EL CALLLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS: CRÍTICA DE CINE

El callejón de las almas perdidas, está dirigida por Guillermo del Toro compartiendo guion con Kim Morgan y adaptando la novela de William Lindsay Gresham. “Almas traumatizadas, viviendo bajo convicciones engañosas”

Es el año 40 cuando Stanton Carliste (Bradley Cooper) llega a un espacio en el que se encuentra instalada una feria, en él conocerá a  Molly Cahill (Rooney Mara) de la que se enamora. Decide unirse a ellos y entre sus variopintos personajes, intimará con Zeena Krumbein (Toni Collette) la tarotista y su padre Pete Krumbein (David Strathairn), el mentalista. Ambos le enseñan el arte del engaño. Cuando Pete muere, Stanton y Molly deciden irse en una camioneta a la ciudad. Pronto las habilidades de Stanton le colocan en una gran posición, hasta conocer a la doctora Lillith Ritter (Cate Blanchett), doctora en psicología, con quien se alía para alcanzar mayores cotas de popularidad y rendimiento económico.

El filme está basado en la novela homónima de William Lindsay Gresham publicada en 1946, cuya primera versión fue rodada en 1947 por Edmund Goulding y con Tyrone Power como actor principal. Estamos ante una película de suspense psicológico neo-noir, en la cual la degradación del ser humano acampa debajo y fuera, de las carpas.

Guillermo del Toro, estudió en el Centro de Investigación  y Estudios Cinematográficos, en Guadalajara (Jalisco), graduándose en 1983. Con tna solo ocho años, empezó a experimentar con la cámara de Súper 8 de su padre. Trabajó durante diez años en el departamento de diseño de maquillaje y fundaría su propia compañía “Necropia”. Sus inicios fueron en el cortometraje con “Doña Lupe” 1986 y “Geometria” 1987, saltando al largometraje con “Cronos” 1993, “Mimic” 1997, “El espinazo del diablo” 2001,  “Blade II” 2002, “Hellboy” 2004, “El laberinto del fauno” 2006, “Hellboy II: El ejército dorado” 2008, “Pacific Rim” 2013, “La cumbre escarlata” 2015, “La forma del agua” 2017 y este año “El callejón de las almas perdidas” 2021. Ha dirigido también capítulos de series como “Hora marcada” 1988/1989, “Los Simpson” 2013, “The Strain” 2014/2015, “Trollhunters” 2016/2018 y “Los 3 de abajo: Cuentos de Arcadia” 2018. Los video juegos “Pacific Rim: Jaeger Pilot Oculus Rift Experience”  y “P.T.” ambos en 2014.

La acción se sitúa en la antesala de la II Guerra Mundial, aunque tal acontecimiento histórico, solo lo veremos de paso entre las noticias de los periódicos y alguna pequeña conversación. El telón de fondo del filme, serán las mugrientas carpas y los personajes de esa feria ambulante; pero no  como el que hemos conocido la mayoría de nosotros, con sus payasos y atracciones circenses, sino más bien de los horrores, en medio de esos seres deformes, conocidos como los Freaks, entre los que encontraremos a la mujer en un amplio abanico de personajes, desde las barbudas, eléctricas, pitonisas o la mujer araña, que nos obsequiará con una moraleja; pasando por los mentalistas, los enanos, los forzudos o aquellos de quienes se duda entre su naturaleza humana y salvaje. Atracciones maquilladas, reales y ficticias que Guillermo nos presenta a través de la excepcional atmósfera y el clímax que se va elevando a medida que transcurre la narración.  

Del Toro nos vuelve a sumergir en una historia en la cual, las verdaderas protagonistas son las almas de los personajes. Los cuerpos simplemente son la materia en un espacio, de un tiempo, de la caprichosa naturaleza o un producto del imaginario; con el que provocar el espanto y la sorpresa; pues la verdadera realidad es aquello que protegen en lo más profundo de sus almas, de sus sentimientos y emociones e incluso en sus mentes limpias o retorcidas. En otras palabras, el ser real que se haya secuestrado en ese armazón, al que llamamos cuerpo y que en muchas ocasiones, idolatramos o despreciamos, por encima de la verdadera razón de nuestra identidad. Almas torturadas y hasta perdidas en cuerpos rotos, ante la mirada de gentes que pagan por ver el sufrimiento y las desgracias de sus semejantes, mientras otros sacan provecho de ello. Una crítica social que muy bien se podría aplicar hoy en día desde otras perspectivas, con el mismo resultado, pues aun sabiéndolo, algunos o muchos, se dejan manipular por los lobos hambrientos y sedientos de poder, de charlatanes que manejan los hilos y la psicología humana, convirtiéndolo, en la mayoría de las ocasiones, en un número vergonzoso de mentiras. En esta ocasión, entre todos esos elementos y extraños seres, seremos testigos de la vida de un hombre que llegó a lo más alto, para luego caer al fango más hediondo.

Un filme inmersivo en el que Guillermo del Toro nos muestra las luces y las sombras del ser humano, a través de esa  feria que es la vida, la cual, entre la densa atmósfera, nos presentará el escenario sobre el que debemos mantenernos en equilibrio y sobrevivir entre la inmundicia, los engaños, la codicia, la vanidad o incluso ante ese fugaz reflejo del amor interesado y con ello, no caer en las entrañas de la oscuridad, del propio infierno en la Tierra, como le sucede al personaje de Stanton Carliste. Del Toro logra atraparnos en un extraño laberinto, entre lo melancólico y la reflexión, pues el drama se masca desde los primeros fotogramas, entre esa extraña tenebrosidad que envuelve a estos seres, como si fueran almas en pena vagando por una tierra maldita. A destacar el extraordinario elenco actoral, que da vida a estos desdichados.

Si bien, en muchas ocasiones destaco dos de los elementos imprescindibles de todo film, como son la música y la fotografía, en esta ocasión, con más motivo, pues  junto a los actores, son los pilares de la obra. La fotografía de Dan Laustsen es pura magia, apoyándose en los excepcionales decorados, ofreciéndonos una gran riqueza de planos y sobretodo, la sobresaliente iluminación con la que cuenta, en un juego extraordinario de luces. Por su parte, la banda sonora del maestro Natham Johnson, se muestra doliente y espeluznante, como requiere la obra.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de Enero

REPARTO: Bradley Cooper, Cate Blanchett, Rooney Mara, Toni Collette, Willem Dafoe, Ron Perlman, Richard Jenkins, Mark Povinelli, David Strathairn, Holt McCallany, Jim Beaver, Mary Steenburgen y Paul Anderson.

PRODUCTORA: Searchlight  Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures Spain.

EL MÉTODO WILLIAMS: CRÍTICA DE CINE

El método Williams, está dirigida por Reinaldo Marcus Green con guion de Zach Baylin.

Richard Williams (Will Smith) y Brandi Williams (Aunjanue Ellis) tienen cinco hijas a las que han fomentado los valores de la educación, el estudio y el deporte. Dos de ellas destacan en el tenis. Serena Williams (Demi Singleton) y Venus Williams (Saniyya Sidney). Para entrenar a sus hijas, Richard creó su propio método de entrenamiento, pues ante todo deseaba que fueran buenas estudiantes y no perdieran su infancia. Estaba seguro que si seguían su método, habría tiempo para todo, incluyendo el convertirse en las dos estrellas más importantes del tenis y el orgullo de su raza.

