MÍA y MOI: CRÍTICA DE CINE

 MÍA y MOI está dirigida y escrita por Borja de la Vega.

Mía (Bruna Casí) se ha trasladado a la casa de campo que tenían sus padres, tras morir su madre. Mientras Mía toma una copa de vino blanco y fuma un cigarrillo, llega su hermano Moi (Ricardo Gómez) con su novio Biel (Eneko Sagardoy), a pasar unos días. Moi  se está recuperando de una fuerte crisis nerviosa, ayudado por unas pastillas que no debe dejar de tomar. Mía y Moi son de esos hermanos cómplices, que se lo cuentan y comparten todo y Biel, como le dice en un momento a Moi, lo ama, tal como es. Los tres disfrutan de la naturaleza, de sus baños en la playa y sus conversaciones, hasta que un día esa paz es perturbada por la presencia de Mikel (Joe Manjón), el novio de Mía.

El productor ejecutivo, guionista y director, Borja de la Vega, realizó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid. Ha trabajado en el Departamento de Marketing y Distribución de Fox y Universal. Creador audiovisual en las series de Antena 3 y Neox. Es codirector de Kuranda (Empresa que representa a actores y actrices) junto a su fundadora Katrina Bayonas. Como guionista  y director ha trabajado junto a Carlos del Hoyo en proyectos como la Webserie “Diarios de la Webcam” 2010, que adquirió Antena3 y  la serie de televisión “60m2” 2011. Ahora debuta en el largometraje con “Mía y Moi” 2021. En 2017 escribió y dirigió la obra teatral “Amor de niños” que se representó en la Sala Intemperie Teatro de Madrid.

El filme tiene buenas intenciones y una historia que podría haber funcionado más de lo que lo hace, el problema es que Borja, con su primer largometraje, ha cometido errores de principiante y estoy convencido que lo sabe, pues no es un novato en la industria; pero vayamos por partes, destacando lo que a mí juicio, resulta más interesante; los escenarios que se han elegido para esta obra teatralizada y por supuesto, la fotografía de Álvaro Ruiz, en ese cuidado equilibrio entorno a la iluminación y el color, entre las escenas al aire libre y las que se desarrollan en el interior de la casa, acentuando el aire campestre, relajante, intimista e incluso, minimalista. Minimalista hasta en su banda sonora, en la cual los violines armonizan con los sonidos de la naturaleza, algo que considero acertado, al igual que el sutil movimiento de la cámara, que salvo los bucólicos planos generales, se nutre de planos cortos y medios que buscan la intimidad y cercanía a los personajes y sus historias.

Llegado a este punto, a las historias de los personajes, el guion ha olvidado contarlas, pues en sus 100 minutos de metraje, muy poco llegaremos a saber, salvo unas pequeñas pinceladas y demasiadas preguntas que no son contestadas, ni aclaradas. Personajes que de entrada, por lo poco que se nos ofrece, dan la sensación de arrastrar ese lado oscuro del pasado, de fantasmas y sufrimiento, de sueños rotos, frustraciones, miedos, machismo, rencores, bisexualidad, celos y hasta de abusos; pero todo eso, nos lo tenemos que imaginar nosotros. Demasiados minutos de metraje, a mi modo de ver, para tener que pensar tanto y no mostrar lo suficiente.

Cuatro personajes que si bien los actores, los defienden lo mejor que pueden, se quedan flotando entre las olas, los árboles, el viento o las estancias de la gran casona. Borja se limita a dejarnos con la miel en los labios, jugando a que el espectador comprenda lo que está pensando, sin más. Personajes como Moi, del que se busca saber por qué se comporta como un muerto viviente. ¿Cuál fue el origen de esa crisis que aun no ha superado?, ¿Qué le motiva a jugar con las pastillas?, ¿Por qué esa inapetencia amorosa con su pareja, siendo tan jóvenes?, ¿Cuál es la razón de preferir la compañía en la cama de su hermana a la de su novio? Y no digamos las preguntas que surgen con respecto al cuarto personaje, Mikel. ¿Quién es Mikel?, ¿Por qué ese amor y odio, no solo de Mía hacia él, sino el rechazo por parte de Moi?, ¿Qué pretende Mikel al acercarse de esa manera tan sibilina a Biel? o ¿A qué juega Mikel con Moi, en esas escenas cargadas de sensualidad? Son demasiadas preguntas y aunque podemos crear en nuestra mente, la película que no se nos está contando, mejor si lo hubiera hecho, que tiempo ha tenido en esos eternos 100 minutos. Es por todo esto, que la obra, se vuelve monótona y aburrida. El espectador, por muy paciente que sea, que yo lo soy, llega a tirar la toalla y dejar que los minutos transcurran sin más, hasta que llega ese final, que no sorprende, tras tanto tedio.

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Bruna Cusí, Ricardo Gómez, Eneko Sagardoy, Joe Manjón y Raquel Espada.

PRODUCTORA: Paciencia y Baraja // Toned Media

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Toned Media

TIERRA SANTA: EL ÚLTIMO PEREGRINO: CRÍTICA DE CINE

Tierra Santa: El Último Peregrino, está dirigida por Pablo Moreno y Andrés Garrigó y este último, compartiendo guion con Pedro Delgado y Benjamín Lorenzo.

Con el prólogo de ver a dos discípulos correr, entre ellos Pedro, en dirección al sepulcro y comprobar que está vacío, comienza este interesante documental ficcionado, en el cual se nos recuerda la muerte y resurrección de Jesús en Jerusalén. En un breve resumen, se nos explica como los romanos invaden y destruyen el templo de Jerusalén y los judíos se dispersan por el mundo, ante la persecución de estos, surgiendo la época de los mártires. La persecución termina en el siglo IV y con ella el paganismo oficial. La madre del emperador Constantino, Santa Elena, será la primera peregrina a Tierra Santa, en busca de la Santa Cruz…

El director de reparto, guionista y director de cine, Pablo Moreno, Estudió Educación Infantil, continuando con un ciclo superior de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Salamanca, en donde desarrollo su vocación cinematográfica antes de crear, junto a un grupo de amigos, “Contracorriente Producciones”. En 2010 debuta con su largometraje “Pablo de Tarso: El último viaje” continuando con “Un Dios prohibido” 2013, “Poveda” 2015, Luz de Soledad” 2016, “Fátima, el último misterio” y “Red de Libertad” 2017, “Claret” 2020 y “Tierra Santa, el último peregrino” 2021; también dirigió el cortometraje “Alba” 2012. En cuanto al productor y director Andrés Garrigó, en el año 2000 fundó “Goya Producciones” que dirige y con la que ha producido numerosos filmes de carácter religioso. Junto a otros directores, ha dirigido tres obras “Fátima, el último misterio” 2017 junto a Pablo Moreno, “Corazón Ardiente” 2020 junto a Antonio Cuadri y  la que llega ahora a nuestras pantallas “Tierra Santa, el último peregrino” 2021 de nuevo con Pablo Moreno. 

La narración nos habla de Mahoma, que en el siglo VII se proclama el enviado de Alá, crea el Islán y lanza su Guerra Santa. Tras conquistar Palestina y parte del Imperio Bizantino, construye la Mezquita de Al-Aqsa, en Jerusalén. Surgen las cruzadas y salvo la primera de ellas, las demás fracasan. En 1220, San Francisco de Asís mantiene conversaciones con el sultán de Egipto, quien abre las puertas y se logran 800 años de presencia de Franciscanos en Tierra Santa, interrumpida por la conquista de los turcos. Los Franciscanos fueron expulsados, elevándose una muralla alrededor de Jerusalén. De las anteriores murallas, solo quedó el muro de las lamentaciones. Serán por tanto la mezquita dorada, el muro de las lamentaciones y el Santo Sepulcro; los símbolos de las tres grandes religiones. Las tres regiones llaman a Jerusalén su ciudad santa y por eso, reclaman el derecho de estar allí. El resto mejor lo escucháis y veis vosotros, pues resulta muy interesante.

