TE VAN A MATAR: CRÍTICA DE CINE

Te van a matar dirigida por Kirill Sokolov compartiendo guion con Alex Litvak. “Un festín de sangre, fuego y humor negro en el corazón de Manhattan”

La película arranca con un impactante prólogo: Asia Reaves (Zazie Beetz) dispara y mata a su padre en un acto desesperado por proteger a su hermana María Reaves (Myha`la Herrold), frenando años de maltrato. Pasados 10 años, Asia reaparece frente al The Virgil, edificio que, como se nos relata, fue uno de los más emblemáticos de Manhattan. Tras llamar al timbre, es recibida por Lily (Patricia Arquette), la directora. Asia se presenta como la nueva empleada. El lujo y la tranquilidad del lugar son tan solo una fachada, pues tras instalarse, es asaltada por figuras encapuchadas y vestidas de negro, desatándose la primera escena de acción y gore, que nos advierte que los residentes esconden un secreto sangriento tras su apariencia de éxito. Lo que los residentes no sospechan es que Asia no es una víctima fácil; su verdadera misión es infiltrarse en las entrañas del edificio para rescatar a su hermana.

Será a partir de esta primera escena donde Sokolov imprime un ritmo endiablado en un escenario casi único. El edificio acogerá un festín de pasillos infinitos y puertas que esconden secretos, como si estuviéramos en el interior de una compleja casa del terror, un escenario donde el director despliega un abanico de referentes. Se percibe la genialidad de Tarantino en trabajos como el western “Django desencadenado” o la inolvidable “Kill Bill” pasando por la mala leche de la protagonista en “Noche de bodas” de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett o la secuencia del ojo en “Terroríficamente muertos” del más gamberro Sam Raimi. La secuencia del ojo, en esta ocasión un “ojo espía”, no es solo un homenaje a Terroríficamente muertos, sino una declaración de intenciones: aquí la sangre se salpica con carcajadas y al espectador no le importa verse rodeado de vísceras de todo tipo.

Esta función llevada al extremo casi teatralizado, no alcanzaría su cenit si no fuera por las interpretaciones de sus dos protagonistas principales, pues el resto son peones indispensables de este ritual endiabladamente sádico, cómico y sangriento. Por un lado la increíble Zazie Beetz, dando vida a una desatada, violenta y furiosa Asia Reaves, quien es capaz de matar sin pensárselo dos veces, con tal de que su hermana esté a salvo. Su interpretación es difícil de describir, hay que verla en acción para justificar mis palabras. Está simplemente brutal. Aquí no existe la palabra contención sino desenfreno. Y Patricia Arquette quien encarna, y nunca mejor dicho, a Lily. Una mujer en apariencia elegante que realmente exuda cinismo y maldad por cada uno de sus poros. Es la anfitriona perfecta para elevar esta pesadilla en donde lo inimaginable se hace realidad. Donde los muertos no mueren al ser inmortales pero sí derrochan litros y litros de sangre, como si de aspersores se tratara.

“Este edificio es un templo a Satán. Cada mes tenemos que ofrecer un sacrificio humano”

Todo este festín visual y visceral está recreado por la excelente fotografía de Isaac Bauman, dotando a cada planta del edificio y espacios determinados de una atmósfera única inspirada en los círculos del infierno de Dante. Los tonos ocres contrastan con los marrones de las maderas y los contraluces potencian el infierno en el que se ve envuelta Asia. Frente a esas puertas abiertas donde la oscuridad absoluta la espera, ella sabe contraponerse convirtiendo el hacha en un arma y antorcha a la vez. Un recurso vital, ya que en este templo los residentes poseen una regeneración grotesca; si los despedazas, vuelven a encajar cada miembro amputado en su sitio. El fuego es el único elemento para su aniquilación, y el hacha llameante, además de un efecto visual perfecto entre la oscuridad reinante, le sirve a Asia para iluminar su camino y, al mismo tiempo, ejecutar el golpe de gracia definitivo.

Como el mejor amante que puede tener la fotografía en el cine, entre todo ese despliegue de fuego y acero se abre camino la banda sonora de Carlos Rafael Rivera, quien entre sus notas inyecta un pulso frenético que no da tregua, convirtiendo cada hachazo en una nota de esta sinfonía del caos y al pentagrama, navegando entre el drama emocional y el terror más sádico.

En definitiva, “Te van a matar” es un festín de gore muy disfrutable, no solo por los golpes de terror, sino por ese humor negro que consagra a Kirill Sokolov como un maestro del exceso que sabe cómo dibujar una sonrisa en el espectador tras el caos vivido y sufrido. Un filme por el que desfilan todo tipo de armas e incluso aquello que nunca se ha utilizado como tal. Al salir del cine, es como haber estado en una montaña rusa no apta para todos los estómagos, pero me atrevo a decir que imprescindible para quienes buscan experiencias salvajes, divertidas y visualmente impecables.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo.

REPARTO: Zazie Beetz, Myha`la Herrold, Paterson Joseph, Tom Felton, Patricia Arquette, Heather Graham, Darron Meyer, Gabe Gabriel, Megan Alexander y Chris van Rensburg.

PRODUCTORA: Film Afrika Entertainment// New Line Cinema// Skydance Productions.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros. Pictures España.

Filmografía del director

El montador, guionista y director de cine Kirill Sokolov, se graduó en la Universidad Politécnica Pedro el Grande de San Petersburgo en Física y Tecnología de Nanoestructuras obteniendo un máster en 2012. Asistió a Cursos Avanzados para Directores de Cine y Guionistas (VKSR). Se inició con los cortometrajes “Sizif schastliv” y “Byvaet i Khuzhe” en (2012), “The Outcome” (2014) y “Ogon” (2015) en el largometraje, debutó con “¿Por qué no te mueres?” (2018), “Sin mirar atrás” (2021) y este año estrena “Te van a matar” (2026).

AMARGA NAVIDAD: CRITICA DE CINE

Amarga Navidad está escrita y dirigida por Pedro Almodóvar. “¿Quién crees que eres para salvar a nadie?”

La historia arranca presentándonos a Elsa (Bárbara Lennie), quien trabaja como directora de publicidad. Durante una despedida de soltera, conoce al stripper Bonifacio “Bo” (Patrick Criado), de profesión bombero, a quien ofrece un trabajo como modelo para un anuncio de slips. Durante el rodaje de dicho anuncio recibe la llamada del hospital, anunciándole que su madre ha fallecido. Bo la ayudará a pasar el trance y estará a su lado durante la crisis de pánico que sufre. En ese periodo comenzará entre ellos una relación sentimental. Elsa decide tomarse unas vacaciones en Lanzarote con una amiga, Patricia (Victoria Luengo), mientras Bo se queda en Madrid trabajando.

Paralelamente conoceremos a un famoso director de cine, Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), a su secretaria Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), quien, tras 20 años trabajando con él, decide despedirse, y a Santi (Quim Gutiérrez), con quien mantiene una relación amorosa. Las dos historias se entrelazan, flirteando con la ficción y la realidad. ¿Estamos ante la obra más crepuscular del maestro?