Sobre las hermanas Williams os puedo comentar que Venus, ha ganado 49 torneos individuales en la WTA, entre los que encontramos 7 de Grand Slam individuales, cinco de ellos fueron en Wimbledon y los otros dos en el Abierto de los Estados Unidos, además de un WTA Tour Championships y 9 de Tier 1, junto a las 3 medallas de oro en los Juegos Olímpicos, una de ellas en individuales, la Copa Fred, el Torneo de la Ciudad de Oklahoma, el Abierto de Italia y el Abierto de Hamburgo. El 25 de febrero de 2002 se convirtió en la primera jugadora afro-americana en ser número uno de la clasificación de la WTA. Tras diagnosticarle el Síndrome de Sjögren, sigue jugando, aunque con menor fortuna, el pasado año 2021 no participó en el Abierto de Estados Unidos y muchos creen que puede ser su retirada de las canchas. En cuanto a su hermana Serena, ha ganado 23 títulos individuales en Torneos Grand Slam y ha ostentado la primera posición en el Ranking WTA durante 319 semanas. Se la considera una de las mejores jugadoras de la historia debido a su fuerza física, mental y a sus poderosos golpes. Entre otros títulos ha obtenido 23 títulos WTA Tier1, 4 medallas de oro en los Juegos Olímpicos (2 individuales), una Copa de la Federación y dos Copas Hopman. Además de los títulos mencionados por las dos hermanas, de forma individual, juntas en dobles han ganado 14 Grand Slam, el Abierto de Francia 1999, dos medallas de oro en dobles en Sídney 2000 y Pekín 2008. Y como es lógico, no están aquí todos los títulos obtenidos por ambas, porque la lista sería muy larga, lo que está claro, es que ambas han sido las reinas de las canchas de tenis durante las últimas décadas del pasado siglo y las primeras de este.

El productor, guionista y director, Reinaldo Marcus Green, estudió en la Port Richmond High School en Staten Island (Nueva York) para continuar con su formación en la NYU Tisch School of the Arts., donde también ha sido profesor adjunto. Se inició en el cortometraje con “The Interview” y “One Way Ticket” 2011 y “Anonymous”, “The Zebra Room” y “Stop” 2015. Su ópera prima en el largometraje fue “Monsters and Men” 2018, continuando con “Joe Bell” 2020 y “El método Williams” 2021. Para televisión ha participado en series como: “First Step” 2016/17, “Top Boy” 2019, la serie documental “Estados Unidos: la lucha por la libertad” 2021 y “We Own This City” 2022

El biopic regresa a la gran pantalla acompañado de uno de los deportes más elitistas, el tenis. Una historia de superación, de entrega, de tenacidad y de cabezonería. La de un padre coraje dedicado en cuerpo y alma, a la familia: a su mujer y sus cinco hijas. Soñaba con convertir a sus hijas Serena y Venus, en las dos tenistas más importantes de la historia con su propio método, en el que nadie creía y con el que rompió algunas de las normas establecidas en dicha disciplina deportiva. Ante todo él deseaba que sus hijas poseyeran y no perdieran los valores más importantes, entre ellos el amor y la unidad de la familia, la humildad, la educación, la disciplina y unos estudios, pues su sueño era alejarlas de las drogas, las pandillas y de las calles de Compton, en California, donde residían y lo más importante, tener un plan de futuro. 

Además de la acertada dirección de Reinaldo Marcus Green, el filme cuenta con un magnífico guion de Zach Baylin, una correcta ambientación, muy noventera, que nos sitúa en el tiempo, así como la luminosa fotografía de Robert Elswit  y unas excepcionales interpretaciones, entre las que hay que destacar a un impecable Will Smith, quien en su madurez, nos está ofreciendo trabajos muy interesantes. Con esta película se consagra, devorando la pantalla y calando en el espectador. Muy a tener en cuenta, la credibilidad que otorgan Demi Singleton y Saniyya Sidney, encarnando a las tenistas Serena y Venus y Aunjanue Ellis, en el papel de la mujer de Richard y madre de las 5 jóvenes. Ellis nos ofrece momentos muy emotivos durante la narración, entre los que destacaría la escena en que le pone los puntos sobre las íes a su marido, en la cocina.

Como es de esperar, tratándose de la década de los 90, no puede faltar una cierta crítica social, en especial al mundo que rodea al tenis y por supuesto, al racismo, las drogas y la delincuencia, algo que tiene muy presente el guion, a través de las frases que Richard dispensa y las conversaciones que mantiene con sus hijas. En definitiva, Green ha dirigido un filme de entretenimiento, familiar, reflexivo, con toques de drama y comedia, sin olvidar los mensajes que navegan entre líneas. Un buen biopic para disfrutar durante 138 minutos. Como curiosidad, comentaros que entre los títulos de créditos, se ven imágenes de la auténtica familia Williams.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de enero.

REPARTO: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn, Craig Tate, Dylan McDermott, Katrina Begin, Andy Hoff, Jimmy Walker Jr.

PRODUCTORA: Star Thrower Entertainment// Westbrook Studios// Warner Bros// Overbrook Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures 

UN HÉROE: CRÍTICA DE CINE

 

Un Héroe, está dirigida y escrita por Asghar Farhadi. “Cuando una pequeña mentira, alcanza dimensiones difíciles de controlar”

Rahim (Amir Jadidi) está en la cárcel por una deuda contraída con Bahram (Mohsen Tanabandeh). Le dan un permiso de dos días y se va a la casa de su hermana, la Sra. Radmehr (Fereshteh Sadr Orafaei), donde también vive su hijo.

Rahim va a buscar a su nueva novia, Nazanin (Sarina Farhadi), quien cuando entran en el coche, le comenta que se ha encontrado en la parada del autobús, un bolso con 17 monedas de oro. Deciden venderlas para poder pagar parte de la deuda y así no tener que volver a la cárcel, pero el precio del oro ha bajado y a Nazanin se le ocurre la idea de devolver el bolso a su dueña. Para ello, realiza una fuerte campaña publicitaria, pegando carteles por toda la ciudad.

El guionista y director, Asghar Farhadi, se graduó en Teatro, con un BA en Artes Dramáticas y un Máster en Dirección en la Universidad de Teherán y la Universidad Tarbiat Modarrés. Su debut en el largometraje llegó con “Raghs dar ghobar” 2003, para continuar con “Beautiful City” 2004, “Fireworks Wednesday” 2006, “A propósito de Elly” 2009, “Nader y Simin, una separación” 2011 (Óscar, Globo de Oro, Oso de Oro y otros premios internacionales a Mejor Película de habla no inglesa), “El pasado” 2013, “El viajante” 2016 (Mejor Película de habla no inglesa, entre otros premios) “Todos lo saben” 2018 y “Un Héroe” 2021. También ha dirigido la serie “Chashm Be Rah” 1998 y 61 episodios de “Dastane yek shahr” 2000/01.

