tres hombres: El comandante Neil Armstrong de 38 años, El piloto del LEM (módulo lunar) Edwin E. Aldrin Jr de 39 años y Michael Collins, piloto del módulo de mando, que contaba con 38 años. Tras 8 días en el espacio, los tres llegaron sanos y salvos el 24 de Julio, cuando la nave cayó en el Océano Pacífico, el lugar exacto, para dicho amerizaje.

Es curioso, que aun sabiendo lo que va a suceder, porque forma parte de la historia, logra mantener al espectador en tensión y expectante con cada imagen que nos ofrecen, muchas de ellas inéditas hasta la fecha. Todo ello gracias a la gran labor del más que extraordinario montaje.

Un filme muy recomendable  para soñadores, románticos y sobre todo amantes de la Era espacial, pues hay imágenes, audios y documentos, verdaderamente impactantes e interesantes, se crea o no, que el hombre llegó a pisar la Luna en ese viaje.

Y aquí llegamos al punto polémico de dicho viaje. Hoy en día todavía son muchas las personas que no creen que en ese año 1969, el hombre pudo pisar la Luna, entre ellos el 20% de los norteamericanos. Hay incluso películas que se han inspirado en dichas teorías, como es el caso de “Capricornio Uno” de Peter Hyams (1978) y el famoso programa que la Fox Televisión emitió en febrero de 2001, con el título de “Teoría de la conspiración: ¿Aterrizamos en la Luna?”, a quienes se unieron  Bill Kaysing, analista e ingeniero de Rocketdyne, la empresa que proyectó los cohetes del Apolo. Él afirmo que "La posibilidad de llegar a la luna y regresar intactos era de un 0,0017%, es decir, virtualmente imposible". Bill mantenía la teoría que ya muchos conocen, que el lanzamiento en efecto tuvo lugar propulsado por el cohete Saturno V, que los astronautas permanecieron 8 días  en la órbita terrestre, mientras en el conocido Área 51, tuvieron lugar todas las grabaciones del alunizaje, una vez terminado dicho montaje, regresaron a la Tierra, tal y como pudimos ver. Pero Bill no es el único que se suma a este supuesto engaño, ya que Jan Lundberg, el diseñador de la cámara fotográfica que llevaban los astronautas, ante las imágenes que la NASA ofreció, comentó “Las cámaras no disponían de visor y los astronautas grababan moviendo el cuerpo, ya que no podían bajar la cabeza porque se caerían”

 

Creía justo comentaros todo esto y como siempre, seremos nosotros, de forma individual,  los que tomamos partido en el tema y decir: sí o no.  Es cierto que en dicho documental, intentan justificar todas estas críticas y muchas más, sobre la misión, como por ejemplo que la bandera ondeara una vez clavada en la Luna, la justificación, que además en imágenes veremos más de una vez, resulta muy torpe.

Sabéis que soy un auténtico romántico y soñador y por tanto, pisara o no el hombre la Luna, recuerdo aquel año 69, siendo un niño, cuando la televisión era en Blanco y Negro y donde aún no se tenía en todas las casas, el revuelo de vecinos, familiares y amigos, alrededor de una de aquellas televisiones, viendo las imágenes de como dos hombres, primero Neil Armstrong y luego Edwin W. Aldrin Jr, pisaban ese satélite que cada noche vemos desde la Tierra. Un satélite que  ha suscitado a escritores, poetas y románticos a soñar, por lo tanto, sigamos soñando.

Recordad que el tiempo que estará este documental, de momento en salas, es muy reducido: Del 16 al 20 de Julio.  

“It´s one small step for man, one giant leap for mankind”

“Un pequeño paso para el hombre, un gran salto para la humanidad”

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de julio

PRODUCTORA: CNN Films// Statement Pictures

 

DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

MARIO Y LOS PERROS: CRÍTICA DE CINE

El documental, Mario y los Perros, está dirigida por Chema de la Peña, con guion compartido con Óscar de Julián.

Mario y los Perros es el magnífico documental que nos narra la historia de Mario Vargas Llosa, desde los 10 años hasta la publicación de su primera novela. “La ciudad y los Perros” en 1963.

Una narración que seguiremos a través de la voz sosegada y aterciopelada de Nacho Marraco, con  una acertada fotografía, del propio director,  en blanco y negro,  para no contrastar con las imágenes de archivo, algunas tratadas digitalmente y otras como se conservan en la actualidad.