Para ficcionar este documental, Andrés Garrigó junto a Pedro Delgado y Benjamín Lorenzo, nos presentan a una familia acomodada, en donde el cabeza de familia comunica a su mujer que tienen problemas en la empresa, mientras que los hijos, cada uno vive en su mundo, principalmente el mayor con su adicción al juego. La madre, cuando cree que todo se está viniendo abajo, tiene un golpe de suerte y le toca la lotería, y decide unir a la familia, invitándoles a un viaje a Jerusalén. Una película que no busca mostrar las excelencias como viaje turísticos, que las tiene, sino que el peregrino encuentre su luz interior, los misterios y los cambios que se provocan en aquellos que pisan las mismas piedras que pisó Jesús. Una obra que invita al optimismo y a la reflexión, en medio de tanta oscuridad. 

Conoceremos lugares emblemáticos de Tierra Santa como: El Monte Tabor, Magdala, Betania, el lago, Belén o Cafarnaúm, entre otros y escucharemos los testimonios de personas que han pasado por circunstancias determinadas que les cambió la vida, tras realizar el peregrinaje, nombres como: Cristina Somoza (Policía Nacional), P. Arturo Díaz, L.C (Capellán de la Encarnación – Ávila), Isabel Domarco (Ingeniera y misionera, Belén), Sor MariaN Qalb Yasue, IVE (Instituto del verbo encarnado, Belén), Fray Nicolás Márquez, OFM (Asistente espiritual, Betania), P. Juan María Solana, LC (Magdala Center), Fray Aquilino Castill, OFM (Vicedirector de la revista Tierra Santa), Miguel Euscate (Maquillador), Fray Marwan Davis, OFM (Director de la escuela de Tierra Santa, Belén), Halil Haniya (Cristiano en Belén), Sami Dababneh (Cristiano palestino, Samaria),  Vicenzo Bellomo (Asociación “Pro Tierra Santa”, Belén), Florentino Potero (Director del Instituto Político Internacional. Universidad Francisco de Vitoria), Karl-Heinz Fleckenstein (Guía de peregrinos, Jerusalén), Jesús García (Escritor y periodista).

El filme cuenta con una banda sonora muy emotiva en la batuta de José Sánchez- Sanz y una brillante y luminosa fotografía de Manuel Martino de Nales. Un filme que busca atraer de nuevo a los peregrinos a Tierra Santa, pues ya antes de la pandemia, la falta de fe y la indiferencia, la estaban dejando en el olvido. El filme se cuestiona muchas preguntas, entre ellas: ¿Se quedará sin cristianos la Tierra de Cristo?

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: (Documental) Alex Larumbe, Rafa Jiménez, Susi Lillo, Carlos Cañas, Wendy Gara, Álex Tormo, Sara Martínez Velasco, José María Cort, Magdalena Cort.  

PRODUCTORA: Narrow Gate 2000 AIE// Goya Producciones

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory

SWEAT: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Polonia y Suecia, SWEAT, está dirigida y escrita por Magnus von Horn. “La verdad y la mentira de las redes sociales, a través de la mirada de su director”

En el prólogo vemos a la profesora de fitness Sylwia Zajac (Maddalena Kolesnik), toda una celebridad en las redes sociales, con casi 600.000 followers, impartiendo una de sus famosas clases, en el Hall de un centro comercial, junto a su compañero Klaudiusz (Julian Swiezewski). Todo son felicitaciones, deseos de abrazarla, comentarios que ella las motiva en el día a día y las mayores alabanzas que puede recibir una persona. Sylwia las acepta con una gran sonrisa en el rostro, las invita a que nunca desfallezcan y que continúen siguiéndola en las redes sociales, pero Sylwia, un día, de esos que todos tenemos de flaqueza, llora ante la cámara de su móvil y cuenta que no es feliz.

Agnus von Horn, estudió en la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro en Lodz, Polonia. Escribió y dirigió numerosos cortometrajes, entre los que podemos encontrar el documental “Radek” 2006 y otros de ficción como “Milk Teeth” 2007, “Echo” 2009 (Ganadora de diversos premios internacionales) o “Without Snow” 2011. Tendrían que pasar 4 años para que llegara su ópera prima en el largometraje, “Después de esto (The Here After)” 2015 (Ganadora los premios de la academia Sueca, Guldbagge a mejor película, director y actor secundario) y este año estrena “Sweat”.

La cara y la cruz de las redes sociales, a través de las cuales algunas personas se hacen famosas por sus entrevistas, reseñas, vídeos… Y sobre todo, por la exposición constante de sus vidas en el día a día, desde que se levantan hasta que se acuestan e incluso, como hemos visto, mientras duermen. Nombres que ya forman parte de nuestro vocabulario como son los Youtubers, Bloggeros, Feisbuqueros, Twitteros o Instagramers, cada uno buscando su hueco, según lo que desean transmitir y ofrecer; pero sobre todos ellos destacan los Influencers. Las nuevas celebrities de este siglo, que mueven a miles, a millones de seguidores en todo el mundo a través de sus canales, revolucionando el marketing, pues su credibilidad es tal, que todo aquello que digan, opinen, coman, vistan, utilicen en su día a día o como tienen decoradas sus casas; lo tomarán como ejemplo y será copiado. ¿Personalidades débiles ante aquellos que demuestran seguridad?. ¿Son los influencers, tan felices cuando no están expuestos ante el público?

Magnus, tras presentarnos la cara amable de la moneda, la gira con delicadeza para mostrarnos la cruz, ante uno de los momentos de debilidad de una influencer. Vemos llorar a nuestra protagonista, a ella, a la mujer que lo tiene todo, belleza, popularidad, un impresionante físico gracias a sus clases de fitness, lujo, unos 600.000 seguidores que la adoran… pero le falta lo más importante; en ese vídeo, mientras llora, nos explica que se siente sola, que sueña con tener a su lado a esa persona con quien compartir su vida. Es en ese instante, cuando el director nos ofrece el cómo se puede llegar a ser esclavos de una imagen, de tener a la soledad como enemigo, de sufrir un acoso o de enfrentarse a ese instante en el que piensas que tu vida no te pertenece, porque te debes al  trabajo, punto en el que el director incide, pues ser influencer, aunque tenga muchas cosas positivas, es un trabajo y en ocasiones, un trabajo muy duro; pues la competencia es brutal. La fama siempre ha tenido un precio y no iba a ser menos a quienes se exponen en las redes, cada día más activas y exigentes.   

Estas dos caras de la moneda, son como los dos platillos de la balanza, que en esta ocasión, está en constante movimiento durante los 93 minutos de su metraje. Un metraje bien calibrado y un potente montaje, para retratar a una mujer real, de carne y hueso y con esos sentimientos, que en ocasiones no puede controlar, traicionándola, llegando a cuestionarse quién es y qué es lo que verdaderamente le hace feliz, porque la motivación, ya la tiene. Magnus sigue con la cámara cada movimiento de su personaje, hasta penetrar en lo más íntimo del ser, la vulnerabilidad, en donde se esconden las emociones que luchan entre ellas. Por instantes no comprendemos los arrebatos de Sylwia, ejemplo cuando visita a su madre por el cumpleaños, pues llega a resultar cruel, vanidosa y egoísta; pero por otro lado nos provoca compasión e intentamos entender algunas de esas reacciones, ante la falta de lo más fundamental y el tener que soportar una coraza que cada día se apodera más de ella, temiendo ser juzgada si demuestra que no es tan fuerte como los demás creen que es. El final es absolutamente revelador y liberador. 

El filme está rodado con cámara en mano, entre planos cortos e intimistas, tal y como requiere la narración y su protagonista. La fotografía de Michal Dymek, nos acerca a una extraña realidad con una luz y un color que roza la divinidad, para un personaje mortal, tan mortal como lo es Magdalena Kolésnik, que encarna a la protagonista, ofreciéndonos una magnífica interpretación, entre sus dotes interpretativas y deportivas.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Magdalena Kolesnik, Julian Swizewski, Aleksandra Korieczna, Zbigniew Bielawski, Lech Lotocki, Magdalena Kuta, Wiktoria Filus, Katarzyna Cynke, Mateusz Król, Andrzej Soltysik, Karolina Krawczynska, Diana Krupa, Adriana Budakow y Karolina Bialek.

PRODUCTORA: Lava Films// Zentropa International Sweden// Film I Väst// Canal+Polska// EC1 Lódz – Miasto Kultury// Opus Film// DI Factory// Polski Instytut Sztuki Filmowej// Svenska Filminstitutet.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Elamedia Estudios.