Una historia sencilla y profunda, sello característico e innegable al que ya nos tiene acostumbrados Farhadi, en donde no importa tanto el tema a tratar, como el contenido del mismo. Una nueva bofetada crítica a esa sociedad que le rodea, a ese país cada vez más estéril en el cual la hipocresía,  pulula con total impunidad.

En esta ocasión el personaje se verá en medio de una encrucijada que comparte con el espectador, gracias a la magnífica cámara en mano que en ningún momento deja de seguirle, para ser testigos de cuantas desventuras le sucederán a lo largo de esos dos días de permiso. Amir Jadidi, se dejará llevar por los vientos que soplan en la ciudad y con ello, pasar de héroe a villano, sin él pretenderlo, pues su único propósito era buscar la forma saldar la deuda y no tener que regresar a la cárcel, pero el destino no se lo pondrá fácil, jugando con sus emociones, sentimientos y poniendo a prueba su temple, mientras desnuda la realidad del país. 

Un filme cautivador y realista, bajo una dirección tan sutil que apenas se aprecia, pero sentimos en cada uno de los fotogramas y a las magníficas interpretaciones, destacando a un Amir Jadidi en puro estado de gracia, dando vida a un personaje, que por más que intenta explicar que él no es un héroe y que su objetivo era vender las monedas para pagar la deuda que le priva de su libertad, nadie quiere hacerle caso, porque la sociedad en ese momento precisa de un héroe y lo encuentran en él, convirtiéndose en el punto de mira de sus ciudadanos, para luego pasar a formar parte de la diana en la que descargar las frustraciones, los miedos, las envidias, los rencores, la codicia, los problemas y dejadez administrativa y todo un rosario de adversidades, que siendo de otros, caerán sobre él. Rahim, como se llama el personaje, representa a cuantas personas se han sentido manejadas como marionetas, llevadas de un lado a otro y abandonadas, cuando ya no interesan, buscando una nueva víctima, una nueva cabeza de turco, que les salve de sus incompetencias. Jadidi está muy bien acompañado por un reparto extraordinario, cuya naturalidad traspasa la pantalla, mostrándonos lo cotidiano de sus calles, de sus hogares, de los espacios administrativos, de los medios de comunicación, del poder de las redes sociales, de los comercios y de aquellas situaciones con las que nos podemos topar en cualquier ciudad, entre la falsa moral y la hipocresía innata al ser humano, que en un minuto te suben a los altares y en medio segundo, te embarran en el lodo.

Asghar Farhadi, vuelve a abrazar a ese cine social y tan necesario, para que muchos abran los ojos y despierten de sus letargos, que duran demasiado. Una obra con puntos de humor muy afilados, no exenta de dramatismo y un ritmo  ágil, que agradecerá el espectador. Quiero terminar con la frase que comencé, pues considero que es la mejor manera de definir esta fantástica fábula social “Cuando una pequeña mentira, alcanza dimensiones difíciles de controlar.

Mi nota es: 8

FOTOGRAFIA: Ali Ghazi y Arash Ramezani

ESTRENO en ESPAÑA: IMPORTANTE, SE RETRASA AL 4 DE MARZO. 

REPARTO: Amir Jadidi, Abolfazl Ebrahimi, Mohsen Tanabandeh, Fereshteh Sadrorafaei y Sarina Farhadi.

PRODUCTORA: Asghar Farhadi Productions// Memento Films International// Memento Films Production// arte France Cinéma.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

FLIXOLÉ ESTRENA UNA VERSIÓN INÉDITA DE "ARREBATO"

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que FlixOlé estrena una versión inédita de “Arrebato”, la película de culto de Iván Zulueta.

Cine dentro del cine, vampirismo, drogas y el síndrome de Peter Pan componen la que sin duda es la película de culto por excelencia del cine español: “Arrebato” (1979). Filmada por Iván Zulueta, esta magnética cinta capaz de succionar la energía tanto de sus protagonistas como del espectador se ha convertido en todo un mito de muy difícil acceso.

Ahora FlixOlé estrena en exclusiva el próximo 21 de enero una versión inédita de Arrebato que permitirá disfrutar de este largometraje con una calidad de imagen y sonido como nunca antes se había visto, y desde el salón de casa.

Adelantada a su tiempo, la película muestra cómo el cine y los fotogramas atrapan a sus entusiastas: José Sirgado (Eusebio Poncela) es un director de serie B en plena crisis creativa y personal, incapaz de romper con su expareja (Cecilia Roth). Inmerso en una espiral de autodestrucción, y con las drogas como acicate, José recibe noticias de un antiguo conocido, Pedro (Will More). Se trata de un extravagante joven que graba en Super 8 y cuya obsesión por controlar el ritmo de sus películas lo lleva descubrir el fotograma rojo. El hallazgo despertará la curiosidad de José, quien emprenderá un viaje hacia el “arrebato”.

Con una escena final capaz de capturar la misma esencia del cine, Arrebato se situó a la vanguardia del séptimo arte patrio de los años 80. Esta extraña e inquietante historia vampírica sin colmillos revolucionó el panorama fílmico español y convirtió a su creador, Iván Zulueta, en un referente; el propio Pedro Almodóvar (quien llegó a doblar a Helena Fernán-Gómez en la cinta) lo catalogó como el David Lynch pop español.

No obstante, la cinta también lo etiquetó como un director maldito. Siendo Arrebato su segundo largometraje, el realizador vasco no volvió a rodar más películas; a pesar de los numerosos intentos de sus compañeros por traer de vuelta su original y necesario cine a la gran pantalla.

Pases en Cineteca y el especial sobre Iván Zulueta.

Preámbulo de la Movida Madrileña, el estreno de Arrebato en salas fue poco menos que anecdótico. Sin embargo, el tiempo ha hecho justicia con la película y el público que ha tenido la ocasión de verla la ha acogido como la joya que es. La restauración del largometraje por parte de FlixOlé y la futura incorporación del mismo a su catálogo permiten ahora que la fama de la cinta no se transmita únicamente de oídas.

En colaboración con FlixOlé, Cineteca Madrid proyectará una copia restaurada en 4K de Arrebato. Proporcionada por la plataforma de cine español, la versión remasterizada del film se podrá ver en la Sala Azcona (ubicada en el espacio Matadero de Madrid) los días 7, 8 y 9 de enero.

Igualmente, con motivo del estreno de Arrebato en FlixOlé, desde la plataforma ha elaborado una publicación en torno al director vasco que firmó la obra maestra. Bajo el hashtag #ElMundoDeIvánZulueta, el especial recorre el místico anecdotario que rodea al cineasta, sus películas, y su faceta de cartelista; y es que la mano de Zulueta era muy codiciada a la hora de elaborar las portadas de grandes películas.

Por último, a través del podcast “A Quemarropa”, los periodistas y críticos de cine Tonio L. Alarcón y Roberto Morato dedicarán dos programas a la figura de Iván Zulueta los días 7 y 21 de enero. En el primero, se adentrarán en su cinta de temática pop Un, dos tres…Al escondite inglés y contará con la participación del escritor y director Álex Mendíbil. Ya el 21 de enero, se sumergirán en las turbias imágenes de Arrebato junto con el productor Enrique López Lavigne. 