Me resultó extraña la sensación que tuve al salir del pase de prensa, aunque últimamente me sucede con cada nueva obra que el director manchego nos ofrece. Está claro que atrás ha quedado, hace tiempo, el Almodóvar gamberro, divertido, juguetón, provocador e innovador, que disfrutaba junto a sus actores de las locas historias que se le ocurrían y que, tras plasmarlas en el guion, llenaba de color, sofisticación y extravagancia la gran pantalla, sobre todo en aquellos tiempos de La Movida Madrileña. La frescura y originalidad de aquel joven director irreverente y transgresor ha mudado a un cine más clásico, reflexivo, intimista y, si se me permite la expresión, más conservador, sin perder su genialidad. El cine del maestro ha transmutado junto a él: ha madurado a través de sus experiencias vividas, de los fantasmas del pasado, de la vida y de la muerte tan presente, y de esa soledad en la que se refugia. Ahora Almodóvar, con Amarga Navidad, nos lanza un nuevo grito ¿De auxilio?

Amarga Navidad no es solo una historia de duelo, es una obra que clama redención, en la que el autor se desprende de su fiel coraza y toma a Raúl como su alter ego (no es la primera vez que algo similar nos ofrece, siendo  “Dolor y Gloria” la más reciente, pero no con tanta generosidad) y a Mónica como la conciencia. Con ella mantendrá un conflicto intrapersonal que le lleva a crear un ecosistema que navega entre la ficción y la realidad, desembocando en la que, para mí, es la escena cumbre, la más brillante de toda la película: Raúl necesita hablar con Mónica y esta accede. Pasean por un parque y, en medio de la conversación, deciden sentarse en una pequeña mesa, frente a frente. En la soledad y silencio que el entorno les brinda, se liberan, rompiendo las cadenas de aquello que les aprisiona y no se han atrevido a decirse en los 20 años que han trabajado juntos; sobre todo, ella a él, como la conciencia a la que más de una vez nos deberíamos enfrentar.

Esa ruptura emocional entre dos seres que se conocen a la perfección y se idolatran, se convierte en el grito liberador de Almodóvar y el regalo que brinda al público, al que tanto debe y respeta, quizás en su momento profesional más reflexivo. Esa liberación, a mi juicio, no solo es el culmen de la obra en el que Aitana Sánchez-Gijón y Leonardo Sbaraglia mantienen el pulso interpretativo, sino que abrasa al espectador fiel, mientras él alcanza la redención. De nuevo, como es inherente a su filmografía, la fotografía  y la música se presentan como personajes vitales que transmiten aquello que las palabras no pueden. Sellos inequívocos del maestro que, en esta ocasión, se apoya en el director de fotografía Pau Esteve Birba; este, si bien capta la esencia almodovariana con colores primarios y saturados sobre las prendas de las protagonistas y en algunos de los  elementos que componen los decorados, la embellece con texturas de luz naturalista y sombría para potenciar la melancolía, la soledad o la calidez. Del mismo modo destaca la abundancia de los planos detalle, medios, cortos con el fin de acercar al espectador aún más a la psique del autor.

En cuanto al apartado musical, Almodóvar, quien posee una cultura melómana envidiable, rinde homenaje a la gran Chavela Vargas con su versión de “La Llorona”, además de recordarnos que el propio título del filme, “Amarga Navidad”, es otra de las piezas emblemáticas de la cantante mexicana. En contraste con la voz curtida y rota de Chavela, nos encontramos con la de Amaia Romero, quien tiene un pequeño papel como invitada a una fiesta donde interpreta un tema con gran sentimiento. Por su parte, la banda sonora original recae de nuevo en Alberto Iglesias, responsable de traducir los latidos del corazón de la obra, como ya nos tiene acostumbrados. Nadie como él conoce a Pedro: en sus notas advertimos el estado anímico no solo de los personajes, sino del director detrás de las cámaras. Iglesias subraya cada palabra, silencio y emoción a través del amplio crisol de espejos que proyecta el filme, envolviendo al espectador en una atmósfera sensorial extraña, honesta y dolorosa.

En el plano interpretativo, destaca una excepcional Bárbara Lennie, quien maneja el dolor con una contención que hiela. Su vulnerable Elsa se rinde confiada ante el Bo seductor, soñador, sensual y cariñoso que borda Patrick Criado. Por su parte, Leonardo Sbaraglia encarna a la perfección al creador agotado, perseguido por los fantasmas del pasado y un miedo irracional a la soledad, mientras que Aitana Sánchez-Gijón resulta impecable como Mónica, su antigua secretaria. Junto a ellos, el resto del magnífico elenco cumple sobradamente con sus personajes.

Finalizo afirmando que estamos ante el filme más personal e intimista del director, un trabajo que homenajea su propia trayectoria con un gran abanico de guiños. Puedo afirmar que no es su mejor obra, pero sí la más reveladora y descarnada, cuyos paisajes de Lanzarote, te invitan tanto al descanso como a la reflexión. Porque esta película entre otras cosas, va de la reflexión sobre la vida y el ocaso de la misma. El guion es brutal, sincero y doloroso, un filme que no dudo que dividirá al público. Con Amarga Navidad, el manchego lanza un guiño cómplice a quienes, desde aquel “Pepi, Luci, Bom… y otras chicas del montón” en 1980, lo han, lo hemos seguido en su viaje por este mundo mágico del cine.

Mi nota: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de marzo.

REPARTO: Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez, Rossy de Palma, Carmen Machi, Gloria Muñoz, Antonio Araque, Antonio Romero, Samuel López, Laura Ledesma, Tusti de las Heras, Nourdin Batan, Mairén Muñoz, Diogo Belizàrio, Raquel Ventosa, Miguel Gorbe y Nacho Peinado.

PRODUCTORA: El Deseo// Movistar Plus+

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

BIOGRAFÍA DE PEDRO ALMODÓVAR

El guionista, productor y director, Pedro Almodóvar, estudió el bachillerato con los padres salesianos y franciscanos, en Cáceres. A los 18 años se trasladó a Madrid con la intención de estudiar cine, pero se encontró con la escuela cerrada y comenzó a trabajar en Telefónica. Pronto se sumergió en la llamada movida madrileña, formando parte del grupo teatral “Los Goliardos” donde conoció a Carmen Maura y del dúo punk-glam rock junto a McNamara. Rodó algunos cortometrajes en Súper ocho, el último de ellos fue “Salomé” (1978) y dos años más tarde debutó en el largometraje con  “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” (1980), para continuar con  “Laberinto de pasiones” (1982),  “Entre tinieblas” (1983), “¿Qué he hecho yo para merecerme esto!” (1984), “Matador” (1986), “La ley del deseo” (1987), “Mujeres al borde de un ataque de nervios” (1988), “¡Atame!” (1989), “Tacones lejanos” (1991),  “Kika” (1993),  “La flor de mi secreto” (1995), “Carne trémula” (1997), “Todo sobre mi madre” (1999), “Hable con ella” (2002), “La mala educación” (2004),  “Volver” (2006), “Los abrazos rotos” (2009), “La piel que habito” (2011),  “Los amantes pasajeros” (2013), “Julieta” (2016), “Dolor y Gloria” (2019), “Madres Paralelas” (2021), “La habitación de al lado” (2024) y este año nos llega “Amarga Navidad” (2026). También ha dirigido el mediometraje “La voz humana” (2020), “Extraña forma de vida” (2023), el cortometraje “La concejala antropófaga” (2009) y para televisión, el anuncio para Pastas Ardilla del año (1996) y el tráiler para amantes de lo prohibido (1985).