STARZPLAY ANUNCIA EL REMAKE DE "DANGEROUS LIAISONS" (Las amistades peligrosas)

EVA CALLEJA y PRISMA IDEAS nos informa que STARZPLAY anuncia a ALICE ENGLERT y NICHOLAS DENTON en los papeles de MERTEUIL y VALMONT en el audaz remake de “DANGEROUS LIAISONS” (Las amistades peligrosas).

STARZPLAY, el servicio internacional de streaming premium de STARZ, anuncia que Alice Englert y Nicholas Denton interpretarán a los históricos amantes Merteuil y Valmont en la nueva serie original de STARZ “Dangerous Liaisons”.

“Dangerous Liaisons” es un audaz remake de los icónicos personajes de la clásica novela de Laclos del siglo XVIII, y cuenta la historia del origen de cómo la marquesa de Merteuil y el vizconde de Valmont se conocen como apasionados jóvenes amantes en París en vísperas de la revolución. Impulsados a enmendar los errores de su pasado, seguimos a la pareja mientras sale de los barrios marginales hasta las altas esferas de la aristocracia francesa, seduciendo y manipulando no sólo a la nobleza, sino también al otro, para sobrevivir.

Englert interpreta a Camille, una hermosa joven surgida de la nada con un misterioso pasado que busca vengarse de los ricos aristócratas que la llevaron a la ruina. Traicionada por su amante, Valmont, convierte la angustia en poder a medida que va elaborando estrategias para ganar estatus, poder y libertad.

Denton interpreta a su amante Pascal Valmont, impulsado a recuperar el título y el estatus que le robó su madrastra tras la muerte de su padre. Sin posición social ni dinero, debe seducir y chantajear para conseguir lo que quiere, aunque corra el riesgo de perder a la persona que más ama: Camille.

En el fondo, “Dangerous Liaisons” es la historia de una joven que maneja el amor, el sexo, la clase social y el poder para abrirse camino en un sistema opresivo e injusto que está al borde del colapso.

Leonora Lonsdale ha sido elegida para dirigir los cuatro primeros episodios de la temporada. La serie ha sido creada y escrita por Harriet Warner, que también es productora ejecutiva. La serie está producida para STARZ por Lionsgate Television y Playground.

La serie cuenta también con la producción ejecutiva de Colin Callender de Playground, Tony Krantz para Flame Ventures, Bethan Jones, Scott Huff  y Christopher Hampton. Coline Abert, James Dormer y Rita Kalnejais serán los guionistas la serie junto con Warner.

“Dangerous Liaisons” se emitirá en STARZ en Estados Unidos y Canadá y en su plataforma internacional de streaming premium STARZPLAY a través de su presencia en Europa, América Latina y Japón.
 

SPIRAL: SAW: CRÍTICA DE CINE

SPIRAL: SAW, está dirigida por Darren Lynn Bousman con guion de Josh Stolberg y Pete Goldfinger. ¿Quién imitará el juego y las pruebas de Jigsaw en esta nueva entrega?

Un policía persigue a un ladrón de bolsos por los túneles de un metro, cuando es golpeado. Al despertar se encuentra colgado en medio del túnel, con los pies sobre una base inestable, la cabeza introducida en una especie de jaula, las manos atadas y la lengua enganchada entre dos placas. Una voz le dice que es un policía corrupto y que ha mentido en varios juicios, por todo ello se encuentra en esa situación, en la que un tren llegará en breve y que tiene dos oportunidades. La primera, que el tren le arrolle y la segunda, dejarse caer, con lo que su lengua se desgarrará, pero vivirá. De esa manera no volverá a mentir. El tren llega, el maquinista no puede hacer nada y el cristal queda manchado por la sangre.

Al detective Ezekiel Banks “Zeke” (Chris Rock) le asignan un nuevo compañero, William (Max Minghella), aceptándolo a regañadientes. Zeke exige llevar el caso de su compañero muerto en el metro, pues era un gran amigo de su padre, el policía retirado Marcus Bank (Samuel L. Jackson). Con el rechazo de sus compañeros, pero con el respaldo de la Capitana Angie Garza (Marisol Nichols), logra su objetivo. Como es de esperar, nada es lo que parece, salvo el gore que siempre está al servicio de esta serie. 

Con un final abierto, como nos deja SPIRAL SAW, está claro que la franquicia, SAW, continuará y ya será la X, por tanto no viene mal hacer un pequeño recordatorio. La primera de las entregas llegó en el año 2004 de la mano de James Wan, alcanzando un gran éxito de público y de parte de la crítica. Continuaron con otras nuevas historias y otros directores. La tres siguientes entregas, “SAW II” 2005, “SAW III” 2006,  “SAW IV” 2007, fueron responsabilidad de Darren Lynn Bousman, quien pasó el relevo, para “SAW V” a David Hackl, 2008. En 2009 llegaría “SAW VI” y “SAW VII 3D” en 2010, ambas dirigidas por Kevin Greutert. La franquicia se tomó un descanso de varios años, hasta que en el 2017 la retomaron los hermanos Spierig, Michael y Peter y en este 2021, llega la nueva entrega, bajo el título de “Spiral SAW”, regresando el director de la II, III y IV entrega, Darren Lynn Bousman.

El actor, guionista y director, Darren Lynn Bousman, se graduó en la Escuela de Filmes en Full Sail. Como actor intervino en la serie televisiva “Holliston” 2013 de Sean Becker o en el cortometraje  “Found” 2014 de Rebekah McKendry. En 2004 los creadores de Saw, James Wan y Leigh Whannell, le propusieron que adaptara su historia “The Desperate”  para la franquicia de Saw, aceptó y además de compartir guion con Whannell, dirigiría esta segunda entrega, bajo el título de “SAW II” 2005, continuando con “SAW III” 2006 y “SAW IV” 2008. En 2008 también dirigió “Repo! The Genetic Opera”, basándose en su cortometraje de 2006, para continuar con “Mother´s Day” 2010, “11-11-11” 2011, “The Devil´s Carnival” y “The Barrens” 2012, “The Devil´s Carnival: Alleluia!” y “Cuentos de Halloween” 2015, “Abattoir” 2016, “El convento” 2018, “Death of Me” 2020 y ahora nos ofrece la nueva entrega de la franquicia “Spiral SAW”. Para televisión ha dirigido las series “Terror en estado puro” y “El día de año nuevo” 2008.

Estoy convencido que los fans de la franquicia van a seguir disfrutando de estos juegos, estás pruebas, los litros de sangre que corren entre los fotogramas, los miembros mutilados de mil y una manera o los ingeniosos artilugios que el asesino crea para hacer sufrir a sus víctimas; vale la pena resaltar que cada vez son más diabólicamente sofisticados. Pienso que el creador de estos artefactos, si hubiera vivido en la Edad Media, en la época de la mal llamada Santa Inquisición, le hubieran proclamado santo. Pero continuemos, a todo esto, claro está, la policía tiene mucho que decir aunque en esta ocasión, más bien decir de ella, pues se hace una feroz crítica a los policías corruptos, quienes amparándose en la placa, el uniforme y la interpretación personal de las leyes, abusan de su poder. Aun siendo una película de terror gore, desgraciadamente, en su argumento, hay un terror oculto, el que se vive en el día a día en algunos países.

Spiral SAW ofrece más de lo mismo, pues en realidad creo que es lo que desean los fans, aunque sinceramente, en esta novena entrega nos podrían haber sorprendido un poco más, pues se han tomado una licencia de cuatro años para desarrollar el guion, por el contrario, tras su visionado, nos trae muchos recuerdos de anteriores secuelas, como la de, sin descubrir nada: individuo esposado a una tubería y con una sierra al lado, pero como sucede en estas películas, no lleguéis a conclusiones que puedan resultar erróneas y mucho menos, ya vistas; dejaos sorprender, pues estoy convencido que esbozaréis una sonrisa, aunque esa mueca, dure poco en el rostro. 