FlixOlé está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, Zapi TV, Amazon Prime Video o a través del ordenador. Además las películas se pueden descargar para ver sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

EL PODER DEL PERRO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Australia, Reino Unido y Nueva Zelanda, El poder del perro, está escrita y dirigida por Jane Campion, adaptando la novela de Thomas Savage. “Libra mi alma de la espada, defiéndeme del poder del perro”

Nos encontramos en Montana en el año 1925 con los hermanos Burbank, Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), muy diferentes entre ellos. Mientras Phil es duro, dominante y un líder nato, su hermano resulta ser silencioso, amable y respetuoso. Son los dueños de un rancho que cuenta con un gran número de reses. George está enamorado de Rose (Kirsten Dunst), viuda y con un hijo muy refinado, sensible y estudiante de medicina, Peter (Kodi Smit-McPhee). Cuando George se casa con Rose y se instalan en el rancho, Phil se vuelve aun más agresivo, ante la decisión de su hermano, hacia su cuñada y el hijo de ésta.

La guionista y directora, Jane Campion, se graduó con una licenciatura en Antropología por la Universidad Victoria de Wellington  en 1975, continuó sus estudios en el Chelsea Art School, se graduó en Bellas Artes en la Sydney College of the Arts en Australia en 1979 y finalmente estudió en la Australian Film, Televisión and Radio School, graduándose en 1984, lugar en el que dirigió los cortometrajes, “Peel” 1982, “An Exercise in Discipline: Peel” 1983, “A Girl´s Own Story” 1984 y “Passionless Moments” y “After Hours” en 1985. En el largometraje debutó con “Sweetie” 1989 para continuar con “Un ángel en mi mesa” 1990, “El piano” 1993, “Retrato de una dama” 1996, “Holy Smoke” 1999, “En carne viva” 2003, “A cada uno su cine” 2008 junto a otros directores,  “8 (ocho)” 2008, “Bright Star” 2009 y este año pasado estrenanría “El poder del perro” 2021. Para televisión se inició con un capítulo para la serie “Dancing Daze” y el telefilme “2 Friends” ambos en 1986 y 8 episodios de “Top of the Lake” 2013/17. Rodó el documental “Le court Des Grands” 2005 y finalizamos con el cortometraje del 2006 “The Water Diary”

Sin la menor duda estamos ante una de las mejores películas estrenadas el pasado año. Un filme inmersivo en el cual, la extraordinaria puesta en escena, proporciona una potente atmósfera desde el inicio de la narración, gracias en parte a la fiel recreación de los decorados, que nos invitan a traspasar las puertas de casas y locales y por supuesto, a ese entorno idílico y crudo, a  partes iguales, que conforman las montañas, valles y ríos, en sus diversas estaciones, sobradamente reconocibles en el género del western, junto al ganado, los aparejos y las tiendas de campaña, como seña de identidad, en donde los hombres se refugiaban de las inclemencias del tiempo, mientras el ganado pastaba en libertad. Un Western contemporáneo en el que Campion se mueve como pez en el agua, pues no es la primera vez que brilla en este terreno. En esta ocasión nos ofrece una historia de amor en donde lo rudo se vuelve sutileza y la fragilidad, crueldad; profundizando en la sique de los personajes de los cuales sabe extraer las luces y las sombras, que guardan celosamente.

Los inteligentes giros en la narración, consiguen que el espectador se mantenga vigilante en todo momento, pues lo que en un principio parece evidente, dejará de serlo, turbando nuestras mentes, hasta caer en una ingeniosa tela de araña, tan bien urdida, que nos hipnotiza; y por si todo esto no fuera suficiente, se apoya en la inquietante y dramática banda sonora de Jonny Greenwood y la extraordinaria fotografía de Ari Wegner. Ahora sí, ahora ya estamos rendidos a sus pies y nos dejamos llevar por una historia de amor tan oscura, como gratificante.

Una película por la que desfilan el alcoholismo, las relaciones tóxicas, el bullying, las envidias y los celos, la impotencia, los arrebatos, los secretos gritados al viento, las apariencias, las amistades envenenadas y la fuerte tensión sexual, que se va filtrando por cada recodo de esos espacios naturales entre lo poético y agreste del lugar. Un filme que muy bien se podría definir como “un drama violento, bajo una fuerte carga sexual y sensual, salvajes y contenidas, en donde el terror psicológico, se va adueñando del entorno y de quienes habitan en él”

 Campion juega con un realismo que estremece y que nos va devorando por dentro, con una ferocidad que duele, entre las verdades y las mentiras,  la nobleza y la tiranía, en medio de los deseos más latentes y los castrados, frente a la falta de integridad, junto a unos personajes que mueren en vida y se envenenan con su propio veneno. Nos obliga mirar a cada ángulo de la pantalla, pues nos lleva de una situación a otra, con el simple chasquido de los dedos. Un filme muy visceral, como las que Peter extrae de los animales muertos, para ampliar sus conocimientos de medicina o castrante, como Phil ejerce sobre el ganado, recién adquirido.

Creo que a estas alturas de la reseña, dejo claro que Jane Campion, ha realizado una extraordinaria película, que ha contado con  un magnífico equipo técnico, del cual destaco la excepcional banda sonora y la impactante fotografía, ya citadas; pero sin sus personajes, la obra no tendría vida y para darles cuerpo y mucha alma, ha contado con un sobresaliente elenco actoral, destacando a un actor que en cada una de sus películas, se supera. Ya no le hace falta demostrar que es un superhéroe, pues ha alcanzado el grado de estrella en el gran firmamento del séptimo arte, iluminando la pantalla cuando aparece en ella, hablo de Bennedict Cumberbatch, en un personaje duro, despreciable y vulnerable, en medio de una batalla constante con el mundo y él mismo. El resto del reparto, vuelvo a repetir, excepcional.

 “La paciencia y la adversidad, hacen al hombre”

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de noviembre 2021

REPARTO: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin Mckenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Geneviève Lemon, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Yvette Parsons y Tatum Warren- Ngata.

PRODUCTORA: See-Saw Films// Max Films Productions// BBC Films// Brightstar Films// Max Films International// Cross City Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix.

NOTICIAS BREVES (CXXXIII)

 

SONY PICTURES nos informa que “MORBIUS” se estrenará en las salas españolas el 1 de abril de 2022.

La nueva fecha de estreno de “MORBIUS”, la esperada nueva película basada en uno de los personajes más enigmáticos de Marvel, llegará exclusivamente a las salas de cine de toda España el próximo 1 de abril de 2022.

Bajo la dirección de Daniel Espinosa y en donde Jared Leto será el encargado de dar vida al Dr. Michael Morbius. Le acompañan en el reparto los actores Matt Smith, Jared Harris, Adria Arjona y Tyrese Gibson.

SINOPSIS: Uno de los personajes más cautivadores y conflictuados de Marvel llega a la gran pantalla con el ganador de un Oscar® Jared Leto transformado en un enigmático antihéroe, Michael Morbius. Peligrosamente enfermo de un extraño trastorno sanguíneo, y determinado a salvar a otras personas que padecen su mismo destino, el doctor Morbius intenta una apuesta desesperada. Lo que en un principio parece ser un éxito radical, pronto desencadena una oscuridad en su interior. ¿Se impondrá el Bien sobre el Mal? ¿O sucumbirá Morbius a sus misteriosas nuevas necesidades?

LA ÓPERA “LA TRAVIATA” Y EL BALLET “ROMÉO ET JULIETTE”, EN CINES EN ENERO.

A Contracorriente Films y Rising Alternative traen este mes de enero a la gran pantalla dos de los títulos más conocidos del repertorio clásico: “LA TRAVIATA” de Giuseppe Verdi, y el ballet “ROMÉO ET JULIETTE”.

La producción de “LA TRAVIATA” del Teatro dell’Opera di Roma, dirigida por el director de cine y guionista italiano Mario Martone, y filmada durante el cierre de teatros debido a la pandemia, se verá en cines como nunca se ha visto. Dado que la producción no pudo representarse sobre los escenarios, el director Mario Martone decidió realizar una auténtica ópera-film pero con un enfoque tradicional: “Los espectadores no observan desde el exterior, sino que se sitúan dentro de la obra involucrándose en la acción, cara a cara con los protagonistas, chocando casi con los asistentes que acuden en masa a las fiestas en casa de Violetta”, comenta el propio director.

Normalmente cuando hablamos de una ópera-film nos viene en mente una ópera filmada fuera de las paredes de un teatro y en un escenario lo más realista posible. Sin embargo, en esta producción de Mario Martone, un director que conoce profundamente la ópera, el cine y el teatro, esta última disciplina está muy presente. De hecho, el Teatro es el gran protagonista. Todo, salvo un par de secuencias muy breves, se desarrolla íntegramente dentro del recinto: en la platea, en los palcos, en el vestíbulo, en el salón de descanso, en las escaleras… El elemento escenográfico más impactante es el gran candelabro de seis metros de diámetro que desciende del techo hasta colgar sobre las cabezas de los cantantes, y esto también forma parte del propio teatro.

La soprano estadounidense de origen cubano Lisette Oropesa representa el papel de Violetta. Aunque ha interpretado a este personaje en varias ocasiones, esta producción fue toda una novedad para ella. Así describe sus impresiones durante el rodaje: “Hemos trabajado duro para armar una producción a gran escala, con una puesta en escena y una realización cinematográfica bien pensadas. Esta ha sido la primera vez que soy parte no solo de una ópera, sino también de la realización de una película”.

Dirección y escenografía: Mario Martone

Dirección musical: Daniele Gatti

Con: Lisette Oropesa, Saimir Pirgu, Anastasia Boldyreva, Roberto Accurso y Roberto Frontali.

LA TRAVIATA estará en cines desde el 8 de enero.

La Ópera de París presenta “ROMÉO ET JULIETTE”, el ballet atemporal con la coreografía original creada por Rudolf Nuréyev, que enfatiza la violencia y la intensidad del drama de Shakespeare al tiempo que celebra su vitalidad y juventud.

La historia de Romeo y Julieta es bien conocida. Dos jóvenes que viven una historia de amor que pretende superar el odio que opone a sus dos familias. El coreógrafo Rudolf Nuréyev creó este ballet de 3 actos para la Ópera de París en 1984 con música de Serguei Prokófiev, y con una fidelidad absoluta a la obra de teatro. Concibió su coreografía para servir en todo momento el texto de Shakespeare, plasmando la pasión que sentía el dramaturgo por el teatro, en una Verona magníficamente reconstruida.

En cada paso de baile, en cada solo, en cada pas de deux, la coreografía logra suscitar emociones y sentimientos, y realzar el amor, la belleza y también el humor y la alegría, la pasión y la violencia. Los decorados que nos trasladan a Verona, los trajes suntuosos y la música de Prokófiev completan el conjunto de este ballet, una verdadera obra maestra, donde todo se reúne para que esta historia de amor eterna nos maraville y nos emocione.

Dirección y escenografía: Ezio Frigerio

Dirección musical: Vello Pähn

Con: Miriam Ould-Braham, Mathias Heymann, Francesco Mura, Stéphane Bullio, Marc Moreau, Hannah O'Neill, Daniel Stokes, Fanny Gors y Le Corps de Ballet de la Ópéra de París.

ROMÉO ET JULIETTE estará en cines a partir del 27 de enero.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “PRISIONEROS DE GHOSTLAND” con NICOLAS CAGE, se estrenará en cines el 28 de enero.

La película de Sion Sono se presentó en el Festival de Sundance y en la Sección Oficial del Festival de Sitges.

“PRISIONEROS DE GHOSTLAND” (“Prisoners of the Ghostland”) es la nueva película del director japonés Sion Sono, uno de los directores japoneses más destacados de las últimas dos décadas gracias a películas como “Suicide Club (El club del suicidio)”, “Love exposure (Exposición de amor)” y “Tokyo Tribe”. La película está protagonizada por Nicolas Cage (“Color out of space”) y se estrenará en cines de nuestro país el próximo 28 de enero.

“Prisioneros de Ghostland” se presentó en la Sección Oficial fuera de competición del Festival de Sitges, tras haber pasado por el Festival de Sundance. También participó en el Fancine Málaga, en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia y en el Terror Molins.

Junto a Nicolas Cage, la película está coprotagonizada por Sofia Boutella, Nick Cassavetes y Bill Moseley.

Sinopsis: Cuando Bernice desaparece sin dejar rastro, su abuelo, el señor de la guerra conocido como The Governor, saca a un ladrón de bancos de la cárcel, le obliga a vestir un traje de cuero equipado con bombas y le da un plazo de cinco días para recuperarla o sufrir consecuencias explosivas. En su aventura, el ladrón buscará también redimirse de sus pecados.

EVA CALLEJA, PRISMA IDEAS y MÁRGENES DISTRIBUCIÓN, informan que CANTO CÓSMICO, NIÑO DE ELCHE” de Marc Sempere-Moya y Leire Apellaniz, se estrenará el 4 de febrero en salas.

Márgenes Distribución estrenará “CANTO CÓSMICO. NIÑO DE ELCHE” el próximo 4 de febrero. La película, dirigida por Marc Sempere-Moya y Leire Apellaniz, es una producción de Señor y Señora y Código Sur, con la financiación de ICAA y Gobierno Vasco y con la participación de Canal Sur.

Como su protagonista, Niño de Elche, este no es un documental convencional. Marc Sempere-Moya y Leire Apellaniz se aproximan al músico español más controvertido de los últimos años desde una perspectiva caleidoscópica que abarca desde su esfera más íntima y familiar a las múltiples reverberaciones de su universo poético. Un retrato con personalidad estética propia que integra además un fecundo diálogo colectivo en torno a esa genealogía artística profundamente española surgida de la dialéctica entre ortodoxia y vanguardia, entre tradición y subversión. Así, la galaxia de Canto cósmico también se conforma a partir de la evocación y la intervención creativa de figuras como Angélica Liddell, José Val del Omar, Los Voluble, Pedro G. Romero, Israel Galván o C. Tangana, entre otros.

Sinopsis: “Canto Cósmico. Niño de Elche” es un profundo retrato de esa personalidad poliédrica a través de las personas más relevantes que componen su obra y vida. C. Tangana, Angélica Lidell, Pedro G. Romero, Raúl Cantizano, Israel Galván o Paqui y Aladino, sus padres, son solo algunas de las voces que, unidas a la de Paco en una polifonía armónica, componen este retrato libre, casi cubista, de Niño de Elche.

Sobre los directores

El alicantino Marc Sempere-Moya y la bilbaína Leire Apellaniz unen fuerzas y codirigen Canto cósmico. Niño de Elche. Ella ha trabajado en numerosos festivales de cine españoles y ha desarrollado una activa labor como productora en películas como El método Arrieta (2013), Ventajas de viajar en tren (2019) o Espíritu sagrado (2021). En 2016 dirigió su ópera prima, El último verano, que presentó en el Festival de Sevilla. Sempere-Moya, por su parte, es un artista multidisciplinar que ya ha dirigido a Niño de Elche en las piezas escénicas “Memoria" y "Comunión”. En cine, fue uno de los protagonistas de El taxista ful (Jo Sol, 2005) y dirigió El ball del vetlatori (2014), película que formaba parte del espectáculo transmedia del mismo título.

A CONTRACORRIENTE FILMS y SHERLOCK FILMS nos informa que “BELLE” de Mamoru Hosoda, cambia su fecha de estreno al 18 de Marzo.

La nueva película del director de “El niño y la bestia” y “Mirai. Mi hermana pequeña” se presentó en el Festival de Cannes y ha participado en la última edición del Festival de Sitges.

BELLE (“Belle: Ryû to Sobakasu no Hime”), la nueva película de Mamoru Hosoda que estrenará SHERLOCK FILMS en nuestro país, cambia su fecha de estreno al 18 de marzo. Tras presentarse en la sección Cannes Premiere del Festival de Cannes, la película participó en la Secció Oficial a Competició del Festival de Sitges.

“BELLE” es el esperado largometraje de animación del cineasta japonés nominado al Oscar Mamoru Hosoda, quien vuelve a formar equipo con Studio Chizu tras las aclamadas “El niño y la bestia” y “Mirai. Mi hermana pequeña”. Esta última se estrenó mundialmente en la Quincena de Directores de Cannes en 2018, ganó el Premio Annie a la Mejor Película Animada y obtuvo una nominación al Oscar. Esta vez, BELLE cuenta con animadores como el coreano Jin Kim, diseñador de personajes en varias películas de Disney como “Enredados”, “Frozen. El reino del hielo”, “Big Hero 6” o “Vaiana”, o los animadores del estudio Cartoon Saloon nominados al Oscar Tomm Moore y Ross Stewart.

“BELLE” cuenta la historia de Suzu, una adolescente acomplejada atrapada en su pequeño pueblo de montaña con su padre. Pero en el mundo virtual de U, Suzu se convierte en Belle, un icono musical con más de cinco mil millones de seguidores. Una doble vida difícil para la tímida Suzu, que tomará un giro inesperado cuando Belle conoce a la Bestia, una criatura tan fascinante como aterradora.

CARAMEL FILMS nos informa que “EL TRIUNFO” de Emmanuel Courcol, se estrenará el 25 de febrero.

“EL TRIUNFO”, dirigida por Emmanuel Courcol, película que cuenta con el sello oficial del Festival de Cannes 2020, y que fue galardonada con el premio a la MEJOR COMEDIA EUROPEA DEL AÑO, llegará a los cines españoles el 25 de febrero. 

Producida por el reconocido director francés Robert Guédiguian, y protagonizada por Kad Meran, ganador del Cesar y protagonista del “hit” internacional “Bienvenidos al norte”, “EL TRIUNFO” es una luminosa comedia inspirada en una historia real de superación sobre un pintoresco grupo de teatro de presidiarios en busca de su gran éxito. Está protagonizada por Kad Meran, Marina Hands y Laurent Stocker.

SINOPSIS: Aunque esté en el paro con frecuencia, Etienne (Kad Meran) es un entrañable actor que dirige un taller de teatro en un centro penitenciario. Allí reúne a un grupo insólito de internos para representar la famosa obra de Samuel Beckett “Esperando a Godot”. Cuando consigue la autorización para realizar una gira fuera de la cárcel con su pintoresca troupe de actores, a Etienne se le presenta finalmente la ocasión de prosperar.

Cada cita con el público se convierte en un nuevo éxito, y entre la improvisada compañía y su director se va forjando una relación única. Pero antes de que se dé cuenta, llega el momento de la última representación, que tendrá lugar en París. ¿Será esa función de despedida el mayor éxito del grupo?

DIAMOND FILMS ESPAÑA nos informa sobre su próximo estreno el 4 de febrero “MOONFALL·

“MOONFALL’, la nueva película apocalíptica de Roland Emmerich, nos trae otra gran catástrofe sobre nuestro planeta. La Luna se ha salido de su órbita y amenaza con colisionar con la Tierra. La película está protagonizada por Halle Berry  y Patrick Wilson, en el papel de dos astronautas que creen tener la clave para salvar a la humanidad, pero tendrán poco tiempo para evitar el cataclismo. Completan este gran reparto John Bradley, Donald Sutherland, Michael Peña y Charlie Plummer.

Sinopsis: Una fuerza misteriosa golpea a la Luna fuera de su órbita y la envía directamente contra la Tierra a toda velocidad. Unas semanas antes del impacto, y con el mundo al borde de la aniquilación, la ejecutiva de la NASA y ex astronauta Jo Fowler (Halle Berry) está convencida de tener la clave para salvar nuestro planeta. Pero solo el astronauta Brian Harper (Patrick Wilson) y el teórico conspiranoico KC Houseman (John Bradley) la creen. Estos héroes organizarán una misión espacial imposible, dejando atrás a todos sus seres queridos, para aterrizar en la superficie lunar e intentar salvar a la humanidad, enfrentándose a un misterio de proporciones cósmicas.

HAYEDA CULTURA nos informa de la Presentación de “Crecer desde el silencio”: la historia de superación de Joaquín Marcelo, coreógrafo y bailarín con pérdida de audición total.

Lleva 30 años sobre las tablas, trabajando como coreógrafo y bailarín en teatros de todo el mundo, en televisión... y el público jamás ha sido consciente de su problema sensorial. Joaquín Marcelo perdió la audición con ocho años, a consecuencia de una meningitis mal diagnosticada, pero eso no le ha impedido perseguir su meta y cumplir sueños: ha compartido escenario con figuras de la talla de Mariah Carey, Olivia Newton-John o The Blue Brothers, y ha creado y dirigido seis obras musicales.

Además del baile, Joaquín tiene otra pasión. Es uno de los referentes mundiales en Jeet Kune Do, el arte marcial creado por Bruce Lee. Fue seleccionado, de hecho, entre candidatos de todo el mundo para interpretar el papel de Bruce Lee en el videojuego “Dragon Warrior”, distribuido por los Universal Studios. Su andadura en el mundo de las artes marciales comenzó a la tierna edad de seis años, a través del Judo y, posteriormente, con la práctica del Kenpo Karate, ganando cinco veces el campeonato nacional. Además, es el introductor en España del Jeet Kune Do original. En la actualidad, imparte cursos por países de Europa, Asia y América. 

Sí, la suya es una historia de superación inspiradora, con mayúsculas, creando puentes de comunicación con las personas sordas.

El parón ocasionado por la pandemia en el mundo del arte le ha permitido reflexionar sobre su larga trayectoria y las dificultades que se ha encontrado por el camino. Un viaje que ha recopilado y comparte ahora en su libro “Crecer desde el silencio”.

La continúa sensación, impuesta por uno mismo o por los demás, de no poder conseguir las metas fijadas, es lo que marca la vida de una persona con discapacidad. Con este libro, Joaquín Marcelo hace un llamamiento a la conciencia social hacia el tema de la discapacidad auditiva, y explica las barreras de comunicación a las que las personas sordas se ven sometidas. Unas barreras que se han acrecentado más, si cabe, en estos días de pandemia debido al uso de las mascarillas.

La sordera es una diversidad funcional que no se aprecia a simple vista y parece ser la gran olvidada. La mayor parte de la sociedad no sabe qué hacer para poder comunicarse con alguien que le indica que no oye. En este libro, Joaquín también señala unas sencillas pautas a seguir para poder crear puentes de comunicación con personas sordas.

PRESENTACIÓN DEL LIBRO EN  MADRID

La presentación de “Crecer desde el silencio” tendrá lugar en Madrid:
 el 20 de enero de 2022 a las 19:00 horas en el Fnac de la calle Goya, 42.

Con la presencia del autor y la compañía de: Antonio Majarro, ex director de Ballet Nacional de España, asistirá en representación de la parte artística del autor, José Valenciano, uno de los más reconocidos entrenadores de boxeo de España, hará lo propio en representación de su faceta marcial y, de forma telemática, Irene Villa, autora del prólogo, hablará sobre la superación de barreras desde la discapacidad.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que Atalante estrenará en cines la versión restaurada de “Francisca” de Manoel de Oliveira, el 28 de enero.  

La première de uno de los largometrajes más celebrados del prestigioso cineasta portugués, tuvo lugar en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes en 1981. Por su parte, la versión restaurada por la Cinemateca Portuguesa que se proyectará en los cines participó en la Mostra de Venecia. Por fin la gran película de Oliveira, considerada una obra maestra por la crítica, llega a las salas con una nueva copia restaurada, en el 40 aniversario de su estreno.

Francisca de Manoel de Oliveira, el retrato de una historia de amor obsesiva, está basada en una novela de Agustina Bessa-Luís. Francisca se estrenó en 1981, participando en la Quincena de los Realizadores de Cannes. La película fue además la representante de Portugal en la 55ª edición de los Premios Oscar. La nueva restauración de la Cinemateca Portuguesa, que llegará a los cines el próximo 28 de enero, participó en la 76ª edición de la Mostra de Venecia en 2019.

El libro Fanny Owen de Agustina Bessa-Luís narraba un pasaje problemático en la vida real del autor Camilo Castelo Branco; en el que su amigo José Augusto se embarcaba en un juego conyugal perverso del gato y el ratón con Francisca, la mujer que amaba el novelista. Esta historia llevó a Oliveira a imaginar nuevas dimensiones de forma y estilo; también ayudó que su esposa, pariente lejana de la histórica Francisca, le diera acceso a un alijo de sus cartas.

Con sus elaboradas tarjetas de intertítulos, su abundancia de planos en los que la acción se orienta directamente hacia la cámara, sus lúgubres interiores y sus espectaculares escenarios de gala, Francisca es una experiencia cinematográfica exigente, suntuosa y absolutamente inimitable y uno de los logros más importantes de Oliveira.

SINOPSIS: Francisca narra la historia de amor del escritor Camilo Castelo Branco por Fanny Owen, una muchacha de origen inglés que, por su parte, se enamora de un compañero, amigo y rival del escritor, José Augusto. En Francisca, el deseo une más bien a los dos hombres y la pasión ata a uno de esos hombres a una mujer. Todo separa a los dos hombres y, por eso mismo, se fascinan uno al otro. ¿Qué puede vincular a un joven escritor pobre y a un joven aristócrata ocioso? El primero escribe para vivir e instalarse en la buena sociedad de Oporto sobre la que ya se pronuncia con bastante aspereza: él la desprecia (pero la envidia), ella lo desprecia (pero empieza a reconocerlo, pues se trata de Camilo Castelo Branco, el futuro autor de Amor de perdición). El segundo, José Augusto, no tiene deseo propio: rico, no tiene nada que ganar, solo puede perder. Camilo le dice con crudeza “Amas por orgullo, amas el lujo de amar”. Para los pobres el deseo, para los ricos, la pasión. El deseo es producción, la pasión desperdicio.

MADAVENUE PR. COMMUNICATIONS y SELECTA VISIÓN nos informan que “THE MEDIUM” dirigida por Banjong Pisanthanakun, se estrenará el 25 de febrero.

Tras su participación en el pasado Festival de Sitges, “THE MEDIUM”, un falso documental que se adentra en el terror espiritual de una tribu tailandesa cuando una médium es poseída por una diosa ancestral, se estrena en cines el próximo 25 de febrero, de la mano de SELECTAVISIÓN. 

Dirigida por Banjong Pisanthanakun y protagonizada por Narilya Gulmongkolpech, tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon (Corea del Sur) y fue galardonada con el premio Bucheon Choice Award a Mejor Película. Posteriormente fue un éxito de taquilla en Asia, convirtiéndose en la cuarta película coreana más taquillera del 2021.

Se trata de una colaboración cinematográfica poco común entre Corea del Sur y Tailandia, que reúne a los maestros del terror de ambos países. El rodaje se realizó en la región de Isan, en Tailandia. 

SINOPSIS: Un documental sobre chamanismo se convierte en una horrible pesadilla cuando una muchacha es poseída por algo diferente a la diosa que todos esperaban.

Una aldea rural en la región de Isan en el noreste de Tailandia. Allí sus habitantes creen que todas las cosas y todos los lugares poseen un espíritu: las casas, los bosques, las montañas, los árboles e incluso los campos de arroz. Un equipo documental se desplaza hasta allí para hacer un seguimiento de la historia de Nim, una chamán que ha creído ver extraños signos en su sobrina Mink que demostrarían que está a punto de ser poseída por la diosa Bayan y heredar su chamanismo como ha sucedido a lo largo de generaciones en su familia. Pero mientras tratan de capturar el misterioso fenómeno, el extraño comportamiento de la muchacha se vuelve cada vez más extremo y Nim comienza a sospechar que lo que la posee no es la diosa que todos esperaban que fuera.

VASAVER, CINEMARAN y GARBO MEDIA nos informa que HIVE (COLMENA), la gran triunfadora en el Festival de Sundance, se estrenará en cines el 4 de marzo.

El próximo 4 de marzo se estrena en cines el drama “HIVE (COLMENA)”, ópera prima de la kosovar Blerta Basholli.

La película, basada en una historia real, se adentra en la guerra de Kosovo a través de una mujer que, sin noticias de su marido, se rebela contra el conservadurismo de su entorno para salir adelante, animando en el camino a otras mujeres.

“HIVE (COLMENA)” está protagonizada por Yllka Gashi, quien ganó el premio a la mejor actriz en la 66 Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).  Completan el reparto Çun Lajçi, Aurita Agushi y Kumrije Hoxha.

La película recibió innumerables reconocimientos, entre ellos destacan tres grandes premios en la categoría internacional del Festival de Sundance 2021, la cita más importante con el cine independiente: gran premio del jurado, premio del público y premio a la mejor dirección.

“Hive (Colmena)” es también una de las 15 películas preseleccionadas al Oscar a la mejor película internacional.  El 8 de febrero se conocerá el listado completo de nominaciones.

Sinopsis: El marido de Fahrije desapareció en la guerra de Kosovo. Además de dolor, su familia está sufriendo las consecuencias económicas de la guerra. Con el fin de mantener a sus dos hijos y a su suegro, abre un pequeño negocio agrícola, pero en la aldea patriarcal tradicional donde vive, su ambición y sus esfuerzos por empoderarse a sí misma y a otras mujeres no se ven como algo positivo. Fahrije lucha no solo por mantener a flote a su familia, sino también contra una comunidad hostil que la anima a fracasar.

Blerta Basholli es una guionista y directora con un estilo visual y realista único. Sus historias abordan cuestiones sociales y de género del país donde nació y se crió, Kosovo. En 2008 fue galardonada con la Beca Decanos en el Programa de Graduados de Cine de la Tisch School of the Arts en NYU. Vivió en Nueva York durante cuatro años, donde tuvo la oportunidad de trabajar en varios proyectos cinematográficos como estudiante. En 2011, regresó a su lugar de nacimiento donde escribió, dirigió y trabajó en muchos cortometrajes y largometrajes. “Hive (Colmena) es su ópera prima, que ha desarrollado desde 2011.

Blerta Basholli: “Una viuda solo debe hacer las tareas del hogar, respetar a sus suegros y quedarse en casa. Estas fueron las palabras que Fahrije Hoti escuchó todos los días por haber obtenido una licencia de conducir y haber comenzado a mantener a sus hijos después de haber perdido a su esposo durante la última guerra en Kosovo.

Además de ser mujer y madre, estaba intrigada por su voluntad y poder, no solo para sobrevivir, sino para lograr algo grandioso y nunca mirar atrás. Su positividad y energía son fascinantes. Eso es algo que quería llevar a la pantalla, un personaje femenino fuerte y lleno de colores, una protagonista femenina que necesitaba ser vista por Kosovo y por un público más amplio. Su decisión de continuar con su vida sin importar lo que fuera fue confusa, dolorosa, a veces incluso divertida, pero profundamente inspiradora”.

HIVE (COLMENA) llegará a los cines el 4 de marzo de la mano de
CINEMARAN y GARBO MEDIA.

GOLEM DISTRIBUCIÓN nos informa que “TODO HA IDO BIEN” de François Ozon, se estrena en salas el 28 de enero.

En su vigésimo largometraje, François Ozon (Paris, 1967) adapta la novela homónima “Tout s'est bien passé”, las memorias de su amiga y colaboradora Emmanuèle Bernheim, novelista, ensayista y reconocida guionista francesa con la que Ozon trabajó en diversas ocasiones.

Protagonizada por Sophie Marceau, la película invita al espectador a debatir y reflexionar sobre el acompañamiento y la aceptación de las últimas voluntades, a través de un sencillo y emotivo retrato familiar protagonizado por un padre y su hija.

Sinopsis: Emmanuèle, una novelista con una vida privada y profesional plena, se precipita al hospital al enterarse de que su padre, André, acaba de tener un accidente cerebrovascular. Cuando se despierta, debilitado y dependiente, este hombre, curioso por naturaleza y amante apasionado de la vida, le pide a su hija que le ayude.

SOPHIE MARCEAU Y LOS INTÉRPRETES.

La actriz francesa Sophie Marceau brilla en su regreso a la gran pantalla, y en su primer trabajo bajo la dirección de Ozon pone el rostro y la emoción de la protagonista de la película, Emmanuèle Bernheim. Sophie Marceau encarna con gran sensibilidad y contención a una hija que descubre en sí misma un valor insospechado para encarar la situación de su padre.

Ganadora del premio César a los 16 años como la actriz más prometedora del cine francés por La fiesta de Claude Pinoteau, Sophie Marceau se ha convertido en una figura importante de la industria alternando éxitos populares y películas de autor. También actuó en Police, de Maurice Pialat, Amor alocado, de Andrzej Żuławski, con quien hizo tres películas más. Su carrera comenzó a adquirir una dimensión internacional con Braveheart, de Mel Gibson (1995), y su papel en James Bond – El mundo nunca es suficiente (1999). Acumula una filmografía de más de cuarenta películas, como Ne te retourne pas de Marina de Van y recientemente La Taularde, de Audrey Estrougo. También ha escrito y dirigido dos largometrajes, Parlez-moi d’amour (2002) y La Disparue de Deauville (2007).

Completan el elenco de TODO HA IDO BIEN los veteranos André Dussollier, Géraldine Pailhas, que ya estuvo presente junto a François Ozon en Joven y bonita, Hanna Schygulla y Charlotte Rampling, fiel colaboradora desde Bajo la arena.

EL DIRECTOR Y SUS PELÍCULAS

Si hay un rasgo  que caracteriza a François Ozon es su firme constancia para  dirigir una película cada año, confeccionando así una filmografía repleta de creatividad y enorme talento que le valió el apodo  enfant terrible del cine francés.

A lo largo de su trayectoria, Ozon ha recibido galardones de diferentes festivales europeos como la Concha de Oro y el Premio del Jurado al Mejor Guion por En la casa (2012). Recibió el Premio TVE- Otra Mirada del Zinemaldia con Joven y bonita (2013) y uno de sus trabajos más aplaudidos, Gracias a Dios (2018), recibió el Gran Premio del Jurado de la Berlinal.

“TODO HA IDO BIEN” se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cannes y en la Sección Perlak del Festival de San Sebastián, certamen donde obtuvo un fuerte apoyo por parte de los espectadores al escalar hasta la tercera posición del ranking del voto del público. Otros títulos del realizador francés mostrados en San Sebastián son “Bajo la arena” (2000), que compitió en la Sección Oficial; “Mi refugio”, Premio Especial del Jurado (2009); “Una nueva amiga” (2014) y “Verano del 85” (2020). Mostró su ópera prima “Regarde La Mer” (1997) en Zabaltegi; “Joven y bonita” (2013), “Frantz” (2016) y “Todo ha ido bien” (2021) son las participaciones de Ozon en la sección Perlak.