CUMBRES BORRASCOSAS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, “Cumbres Borrascosas”, está guionizada y dirigida por Emerald Fennell. “El verdadero amor nunca arde en el infierno”

Catherine Earnshaw (Charlotte Mellington/ Margot Robbie) vive  en Cumbres Borrascosas con su padre viudo (Martin Clunes), la joven adoptada Nelly Dean (Vy Nguyen/ Hong Chau) y el huérfano al que recoge su padre y llamará Heathcliff (Owen Cooper/ Jacob Elordi). Desde el primer día entre Catherine y Heathcliff se crea  un fuerte  vínculo que al crecer, se transformará en amor. Por otro lado en el silencio de la gran mansión, las envidias y celos, cegarán a Nelly.

Catherine se entera de que están arruinados y siente la obligación de casarse con Edgar Linton (Shazad Latif), un apuesto millonario que se ha instalado junto a su hermana Isabella Linton (Alison Oliver), en la Granja de los Tordos. Se desahoga con Nelly, pues su amor por Heathcliff es mucho más fuerte, pero Nelly la traiciona y Heathcliff, creyendo que Catherine ya no lo ama, decide desaparecer. Catherine se arrepiente de la decisión de casarse y se queda esperándolo, pues está segura, por la promesa que le hizo de joven, de que nunca la abandonaría. Pasado un tiempo y al ver que no regresa, se casa con Edgar… Y hasta aquí os cuento de este gran melodrama que seguramente la gran mayoría habréis leído en la novela de Emily Brontë.

La guionista, actriz, productora, directora, Emerald Fennell, asistió al Marlborough College para continuar sus estudios de lengua inglesa en la Universidad de Oxford. Durante dichos estudios, actuó en obras de teatro universitarias. Como actriz ha trabajado en televisión en series como “New Tricks” 2010, en el telefilme “The Lady vanishes” 2013,  en la serie “Call the midwife” 2013/17 o “The Crown” 2019/20 entre otras. En la gran pantalla se la ha visto en películas como “Albert Nobbs” 2011 de Rodrigo García, “Anna Karenina” 2012 de Joe Wright, “La chica danesa” 2015 de Tom Hooper o “Pan” 2015 de Joe Wright y en la dirección debutó con el cortometraje “Cuidado como vas”  2018 y en el largometraje debutó con “Una joven prometedora” 2020 continuando con “Saltburn” 2023  y este año nos ofrece “Cumbres Borrascosas” 2026.

Son varias las versiones con las que ha contado esta novela, desde el clásico “Cumbres Borrascosas” 1939 de William Wyler a “Abismos de pasión” 1953 de Luis Buñuel, “Cumbres Borrascosas” 1970 de Robert Fuest, “Cumbres Borrascosas” 1985 de Jacques Rivette, “Cumbres Borrascosas” 1988 de Yoshishige Yoshida,  “Cumbres Borrascosas” 1992 de Peter Kosminsky, “Cumbres Borrascosas” 2011 de Andrea Arnold, “Cumbres Borrascosas” 2019 de Tony Rodríguez y este año nos llega “Cumbres Borrascosas” 2026 de Emerald Fennell. Para televisión cuenta con: La miniserie “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond, “Cumbres Borrascosas” 2004 de Fabrizio Costa y “Cumbres Borrascosas” 2009 de Peter Bowke. Las series “Cumbres Borrascosas” 1976 de Grazio D`Angelo y “Cumbres Borrascosas” 1979 de Ernesto Alonso y Karlos Velázquez. Los telefilmes “Sparkhouse” 2002 de Robin Sheppard, “Cumbres Borrascosas” 2003 de Suri Krishnamma y “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond.

Jugando con una frase que Heathcliff dedica a Catherine, a mí, como romántico que me considero, le hubiera dicho que el verdadero amor nunca arde en el infierno, aunque debo reconocer que de amor e infierno, tanto ella como él, pueden hablar mucho, pues el suyo, tan intenso y verdadero, pasa por un auténtico infierno o calvario, como se quiera denominar, por obra y gracia de la escritora que los creó para sufrir. Un ejercicio de “masoquismo emocional” en unos tiempos en donde amar, visto desde una perspectiva poética, no era sinónimo de felicidad, sino de adversidad. Drama que cala en el espectador, incluso conociendo sus historias y desenlaces, gracias a esta adaptación libre, donde Fennell ha puesto su corazón y alma, algo que queda evidente en el visceral y brillante resultado.

La atmósfera gótica y melancólica de la Inglaterra del siglo XVIII, ideada por Emily Brontë, cobra vida en los escenarios naturales de los Páramos de Yorkshire (la región de Brontë, Top Withens y los alrededores de Haworth), mientras que los interiores han sido recreados en Sky Studios Elstree. Un romance gótico excepcionalmente fotografiado por Linus Sandgren, en 35mm VistaVision, cuya lente captura cascadas de lluvia que abrazan y sexualizan a los personajes, nieblas densas que revelan figuras deseadas, y truenos y relámpagos que subrayan la tensión emocional. Todo bajo lunas llenas que coronan cielos magistralmente dramatizados. Una atmósfera gótica pero moderna.

Como siempre y como ya sabéis, me gusta hermanar la fotografía con la banda sonora como personajes no carnales y si bien la fotografía es la parte visual de la película, los latidos del filme los proporciona la banda sonora, en esta ocasión bajo la batuta de Anthony Willis (quien ya trabajó con Fennell en “Saltburn” y “Una joven prometedora”) y Charli XCX, reforzándola en un álbum de canciones originales con ese aroma tradicional celta.

En cuanto al reparto, felicitar la elección de Margot y Jacob, pues la química entre ellos es absoluta, apoyándose en unos secundarios que enriquecen esta versión libre, pero efectiva, desde el plano dramático y esencia de la novela donde además de los personajes principales, que no me cansaré de decir que están soberbios, destacaría a Shazad Latif con un Edgar Linton dramático y vulnerable a la vez. La inquietante Hong Chau, que nos regala una Nelly que nos pone los pelos de punta y que me trajo recuerdos de Rebeca de Hitchcock y Alison Oliver encarnando a un personaje frío y calculador.

Resumiendo, esta visión de Emerald Fennell, debe disfrutarse como lo que es, un drama potente y libre que te mantiene anclado a la butaca. Una obra que funciona a la perfección en su conjunto y que, a mi juicio, es una obra recomendada para románticos y amantes del género, que no teman quemarse en este infierno de celuloide.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Ewan Mitchell, Martin Clunes, Alison Oliver, Owen Cooper y Vy Nguyen.

PRODUCTORA: MRC Film// LuckyChap Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

ÍDOLOS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España e Italia, IDOLOS, está dirigida por Mat Whitecross con guion de Jordi Gasull, Inma Cánovas y Ricky Roxburgh “No le eches la culpa a tu compañero, échale la culpa a tu miedo”

Edu Serra (Óscar Casas) es un piloto de MotoGP, quien tras caerse al tomar una curva durante una carrera, discute con su entrenador y se va de mala gana. Trabaja como repartidor y una mañana descubre que debajo de su casa, una joven tatuadora, Luna Cardona (Ana Mena), acaba de abrir un estudio de tatuaje. La atracción entre ambos surge al instante.