Resumiendo, destaco los macabros decorados de Anthony Cowley, que cumplen, al igual que en las anteriores, sobradamente con su objetivo. La espesa y sucia fotografía en la mirada de Jordan Oram, el montaje y por supuesto, la banda sonora de Charlie Clouser, junto a temas como los del rapero 21 Savage: “Spiral” y “Emergency” con Young Thug y  Gunna, además de “You Ain´t Hard” de Young Nudy, “Down Bad” de Real Recognize Rio, 21 Lil Harold, SG Tip y  Millie Go Lightly.

“Atrás quedó el macabro muñeco sobre el triciclo, ahora es tiempo para los cerdos”

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Chris Rock, Samuel L. Jackson, Max Minghella, Marisol Nichols, Zoie Palmer, Nazneen Contractor, Dan Petronijevic, Morgan David Jones y Edie Inksetter, K.C. Collins, Josh Stolberg, Ali Johnson, Brian Cook, Leila Charles Leigh, Christopher Tai, John Tokatlidis, Frank Licari, Andrew Perun y Heidi Matijevic.

PRODUCTORA: Serendipity Productions// Twisted Pictures// Burg/Koules Productions// Dahlstar.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeAPlaneta.

POLIAMOR PARA PRINCIPIANTES: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Francia, Poliamor para Principiantes, está dirigida por Fernando Colomo, compartiendo guion con Casandra Macías Gago y Marina Maesso.

Manu (Quim Ávila) tiene 28 años y es un mediocre youtuber que vive con sus padres, Tina (Toni Acosta) y Satur (Karra Elejalde). Manu se enamora de Amanda (María Pedraza) en una convención de superhéroes y a la vuelta, habla a sus seguidores de YouTube, con el disfraz puesto, sobre el amor. Su padre, tras ver el nuevo vídeo de su hijo y el aumento de visitas que ha obtenido, le apodará con el nombre de “el ranger del amor”.

Satur y Manu acuden a una reunión sobre el poliamor, en la Casa de Campo, intrigados por la octavilla publicitaria en la que Amanda ha escrito a Manu, su número de teléfono; encontrándose de nuevo con ella. En su presentación, ante el resto del grupo reunido, Amanda confiesa que tiene una relación lésbica con Claudia (Lola Rodríguez), con un matrimonio, Marta (Cristina Gallego) y Estaban (Luis Bermejo) que tienen dos hijos, que adoran a Amanda y con Alex (Eduardo Rosa), modelo de profesión; todos presentes en el encuentro. Manu queda sorprendido ante dicha revelación y… Mejor que vosotros/as, ya que aquí también se habla y se usa el lenguaje inclusivo, disfrutéis del resto de la historia. 

Fernando Colomo, estudió en la Escuela Superior de Arquitectura y tras licenciarse, se matriculó en la Escuela Oficial de Cine. Desde sus inicios trabajó como guionista y director, siendo su primer trabajo el cortometraje en 8mm “Sssoufl” con 16 años, a los que siguieron “En un París imaginario” 1975, “Usted va a ser mamá” y “Pomporrutas imperiales” ambos en 1976,  para debutar en el largometraje, un año más tarde, con “Tigres de Papel” al que han seguido “¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este” 1978, “Cuentos eróticos” y “La mano negra” 1980, “Estoy en crisis” 1982, “La línea del cielo” 1983, “El caballero del dragón” 1985, “La vida alegre” 1987, “Miss Caribe” y “Bajarse al moro” 1988, “Rosa Rosae” 1993, “Alegre ma non troppo” 1994, “El efecto mariposa” 1995, “Eso” 1996,  “Cuarteto de La Habana” y “Los años bárbaros” 1998, “Al sur de Granada” 2003, “Hay motivo” 2004,  “El próximo oriente” 2006, “Rivales” 2008, “La banda Picasso” 2012, “Isla bonita” 2015, El documental “Burning. Noches de rock and roll” y el filme “La Tribu” 2018, “Antes de la quema” 2019 y en este 2021 llega con “Poliamor para principiantes”. En televisión ha participado en series como “Las chicas de hoy en día” 1991, “¡Ay, Señor, Señor!” 1994, “Dime que me quieres” 2001, “Los 80” 2004, “El Pacto” 2010 y el telefilme y miniserie tituladas “Relatos con-fin-a-dos: Emparedados” 2020.

Fiel a su humor, Fernando Colomo, nos ofrece una comedia blanca y amable, con tintes de crítica mordaz sobre las definiciones y clasificaciones que al amor o al sexo, pues en ocasiones se confunde el uno con el otro, se les ha otorgado en los últimos años. En el principio, se podría decir, había heterosexuales y homosexuales de ambos sexos, ahora hay toda una batería de definiciones que Colomo, astutamente y con su humor tan característico, utiliza para desconcertar a sus personajes, provocando la carcajada en los espectadores, no tanto como tal vez deseara él, pero desde luego, que funciona; funciona porque en realidad todos y todas, ya que aquí también se habla en ese lenguaje incluyente, estamos un poco cansados de que al sexo le salgan apellidos como champiñones y al amor se le adultere, sin ningún tipo de pudor.

Un guion escrito por un trío bien avenido, donde Colomo se ha rodeado de dos guionistas como son, Casandra Macías Gago y Marina Maesso, que han incluido su toque femenino, en una historia rodada entre Extremadura y Madrid. Ha contado con un elenco actoral sobradamente conocido por el público español que se entrega complaciente al buen saber del director, para llegar al público en general, con suma facilidad. ¿A qué personaje homenajea el casco de la moto que lleva Manu?

Mi nota es: 6

MUSICA: Fernando Furones

FOTOGRAFIA: Ángel Iguacel

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Karra Elejalde, Toni Acosta, Quim Ávila Conde, María Pedraza, Luis Bermejo, Cristina Gallego, Inma Cuevas, Lola Rodríguez, Susi Caramelo, Mery Cabezuelo y Patricia Peñalver.

PRODUCTORA: Morena Films// Ran Entertainment// Amazon Primer Video.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.

FIRST COW: CRÍTICA DE CINE

First Cow, está dirigida por Kelly Reichardt compartiendo y adaptando el guion con el propio autor de la novela, Jonathan Raymond. “Nuestro momento aun no ha llegado”

El filme comienza con un perro que está escarbando en la tierra, su dueña le manda alejarse y extrañada por lo que ha dejado al descubierto su compañero, sigue retirando tierra hasta que descubre dos esqueletos humanos, unidos.

La narración nos lleva al año 1820. Un hombre está recogiendo setas, su nombre es Cookie (John Magaro) y es cocinero de un grupo de tramperos que viaja por tierras de Oregón, en busca de pieles. Cookie se encuentra una noche con King-Lu (Orion Lee) desnudo, entre la maleza. Es un viajero que ha recorrido una gran parte del mundo y tras contarle el motivo de porqué está desnudo, Cookie decide llevarlo al campamento para que duerma en su tienda de campaña. Sin ellos aun saberlo, ese será el inicio de su amistad.

La escritora, guionista y directora, Kelly Reichardt, estudió en la Escuela de Arte de Massachussets y sin terminar la carrera entró en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde se graduó.  Es docente en la Universidad de Artes Liberales. Debutó en la gran pantalla con “River of Grass” 1994, “Ode” 1999, “Old Joy” 2006 (Obtuvo diversos premios internacionales), “Wendy y Lucy” 2008, “Meek´s Cutoff” 2010, “Night Moves” 2012, “Certain Women: Vidas de mujer” 2016 y en 2019 “First Cow”. Ha dirigido los cortometrajes “Then a Year” 2001, “Travis” 2004 y “Owl” 2019.

La amistad y el nacimiento del sueño americano, son los temas principales de esta película que de una forma sencilla y bien documentada, nos mece en la butaca mientras nos muestra otra realidad muy diferente a la que se nos ha ofrecido hasta la saciedad, en el cine norteamericano. Aquí la fiebre del oro desatada en California entre los años 1848 y 1855 deja paso  al origen de los primeros pueblos en el Oregón del año 1820. Unos años antes de que fuera creado como territorio en 1848 y en estado en 1859. Una visión naturalista y humana de la llegada y asentamientos de los primeros colonos en busca de oportunidades, con un planteamiento muy original, que el espectador disfrutará en su metraje de dos horas.