Un espléndido documento audiovisual, en el cual conoceremos el porqué de una de las obras más emblemáticas del autor, pues en ella descarga todos sus miedos, traumas y frustraciones, desde que siendo muy niño, con tan solo 10 años, sufría la crueldad de su padre, hasta el punto, como el propio autor nos narra, de meterse en la cama antes de tiempo e incluso vestido, para no verle y tener que soportar la tensión que provocaba en el hogar. Su paso por el colegido militar Leoncio Prado a los 13 años, por mandato de su progenitor, una estancia de dos años, que le marcaría para toda la vida. Su primer trabajo a los 16 años, en el periódico “La Crónica” en la sección de sucesos, con colaboraciones posteriores en el periódico “La Industria” en el cual publicó artículos en la columna Campanario…

Una parte importante de la vida de Mario, estará marcada por la política, no solo de su país, sino de lo que estaba sucediendo en otros más alejados al suyo, lo que le llevó a ingresar en la universidad más politizada, La Universidad Nacional Mayor de San Marcos en 1953, en la cual estudió La Carrera de Derecho, siendo, durante un periodo, militante de un grupo comunista.

En 1955, con tan solo 19 años y siendo menor de edad, falsifica los papeles para casarse con Julia Urquidi, un matrimonio que duró hasta 1964. El apoyo que ella aportó a su marido, sería decisivo para lanzar su carrera como escritor. Su primer cuento “El desafío” logra cumplir con uno de sus sueños, pues el premio, consistió en 15 días en París, en el mes de Enero de 1958, con 21 años de edad. A la vuelta finaliza sus estudios y la tesis sobre Rubén Darío, solicitará una beca de posgrado en la Universidad de Madrid donde es admitido, llegando en octubre de 1958. Frecuentará la Taberna Jute, en la cual comenzó a esbozar su primera novela “La Ciudad y los Perros” reflejando  la violenta experiencia en el colegio militar y el trauma que supuso tales vivencias, entre otras historias que iremos conociendo del gran escritor, hasta llegar a terminar la novela y caer en manos de Carlos Barral en Barcelona y lo que supuso su publicación, pues no fueron aguas mansas por las que pasó, en aquel año 1963.

Un documental con narradores de excepción como: Alfredo Barnechea (Periodista y político), Alonso Cueto (Escritor), Héctor Béjar (Ex miembro Chauide y profesor de la Universidad San Marcos), Carlos Aguirre (Historiador y profesor de la Universidad Oregón), Harry Belevan (Escritor y Director del Instituto Raúl Porras Barrenechea), Jorge Edwards (Escritor), Julio Cortázar (Escritor), Rosa Regás (Escritora), Carlos Barral (Editor y Escritor), Fico Camino (Filósofo y amigo personal de Vargas Llosa) y por supuesto, él mismo, de joven y en la actualidad.

Además escucharemos las críticas y comentarios sobre la novela en las voces de: Carlos Fuentes (Escritor), Guillermo Cabrera Infante (Escritor), Julio Cortázar (Escritor), Carmen Balcells (Agente Literaria de Vargas Llosa), Javier Cercas (Escritor), Alonso Cueto (Escritor) y las cartas que Mario escribía a Abelardo Oquendo.

Vuelvo a repetir que es un magnífico documento para entender en profundidad su primera obra literaria, conocer las vivencias del autor y lo que confirió su carácter, sin olvidar la importancia para el mundo literario.

Os dejo con una, de las muchas frases que se escuchan en dicho documental, que a mí personalmente, me parece relevante.

“Era preferible no ser nada, en una ciudad que lo era todo” Julio Cortázar.  

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Junio

EL PLACER FEMENINO: CRÍTICA DE CINE

El documental, El placer femenino, está coproducida por Suiza, Alemania, India, Japón, Estados Unidos y Reino Unido. Cuenta con guion y dirección de Barbara Miller.  

La película comienza con fotografías de mujeres famosas, la mayoría de ellas modelos y su exposición en los medios como objetos sexuales y de reclamo publicitario, para pasar a presentarnos a las cinco protagonistas del documental. Cinco mujeres que han sufrido en sus carnes la discriminación sexual desde diferentes puntos de vista: Deborah Feldman, es escritora americana, exiliada de la comunidad judía ortodoxa. Rokudenashiko,  una artista japonesa que fue denunciada y condenada por obscenidad, pues un día decidió hacer el molde de su vagina y presentar al público diferentes piezas artísticas tomando la vagina femenina, como centro de su nueva obra. Doris Wagner, ex monja quien sufrió abusos sexuales por un miembro del clero, provocándola una crisis existencial entre su fe y las violaciones sufridas por un sacerdote, exponiendo además, como la propia Iglesia silencia todos estos actos que deberían estar castigados. Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí, víctima de la terrible ablación. Expondrá desde su experiencia el dolor físico y psicológico de tal barbarie, presentando el cómo se realiza esta práctica salvaje y la castración vaginal y termina con Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India.

A través de estas cinco mujeres de culturas y razas diferentes, viajaremos por diferentes puntos del planeta. Cinco mujeres valientes que hablan abiertamente de la necesidad de la libertad sexual de la mujer y de esa lucha en el día a día por conseguirla. Mujeres que nos exponen de forma natural, cómo actividades que en el sexo masculino se verían como algo natural, en ellas está prohibido o es visto como algo sucio y obsceno. El mejor ejemplo es la vagina de la mujer, repudiada en muchas culturas mientras el pene masculino es idolatrado, como sucede en Japón con su tradicional fiesta  denominada “Kanamara Matsuri” Una fiesta donde el pene es sacado en procesión entre gritos de júbilo, mientras los habitantes consumen dulces con formas fálicas. Una fiesta en honor a la fertilidad en la cual se pide a los dioses que sus hijos nazcan sanos o que les libre de las enfermedades de transmisión sexual.

Bárbara Miller cuestiona a la sociedad, esa sociedad machista y patriarcal que como se escucha casi al principio de la película: “¿Quién comenzó todo esto?” dando origen a otras tantas preguntas: ¿Quién decidió considerar la sexualidad de la mujer y su vagina como algo sucio y obsceno? ¿Por qué cuando las mujeres se rebelan contra esa sociedad, son amenazadas, incluso de muerte por algunos de los líderes religiosos y fanáticos, condenadas como vulgares delincuentes, difamadas en público o excomulgadas de sus comunidades?

Barba Miller está licenciada en Derecho, así mismo  licenciada en Estudios Cinematográficos, Filosofía y Psicología por la Universidad de Zurich. En la actualidad es presidenta de la Asociación Suiza de Directores y Realizadores de Cine. Comenzó su trayectoria cinematográfica trabajando  como asistente de dirección y editora junto a Christian Frei, en el documental: “War Photographer” 2001,  obra que obtuvo numerosos premios internacionales y  nominado al Óscar al mejor documental. Un año más tarde, dirigiría su primer documental “Die Gipfelstürmen” otras de sus obras son: “Häusliche Gewalt” 2005, “Sexo a Internet” 2008, hasta llegar a sus dos películas más conocidas “Voces prohibidas” 2012 con el que obtuvo el Premio Amnistía Internacional en el XI Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián y ahora con su nueva obra “Placer Femenino” 2018,  en la cual nos presenta el poder patriarcal que aún existe en gran parte del planeta.

En todo documental, además del guion, en esta ocasión en manos de la propia directora Barbara Miller, es muy importante la fotografía que ha sido realizada por Anne Misselwitz, Gabriela Betschart y Jiro Akiba y acompañado por la música de Peter Scherer.

Un documental que ha obtenido numerosos premios internacionales y que “desgraciadamente”, aun es necesario. Y digo desgraciadamente, porque hoy en día, en pleno siglo XXI es absolutamente irracional que todavía las mujeres tengan que luchar por su sexualidad y su puesto en el mundo. Su puesto y su sexualidad como igualdad entre ambos géneros. Un filme que deberían ver muchos hombres, para ser conscientes del sufrimiento, abandono y vejaciones por las que tienen que pasar, a día de hoy, las mujeres a las que se les dice: Te amo.

“A quien se ama, no se le trata así”

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Mayo

PRODUCTORA: Mons Veneris Films// Das Kollektiv Für audiovisuelle Werke// INDI Film GmbH// Scheweizer Radio und Fernsehen// Radio Télévision Suisse (RTS) // RSI- Radiotelevisione Svizzera// Arte France// Teleclub AG.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Film Buró.

APUNTES PARA UNA PELÍCULA DE ATRACOS: CRÍTICA DE CINE

El documental, Apuntes para una película de atracos cuenta con guion y dirección de León Siminiani.

El documental está narrado con la voz en off de Elías (León Siminiani), un director de cine que sueña con dirigir una película de atracos y para ello seguirá de cerca la historia del Robín Hood de Vallecas, o como Elías le apoda, el Flako, cuando en el 2013 lee una noticia sobre su detención.

Elías le envía una carta a prisión donde estaba cumpliendo condena y el líder de “la banda de las alcantarillas” le responde, que puede ir a visitarlo acompañado de su mujer,  a la cárcel.

El Flako tarda poco tiempo en tomar confianza con Elías, narrando sus inicios, estudiando los grandes golpes de la época, entre ellos el de Albert Spaggiari en 1976 en Niza. El eslogan del butronero de Niza era: “Sin odio, sin violencia y sin armas”

Durante el transcurso de la narración, Elías nos presenta a su propia mujer, Ainhoa, quien le comunica que está embarazada. Seguiremos todo su estado hasta el nacimiento de su hija, Laura, en los instantes que Elías se toma de descanso, en la  historia de los butroneros.

Ainhoa será en parte la “conciencia” de Elías, a quien pregunta  sobre el caso y deseando saber siempre su opinión. Una mujer que le ayuda en todo, incluso en escenificar conversaciones y situaciones que Elías mantiene con la mujer del Flako y donde ésta no desea mostrarse ante la cámara.

El Flako se va considerando cada vez más importante ante la presencia de Elías y decide escribir un libro, donde además de todo lo que le está contando al director, hablará de su relación con su madre, su padre, el momento en que el juez le preguntó con quién deseaba vivir al separarse sus padres o como descubrió que su padre era un ladrón, entre otros muchos temas.

El documental tomará mayor interés, cuando al Flako le dan su primer permiso el 20 de febrero de 2016. Momentos en los que ambos, en el coche de Elías, visitarán zonas de Madrid que el Flako conoce muy bien, detallando como estudiaba el lugar, los edificios, las zonas más accesibles y sobre todo, todo el sistema de alcantarillado.

El contar todo esto, no hace que el documental pierda interés, pues León Siminiani dirige un magnífico documental, con un gran ritmo, presentando una documentación muy importante de los periódicos de aquellos años. Seremos testigos del modus operandi del atraco de Albert Spaggiari y su difusión de un país a otro, hasta llegar al nuestro. Entre esos butroneros, el español Arturo Gómez Vidal, reivindica el Butrón, como oficio, al no utilizar armas.

Las parte humana, no será obviada en el documental, pues como he comentado, seguiremos la evolución del nacimiento de la hija de Elías, las intenciones que tiene el Flako con respecto a la educación de su hijo, en cuanto salga definitivamente de la cárcel, la postura de la madre del Flako o la del padrastro, cuando Elías los entrevista…

Un documental serio, didáctico y entretenido, que va captando la atención del espectador a medida que la historia avanza.  Cuenta con una cuidadísima fotografía de Juan Berrero, la elección de los temas musicales de la época y los favoritos del propio Flako,  escenas de películas como "A tiro limpio" "Los peces rojos" o "A sangre fría", sin olvidarnos del correcto montaje.

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Diciembre

PRODUCTORA: Pandora Cinema

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

QUERIDO FOTOGRAMAS: CRÍTICA DE CINE

Querido Fotogramas es el tributo que brinda Sergio Oksman, a la legendaria revista cinematográfica, en su 70 aniversario.

Los invitados cómodamente sentados en un sencillo decorado, irán leyendo algunas cartas enviadas al famoso consultorio de Mr. Belvedere, incluso algunas respuestas que les dio a ellos mismos, sin saber ni el uno, ni los otros, que algún día serían actores, actrices o directores y directoras. La  historia de cómo surgió dicho seudónimo y las intrigas que despertó en la mayoría de los lectores, por saber quién se escondía tras el nombre de Mr. Belvedere.

Se hablará de la importancia de los colaboradores y de un escritor que perdimos hace unos años,  Terenci Moix,  en un pequeño homenaje  hablando con la gran Sara Montiel y sus recuerdos y vida en los cines de doble sesión de su barrio.

La relación de los famosos con la revista, los recuerdos entrañables, la sensación de haber visto por primera vez su nombre en las páginas, por pequeña que fuera la reseña. Se recordará el poder de la censura, incluso en las fotos de portada o los textos escrito, hasta llegar al cierre que daría paso a una nueva apertura, con algunas novedades, como pasar de  ser una revista semanal a mensual o el añadir la sección de vídeo, sin olvidar sus famosos Fotogramas de Plata.

Un documental cargado de fotos, de imágenes de archivo, de momentos felices y otros no tantos, pero sobre todo, de esa añoranza contagiada a quienes, entre nuestras manos, caía aquella revista que fue creciendo en número de páginas y calidad, hasta el día de hoy.

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: (INVITADOS) Javier Bardem, Leonor Watling, Aitana Sánchez-Gijón, Belén Rueda, J.A. Bayona, Raúl Arévalo, Isabel Coixet, Ángela Molina, Ana Torrent, Concha Velasco, Emma Suárez, Carmen Maura, José Sacristán, Marisa Paredes, Julieta Serrano, Ana Belén, Fernando Colomo, Secun De La Rosa, Eusebio Poncela, María Esteve, Anabel Alonso, María Pujalte, Gonzalo Suárez, Félix Sabroso y Boris Izaguirre.

PRODUCTORA: Cine365 Films/ Corte y Confección de Películas/ DZ Largometrajes y Audiovisuales/ Virtual Contenidos.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films