A Edu le dan la oportunidad de formar parte de la escudería Aspar Team de Moto2, con la condición de ser entrenado por Antonio Belardi (Claudio Santamaria), a lo que él se niega y se cabrea, porque Antonio es su padre,  quien tras tener un aparatoso accidente durante una carrera y fallecer en ella su mejor amigo, se retira de las competiciones y les abandona a él y a su madre (ahora fallecida). Edu siempre tiene presente la memoria de su madre, repudiando a su padre.

Mat Whitecross, se inició en la industria como asistente. En la dirección cuenta con  los cortometrajes: “Job Street” 2005 y “Red Nose Day Actually” en 2017. Los  largometrajes: “Camino a Guantánamo” 2006, “La doctrina del shock”,  “Moving to Mars” y “Sexo, drogas y rock`s roll” todas en 2009, “Spike Island” y “Ashes” en 2012, “Oasis: Supersonic” 2016, “Coldplay. A head full of dreams” 2018, “El sonido de 007” 2022 y este año nos ofrece “Ídolos” 2026. Ha dirigido capítulos para las series: “Nearly Famous” 2007, “Spooks: Code 9” 2008, “Vic and Bob´s Big Night Out” 2018/19 y “Rising Phoenix: Road to Tokyo” 2024. Para las miniseries: “Fleming” 2014, “The Kings” 2021 y “This England” 2022. El telefilme “Bauhaus 100” 2019. El especial para TV “Coldplay`s Game of Thrones: The Musical” 2015, el vídeo: “Riz MC: Post 9/11 Blues” 2006 y  numerosos videoclips entre los que encontramos: “Coldplay: Bigger Stronger” 2005, “Coldplay: Violet Hill (Dancing Politicians Version),  “Coldplay: Lost!”, Coldplay:Lovers in Japan” y “Coldplay Feat. Jay-Z: Lost+” todos en 2008, “Take That: The Flood” y “Coldplay: Christmas Lights” en  2010, “Take That: Kidz”, “Coldplay: Paradise” y “The Rolling Stone: No Spare Parts” en 2011, “Coldplay: Every Teardrop Is a Waterfall” y “Coldplay: Charlie Brown” en  2012, “Coldplay: A Sky Full a Stars” 2014, “Coldplay: Adventure of a Lifetime” 2015, “Take That: Giants”, “The Chainsmokers & Coldplay: Something Just Like This (Tokyo Remix) y “Vic & Bob`s Night Out” en  2017, “Liam Gallagher: Paper Crown” y “Coldplay Live in São Paulo” en 2018, “Coldplay: Orphans” 2019, “Pink Floyd feat: Andriy Khlyvnyuk of Boombox: Hey Hey Rise Up” y “Coldplay:Biutyful” en 2022.

Si el pasado año nos visitó el automovilismo con “F1: La Película” de Joseph Kosinski, en este inicio del 2026 nos llega el motociclismo aupado por Mat Whitecross. Ambos títulos se pueden dar la mano, pues aunque las producciones presenten algunas diferencias notables, Ídolos posee la fuerza, el arrojo y  una latente rivalidad que visten en el día a día y en cada competición, al joven Edu, piloto de MotoGP, cuya ira enraizada en un pasado triste y oscuro, le persigue como fantasma en el presente, no dejando que se desarrolle todo su potencial.

El rugir de las motos en la pista se percibe con toda intensidad desde la butaca, gracias al extraordinario sonido; mientras que el amor y las luchas internas del personaje, alimentados por el duelo del pasado, la rabia contenida, la ausencia de una madre y del abandono de un padre e incluso de los enfrentamientos con su entrenador y otros compañeros; compiten  con el amor que, como bálsamo renovador llega a la vida de Edu, curando las heridas y lo más importante, disipando las sombras que ocultan la luz de un nuevo tiempo, aunque para ello deba vivir su propio viacrucis.

En el reparto nos encontramos con Claudio Santamaria como el padre y el nuevo entrenador de Edu. Los roces entre ambos resultan de lo más convincentes. Padre e hijo deben hacer frente a sus propios demonios, si quieren alcanzar la paz que sus mentes y cuerpos demandan. Enrique Arce se mete en la piel del jefe de la escudería del equipo Aspar Team de Moto2, quien ve en Edu esa rabia, valor y potencial para ser un campeón y que en la actualidad está desperdiciando; además, Eli será el “culpable” del acercamiento entre Antonio y su hijo Edu, que tanto se necesitan. Una interpretación con altas dosis de humanidad, respeto y entrega; tan natural como contundente. Llega el momento de la pareja romántica, tanto en la escena como en la vida real. Un Óscar Casas que me sigue recordando mucho a su hermano. Está claro que están cortados por el mismo patrón y  que Mario le ha enseñado muy bien el oficio. La complicidad entre los dos, es más que evidente, pues hasta algunos gestos son fácilmente reconocibles y sobre todo, el afán de mostrar sus cuerpos bien cuidados. Que puñetas, si la naturaleza ha sido generosa con ellos, hay que lucirlo. Óscar realiza una dramática interpretación que cala en el espectador, al igual que la de su compañera Ana Mena, como Luna, la tatuadora que instala su centro en los bajos del edificio donde vive Edu. El amor que se profesan, traspasa la pantalla. No perdáis de vista los numerosos cameos de pilotos reales, durante las carreras, como sucedía en F1; en esta ocasión veremos a Marc Márquez, Aleix Espargaró  e incluso a Jorge Martínez Aspar.

Para ir terminando, comentaros que cuenta con una cuidadísima puesta en escena, destacando la sobresaliente fotografía de Félix Bonnin y Xavi Giménez, el vertiginoso montaje de Ascen Marchena, la banda sonora en la partitura de Sara Josa Cercós, que incluye dos temas originales de Ana Mena, y el apabullante sonido, que hace vibrar el suelo y la butaca. Un filme muy recomendable para los amantes del motociclismo y de quienes disfrutan de una buena película.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Òscar Casas, Ana Mena, Claudio Santamaria, Enrique Arce, Saul Nanni, Simone Baldasseroni, Nadal Bin, Alessandra Carrillo, Mario Ermito, Adrian Grösser, José Milán, Tarina Patel, Jorge Rueda y Desirée Popper.

PRODUCTORA: 4 Cats Pictures// Warner Bros. España// Mogambo// Anangu Grup// greenBoo Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warmer Bros. Pictures España.

NOTICIAS BREVES (CCLXXXV)

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “HOMO ARGENTUM” de Mariano Cohn y Gastón Duprat, llegará a los cines el 25 de diciembre.

A Contracorriente Films organiza pases de prensa de “HOMO ARGENTUM”, el próximo 19 de diciembre en Madrid y en Barcelona. La esperada comedia dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn y protagonizada por Guillermo Francella se estrena el próximo jueves 25 de diciembre.

Los realizadores, responsables de éxitos internacionales como “El hombre de al lado”, “El ciudadano ilustre”, “Mi obra maestra”, “Competencia oficial” y de series aclamadas como “El encargado”, “Nada” y “Bellas Artes” vuelven a reunirse con Francella en un proyecto que ya es un fenómeno en Argentina: superó el millón de espectadores en solo 11 días de exhibición y lleva cerca de dos millones de espectadores hasta la fecha. “Homo Argentum” es la película argentina más taquillera de los últimos años en su país.