La amistad, punto central de la obra en la figura de dos hombres muy diferentes entre ellos, que tras conocerse en el boque y conversar, Cookie decide darle refugio y vestir su desnudez. Más adelante, cuando ambos se reencuentran en una taberna, será King-Lu quien le ofrece su hospitalidad, surgiendo el primer destello de compañerismo en la escena en la que King-Lu sale a cortar leña para preparar la cena y calentar la cabaña y Cookie,  mirando a su alrededor, decide barrer, limpiar e incluso cortar unas flores para adornar un rincón de la humilde cabaña. Es a partir de ese instante cuando la complicidad de los dos hombres, lejos de sus hogares y de forma natural, deciden crear el suyo propio, compartiendo además, sus sueños de futuro, como montar un hotel o una pastelería. Ese sueño americano y las ideas novedosas, que siempre han sido bien recibidas en el país. 

Esa primera vaca, título original del filme, da mucho más que leche en esta nueva incursión en el cine independiente norteamericano, de lo que se puede creer. Reichardt, nos brinda un filme minimalista con capas interesantes de ir destapando, entre diálogos sencillos e inteligentes, sin ninguna prisa. Una película pausada en su narración, tal y como lo exige la historia, pues hubo un tiempo en el que las prisas no tenían el menor sentido. La vida era mucho más sencilla y el mundo abriendo sus brazos para recibir, compartir y disfrutar. Ahora ya vemos lo que hemos hecho con el mundo,  por ser tan generoso con nosotros. Hay crítica, hay humor, hay tristeza, hay soledad, hay… ganas de progresar. Una película que te hará pensar, aunque no quieras, que te aleccionará, sin pretenderlo. Un western que te sorprenderá por lo que cuenta y como lo cuenta, iniciando y cerrando la obra, con sutileza e ingenio.

Firt Cow nos obsequia dos extraordinarias interpretaciones, las de John Magaro y Orion Lee, dos fabulosos actores que se meten en la piel de sus personajes y la complicidad que reina entre ellos, nos la transmiten. Absoluto control en sus formas de expresar y traspasar la pantalla para el deleite de los espectadores. Además de la extraordinaria dirección de Reichardt, cuenta con la delicada y brillante fotografía de Christopher Blauvelt y la cautivadora banda sonora de William Tyler. 

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: John Magaro, Orion Lee, Toby Jones, Ewen Bremner, Scott Shepherd, Gary Farmer, Lily Gladstone, Alia Shawkat, John Keating, Dylan Smith, Jared Kasowski, Rene Auberjonois, Todd A. Robinson, T. Dan Hopkins, Ted Rooney, Patrick D. Green, Clayton Nemrow y Jeb Berrier.

PRODUCTORA: Film Science// A24// IAC Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: AVALON.

PEQUEÑO PAÍS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y Bélgica, PEQUEÑO PAÍS, está dirigida y adaptada  por Eric Barbier, basándose en la novela de Gaël Faye.

En Burundi, en el año 1993, Gabriel (Djibril Vancoppenolle) vive con su hermana Ana (Dayla De Medina) y sus padres Michel (Jean-Paul Rouve) un empresario francés expatriado e Yvonne (Isabelle Kabano) una mujer ruandesa. Gabriel vive feliz, sin preocupaciones, estudiando y jugando con su grupo de cuatro amigos, que van a todos lados juntos. Una vida tranquila, salvo por las broncas que tienen los padres, que finalmente terminan separándose de mutuo acuerdo. Pero esa tranquilidad pronto se verá alterada tras el atentado que se produjo el 6 de abril de 1994.

Hagamos un poco de historia, para situarnos en la narración del film. Antes de la era colonial, los Tutsis eran el grupo étnico predominante y los Hutus el inferior, pero tras la I Guerra Mundial, Ruanda pasó a manos de Bélgica y con la descolonización en los años 50, las tensiones entre ambos grupos étnicos aumentaron, sufriendo conflictos muy graves, como los sucedidos en 1959 cuando cientos de Tutsis fueron asesinados. Los supervivientes, tras reagruparse, atacaron a los Hutus. A finales de los 80, medio millón de ruandeses vivían refugiados en Burundi, Uganda, Zaire y Tanzania. En el año 1988 se funda en Uganda el Frente Patriótico Ruandés (FPR), en gran mayoría compuesto por Tutsis exiliados. En 1990, el FPR atacó a Ruanda desde Uganda y declaró a los Tutsis que vivían en Ruanda, traidores y cómplices de lo sucedido. En 1993 ambos países firman el acuerdo de paz de Arusha, creando un gobierno compuesto por Hutus y Tutsis, pero ese acuerdo durará poco, pues un año más tarde, tras el atentado del 6 de abril, se intentó exterminar a la población Tutsi por orden del gobierno Hutu, muriendo un 70% de los Tutsi entre el 7 de abril y el 15 de Julio de ese mismo año. Esta película, se sitúa en los meses previos al atentado y el comienzo de los mismos, vistos a través de los ojos inocentes de un niño.

El actor, guionista y director, Éric Barbier, se graduó en la Escuela Nacional de Cine (IHDEC) trabajando, casi de inmediato, en el campo de la publicidad y el cine con sus primeros cortometrajes, entre los que destacaré “La Malediction de Saint Merry” 1980, “Sanghaï” 1981 y “La Face Perdue” 1982. Su primer largometraje llega en 1991con “Le brasier” al que siguen “Toreros (La hora del silencio)” 2000, “La serpiente” 2006, “The Last Diamond” 2014, “Promesas al amanecer” 2017 y este 2020 estrenó “Pequeño País”. Es uno de los guionistas de “Pris de court” 2017 de Emmanuelle Cuau y actuó en “Le Péril Jeune” 1994 de Cédric Klapisch.

Un nuevo drama social llega a la gran pantalla, basado en la novela homónima de Gaël Faye, un joven, que al igual que el protagonista, es hijo de padre francés y madre ruandesa. Se instaló en Francia a los trece años, huyendo de los conflictos étnicos en su país de origen. La obra es en parte autobiográfica, pero como él mismo comentó en una entrevista, deseaba ficcionar aquellos sucesos porque no quería “sentirse prisionero de una historia que ya había sido escrita”. En esta ficción nos muestra el horror a través de la mirada de Gaby, un niño vitalista y siempre feliz, narrada  desde su zona de confort, pues todo el horror que se desató en Burundi en esos años, provocado por sus vecinos, quedan atenuados por su entorno más cercano, aunque también seremos testigos de algunos de aquellos acontecimientos detestables.

Un filme con un comienzo luminoso, lleno de vida, de risas y de juegos, de trabajos domésticos y fuera del hogar, de estudios, celebraciones y de una familia unida; en donde cada uno de sus miembros es libre y responsable de sus actos, producto de vivir en un lugar que invita a ello y a la educación y responsabilidades, adquiridas. Los dos hermanos se cuidan y se quieren y nuestro joven Gaby, disfruta con su pandilla de amigos, que como la propia profesora les dice en un momento determinado, no pueden ser mosqueteros porque los mosqueteros eran cuatro y ellos son cinco. Se respira amor, felicidad, libertad, respeto y complicidad; incluso en el trato con los propios sirvientes que tienen a su servicio, hasta que llega el año 1994 y la narración se oscurece a medida que transcurren los sucesos, en el país vecino, cambiando sus sonrisas y las nuestras, por muecas de tristeza, pues el dolor y el miedo invade a la familia, una familia que bien puede representar al propio país.

Eric Barbier logra que el espectador entre en situación y sobre todo, empatice con los personajes y para ello, dedica más de la mitad del metraje a que así sea. Cuando cree haberlo conseguido y en mi caso, lo logra, nos ofrece la otra cara de la moneda. Un filme interesante, con una dirección elegante, una buena ambientación, puesta en escena y unas magníficas interpretaciones, destacando a Djibril  Vancoppenolle y Dayla De Medina, los dos hermanos que nos roban el corazón junto a Isabelle Kabano, interpretando a Yvonne, la madre.

Mi nota es un: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Jean-Paul Rouve, Djibril Vancoppenoll,  Dayla De Medina, Veronika Varga, Isabelle Kabano, Tao Monladja, Ruben Ruhanamilindi y Brian Gakwavu.

PRODUCTORA: Jerico// Super 8 Production// Pathé// France 2 Cinema// Scope Pictures// Petit Pays Film// Canal+// Ciné+// France Télévisions// CofiTVciné 7// Palatine Etoile 17// Cofimage 30// Indéfilms 8// SG Image 2018// Indéfilms 7// Cinécap 2

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A CONTRACORRIENTE FILMS.

EL TEATRO LARA PRORROGA EL MONÓLOGO "LA SOMBRA DE AUDREY" DE LAURA ENRECH

TEATRO LARA informa que el monólogo protagonizado por Laura Enrech prorroga hasta junio. ¡Consigue ahora tus entradas con 15% de descuento!  

Este monólogo cómico y musical ha sido la revelación de la temporada. Después de colgar el cartel de entradas agotadas para casi todas las funciones añadimos cuatro fechas más a su primera temporada en la sala Lola Membrives.

La sombra de Audrey, reivindica la historia de Marni Nixon, a la que apodaban «la voz de Hollywood» en los años dorados de los 50 y 60 en Estados Unidos. Ella fue la voz cuando cantaba Natalie Wood en West Side Story, la dulce voz de Deborah Kerr durante las canciones de El Rey y yo y cantó como Audrey Hepburn en My Fair Lady. 

Con la elegancia de la época dorada de Hollywood, Laura Enrech nos llevará a través del proceso de doblaje de estas películas y mostrará un lado más oscuro y amargo del idílico paraíso del cine.

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CREATION STORIES: CRÍTICA DE CINE

Creation Stories está dirigida por Nick Moran con guion de Irvine Welsh y Dean Cavanagh. “La cultura Pop nunca muere, se reencarna”

“Ahogado en dinero. No hace falta ser un genio para entenderlo, un paleto pelirrojo de Glasgow en la tierra de la gente guapa. Os preguntaréis como llegué tan lejos. ¿Verdad? Seguro que sí, por algo estáis viendo esta película”. Son las palabras de  Alan McGee (Ewen Bremmer),  a punto de aterrizar en el Aeropuerto de los Ángeles. 

En los años 70, Alan McGee (Leo Flanagan), vivía con sus dos hermanas, su abuela y sus padres. Trabajaba vendiendo periódicos y trapichando con ellos. Su padre le maltrataba, pero como él mismo dice, las reglas cambiaron cuando vio en televisión a los Sex Pistols. Se compró una guitarra y formó un grupo y de ahí, saltaron a Londres, para abrirse camino en el mundo de la música.

El actor, guionista y director, Nick Moran, estudió drama en la Mountview Theatre School entre los años 1986/89, actuando en varias obras teatrales. Su primera aparición cinematográfica fue como secundario en “Buddy´s Sond” 1990 de Claude Whatham y su primer papel principal en el mismo año con “Don´t Be Afraid” de Vera Neubauer. Ha dirigido tres películas: “Telstar” 2008, “The Kid” 2010 y en este pasado año ha estrenado “Creation Stories” 2020.

Creation Stories, es un biopic frenético, divertido, extravagante, delicioso, entretenido, musical, alucinógeno y mucho más, en torno a la figura de Alan McGee, empresario y ejecutivo de la industria musical, músico, manager, productor y cofundador del sello independiente Creation Record, con tan solo 23 años, que dirigió desde su creación en 1983 hasta que él mismo lo cerró en 1999. No se puede cuestionar, que tanto detrás de las cámaras como delante, existe una parte importante del equipo de un filme de culto como es “Trainspotting” 1996 dirigido por Danny Boyle, quien en esta ocasión es uno de los productores, así como Irvine Welsh, como guionista o el mismísimo Ewen Bremmer en la interpretación. Un equipo que sabe muy bien lo que tiene entre manos.

La película es un paseo por la música de los 70, 80 y 90; las grandes décadas, junto con los 60, que ha dado lo mejor de la música del siglo pasado y que perduran en este XXI. ¿Quién no ha escuchado alguna vez temas de: Oasis, Sex Pistols, Teenaga Funclub, The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine o Primal Scream? Sino lo habéis disfrutado, porque quien está leyendo esta reseña ha nacido en este nuevo siglo o a finales del anterior, os invito a que lo hagáis.  

Además de hacer un amplio recorrido por las bandas que revolucionaron la historia de la música británica, el director Nick Moran junto a los guionistas Irvine Welsh y Dean Cavanagh, no se privan de hacer crítica a la política de aquel tiempo, mordaz y directa; entre imágenes reales, una ambientación excepcional y un toque documental, pues el filme gira, en parte, en torno a la entrevista que le hace Gemma (Suki Waterhouse) en la cual, entre preguntas y respuestas, escucharemos comentarios como: “¿Es cierto que rechazaste un acuerdo con uno de los sellos más importantes y recurriste a un usurero?” –  “Sí, las corporaciones quieren ser tus dueños, el usurero solo quiere recuperar su dinero. Es una transacción más sincera, sino pagas, te rompen las piernas”. 

El filme nos acerca al ambiente familiar del artista, a sus primeros amigos, que perduraron en el tiempo; a la idolatría que sentía por  Aleister Crowley, un importante ocultista, místico, alquimista, pintor, escritor y fundador de la filosofía religiosa de Thelema, con quien bajo los efectos de las drogas, mantiene una conversación; a su relación y donaciones al Partido Laborista de Tony Blair y sobre todo al desfase entre alcohol y drogas, desfilando ante nuestros ojos y nuestros oídos, el nombre de drogas que seguramente jamás habéis escuchado, visto o leído. También nos traerá el recuerdo del “sagrado” y “endiablado” radiocasete, que nos acompañaba a todos los sitios y que tantas buenas horas de música nos ofreció a través de esas cintas que se rebobinaban con un bolígrafo Bic. 

La película está plagada de pequeños detalles, que pasan ante nuestros ojos a la velocidad del rayo, entre ingeniosas frases con fuerte crítica como “Los Ángeles es la tierra de los desalmados, los vacuos, los traidores y por supuesto de los quiero y no puedo” o reflexiones en torno al miedo, en ese instante en que viaja en avión junto a su amigo Ed Ball (Mel Raido), este le hace un alegato sobre qué es el miedo y le pide a Alan, que se deje querer y cuidar, pues está en los momentos más críticos de su vida, sufriendo una fuerte crisis nerviosa. Un guion brillante, con diálogos que pueden parecer irrelevantes, ante la exposición del frenesí existente, pero que si se saben escuchar, cuando la música y la cámara se tranquilizan por unos instantes, nos daremos cuenta de otra realidad. 

Voy finalizando, porque deseo que seáis vosotros quienes os contagiéis con esta loca historia y para ello, antes de nada, felicitar a los dos actores que han dado vida al personaje: Ewen Bremmer en su edad adulta y Leo Flanagan de joven y hacer extensible a cuantos han participado, que son muchos y figuras muy importantes. Destacar además, la extraordinaria y magnífica fotografía de Robeto Schaefer, el gran trabajo en el montaje, las espectaculares coreografías, no solo las musicales y la banda sonora, que os detallo al final. Entra, libérate de los prejuicios y disfruta de este filme, como se merece; pues lo incorrecto, también tiene su espacio. 

“Hubo un tiempo en el que solo se bebía agua, porque se consumía Éxtasis”

Mi nota es: 7,5

REPARTO: Ewen Bremmer, Suki Waterhouse, Leo flanagan, Jason Issacs, Rebecca Root, Joanna Pickering, Thomas Turgoose, Danny John-Jules, Paul Kaye, Saskia Reeves, Carl Barat, Irvine Welsh, Jason Flemyng, Steven Berkoff, Nick Moran, Ed Byrne, Alistain McGowan, Rupert Everett, Alexander Arnold, Kirsty Mitchelle, Rufus Jones, Joseph Millson, James, Mel Raido,  Amy Carrier, Ade, James McClelland, Michael Socha, Richard Jobson, Alan McGee, Seána Kerslake, Lily Robinson, Charlie Murphy y Alistair McGowan entre el impresionante elenco actoral con que cuenta este filme.