La película propone un mosaico de relatos en los que Guillermo Francella interpreta a personajes radicalmente distintos, desde un director de cine internacional hasta un vendedor de dólares callejero o un millonario, desplegando un rango interpretativo inusual en el cine argentino reciente. Los relatos se entrelazan para ofrecer una reflexión colectiva sobre la sociedad argentina. Cada segmento aborda dilemas morales, situaciones cotidianas al borde del absurdo y tensiones reconocibles de la vida urbana, siempre desde una perspectiva humorística y con una marcada crítica social.

Sinopsis: Varios relatos satíricos en los que Guillermo Francella encarna a una galería de personajes tan distintos como reconocibles. A través de situaciones cotidianas, explora las contradicciones del ser argentino: el oportunismo, la doble moral, la idolatría futbolera o la amistad interesada. Un espejo incómodo y divertido en el que cualquiera puede reconocerse.

DEAPLANETA nos informa que “EL MÉDICO II” de Philipp Stölzl, llegará a los cines el 1 de enero.

EL MÉDICO II, la esperada secuela de la epopeya histórica que cautivó al mundo entero en 2013. Convirtiéndose rápidamente en un fenómeno internacional, la primera parte superó el millón de espectadores en España y recaudó más de 50 millones de euros a nivel mundial. Beta Cinema, Constantin Film, Zeitsprung Pictures y UFA Fiction producen la cinta. Dirige Philipp Stölzl, quién ya estuvo al frente de El médico hace más de 10 años. La película llegará a la cartelera española el próximo 1 de enero de 2026.

Tom Payne repite en el papel del apasionado médico Rob Cole en una fascinante aventura que cuenta con la participación de las estrellas de la aclamada serie de HBO "Juego de tronos" Aidan Gillen, Liam Cunningham y Owen Teale y de las actrices Emily Cox  y Áine Rose Daly.

Entusiasmado con el proyecto, Payne afirma: "No muchos actores tienen la oportunidad de volver a un papel que han interpretado. Y mucho menos 10 años después. Es un honor para mí poder retomar un personaje tan querido y compartir una nueva aventura que explore temas significativos y universales dentro de una historia épica y absorbente. Estoy deseando que la gente vuelva a entrar en el mundo de Rob Cole y disfrute de una experiencia cinematográfica apasionante."

El director alemán Philipp Stölzl comenta: "En “El médico II” se estudia el alma y la vida interior de los seres humanos. En la primera película nos centramos en la sanación del cuerpo y ahora la mirada se torna hacia dentro, para cuestionar cómo se sana el espíritu. ¿Hasta dónde llega la medicina convencional y dónde empieza lo inexplicable o aquello que aún no se ha investigado? ¿Cómo nos podrían ayudar las religiones naturales o chamanísticas?".

Sinopsis: Ispahán, 1034. Rob Cole y su familia se ven obligados a huir de la Madraza y poner rumbo a occidente junto a sus estudiantes de medicina. Al llegar a Londres, descubren que musulmanes y judíos tienen prohibida la entrada a la ciudad y que no pueden ejercer como médicos dentro de ella. Sin dejarse intimidar, Cole y sus pupilos establecen un hospital improvisado a las puertas de Londres.

Cuando Cole es llamado por el Rey para que atienda a su hija enferma, sus excepcionales habilidades como curandero le aseguran un puesto en la corte. A medida que se vea envuelto en luchas de poder e intrigas política de la casa real, el médico deberá guiarse por su instinto para sobrevivir en una Inglaterra al borde del colapso.

“El médico II” es una épica histórica arrolladora sobre el amor, el dolor, las religiones del mundo y la medicina que, en esta ocasión, pone el foco sobre los primeros estudios sobre salud mental.

WARNER BROS. PICTURES nos informa que “ÍDOLOS” de Mat Whitecross, llegará a los cines el 23 de enero.  

“ÍDOLOS” está protagonizada por Óscar Casas, Claudio Santamaría y Ana Mena y dirigida por Mat Whitecross. La película llegará a las salas el próximo 23 de enero distribuida por Warner Bros. Pictures España.

“ÍDOLOS” está ambientada en el fascinante mundo del Campeonato mundial de MotoGP™ y explora las relaciones humanas entre un padre y su hijo (un mánager y su piloto), y el mundo que les rodea: ambición, superación, egos, adrenalina, amor, perdón y segundas oportunidades.

En palabras de su protagonista, Óscar Casas: “‘Ídolos’ ha marcado un antes y un después en mi vida, tanto a nivel profesional como personal. Este proyecto me ha permitido vivir experiencias surrealistas; llegué a sentir que era uno de ellos, uno de los mejores pilotos del mundo de MotoGP™”

Óscar Casas  protagoniza esta película junto al actor italiano Claudio Santamaria y Ana Mena, actriz y cantante. Completan el reparto Enrique Arce, Saul Nanni, Desirée Popper y Mario Ermito.

“ÍDOLOS” es una gran producción cuyo rodaje se ha desarrollado a lo largo de 10 semanas en diferentes localizaciones de Barcelona y Valencia, y en los siguientes circuitos profesionales: Circuit of the Americas (Austin), Misano (Italia), Motorland (Aragón), Barcelona, Jerez, Motegi (Japón) y Valencia.

“La primera película de ficción rodada en el mundo de MotoGP™. Es fantástica. Llena de verdad. Una historia que podría ocurrir ahora mismo en el mundial. Estoy deseando ver la segunda parte.” Jorge Martínez “Aspar” (4 veces campeón del Mundo)

“Es increíble ver que por fin existe una película tan bonita sobre el mundo de MotoGP™. ‘Ídolos’ refleja la pasión, la realidad y la emoción que vivimos cada día en el paddock. Estoy muy agradecido por el trabajo que hay detrás y por cómo han mostrado nuestro deporte. Ojalá en el futuro lleguen muchas más películas así, porque historias auténticas en MotoGP™ no faltan.” Gino Borsoi (Team Manager Prima Pramac Yamaha MotoGP™ Team)

Mat Whitecross dirige este trepidante relato lleno de emoción; una historia original de Jordi Gasull escrita por el propio Gasull junto a Inma Cánovas y Ricky Roxburgh.

“ÍDOLOS” es una producción de 4 Cats Pictures, Warner Bros. Entertainment Bros. Entertainment Italy y Greenboo Production, con la participación de HBO MAX y RTVE. ​Cuenta, además, con la ayuda al desarrollo del ICEC, con la contribución de la Direzione Genérale de Cinema e Audiovisivo - Ministero della Cultura (Italia), con la financiación del ICAA y con la colaboración de MotoGP™. ​

Será distribuida en España, exclusivamente en cines, por Warner Bros. Pictures España.

SINOPSIS: Edu es un joven piloto de motos muy agresivo en quien ningún equipo confía. Eli, jefe del equipo de Aspar Team en Moto2, le ofrece una oportunidad con la condición de que sea su padre, Antonio Belardi, quien le entrene. Edu lleva muchos años sin ver a su padre, un expiloto que se retiró de las pistas tras provocar la muerte de otro piloto durante una carrera. Aunque Edu odia a su padre por haberle abandonado, sabe que sólo con él puede llegar a alcanzar su sueño.