PRODUCTORA: Burning Wheel Productions// Head Gear Films// Metrol Technology.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Movistar+

LA BANDA SONORA ESTÁ COMPUESTA POR: “What You Do to Me” de Teenage Fanclub, “Serious Drugs” de BMX Bandits, “Loaded (Remastered)”, “Rocks (Remastered)” y “Don´t Fight It, Feel It” de Primal Scream, “Demons” de Super Furry Animals, “When the Sun Hits” de Slowdive, “Rave Down ( 2008 Remastered Version)” de Swervedriver, “Homeboy” de Adorable, “Dreambeam (Ben Chapman 7´´ Edit)” de Hypnotone, “Lazarus (12´´ Version)” de The Boo Radleys, “Stay” de Bernard Butler, “Rebel (2016 Remaster)” de David Bowie, “New Rose” de The Damned, “Precious Feeling” de The Laughing Apple, “Anarchy In The UK” de Sex Pistols, “Rock `n`Roll Star” (Demo) y “Bring It On Down-Remaste…”de Oasis, “Birthday” de The Jesus and Mary Chain. Tal vez, solo tal vez, se me quede alguna en el radiocasete.

PRÓXIMAMENTE EN MADRID LA NUEVA VERSIÓN DE MACBETH DE LA MANO DE MATÍAS UMPIERREZ

EVA CALLEJA y PRISMA IDEAS, nos informan que el artista Matías Umpierrez presenta en Madrid su versión de Macbeth protagonizada por Ángela Molina y Robert Lepage.

Tras su paso por Berlín, San Sebastián y Moscú y con fechas ya cerradas en Canadá, México y Colombia llega en junio a Madrid a las Naves del Español Museo de la Ficción I. Imperio, una vídeo instalación inmersiva creada por el artista multidisciplinar Matías Umpierrez y protagonizada por Ángela Molina, Robert Lepage, Elena Anaya, Chema Tena, Ana Torrent, Adolfo Fernández, Javier Pereira, Tessa Andonegui, Javier Tolosa, Bore Buika y Alfonso Bassave y elenco. El Museo de la ficción, con su pieza Imperio versiona el clásico de Shakespeare a través de un cuadrilátero de pantallas que sumerge al espectador en una experiencia única.

En esta versión del clásico de Shakespeare, Macbeth es interpretado por Ángela Molina y Lady Macbeth por Robert Lepage "porque los géneros no condicionan los comportamientos de los personajes, solamente valen los impunes deseos de poder que a lo largo de la historia permanecen tan intactos como la codicia que empuja a gran parte de los sistemas económicos y políticos que gobiernan el mundo”, según su creador.

Esta adaptación de Macbeth se ambienta en la España postdictadura de la década de los noventa. Pone en evidencia la ficción como herramienta de mediación social y política produciendo un “mix” entre la industria del entretenimiento, los mecanismos de poder en la actualidad y la furia que despierta el enfrentamiento entre tradición y globalización.

Un cuadrilátero de pantallas (de 9x5 metros cada una) muestra cuatro perspectivas diferentes de Imperio. El público adquiere un rol fundamental al sumergirse en esta experiencia: cada espectador construye su propio montaje creando su propia dramaturgia a partir de aquello que desea ver u omitir.

El trabajo de Matías Umpierrez indaga sobre las modalidades contemporáneas de los vínculos entre el espectador y la ficción. Sus proyectos transitan las fronteras que suceden entre artes escénicas, visuales y cine, activando la dialéctica público-escenario-discurso-escena-territorio. Sus trabajos han sido presentados en espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, iglesias, bosques o teatros, cines y museos, que incluyen instituciones como el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Centro Dramático Nacional de Madrid, Complejo Teatral de Buenos Aires, MoMA (Museo de Arte Moderno de New York), Museo Reina Sofía (Madrid), Lincoln Center Film Society New York, entre otros.

El trabajo del artista Matías Umpierrez investiga sobre la relación que existe entre el espectador y la ficción en nuestros días. Sus piezas dialogan en términos globales cambiando de lugares, lenguas, dispositivos y disciplinas. Ha creado proyectos como Los Bosques (una video instalación donde piensa cómo los sueños se constituyen como ficciones inconscientes de los soñantes), Construcciones (una video instalación donde utiliza la tradición oral para crear mitos sobre la vida de personas vivas), TeatroSOLO-LONEtheater (una serie de intervenciones performáticas site-specific para el ingreso de un solo espectador a la vez, estrenada en ciudades como Buenos Aires, Graus, New York, Sâo Paulo, Madrid, San Sebastián y Portland-Oregon), Distancia (una pieza de teatro virtual que desafía los límites del escenario presentando actrices vía streaming desde ciudades como Buenos Aires, New York, Hamburgo y París), Los Bosques (una video instalación donde piensa los sueños como ficciones inconscientes de 8 personas diversas referentes de una sociedad a la que pertenecen), dramaHOME (Intervención-Performance que constituye una relación entre amas de casa, tecnología y dramaturgia), Paisaje (Video), Clínica de la Obsesión (Clínica Global para Artistas presentada en varias ciudades del mundo), 4 Mujeres Bailan (Video), Gente Favorita (Teatro), Cuionera Tropical (Performance), La Flauta Mágica (Ópera), Novela (Teatro).

Recientemente ha sido premiado por Rolex en el marco de Mentor & Protégé Art Initiative – programa que bianualmente elige un solo artista joven a escala mundial por disciplina. Gracias a esta iniciativa durante 2016-17 Umpierrez ha comenzado un diálogo y colaboración con el artista canadiense Robert Lepage. En 2016 fue invitado de honor, como joven referente de las artes performáticas, del reconocido Premio Proryv en San Petersburgo, Rusia. En 2014 fue destacado por BGH como uno de los 100 argentinos más innovadores de los últimos 100 años. En 2010 ganó la Mención Honorífica del Fondo Nacional de las Artes en Dramaturgia y en 2009 recibió la Beca de Iberescena para jóvenes gestores culturales.

El trabajo de Matías Umpierrez como artista siempre mantiene consonancia con su labor como comisario/curador que activa diálogos, creando entramados y comunidades locales-regionales-globales. Como resultado de los proyectos curatoriales, sucedieron más de 150 comisiones originales presentadas en diferentes instituciones y festivales.

XII MOSTRA DE CINEMA PERIFÉRICO

 

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa que Jodie Mack, Juan Sebastián Bollaín, Pablo Marín y David Domingo, serán los primeros protagonistas de la 12ª edición del (S8)

Los cuatro creadores formarán parte del que fue uno de los contenidos estrella de la pasada edición del festival: Camera Obscura, sección inspirada en Screening Room, el programa de referencia en los años 70 para la comunidad del cine de vanguardia.

La Mostra, que se celebrará entre el 28 de mayo y el 6 de junio en A Coruña, incluirá también en su Camera Obscura parte de un ambicioso programa de cooperación internacional que desvelará próximamente.

El (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico celebrará entre el 28 de mayo y el 6 de junio su duodécima edición con un formato dual, apostando tanto por la divulgación de contenidos online a nivel internacional como por la presencialidad y la experiencia colectiva que supone el cine en sí mismo. En ella combinará un año más diversas performances, encuentros y proyecciones en la ciudad de A Coruña con una serie de formatos diseñados para su emisión a través de la web y las redes sociales del festival.

La Mostra vuelve a apostar esta vez por uno de los formatos favoritos del público en la pasada edición: Camera Obscura, un espacio en la red inspirado en el conocido programa de cine experimental Screening Room. Por este programa, presentado por Robert Gardner de 1972 a 1981 en la televisión pública de Boston, pasaron los más relevantes cineastas de vanguardia de su tiempo, a quienes el conductor entrevistaba en profundidad ofreciendo también a los televidentes la oportunidad de conocer su obra emitiendo algunas de sus piezas. 

El (S8) recoge el “testigo” de este Screening Room para crear Camera Obscura, un programa emitido en streaming y con un formato renovado que contará en esta edición con artistas y creadores como Jodie Mack, Juan Sebastián Bollaín, Pablo Marín y David Domingo. Todos los programas estarán disponibles online y en abierto durante la celebración del festival y, además, Juan Sebastián Bollaín visitará la ciudad de A Coruña para estar presente en el programa doble que el festival hará alrededor de su obra.

El público podrá conocer a fondo los procesos de trabajo de Mack, Bollaín, Marín y Domingo con una entrevista en profundidad y repasando su obra a través del visionado online de algunas de sus películas. Además, el festival incorporará a esta sección parte de un ambicioso programa de cooperación internacional que dará a conocer en los próximos días. 

Camera Obscura: los protagonistas

Jodie Mack. Desde que empezó su actividad a mediados de los 2000, Jodie Mack se ha revelado como una de las cineastas más brillantes de nuestro tiempo. Con una concepción única del trabajo fotograma a fotograma (guiada por una creatividad sin límites y un extenso conocimiento de la animación experimental), Mack parte del collage en el sentido más estricto para emprender una extensa investigación en torno a los textiles, en animaciones abstractas en las que patrones y colores son protagonistas, rebasando lo formal para alcanzar una aguda visión de la historia del arte abstracto, la cultura popular y de las implicaciones políticas de todo ello. 

Juan Sebastián Bollaín. Cineasta, arquitecto y urbanista, es el responsable de una filmografía insólita en el panorama español. Con una imaginación y un sentido del humor desbordantes, Bollaín pone en juego los elementos que el cine le ofrece para inventarse ciudades utópicas y para plantear agudas visiones de todo aquello que le rodea, con un foco especial en Sevilla. En esta edición del (S8) descubriremos de su mano sus comienzos en el cine, las ideas y circunstancias detrás de obras emblemáticas como La Alameda (1978) y su tetralogía Soñar con Sevilla (de la que veremos dos de sus entregas, en sus versiones restauradas por la Filmoteca de Andalucía), además de su particular visión de la creación cinematográfica y del mundo, aun revolucionariamente cargada de futuro. 

Pablo Marín, es un agente vital del cine experimental argentino: además de como cineasta, su labor se extiende por la investigación, la escritura, la edición, la enseñanza y la programación. Su obra, casi íntegramente hecha en super 8 (un formato esencial en la historia del cine experimental argentino), continúa y expande en cierto modo la herencia de cineastas como Claudio Caldini, a la vez que nace de un profundo conocimiento de la vanguardia mundial, en películas que absorben lo cotidiano y lo personal. Marín ha ido construyendo así una suerte de libro de memorias fílmico, oblicuo y abstracto, en el que las superposiciones, el uso de máscaras y reservas y la filmación cuadro a cuadro, entre otras estrategias, ponen a prueba las capacidades y potencias del cine. 

David Domingo. Es una de las figuras más queridas y apreciadas del (S8) desde su primera edición, cuando la Mostra le dedicó un foco a sus películas. Domingo, alias Stanley Sunday, es uno de los renovadores del cine underground español, continuador del legado de Zulueta, y dueño de un imaginario único en el que confluyen referencias pop, experimentos visuales de todo tipo, animaciones (desde el stop motion hasta sus últimas creaciones en 3D), épica doméstica, guiños homoeróticos, sentido del humor y una deslumbrante y colorista estética.

NOTICIAS MÁS RECIENTES SOBRE LA MOSTRA

El pulso de la vanguardia: Deborah S. Phillips, James Edmonds, Tomonari Nishikawa y Bruno Delgado Ramo visitarán el (S8) de A Coruña.

El festival recupera su actividad presencial en salas, esencia del (S8), apostando por la experiencia única de la proyección analógica.

Las film performances vuelven a invadir la Mostra con “La noche berlinesa” a cargo de Phillips y Edmonds, con Las Synergys y con Esperanza Collado.

A Coruña, 12 de mayo del 2021.- En esta duodécima edición, que se celebrará entre el 28 de mayo y el 6 de junio, el (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférico vuelve con renovadas fuerzas a la sala de cine al tiempo que mantiene su formato dual, ofreciendo también una extensa programación online de vocación divulgativa. Intentando aglutinar los nombres más atractivos del cine experimental contemporáneo, la programación del (S8) reunirá en A Coruña a cineastas veteranos con jóvenes talentos, como sucederá con la cineasta alemana Deborah S. Phillips, el británico James Edmonds, el japonés Tomonari Nishikawa o el sevillano Bruno Delgado Ramo.

Deborah S. Phillips, que estará en el festival con sus películas en 16mm y 35mm, es una figura clave para entender la estrecha relación entre las bellas artes y el cine. En un trabajo ampliamente influido por la pintura y el collage, Phillips -relacionada con el laboratorio berlinés de cine analógico Labor Berlín- analiza de manera lúdica temas como el significado del color en las bellas artes, y emprende exploraciones etnográficas/plásticas en torno a los motivos del arte árabe e hindú. La artista lleva desde los 80 creando con sus manos sobre diferentes superficies y con distintos materiales, que no se restringen a acuarelas y pigmentos. En sus coloridas obras de delicada abstracción entran en juego también distintos comestibles y bebidas, pintura de uñas, objetos encontrados, materiales translúcidos, cualquier cosa imaginable. Phillips visitará A Coruña para traer algunas de sus performances, en las que sonoriza en directo varias de sus piezas. 

El también residente en Berlín James Edmonds es pintor y programador de cine. Su trabajo, realizado en super 8 y 16mm, se emparenta con el de cineasta como Helga Fanderl y Ute Aurand en películas que mezclan lo diarístico con la exploración del cine como medio a través de estudios en torno a la luz y la exposición, al color, la composición y los ritmos. Edmonds, además, aprovechará su visita el (S8) para presentar algunos de sus trabajos expandidos en formato analógico. 

Otro de los invitados de esta edición es el cineasta japonés radicado en Estados Unidos Tomonari Nishikawa, a quien el festival dedicó uno de sus monográficos online Camera Obscura el pasado año. Nishikawa, habitual de los más destacados festivales internacionales, tiene una obra fuertemente enraizada en el trabajo con la cámara de cine y los procesos fotoquímicos, que utiliza para documentar lugares y eventos ligados con su propia biografía. 

Completa este bloque de programas individuales a artistas relacionados con el cine de vanguardia el foco dedicado al joven cineasta sevillano Bruno Delgado Ramo, ganador de la última convocatoria de la residencia BAICC (promovida por el (S8), AC/E y el LIFT de Toronto). En esta edición del festival podremos ver una selección de sus películas, una film performance y una instalación, centradas en la investigación en torno a los procesos y mecanismos del cine y de la proyección. 

Desbordamientos

La programación en torno a cineastas estatales sigue con el último trabajo de Esperanza Collado, que es una de las figuras más relevantes del panorama internacional en lo que al cine expandido se refiere. Dentro de la sección Desbordamientos Collado estrenará su última film performance, un fascinante estudio en torno a los elementos del cine, el espacio de proyección y el cuerpo que lleva por título “Kicked with the Front Foot on the Dark Side of the Deck”. Juegos cromáticos, película en 16mm, sonido en vivo e intervenciones directas de skaters y performers que elaboran instalaciones mutantes. 

En esta edición del (S8), Las Synergys, Bruno Delgado Ramo, Paula Guerrero y Esperanza Collado, ofrecerán también una presentación expandida de la película clásica Johnny Guitar (Nicholas Ray, 1954) que muestran en una versión reducida en formato Super 8. Partiendo de algunos desarrollos del afín Gabinete kino~okno, este bolo de Las Synergys es un prototipo de investigación sobre la experiencia cinemática y musical en directo. En la película, Johnny es un virtuoso pistolero que deja sus armas para tocar la guitarra, con la que pretende seguir defendiéndose. En este “Spin the wheel / I like to hear it spin”, Las Synergys se defienden de las conexiones funcionales entre música, imagen y cuerpo, intercambiando sus lógicas y sus herramientas.

Además, los ya citados James Edmonds y Deborah S. Phillips también tendrán su hueco en esta sección del festival. El viernes 4 de junio la Mostra celebrará su “noche berlinesa”. En ella Phillips intervendrá sonoramente en directo sus piezas en 16mm, y Edmonds mostrará sus trabajos multiproyección: una serie de presentaciones expandidas en doble y triple proyección en super 8.

En su apuesta por el descubrimiento de creaciones auténticas hechas para disfrutar con los cinco sentidos, Cervezas Alhambra vuelve a colaborar un año más con el festival que forma parte de Momentos Alhambra. Así, la cervecera convierte esta sección “Desbordamientos” en una oportunidad para maridar sus variedades con las mejores propuestas artísticas y culturales. Por segundo año consecutivo, la marca presta su apoyo al (S8) en el marco de su compromiso por impulsar la cultura y la promoción de experiencias únicas.