Edu se someterá al estricto control de preparación que le exige Antonio, el cual incluye dejar a un lado el amor… Hasta que conoce a Luna, una joven artista que acaba de abrir un salón de tatuajes justo debajo de su casa.

PRISMA IDEAS nos informa que ha finalizado el rodaje de “LUCIDEZ” de Gonzalo Bendala y protagonizada por Óscar Casas, Fiona Palomo y José Coronado.

LUCIDEZ, un thriller psicológico dirigido por Gonzalo Bendala, ha concluido su rodaje estos días en Sevilla. La película está protagonizada por Óscar Casas, Fiona Palomo, Jose Coronado y Najwa Nimri.

Con guion de David Sueiro y Gonzalo Bendala, y Marta Velasco como productora, LUCIDEZ es una producción de Áralan Films y Lucidez AIE que cuenta con la participación de HBO Max, RTVE y Canal Sur Radio y Televisión, y con el apoyo de la Junta de Andalucía a través de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales de la Consejería de Cultura y con la participación de CREA SGR. La filmación se ha desarrollado en localizaciones de Bilbao y Sevilla. La película se estrenará en 2026.

Las ventas internacionales correrán a cargo de Film Factory y de AF Pictures para Latam.

Sinopsis: Jaime, un joven abogado atrapado en una vida que le asfixia, descubre los sueños lúcidos inducidos cuando conoce a Clara, una mujer enigmática que le introduce en un método que permite controlar por completo el mundo onírico. Juntos comparten sueños y el refugio donde Jaime encuentra la libertad que la realidad le niega. Pero cuanto más se sumerge en ese universo más difuso se vuelven los límites entre sueño y vigilia.

Una historia profundamente humana sobre los límites de la conciencia y la necesidad de escapar de una vida que no sentimos como propia.

LUCIDEZ se adentra en un terreno tan fascinante como real: los sueños lúcidos. La película se inspira en estos métodos y en la creciente comunidad de onironautas —soñadores lúcidos—, cuyos testimonios y experiencias han alimentado la narrativa del filme.

El director Gonzalo Bendala explica:

“Lo que siempre me fascinó de este guion es que habla de algo real, hemos descubierto la existencia de los onironautas o soñadores lúcidos: personas que utilizan técnicas para alcanzar la lucidez en los sueños, controlando lo que en ellos sucede. Lucidez habla sobre la necesidad de tomar las riendas de tu propia vida a través de la metáfora del mundo onírico. Pero… ¿es realmente posible controlar nuestro destino, o es solo una ilusión?

DIAMOND FILMS nos informa que Timothée Chalamet es aclamado por su trabajo en “MARTY SUPREME” de Josh Safdie.

La primera película dirigida en solitario por Josh Safdie comienza su carrera de premios tras recibir varias nominaciones en los Globos de Oro, entre ellas a Mejor película, Mejor actor y Mejor guion y también en los Critics Choice Award, que además de estos ya mencionados obtiene nominaciones para Mejor director, Mejor reparto y casting, Mejor diseño de producción, Mejor montaje y Mejor banda sonora.

MARTY SUPREME es un thriller frenético, divertido, tenso y absolutamente extraordinario.

Cuenta la apasionante historia de un buscavidas, Marty Mauser, interpretado de manera magistral por el dos veces nominado al Oscar© Timothée Chalamet, que ya suena en todas las quinielas como un firme candidato a llevarse por fin la estatuilla.

Denominada como una de las mejores películas del año, completan un espectacular reparto la ganadora al Oscar© Gwyneth Paltrow, que regresa tras varios años de parón a la gran pantalla, Odessa A'zion, el varias veces nominado a los Emmy© Kevin O'Leary, el rapero californiano Tyler Okonma, “The Creator”, en su debut como actor, la ganadora de dos premios Emmy© Fran Drescher y la varias veces nominada al Emmy© Juno Temple, entre otros.

Sinopsis: Josh Safdie firma su primer trabajo en solitario como director de este apasionante filme sobre Marty Mauser (Timothée Chalamet), un joven con una ambición desmesurada, que está dispuesto a todo para cumplir su sueño. Con ayuda, entre otros, de la estrella de cine Carol Dunne (Gwyneth Paltrow) demostrará al mundo entero su grandeza.

PJ COMUNICACIÓN nos informa sobre la 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid se celebrará del 13 al 15 de marzo

La 1ª Muestra Aeterna de Cine Fantástico de Madrid, organizada por los responsables del ciclo Aeterna, se celebrará del 13 al 15 de marzo de 2026 en las salas mk2 Cine Paz y mk2 Palacio de Hielo (C.C. Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77), con una programación que incluirá clásicos, preestrenos y títulos inéditos.

Serán trece películas en total, pensadas para todos los gustos y repartidas en sesiones matinales, vespertinas y nocturnas. Entre los primeros títulos confirmados se hallan “The Monster Squad/Una Pandilla Alucinante” (Fred Dekker, 1987) y “Aracnofobia” (Frank Marshall, 1990), que satisfarán las ansias palomiteras de grandes y pequeños en dos nostálgicas proyecciones en Palacio de Hielo. En ese mismo cine los más rudos tendrán una oscura cita con la legendaria “Ocurrió Cerca De Su Casa” (1992), la polémica película escrita y dirigida a seis manos por Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde (también protagonista principal) en lo que supone una “oportunidad única e irrepetible de verla en pantalla grande”, según los organizadores.

Además, y gracias a la colaboración de Selecta Visión, los espectadores de la Muestra serán los primeros en disfrutar de la esperada versión 4K de “Perfect Blue”, la obra maestra dirigida por Satoshi Kon en 1997, que llegará a las salas comerciales una semana después.

Asimismo, la tarde del domingo 15 de marzo el evento acogerá la tercera edición de “CTHULHUTON – Maratón de Cine Preternatural, Abominable y Ciclópeo”, que contará con la presencia del célebre escritor Ramsey Campbell, que junto al cineasta Jaume Balagueró, charlará con los asistentes tras la proyección de “Los Sin Nombre” (1999), adaptación cinematográfica de su novela y título clave del fantástico español contemporáneo.

El cartel teaser de la convocatoria es obra de J.J. Cuenca, responsable de la identidad visual del proyecto Aeterna y, durante el evento, no faltarán puestos de merchandising y sorpresas que se irán desvelando en las próximas semanas.

Los abonos para la 1ª Muestra Aeterna ya pueden adquirirse en mk2palaciodehielo.es, mientras que las entradas individuales se pondrán a la venta en los próximos días

A CONTRACORRIENTE FIMS y SELECTA VISIÓN nos informan que “POLLOLIEBRE y EL SECRETO DE LA MARMOTA”, llegará a los cines el 16 de enero.

POLLOLIEBRE Y EL SECRETO DE LA MARMOTA, la esperada secuela de "Hopper, el Polloliebre", llega a los cines de nuestro territorio de la mano de SelectaVisión y A Contracorriente Films. Producida por el estudio nWave Pictures, en coproducción con Octopolis y SND Films, y dirigida por Benjamin Mousquet, esta nueva producción de animación 3D promete una aventura llena de acción, humor y emoción. 

Tras ser presentada en la Sección Oficial del Festival de Cine de Animación de Annecy, y proyectarse en los Festivales de Valladolid y Sevilla, la película ha sido un éxito de taquilla alcanzando el millón de espectadores desde su estreno y siendo la película familiar número 1 en Francia durante el otoño.

El estudio belga nWave Pictures es reconocido internacionalmente por títulos como "El viaje de Sammy", "Corgi, las mascotas de la reina" o "La Familia Bigfoot". La película mantiene el tono fresco y visualmente espectacular que caracteriza al estudio, con animaciones detalladas, escenarios vibrantes y personajes carismáticos. 

Una película con poderosos temas, POLLOLIEBRE Y EL SECRETO DE LA MARMOTA ofrece algo más que una emocionante aventura: aborda temas contemporáneos y conmovedores como la búsqueda de la identidad, los lazos familiares, la aceptación de la diferencia y la necesidad del diálogo. La película promueve una visión positiva e inclusiva del mundo, en línea con las grandes producciones familiares.

SINOPSIS: ¡Polloliebre está de vuelta! Un secreto sobre el pasado sale a la luz para arrastrar al héroe y sus amigos en una épica aventura en busca de una misteriosa marmota con el poder de modificar el pasado… y tal vez, de salvar a su especie. Pero en su búsqueda, Polloliebre y sus amigos descubrirán que no son los únicos que quieren hacerse con la magia de la marmota…

POLLOLIEBRE SALTARÁ DEL CINE AL VIDEOJUEGO PRÓXIMAMENTE.

Gracias al gran éxito de la marca Polloliebre, en 2026 también llegará a nuestras consolas el videojuego Polloliebre y el Tesoro de Barbapico. Publicada en físico por Selecta Play, esta aventura de plataformas 3D llevará a Hopper y sus amigos en busca de los 7 cristales sagrados, explorando mundos llenos de humor, sorpresas y personajes entrañables. Con entornos diseñados a mano y animaciones cuidadas, el juego promete ser tan divertido de ver como de jugar. Las ediciones físicas estarán disponibles para Nintendo Switch y PlayStation 5.

TRIPICTURES nos informa que “RETURN TO SILENT HILL” de Christophe Gans, llegará a los cines el 23 de enero.

El 23 de enero llega a los cines RETURN TO SILENT HILL, adaptación a la gran pantalla del videojuego de Konami SILENT HILL 2.

Christophe Gans vuelve a ponerse tras las cámaras tras el éxito de su primera incursión en el mundo del terror psicologico de “Silent Hill” en 2006. Destaca además la participación de Akira Yamaoka, quien compuso la música del videojuego original, para mantener la esencia de la saga.

La película está protagonizada por Jeremy Irvine y Hannah Emily Anderson.

“Return to Silent Hill” trae de vuelta a la gran pantalla la icónica franquicia de terror. Cuando James recibe una misteriosa carta de su amor perdido, Mary, se siente atraído por Silent Hill, un pueblo que antes le era familiar y ahora está sumido en la oscuridad. Mientras la busca, James se enfrenta a criaturas monstruosas y desentraña una aterradora verdad que lo llevará al límite de su cordura.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “LA LEYENDA DE OCHI (The Legend of Ochi) de Isaiah Saxon, llegará a las salas el 23 de enero.

A Contracorriente Films presenta el póster de “LA LEYENDA DE OCHI” ("The Legend of Ochi"), la ópera prima de Isaiah Saxon producida por A24, que se estrenará en cines el 23 de enero. Con motivo de su estreno, se han organizado pases de prensa el próximo 1 de diciembre en Madrid y en Barcelona.

Encabezando el reparto se encuentra la alemana Helena Zengel, junto a Willem Dafoe, Emily Watson, Finn Wolfhard. En “La leyenda de Ochi”, el elenco combina jóvenes talentos y actores consagrados que están al servicio del universo mágico y visualmente poético creado por Isaiah Saxon, inspirado en películas de los 80 como "La historia interminable" o "Cristal Oscuro".

Isaiah Saxon es un director, animador y artista visual estadounidense que debuta en el cine con “La leyenda de Ochi”. Antes de su primera película, era reconocido por su trabajo en el colectivo Encyclopedia Pictura, donde dirigió innovadores videoclips para artistas como Björk y Panda Bear, combinando técnicas digitales y artesanales. Su estilo se caracteriza por una profunda conexión con la naturaleza, el diseño orgánico y la fantasía visual. Con “La leyenda de Ochi”, Saxon lleva su universo artístico a la gran pantalla, consolidándose como una de las nuevas voces más originales del cine fantástico contemporáneo.

SINOPSIS: Yuri, una joven rebelde de la remota isla de Carpathia, es educada para temer a las criaturas nocturnas del bosque, los Ochi. Cuando Yuri encuentra un bebé Ochi herido, decide escaparse de casa y embarcarse en una aventura para reunirlo con su familia.

FILMAX nos informa que “LA VIRGEN DE LA TOSQUERA” de Laura Casabé, llegará a los cines el 23 de enero.

“LA VIRGEN DE LA TOSQUERA”, el nuevo largometraje de Laura Casabé que tuvo su estreno español en la Sección Oficial del Festival de cine de Sitges, tras su paso por la World Cinema Dramatic Competition del Festival de Sundance 2025, llegará a los cines el 23 de enero de 2026 de la mano de Filmax.

Este coming-of-age que combina folklore y terror es una adaptación de los cuentos El carrito y La Virgen de la Tosquera de Mariana Enríquez  y con guion de Bejamín Naishat. La película está protagonizada por Dolores Oliverio, Luisa Merelas, Fernanda Echevarría y Agustín Sosa entre otros.  

Sinopsis: Natalia, Mariela y Josefina son tres inseparables amigas que viven en las afueras de Buenos Aires y están locamente enamoradas de Diego, su amigo de la infancia. En un verano caluroso de 2001, tras el estallido de violencia que terminó en una profunda crisis económica y social, aparece Silvia, más mayor y más mundana, que cautiva a Diego.

Natalia, decidida a reconquistar a Diego, pide ayuda a su abuela, Rita, que la adentrará en el reino de los hechizos y la magia negra.

Producida por Ajimolido Films (Argentina), Mostra Cine (México), Caponeto (México) y Mr Miyagi Films (España) la película cuenta con el apoyo ICAA, ICEC, INCAA, Eficine e Ibermedia. Filmax distribuirá la  película en cines y está a cargo de las ventas internacionales. 

Laura Casabe es realizadora audiovisual, guionista y directora de cine. Ha dirigido más de 50 cortometrajes presentados en numerosos festivales. En el 2016 estrena La Valija de Benavidez, estrenada en la sección Blood Window del Marche du Film en el Festival de Cannes, y que se pudo ver en los festivales de Stiges y Bafici  entre otros, cosechando más de 7 premios internacionales. En el 2019 estrena Los que vuelven ganadora del premio a la mejor película en el Festival de Mar De Plata, además de los premios a la Mejor pelicula Iberoamerica, del Mercosur y Mejor dirección en el Festival Internacional de Sitges.

UNA BATALLA TRAS OTRA: CRÍTICA DE CINE

         Una batalla tras otra está escrita y dirigida por Paul Thomas Anderson.

Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio), es un experto en explosivos. Lucha en el 75 francés, un grupo revolucionario que actúan  entre la frontera de México y EE.UU, rescatando inmigrantes capturados en la frontera. Conoce a Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor), una mujer ardiente, pasional y ruda, con quien mantiene relaciones entre batalla y batalla e incluso en medio de ellas. Perfidia se topará con el coronel Steven J. Lockjaw (Sean Penn) un ser depravado y repulsivo, a quien Perfidia hechiza con su fuerte personalidad y sexualidad. Perfidia queda embarazada, pero eso no la hace desistir de seguir en la lucha y tras dar a luz a una niña, Willa Ferguson (Chase Infiniti) y perder el grupo gran número de combatientes, Bob toma la decisión de encargarse de criar a la pequeña, porque Perfidia prefiere seguir batallando. Pasan los años y Willa se convierte en una adolescente rebelde y bien adiestrada, aun así es raptada por el coronel Steven, quien piensa que él es el verdadero padre. Cuando Bob se entera de su desaparición, busca la manera de rescatarla.

El productor, guionista y director, Paul Thomas Anderson, estudió en varias escuelas como Buckley in Sherman Oaks, John Thomas Dye School, Campbell Hall School, Cushing Academy, Santa Mónica College, Montclair Prep y Emerson College para terminar en la Universidad de Nueva York, a la que asistió solo dos días. Todo un record. Sus inicios en el mundo del cine comenzaron como asistente de producción en telefilmes, videoclips y shows. En el largometraje debutó con “Sydney” 1996 para continuar con “Boogie Nights” 1997, “Magnolia” 1999, “Embriagado de amor” 2002, “Pozos de ambición” 2007, “The Master” 2012, “Puro vicio” 2014, “El hilo invisible” 2017, “Licorice Pizza” 2021 y este año nos ofrece “Una batalla tras otra” 2025. Cuenta con el documental “Junun 2015 y los cortometrajes “The Dirk Diggler Story” 1987, “Cigarettes and Coffee” 1993, “Flagpole Special” 1997, “Couch” 2002 y “Anima” 2019 además de un gran número de videoclips musicales.

Os he comentado algunas veces lo complejo que resulta reseñar una película en unas líneas sin destripar nada, pues bien, si este año ya íbamos bien servidos con algunos títulos importantes, llega el bueno de Paul Thomas Anderson y nos obsequia con una MasterClass de cine puro, inteligente y delirante, en donde los géneros cinematográficos se abrazan los unos a los otros, en un viaje irónico, crítico y que destila humanidad por todos sus poros; para ello se ha apoyado en el ingenioso guion y actores excepcionales que se divierten con sus personajes, hasta llevarlos al límite que exigen las líneas escritas por Anderson, colmadas de pequeños detalles, de crítica social y política, de comedia negra que roza lo histriónico, de un exacerbado paternalismo, de los conflictos provocados por la inmigración en la frontera norteamericana, del poder viciado y de las sociedades secretas de los poderosos, del racismo, la amistad y de cuanto se le ha ocurrido a ese cerebro lúcido que es imposible de averiguar el siguiente movimiento que tiene en mente; lo que sí está claro es que Anderson ha escrito una obra en puro estado de gracia y al llevarla a la gran pantalla la corona, abduciendo al espectador con cada imagen y situación, hasta el punto de no dejarlo que mueva su trasero del asiento, ni pestañee.

Un filme brillante refrendado por un grupo de actores de primera línea que lo dan todo, contagiando al espectador con sus indomables personalidades, pues cada uno nos ofrece un registro diferente y al cual más extravagante. Mencionaré a cinco de ellos, aunque todos se merecen el aplauso. Leonardo DiCaprio nos ofrece una interpretación orgánica, brutal y descontrolada. Su personaje Bob, experto en explosivos, se apodera de él originando incontables gags. Por su parte Teyana Taylor, encarna a una revolucionaria de nombre Perfidia, pasional y muy ruda, que nos deja para la historia del cine una escena icónica en la que exhibe con total naturalidad su voluminoso vientre que revela su avanzado embarazo, mientras entre sus manos sostiene una ametralladora que dispara con rabia desatada. Una guerrera en el más amplio sentido de la palabra. Sean Penn da vida al coronel Steven J. Lockjaw, el antagonista más grotesco, cruel y malvado que uno se pueda imaginar, cada una de sus escenas, quedan grabadas en nuestras retinas como despreciables y machistas. Gran interpretación. La paz y la tranquilidad vienen de la mano del Sensei Sergio y amigo de Bob, interpretado por un excelente Benicio del Toro. La paz que transmite el personaje de Benicio contrasta con la crispación del Bob de Leonardo. El viaje que ambos realizan en coche, desborda originalidad entre los diálogos y los gestos, y termino con la chiquilla, la hija de Bob y Perfidia. Willa, interpretada por Chase Infiniti y que trae de cabeza a su padre. No llega a la rebeldía de su madre, pero se acerca en fuerza e inteligencia. Una interpretación correcta.

Resumiendo, estamos ante un filme de acción que no deja indiferente a nadie, creando una historia muy personal con un ritmo frenético gracias en parte al cuidado montaje de Andy Jurgensen, lo que motiva que el espectador no desvíe ni un segundo la mirada de la pantalla, pues siempre se le está contando algo interesante y entre el todo, me quedo con esa primera e  impresionante media hora del inicio y por supuesto, la brillante carrera por esa carretera desértica, calurosa e infinita con sus incontables y pronunciadas, subidas y bajadas. Destaco la brillante, luminosa y elegante fotografía de Michael Bauman y del propio Anderson, que nos abre todas las puertas y ventanas para no perdernos nada y ahora sí, termino con la intensa e infinita partitura en las manos del compositor Jonny Greenwood, con el que ya ha trabajado en otras ocasiones. Cada encuadre, escena, secuencia, diálogo, sonido, nota musical o efecto por insignificantes que nos puedan parecer; en la mente y los sentidos de Anderson, se convierten en arte, sin perder el tono y sabiendo muy bien lo que desea ofrecer al público. Para mi gusto es su obra más redonda.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de septiembre.

REPARTO: Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, Teyana Taylor, Chase Infiniti, Alana Haim, Wood Harris,  Shayna McHayle, D.W. Moffett, John Hoogenakker, Jim Anderson, Jack Trout, April Grace, Anthony Snow, Starletta DuPois, Brenda Lorena Garcia, Mark Meloro Jr., Tracy Todd, James Raterman, Justin S. McDavitt, Bogdan Szumilas, Enrique Covarrubias, Jeremy Ekalo, John Demakas, Genevieve Denny, Raven Clausen, Pam Moralde, Mario Valdez, Raymond Ruiz, Alyssa Alonzo, Cesar Miramontes,  Steve Knoll, Scott Jordan, Christian Tabor, Karina Palmer, Rob Gore, Dirk Leatherman, Justin Higgs, Matt Spolnik, Raymond J. Roman, Jose Rico, Telles Alberto Rene, Brandon Larson, Aladria Brown, Xzavier Estrada, Samuel Estrada, Val Florez, Alexis Hager, Stephanie Jaramillo, Christopher Jensen, Lauren Kravchenko, Eugene Magana, Susan  Trishel Monson, Vanessa Salgado, Ben Steele, Valerie Ybarra y Steven Wiig.

PRODUCTORA: Warner Bros.// Ghoulardi Film Company.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures.