SUPERGIRL: CRÍTICA DE CINE

SUPERGIRL está dirigida por Craig Gillespie con guion de Ana Nogueira. “El golpe de timón y redención que DC necesitaba”

Kara Zor-El (Milly Alcock) celebra su vigesimotercer cumpleaños sumergida en una espiral de borracheras y resacas, vagando por la galaxia junto a su fiel perro Krypto y dando la sensación de buscar su propia autodestrucción. Viaja a planetas regidos por soles rojos para poder emborracharse como una mortal y, cada mañana, busca un sol amarillo para recargar sus poderes. Tras esta demoledora rutina se esconde un intento agónico por anestesiar el trauma de haber visto morir a toda su civilización, reviviendo la imagen de su padre despidiéndose de ella mientras la envía a la Tierra, tal y como Jor-El hizo con Superman.

Su forma de vida cambiará al cruzarse con la joven Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), quien acaba de enterrar con sus propias manos a sus padres y hermano, masacrados por el despiadado Krem de las Colinas Amarillas (Matthias Schoenaerts). Ruthye, rota por el dolor, acude a Kara para ejecutar al asesino. Sin embargo, el conflicto se agrava cuando Krem, en un descuido de Kara, envenena a Krypto con un artefacto mortal cuyo antídoto solo él posee. Condenadas a entenderse, Kara y Ruthye aunarán fuerzas para ir tras Krem, que ha huido en su nave, la una con la intención de matarlo y la otra de conseguir el antídoto.

La mayor cualidad de Supergirl es la inteligencia de un guion que dinamita los clichés del cine de superhéroes tradicional al difuminar las fronteras de los géneros. La película respira por ella misma sin buscar la épica colorida de Marvel ni el misticismo grandilocuente. A mi forma de ver, cabalga por el espacio a lomos de un space-western crepuscular y una road movie galáctica en busca de la justicia, la salvación e incluso la redención.

De hecho, la guionista Ana Nogueira ha confirmado en las entrevistas de promoción que concibió toda la estructura inspirándose y como un homenaje explícito a la atmósfera texturizada, la crudeza y los códigos de Valor de ley (True Grit). Una narrativa que acierta de lleno al adoptar la perspectiva de Ruthye como narradora de la historia. Este enfoque transforma una simple persecución espacial en una especie de fábula mitológica y oscura, donde el viaje físico a través de planetas hostiles e inhóspitos es el reflejo perfecto del viaje psicológico y el descenso a los infiernos de sus dos protagonistas.

Uno de los puntos fuertes de esta adaptación es despojar a Supergirl del aura de perfección y optimismo de su primo Clark, al que ella misma “critica” por ser tan perfecto y noble. Aquí, Milly Alcock encarna a una Kara despechada, cínica y profundamente herida. A sus 23 años, cargando con un severo trastorno de estrés postraumático que le provocó presenciar el Apocalipsis de Krypton, se comporta como un juguete roto que deambula sin rumbo, buscando la autodestrucción en peleas de bar y alcohol en planetas de sol rojo. Su encuentro con Ruthye, una niña que encarna la inocencia brutalmente arrebatada, funciona como un espejo incómodo que ella misma proyecta en algunas de las conversaciones que mantiene con ella.

Kara no se une a la misión por altruismo o heroísmo, sino por tres motivos principales: el primero, buscando la cura para su gran compañero de viaje Krypto; el segundo, por la pura inercia de una violencia que utiliza como escudo para tapar su tremenda apatía y soledad; y el tercero, el de protección. Aunque ella no quiera reconocerlo, busca proteger a Ruthye, pues no desea que caiga en sus mismos errores ante el horror vivido. Alcock clava este perfil psicológico con una interpretación magistral y totalmente creíble, donde cada mirada desganada y cada golpe seco transmiten el peso de un dolor insoportable. ¿Logrará liberarse de su oscuridad?

El largometraje acierta de lleno al dejar a Superman fuera de la ecuación. Aunque Clark Kent intenta tenderle la mano para rescatarla de su espiral autodestructiva, ofreciéndole sus consejos, la figura del Hombre de Acero termina, desde mi punto de vista, sobrando por completo en la narrativa. Clark creció en una granja idílica rodeado de amor, mientras que Kara creció flotando sobre los cadáveres de su mundo destruido y en completo desamparo. Esa diferencia, esa brecha, hace que los consejos de su primo solo aumenten su frustración.

Al buscar la soledad de los confines más salvajes de la galaxia, donde se siente cómoda aunque alejada de la realidad que su ser demanda, la obra se sumerge en una atmósfera opresiva y crepuscular. Es precisamente en este rincón hostil del universo donde irrumpe Lobo. El descerebrado y violento cazarrecompensas, interpretado magistralmente por Jason Momoa, se convierte en un torbellino en pantalla. Aunque es un personaje que hubiera merecido muchos más minutos en escena, su presencia fumando puros y buscando gresca encaja a la perfección con la energía caótica de Kara, demostrando que en esos márgenes de la galaxia no hay lugar para la moralidad de Superman.

En el extremo opuesto de esta escala de violencia se alza Krem de las Colinas Amarillas, magníficamente interpretado por Matthias Schoenaerts. Lejos de ser el típico conquistador del universo, Schoenaerts da vida a un villano rastrero, ruin y despiadado, un forajido espacial cuya mezquindad humana evoca a los peores antagonistas del western. Su presencia en la sombra, huyendo con el antídoto tras haber masacrado a la familia de Ruthye y envenenado a Krypto, funciona como el catalizador perfecto del relato, un recordatorio constante de que la crueldad más descarnada habita en los rincones olvidados por Dios. De este modo, el viaje espacial se convierte en un proceso de curación a la inversa. Kara no busca salvar el universo ni convertirse en un faro de esperanza como su primo Superman; busca procesar un trauma que su primo jamás podrá comprender, utilizando la desesperación de Ruthye como el salvavidas para no terminar devorada por sus propios demonios.

Otro de los grandes aciertos de la película reside en su apartado sonoro, el cual evoca inevitablemente las vibraciones de la saga Guardianes de la Galaxia. Es importante destacar ese gamberrismo tan propio de James Gunn; aun sin estar en la silla de dirección, su presencia traspasa la pantalla desde el primer minuto. Ese sello tan peculiar se activa por completo desde que es envenenado Krypto, que nos recuerda cuando lo fue Rocket en los Guardianes de la Galaxia 3, combinándose con una atmósfera espacial canalla con una selección de temazos de rock y pop alternativo. Son canciones sobradamente conocidas que enriquecen las batallas u otros momentos más tranquilos; temas memorables como What Becomes of the Brokenhearted de Jimmy Ruffin o piezas de Sleigh Bells y Wolf Alice. Pero si hay una canción que revienta los altavoces de la sala es “Catch These Fists” de Wet Leg, el tema punk-rock que suena en la salvaje pelea de la taberna espacial donde Kara se cruza con Ruthye.

Resumiendo, Supergirl no solo es una excelente película de ciencia ficción, con sus dosis de batallas, sino el golpe de timón que el cine de superhéroes necesitaba con urgencia. Al arriesgarse con una atmósfera sucia, un tono maduro y una protagonista imperfecta que se aleja de la alargada sombra de Superman, Gillespie y su equipo demuestran que todavía se pueden contar historias originales dentro del género. Apoyada, no me cansaré de decirlo, por la magnífica interpretación de Milly Alcock y un guion que equilibra la acción con la poesía existencial, la cinta se consolida como una obra imprescindible tanto para los amantes del cómic como para el público cinéfilo que busca algo más que explosiones digitales. Es, sin duda, una de las sorpresas más potentes del año.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio.

REPARTO: Milly Alcock, Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, Jason Momoa, David Krumholtz, Emily Beecham, David Corenswet, Ferdinand Kingsley y Wil Coban.

PRODUCTORA: DC Comics// DC Entertainment// Warner Bros.// DC Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures Spain.

FILMOGRAFIA DE: Craig Gillespie, con 19 años se trasladó a Nueva York para estudiar Ilustración, Diseño Gráfico y Publicidad en la Escuela de Artes Visuales de Manhattan. Trabajó durante 15 años como director comercial para varias agencias publicitarias, cosechando diversos premios del sindicato de actores y el prestigioso León de Oro en Cannes en 2005. De hecho, dos de sus spots forman parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Manhattan.  En 2007 salta a la gran pantalla con su largometraje “Cuestión de pelotas” y “Lars y una chica de verdad” a las que han seguido “Noche de miedo” (2011), “El chico del millón de dólares” (2014), “La hora decisiva” (2016), “Yo, Tonya” (2017), “Cruella” (2021), “Golpe a Wall Street” (2023) y este año nos ofrece “SUPERGIRL” (2026). Atrás quedan series como “United States of Tara” (2009), “My Generation” (2010), “Physical” (2021), “Vicios ocultos” y “La mejor hermana” (2025). Las Miniseries: “Mike” y “Pam y Tommy”. Los cortometrajes: “Xfinity: The Greatest Gift” (2020), “Dubái: Un romance para recordar” (2021), “Nissan Present: Thrill Driver” (2022) y sin olvidarnos de los videomusicales: “Kid Cudi: No One Believes Me” (2011), “Florence + The Machine: Call me Cruella” (2021).

NOTICIAS BREVES (CCCV)

 

FILMAX nos informa que se está rodando “UNA CASA EN LA PLAYA” de Marisa Crespo y Moisés Romero.

Hace unos días comenzó en la Comunidad Valenciana el rodaje de la película dirigida por Marisa Crespo y Moisés Romero "UNA CASA EN LA PLAYA (UNA CASA A LA PLATJA)".

“Una casa en la playa (Una casa a la platja)” está protagonizada por Carmen Arrufat, Máximo Pastor, Marina Gatell, Victoria Oliver y Briek Lesage. Paula Sánchez Álvarez, Jorge Laguna y Sergio Cámara firman el guion.

Es un thriller psicológico, que empieza de forma luminosa y romántica, pero pronto empieza a oscurecerse hasta transformarse en una pesadilla, ese presentimiento de que algo horrible está a punto de suceder. 

Una casa en una cala, alejada de todo y con un paisaje mágico a la vez que aislado, consigue esa soledad que acompañará a los personajes donde el mar es un monstruo que te puede engullir y, del que no se puede escapar. 

Sinopsis: En una escapada prohibida Julia (19) y Mateo (19) buscan disfrutar de una noche romántica a solas en la casa de la playa del chico. Allí una presencia espectral comienza a acosar a Julia. Pero ese algo es mucho más peligroso de lo que ella cree.

La película se rueda entre Denia y Valencia, y es una producción de Mediacrest Carmen Cinema, AIE / Mediacrest Entertainment, SL/ Lightbox  Animation Studio, SL en coproducción con AT Production, SA (Bélgica), RTVE, APunt, 3Cat y HBO, con la financiación del ICAA y del IVC y distribuida por Filmax.

SIDERAL nos informa que “OUTONO”, la ópera prima de Giselle Llanio finaliza su rodaje en Santiago de Compostela.

La película OUTONO, debut en el largometraje de ficción de la directora y guionista Giselle Llanio, ha concluido su rodaje, tras varias semanas de filmación en la ciudad gallega de Santiago de Compostela.

Protagonizada por Carmen Méndez, la cinta cuenta en su reparto con Santi Prego, Itziar Aizpuru, Carlos Blanco, Iolanda Muiños, Fran Lareu y Melania Cruz, además de la participación de Caín, el perro que da vida a Outono.

Escrita por Giselle Llanio y Araceli Gonda, OUTONO narra la historia de Soledad, una exitosa diseñadora de moda de Santiago de Compostela que vive atrapada en un mundo de apariencias y una profunda insatisfacción vital. Incapaz de reconciliarse con su historia familiar, recoge de manera impulsiva a un perro callejero con el que forja un vínculo inesperado que la empuja a enfrentarse al malestar que arrastra desde niña. Sin embargo, Soledad deberá tomar una decisión dolorosa y trascendental que podría cambiarlo todo en su vida y en la de su familia.

La película supone el salto al largometraje de Giselle Llanio tras una trayectoria de más de veinte años en la dirección audiovisual. Nacida en La Habana y afincada en Galicia, la cineasta ha dirigido algunas de las series más reconocidas de la televisión gallega y recientemente ha codirigido Lume, el eco-thriller gallego-portugués estrenado en HBO Max, RTP y TVG.

Para la  directora, OUTONO representa un proyecto especialmente importante dentro de su carrera: “Es una película muy deseada y muy trabajada. OUTONO lleva muchos años acompañándonos. Ha sido un proceso de trabajo largo y muy consciente, donde el tiempo también nos ha permitido entender mejor qué queríamos decir y cómo queríamos hacerlo. Poder llegar ahora al rodaje de una primera película con un proyecto tan trabajado y tan conectado con mis inquietudes personales es algo que vivo con mucha ilusión y con una enorme responsabilidad”.

Las productoras, Indígena Films, Aquí y Allí Films, y Sideral, destacan la experiencia del rodaje como uno de los grandes valores del proyecto: “El rodaje ha ido de maravilla. Hemos contado con un equipo muy bien engranado y acostumbrado a la climatología gallega, que en esta ocasión nos regaló un tiempo otoñal en plena primavera”.

Con una mirada íntima y profundamente emocional, OUTONO explora temas universales como la familia, la identidad, las heridas heredadas y la posibilidad de reconciliarse con una misma.

La película cuenta, además, con la participación de TVG, RTVE y HBO Max, además del apoyo del Gobierno de España y la Xunta de Galicia, a través de la Axencia Galega das Industrias Culturais (AGADIC). La distribución nacional y las ventas internacionales estarán a cargo de Sideral y su estreno en salas está previsto para 2027.

DIAMOND FILMS nos avisa que nos alejemos del carrito de los helados.

Lo que comienza siendo un verano idílico en un pequeño y tranquilo pueblo vacacional, se convierte en una auténtica pesadilla cuando los más pequeños comienzan a mostrar instintos asesinos y deseos insaciables por acabar con todos los adultos. El culpable: EL SEÑOR DE LOS HELADOS. Son víctimas de una curiosa maldición provocada por los helados que comen que afecta a todos, menos a tres niños que tendrán que intentar escapar y salvar a todo el pueblo.

El director y guionista Eli Roth, que debutó con su éxito La cabaña sangrienta en el Festival de Toronto, ahora nos propone un giro a las historias sobre padres e hijos para narrar qué puede ocurrir cuando lo que parece ser algo inocente y sin preocupaciones —un helado en mitad de un caluroso verano— se puede convertir en tu peor pesadilla.

Dulce sabor a muerte, solo en cines el 4 de septiembre.

NUEVE CARTAS nos informa que se está rodando el musical “EL MUNDO ERA NUESTRO” de Álex Tejedor y Miquel Verd.

Desde el pasado 29 de mayo se rueda el largometraje musical «El mundo era nuestro», dirigido por Álex Tejedor y Miquel Verd. La película se filmará en diferentes localizaciones de País Vasco, Navarra y Cataluña entre los meses de junio y julio. 

Protagonizado por Ana San Martín y Guido Balzaretti  junto a Natalia Millán, Pablo Puyol,  y Daniel Diges. Completan el reparto Nerea Roldán, Alberto Closas, Diana Roig, Alexandre Ars, Stefan Weinert, Pauline Galler, Julia Möller, María Pau Pigem, Marisa de Stefanow, Nacho Brande, Rodo Gener, Eva Diago, Paula Argüelles y Alexandra Palomo.

El filme está basado en el cortometraje «Sergi & Irina», ganador de 41 premios y 97 candidaturas en 58 festivales en todo el mundo. «El mundo era nuestro» es un melodrama musical ambientado en la Segunda Guerra Mundial que pretende ser un homenaje a los grandes clásicos de la época a través de una gran historia de amor llena de escenarios y coreografías espectaculares, con grandes canciones y vestuarios, y un guion muy ambicioso. 

En palabras de los directores: "La historia de separación de dos amantes por culpa de la guerra está inspirada en la vida real de los abuelos daneses de Álex en la Dinamarca ocupada por el ejército Nazi durante la Segunda Guerra Mundial." Ambos remarcan que lo que quieren contar con esta historia es "una fábula de amor en tiempos de guerra en el que vivimos la odisea de Sergi e Irina por reencontrarse, envuelta en grandes melodías, grandes bailes, grandes alegrías y grandes penurias. Una película pensada para disfrutar y soñar en grande."

Dirigida por Miquel Verd y Álex Tejedor, quien además es guionista y letrista, y producida por Jordi Carbonell y Oriol Cardús. Cuenta con Daniel Losada, Oriol Capel como revisor de guion, Marc Orts como supervisor de sonido y mezclas. Marc Mateu es el encargado del diseño de producción, Albert Auladell es el ayudante de dirección, David Tejedor es el director de producción, Lluís Castells es el supervisor de VFX, Nerea Torrijos es la jefa de vestuario y Sam Harper es el coreógrafo. 

SINOPSIS: 1939, Mallorca. Durante la fiesta de solsticio de verano, Sergi Fortezza, el joven heredero de la fortuna familiar, conoce a una encantadora mujer llamada Irina Valls, quién resulta ser la sobrina del mayoral de las tierras. Entre ellos surge algo muy especial, y se pasan la noche en los jardines celebrando el inicio del verano. Pero Sergi e Irina deberán separarse a casusa del momento e inestabilidad en el que está sumido Europa. A pesar de todo, esa noche prometen volver a reunirse al cabo de un año en el mismo lugar y a la misma hora.

DYP COMUNICACIÓN nos informa que “BLANCO” de Félix Viscarret, llegará a los cines el 9 de julio.

Universal Pictures International Spain distribuirá en España BLANCO, un ambicioso largometraje de ficción dirigido por Félix Viscarret, producido por Nadie es Perfecto y la productora vasca Euskadi Movie, con la participación de Netflix, cuyo estreno en salas de cine está previsto para el 9 de julio de 2027, en el marco del 30º aniversario del asesinato de Miguel Ángel Blanco.

La película iniciará su rodaje el próximo 5 de octubre de 2026 y contará con un presupuesto de 8 millones de euros. Próximamente se anunciará el reparto que encabezará esta ambiciosa producción cinematográfica.

BLANCO reconstruye las 48 horas que mantuvieron en vilo a todo un país tras el secuestro de Miguel Ángel Blanco en julio de 1997. Basada en una exhaustiv in a labor de investigación periodística y en testimonios directos de algunas de las personas que vivieron aquellos acontecimientos en primera línea, la película ofrecerá una mirada humana, rigurosa y emocionante sobre uno de los episodios más trascendentales de la historia reciente de España.

Para Kiko Martínez, productor de la película y fundador de Nadie es Perfecto: “BLANCO supone uno de los mayores retos profesionales de nuestra trayectoria. Queremos acercarnos a estos hechos con el máximo rigor y respeto, apoyándonos en los testimonios más cercanos y en la mirada de los periodistas que ayudaron a contar uno de los acontecimientos más mediáticos y trascendentes de la historia reciente de España.

Por su parte, el director Félix Viscarret afirma: “Después de "Patria", este proyecto representa para mí una responsabilidad y un reto muy importante. El proyecto implica volver a aquellos acontecimientos tan significativos, siguiendo el punto de vista de una serie de periodistas vascos que lo vivieron en primera línea y cuya labor fue vital a la hora de informar, contribuir a la toma de conciencia, e incluso luchar para que las cosas cambiaran. Sus testimonios son conmovedores y me han llevado a adentrarme en un relato apasionante, complejo y profundamente humano.”

La producción anunciará en las próximas semanas el reparto y las principales localizaciones de rodaje.

LA AVENTURA nos informa que “LOS MÚSICOS” llega a los cines el 3 de julio.

SINOPSIS: Astrid logra hacer realidad el sueño de su padre: reunir cuatro Stradivarius para un concierto único, esperado por los melómanos del mundo entero. Pero Lise, George, Peter y Apolline, los cuatro virtuosos reclutados para la ocasión, no logran entenderse. La crisis de egos estalla al ritmo de los ensayos. Desbordada, Astrid pide ayuda a la única persona que puede salvar el evento: Charlie Beaumont, el compositor de la partitura.

“Los músicos” es una comedia con tintes dramáticos que narra la historia de un cuarteto de cuerda y un hombre obligado a reinventarse profesionalmente, embarcándose juntos en un peculiar viaje artístico y personal. Grégory Magne (“L’air de Rien” y “Perfumes”) fue premiado a la Mejor Dirección en el Festival de Cine Francés de Málaga con esta obra que pone en escena a músicos profesionales junto a Valérie Donzelli y un magnífico Frédéric Pierrot. Es en esta narrativa coral donde Magne se mueve con brillantez y logra sumergirnos en el universo musical y retratar sus tensiones con elegancia, ciertas dosis de fantasía y mucha emoción.

La película ofrece unas interpretaciones exquisitas, de la mano de músicos auténticos que dan vida a una banda sonora original de excepción firmada por Grégoire Hetzel, compositor de cabecera de Arnaud Desplechin y Mathieu Amalric. En estas partituras estalla toda la fuerza y belleza del filme y en su desempeño aflora la necesidad del vínculo.

Después de un estreno en Francia con más de 300.000 espectadores, «Los músicos» llega a cines españoles el 3 de julio, distribuida por La Aventura.

AINHOA PERNAUTE nos informa que ha comenzado el rodaje de “FESTINA LENTE” de Carlo Villafaina.

Carlos Villafaina rueda su ópera prima ‘Festina Lente’, protagonizada por Nacho Sánchez y Telmo Irureta junto a Elena Irureta y Sandra Pujol. Producida por Astra Pictures (España) y Saga Film (Bélgica), la película nace de la experiencia personal del director y guionista. Festina lente, es la expresión latina que significa "apresúrate lentamente”, o “date prisa despacio”

SINOPSIS: David, un profesor de música de treinta y dos años, debe hacerse cargo de su hermano mellizo, Amador, con parálisis cerebral, cuando su madre fallece. Después de años de relación distante, David se debatirá  entre su independencia y la dependencia de su hermano.

Queda en el aire qué sucederá con la tutela de Amador. Dos desconocidos se verán forzados a convivir juntos. David y Amador tendrán que dejar atrás sus diferencias, reconciliarse con el pasado que los ha separado para empezar a verse como lo que realmente son: dos hermanos capaces de cuidarse el uno al otro.

Rodada en diferentes localizaciones de Cataluña, el director, Carlos Villafaina, cuenta sobre su primer largometraje: Tengo un hermano mellizo con parálisis cerebral. Para mí, mi hermano Javier ha sido una carga durante mucho tiempo. Cuando comenzamos la secundaria, él, por primera vez, iba a una escuela ocupacional. Este fue el momento en que nuestras diferencias, marcadas por la diversidad funcional, se hicieron más evidentes. Hasta entonces, mi hermano y yo habíamos mantenido una relación de hermanos iguales, y la discapacidad no había sido relevante. Es entonces cuando nuestra relación cambia y dejamos de comportarnos como hermanos-amigos y comenzamos a vernos en una relación en la que poco a poco yo me convertía en una figura paterna más. Viví esta experiencia con tanta responsabilidad que surgió el miedo a la muerte de mis padres. ¿Qué pasaría cuando yo fuera responsable de la vida de mi hermano? ¿Sería capaz de hacerlo bien? ¿Realmente quiero hacerlo? ¿Y mi hermano? ¿Podría ser capaz de cuidar de mí también?”

Porque a menudo, simplemente, hemos querido sentirnos normales (si es que existe algo similar a la normalidad). Sintiendo una culpa común silenciosa que nos acompaña.

Creyendo que quizás, desde este punto en el que nos reconocemos como incapaces del cuidado, es desde donde mejor podemos cuidar y cuidarnos. Desde esta óptica nace este proyecto.

Esta película está dirigida a aquellas personas que creen que no saben cuidar y al mismo tiempo son las que más han cuidado, y a la vez, promover un cine que refleje la diversidad funcional de manera auténtica y honesta.”

Mi padre solía decirme que con mi hermano la prisa no servía de nada. Que era necesario apresurarse lentamente. "Vísteme despacio que tengo prisa." Este ha sido nuestro juego de velocidades. Yo frenético en mi constante movimiento. Él pausado en su inseparable quietud. En medio, un vacío en el cual nunca nos encontrábamos.”

Festina lente es una producción de Astra Pictures (España) y Saga Film (Bélgica), con la financiación del ICAA, el apoyo del ICEC y la participación de RTVE y 3CAT. Producida con el apoyo del Centro del Cine y del Audiovisual (CCA) de la Federación Valonia-Bruselas (FWB), la participación de BNP Paribas Fortis Film Finance y el apoyo del Tax Shelter del gobierno federal belga.

KATIA CASARIEGO nos informa que “LA VENTANA ABIERTA” de Ana Graciani, llegará a los cines el próximo 7 de agosto.

 LA VENTANA ABIERTA, escrita y dirigida por Ana Graciani, se estrenará en cines el próximo 7 de agosto distribuida por A Contracorriente Films. 

La película está protagonizada por Unax Ugalde, Adriana Camarena y Mara Guil. Completan el reparto Alberto López, Adriana Espina y Sofía Allepuz.

La ventana abierta consiguió el Premio del Público al Mejor Largometraje de la Sección Oficial de la 32 edición de FANT Bilbao.

La ventana abierta es una historia de suspense ambientada en el invierno inhóspito de la costa rural andaluza.

Sinopsis: Rubén llega hasta un remoto pueblo costero andaluz, arrastrado por el viento de levante y por el recuerdo de Merche, la mujer con la que ha construido una relación online durante meses. Su ilusión se topa con un paisaje hostil: puertas cerradas, miradas esquivas… y una única ventana abierta.

LA VENTANA ABIERTA es una producción de La Claqueta PC, La Cruda Realidad, Acheron Films y Amania Films en coproducción con Filmgate Miami (EE.UU.). Cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la participación de Canal Sur Radio y Televisión. A Contracorriente Films distribuirá la película en España.

CARAMEL FILMS nos informa que “ALL OF A SUDDEN” de Ryûsuke Hamaguchi, llegará a los cines el 19 de febrero de 2027.

“ALL OF A SUDDEN”, la nueva película del prestigioso cineasta japonés Ryūsuke Hamaguchi, llegará a los cines el próximo 19 DE FEBRERO de la mano de Caramel Films.

“Al lof a sudden” ha sido galardonada en el Festival de Cannes con el Premio a la Mejor actriz, otorgado ex aequo a las dos protagonistas de esta profunda historia de amistad: Virginie Efira y Tao Okamoto. 

Ryūsuke Hamaguchi obtuvo el Premio al Mejor Guion y el Premio FIPRESCI de la crítica internacional por 'Drive My Car' en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2021. Título que también obtuvo el Oscar a la Mejor Película Internacional en 2022, además de recibir nominaciones a Mejor Director y Mejor Guion Adaptado de la Academia de Hollywood y Premios de la Crítica Estadounidense a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion.

El cineasta japonés también fue premiado en 2021 con el Oso de Plata - Gran Premio del Jurado en la Berlinale por 'La ruleta de la fortuna y la fantasía', y en 2023 obtuvo el León de Plata - Gran Premio del Jurado por el título 'El mal no existe' en el Festival Internacional de Cine de Venecia. 

“Al lof a sudden” narra la historia de una directora de una residencia de ancianos, Marie-Lou, que se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en escuchar y respetar a los residentes, a pesar de la resistencia de algunos miembros de su personal. Su encuentro con Mari, una directora japonesa que lucha contra el cáncer, cambiará su vida para siempre. Tras forjar una profunda amistad, ambas mujeres se embarcan juntas en una lucha para «hacer posible lo imposible».

Un encuentro casual en París que forjará un vínculo espiritual tan inesperado como transformador que llevará a explorar a sus dos protagonistas la profundidad de la conexión humana frente a la fragilidad de la vida.

En palabras del aclamado cineasta: "Es importante tener tiempo para enfrentarse a uno mismo. Quizá la película nos brinde ese tiempo".

AINHOA PERNAUTE y MUBI nos informa que “ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAPAMENTO MIASMA”  de Jane Schoenbrun, llegará a los cines el 9 de octubre.

MUBI, la distribuidora global, servicio de streaming y productora nos informa sobre la esperada nueva película de Jane Schoenbrun, Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma, que se estrenará en cines de España el día 9 de octubre. La película llegará a los cines españoles tras su paso por el Festival de Cannes 2026, donde inauguró la sección Un Certain Regard y se convirtió en la ganadora de la Palma Queer de este año.

La película está protagonizada por la ganadora de un Emmy Hannah Einbinder y Gillian Anderson, y también cuenta en su reparto con Amanda Fix, Arthur Conti, Eva Victor, Zach Cherry, Sarah Sherman, Patrick Fischler, Dylan Baker, Jasmin Savoy Brown, Kevin McDonald, Quintessa Swindell y Jack Haven. Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma está escrita y dirigida por Jane Schoenbrun y producida por Plan B con la financiación de MUBI.

Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma es el tercer largometraje de Schoenbrun, continuando una obra marcada por temas como la identidad trans y el terror queer. Su película anterior, El brillo de la televisión, se estrenó en Sundance en 2024 y se proyectó en otros festivales como la Berlinale, San Sebastián y SXSW, recibiendo múltiples nominaciones en los Independent Spirit Awards de 2025, incluyendo Mejor Dirección, Mejor Interpretación Principal y Mejor Largometraje.

Tras años de secuelas cutres y con un fandom en declive, la franquicia slasher Campamento Miasma es puesta en manos de una joven y entusiasta directora para que la resucite. Pero cuando visita a la estrella de la película original, una actriz que ahora vive recluida y envuelta en misterio, las dos caen en una espiral de sangre, deseo, miedo y delirio.

ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA se estrenará en cines de España el 9 de octubre.

WARNER BROS. PICTURES SPAIN distribuirá en España “KARATEKA” de Aritz Moreno, llegará a los cines el 30 de octubre.

 ‘Karateka’ es la increíble historia de la deportista española Sandra Sánchez dirigida por Aritz Moreno, que se estrenará en cines el 30 de octubre. Es una producción de Atresmedia Cine junto a Sr. & Sra.

En un deporte dominado históricamente por Japón y en el que la mayoría de los atletas se retiran antes de los 30 años, Sandra Sánchez hizo lo impensable. A los 39 años conquistó el oro olímpico y se convirtió en la mejor karateka de todos los tiempos. Pero detrás de esa victoria hay mucho más que una hazaña deportiva: hay una historia de perseverancia, amor, superación y una fe inquebrantable en uno mismo. Una historia tan extraordinaria que trasciende el deporte para convertirse en leyenda.

Andrea Ros es la encargada de dar vida en la gran pantalla a Sandra Sánchez desde sus inicios humildes en Talavera de la Reina, hasta el triunfo de conseguir el oro olímpico en Tokio 2020. Patrick Criado interpreta a Jesús del Moral, su entrenador y quien se convertiría en su pareja sentimental, en una combinación única de amor y admiración mutua que trasciende lo deportivo y que acaba transformando sus vidas. 

Para interpretar a estos dos deportistas de élite, Andrea Ros y Patrick Criado se sometieron a un severo cambio de hábitos y duros entrenamientos, adaptándose al estilo de vida del kárate. Sandra Sánchez y Jesús del Moral participaron activamente como asesores durante todo el proceso creativo, ayudando a trasladar a la pantalla no solo la práctica deportiva, sino también los valores y la filosofía que definen el karate.

Junto a Andrea Ros y Patrick Criado, completan el reparto, los actores españoles Ernesto Alterio, Antonio Durán "Morris", Pablo Álvarez, Pilar Castro, Vicente Vergara, Edu Ferrés, Marta Pons y Chani Martín y los actores japoneses Mizuki Yoshida, Denden, Ayako Fujitani, Katsuki Suzuki y Hoshimi Asai.

'Karateka' cuenta con guion de David B. Gil y Pablo Tobías Gavasa con la colaboración de Javier Gullón.

En palabras de Aritz Moreno: “Por fin puedo compartir la historia de la mejor karateka de todos los tiempos. Una historia de amor, amistad y aventuras.

Un BioEpic diseñado en lo visual y lo sonoro para disfrutar del imponente karate de Sandra a lo grande, en una sala de cine.

Ya queda poco. Tomad asiento. Smile and relax.”

Sinopsis: Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que nunca dejó de creer y que desafió todas las convenciones. De ser descartada por el sistema a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años y redefinir el significado de la perseverancia en un deporte donde los más veteranos se retiran a los 30 años y que siempre habían dominado los japoneses. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el Karate y se convierte en leyenda.

“Karateka” es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra. y Karateka A.I.E, en coproducción con Wrong Men, Apaches Entertainment y Colosé Producciones. Con la participación de Atresmedia y Netflix, la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo de Creative Europe MEDIA y Wallimage (La Wallonie) y la financiación del Gobierno de España-ICAA. Distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.

MORTAL KOMBAT II (CRÍTICA DE CINE)

Mortal Kombat II está dirigida por Simon McQuoid con guion de Jeremy Slater.

El rey de Edenia, Jerrod (Desmond Chiam) entrega a su hija Kitana (Sophia Xu) un colgante perteneciente al Dios del trueno para que la proteja, antes de tener que enfrentarse en combate con el sanguinario Shao Kahn (Martyn Ford). Kitana y su madre la reina Sindel (Ana Thu Nguyen) presencian la contienda donde Jerrod demuestra su valentía pero finalmente muere a manos de Shao, quien toma como esposa a Sindel y a Kitana como su hijastra a la que prepara para ser una gran guerrera.

Pasan los años y Kitana (Adeline Rudolph) se ha convertido en una guerrera, teniendo como amiga y compañera de entrenamiento a Jade (Tati Gabrielle), una de las guardianas personales de Shao Kahn. El Reino de la Tierra está en peligro porque Shao se lo quiere anexionar y para ello el Reino de la Tierra deberá enfrentarse a un Mortal Kombat contra El Mundo Exterior; el encargado de reunir a los guerreros para la batalla será Lord Raiden (Tadanobu Asano)

Me enfrentaba a esta película totalmente virgen: ni he jugado el juego, ni lo he visto, ni tampoco vi en su día la primera entrega de esta saga. Pero, desde el primer minuto, me he sentido hechizado por todo el espectáculo visual y coreográfico que el director ha desplegado a lo largo del metraje. No sabía qué esperar de este “mundo mágico” envuelto en una mitología fascinante donde la elegancia y la brutalidad se dan la mano de forma hipnótica, junto a coreografías espectaculares meticulosamente diseñadas. Es meritorio por parte del guionista y director cómo consiguen inmiscuirte en el trasfondo de sus personajes. La narración logra que te intereses por ese destino trágico de la familia real de Edenia y por la amenaza de un emperador que se siente tan imponente como aterrador. No hace falta ser un experto en combos o fatalidades para apreciar que estamos ante un ejercicio de fantasía oscura que entra por los ojos y te atrapa por una cadencia endiablada, que no cesa hasta el final, logrando que te olvides de que eres un recién llegado a este sangriento tablero de juego de artes marciales combinado con armas mortíferas.

El ritmo de la película es un torbellino sin respiro que obliga al espectador a no despegar la mirada de la pantalla por miedo a perderse un solo detalle. Los combates se encadenan con una coreografía feroz donde cada guerrero o guerrera despliega un arsenal único y letal. Es fascinante ver cómo se combinan estilos tan dispares: desde la elegancia mortal de los abanicos de Kitana, que se clavan con la precisión de un puñal, hasta la brutalidad visceral de Baraka, capaz de convertir sus brazos en ametralladoras de proyectiles, que fulminan al enemigo con sus precisos movimientos. No faltan la lanza de Scorpion, los sais de Mileena o ese sombrero afilado de Kung Lao que danza al ritmo de su dueño como un disco de sierra capaz de las amputaciones más creativas. Tampoco nos podemos olvidar del fuego y la electricidad que emanan de sus manos y ojos, dotando a cada enfrentamiento de una identidad propia. Aquí el gore no es un simple adorno, sino la consecuencia lógica de un mundo donde se lucha a vida o muerte, sin cuartel y sin piedad.

Acompañando a este despliegue físico, el apartado técnico es el verdadero cimiento que sostiene el espectáculo. La fotografía de Stephen  F. Windon juega un papel crucial, no solo por su nitidez, sino por un uso narrativo del color que, entre otros, evoca la simbología de Star Wars: El azul asociado al bien y a los protectores, frente al rojo visceral y el naranja ardiente de los conquistadores. A esto se suma un soberbio trabajo en los efectos especiales, que logran dotar de una textura tangible a lo imposible, desde la integración de los proyectiles letales hasta la recreación de unos escenarios digitales que no se sienten vacíos.

Esta paleta cromática funciona como una brújula moral que guía al espectador entre el caos de las batallas, resaltando cada textura del Mundo Exterior. Por su parte, La potente banda sonora de Benjamin Wallfisch actúa como el motor de adrenalina de la cinta. Es una música que no se limita a acompañar, sino que puntúa cada impacto con una fuerza arrolladora, logrando que el espectador sienta en la propia piel la vibración de cada golpe de mazo de Shao Kahn o el silbido mortal de los abanicos de Kitana; una banda sonora que ruge con vida propia. Es por ello que recomiendo que, si estáis interesados en ver esta película – aunque no sepáis nada de la saga –, lo hagáis en el cine, porque cada detalle en la fotografía, la iluminación y esos escenarios donde se desarrollan las batallas se refuerzan en la oscuridad de la sala.

Pero, sin duda – y aquí llega el momento de mencionar a quienes dan vida a esos personajes –, quien se roba cada escena es Karl Urban. Su Johnny Cage es el soplo de aire fresco necesario; un actor de Hollywood perdido en un mundo de pesadilla que no deja de repetir que él no es un guerrero. Mientras los demás despliegan armas milenarias y poderes sobrenaturales, él se aferra a su carisma y a sus inseparables gafas de sol, aportando un sentido del humor cínico que equilibra perfectamente la tensión dramática. Urban clava esa actitud de estrella que se siente fuera de lugar, demostrando que, a veces, la chulería es tan efectiva como una bola de fuego. Junto a él, destaca la imponente presencia de Martyn Ford como Shao Kahn. Un villano que aterra con su voz grave y potencia sobrehumana, y la solvencia de Adeline Rudolph, quien dota a Kitana de una carga emocional que nos hace conectar con su sed de justicia. No son solo luchadores, son personajes que logran sostener el peso dramático de la trama.

En definitiva, Mortal Kombat II es una montaña rusa de adrenalina que demuestra que no hace falta un erudito del mando de la consola para disfrutar de un espectáculo de acción bien ejecutado. Si buscas una historia profunda quizás te equivoques de sala, pero si quieres ver cómo la fantasía oscura y las artes marciales más salvajes se fusionan en un festín visual, esta es tu película. Salgo de la sala con ganas de más y con la lección aprendida: en este torneo, si parpadeas, pierdes la cabeza (literalmente)

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de mayo.

REPARTO: Karl Urban, Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Lewis Tan, Tadanobu Asano, Hiroyuki Sanada, Damon Herriman, Joe Taslim, Mehcad Brooks, Chin Han, Tati Gabrielle, CJ. Bloomfield, Martyn Ford, Desmond Chiam, Ana Thu Nguyen, Julian Weeks, Max Huang, Issac Priest, Natyse Chan, Vanesa Everett, Sophia Xu, Gabrielle Joseph, Sharon Brooks, Steven Cragg, Peter Hill, Zel, Sade Goldsmith, Aristene Kisandro y Kyle Wyatt.

PRODUCTORA: Warner Bros.// New Line Cinema// Atomic Monster// Broken Road Productions// Fireside Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: WARNER BROS. PICTURES

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR:

El director y productor, Simon McQuoid, estudió en la Escuela Secundaria Superior  Lesmurdie. Su trayectoria profesional ha estado vinculada con la publicidad. Cuenta con los cortometrajes “El bosque de piedra” (2013) y “La economía nocturna” (2014) y en la dirección de largometraje debutó con “Mortal Kombat” (2021) y este año nos ofrece “Mortal Kombat II” (2026)

LA MOMIA DE LEE CRONIN: CRÍTICA DE CINE

La Momia, escrita y dirigida por Lee Cronin. “Cronin despelleja a “La Momia” en un festín de body horror”

Tras un breve prólogo, se nos presenta a la familia de Charlie Cannon (Jack Reynor), un periodista corresponsal en El Cairo, su esposa Larissa (Laia Costa) y sus dos hijos Seb (Shylo Molina) y Katie (Emily Mitchell/ Natalie Grace). Lo que comienza como una tragedia familiar (el rapto de la pequeña Katie mientras jugaba en el jardín) se convierte, ocho años después, en un enigma macabro.

Tras un accidente aéreo, encuentran un sarcófago de 3.000 años en cuyo interior se halla Katie, con problemas motrices, desnutrición y sin poder hablar. Rescatada por la Embajada Americana, la joven regresa a casa para reencontrarse con sus hermanos: un asombrado Seb y la pequeña Maud (Billie Roy), nacida durante su ausencia. Sin embargo, la alegría del reencuentro es el preludio de una pesadilla: fuerzas oscuras envuelven a Katie, amenazando con devorar la cordura de la familia.

Al terminar la película, mientras desfilaban los títulos de crédito, mi primera reacción fue de desconcierto: “¿Qué acabo de ver?”, me pregunté, intentando entender en qué momento la momia se había transformado en la niña de El Exorcista. Aunque el prólogo y ciertos pasajes puntuales nos muestran a una momia en el interior de un sarcófago pesado que requiere grúas y cadenas para abrirlo, la narración muta rápidamente hacia una posesión diabólica en el cuerpo de Katie. Una fusión extraña que me costó procesar, quizás por esperar una versión más fiel al clásico, pero conociendo a Lee Cronin, y fiel a mi costumbre de no ver tráileres antes de un pase de prensa, debería habérmelo imaginado. Dicho esto, no esperéis aquí comparaciones con el mito clásico. Esta reseña se centra en el body horror puro y duro, no apto para estómagos sensibles.

Hacía tiempo que no me tapaba los ojos en una sala; lo hice en algunos instantes, aunque fuera dejando los dedos entreabiertos para no perderme el horror y la repugnancia que provoca la presencia de un ser de ultratumba, y más en el cuerpo de una joven. Esa intranquilidad que sufre la familia se contagia astutamente al espectador, a quien Cronin revuelve las entrañas sin compasión.

Sí, lo confirmo, la película es desagradable, grotesca y, por momentos, de un gore impactante. Las vísceras bailan su danza macabra entre pieles que se desprenden o se arrancan deliberadamente. Un ejemplo perfecto de este horror táctil es la escena de la “pedicura”: un intento desesperado por adecentar a Katie que termina con una uña arrancada de cuajo, arrastrando consigo jirones de piel de la pierna. Estamos, por tanto, ante ese cine de sensaciones físicas, donde los ojos perdidos entre el mobiliario y la suciedad deshumanizada contrastan con el amor de una familia que busca lo racional en lo irracional.

Cronin no tiene el mínimo pudor, ni compasión. Traspasa las líneas rojas con vómitos negros que pasan de una boca a otra o estallando contra lo que encuentran a su paso; despliega sangre y contorsionismos imposibles, sin olvidar esas arañas y otros insectos que se cuelan por todos lados. Lo más positivo en su cine, a mi juicio, es el uso de los efectos visuales prácticos y un maquillaje protésico espectacular. “La Momia de Lee Cronin” es una propuesta cruda que te deja con una pregunta en el aire mucho después de salir del cine: ¿hasta dónde puede aguantar el cuerpo humano antes de romperse?

Un filme inquietante que juega con la mitología egipcia en un asfixiante entorno malsano, donde el horror no solo emana de lo sobrenatural, sino de la propia degradación física. Llegando a este punto, es de justicia destacar la magnífica interpretación de Natalie Grace; su entrega es tan absoluta que, por instantes, uno no sabe quién posee a quién, si ella al personaje o el personaje a ella. Su presencia amenazadora traspasa el denso maquillaje protésico que debe soportar y se convierte en el verdadero motor de una película que no da tregua.

Cronin no solo resucita al mito, sino que lo despedaza frente a nuestros ojos, transformando un puzzle que ya conocíamos para darle una vuelta de tuerca oscura, incómoda y más cercana. Una nueva composición visual que, regodeándose en lo visceral, nos recuerda que el horror más profundo es aquel que se instala en el seno de lo que más amamos.

Lee no busca simplemente complacer, aunque sí aterrarnos, removernos las entrañas y llegar más lejos, algo que ya hizo en su anterior trabajo: obligarnos a abrazar a la familia mientras todo lo demás se desmorona. Eso sí, no se olvida de sus pinceladas de humor negro, como yo tampoco me olvido de la fotografía de Dave Garbett y la banda sonora de Stephen McKeon, habituales en su corta filmografía y que ayudan a potenciar todo este terror abocado a la descomposición.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de abril.

REPARTO: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace, Veronica Falcón, Shylo Molina, Billie Roy, Hayat Kamille, Emily Mitchell, Kian Nagel, Dean Allen Williams y Jonathan Gunning.

PRODUCTORA: Atomic Monster// Blumhouse Productions// New Line Cinema// Doppelgängers// Wild Atlantic Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: El guionista y director, Lee Cronin se inició en el cortometraje con “Wilbur y Anto” (2004), “Durante la noche” (2010), “Billy y mandril” (2011) y “Tren fantasma” (2013). En televisión ha participado en las series “El plan maestro” (2011) y “50 estados de miedo” (2020). En el largometraje debutó participando en la antología “Minutes Past Midnight” (2016) y en solitario con “El bosque maldito” (2019), “Posesión infernal: El despertar” (2023) y este año nos ofrece su visión muy particular en “La momia de Lee Cronin”

PARA CURIOSOS: Seis han sido las versiones de la momia que han llegado a las salas de cine: “La Momia” (1932) de Karl Freund con Boris Karloff. “La Momia” (1959) de Jimmy Sangster con Christopher Lee. “La Momia” (1999), “El regreso de la Momia” 2001 y “La Momia: La tumba del emperador Dragón” (2008) las dos primeras de Stephen Sommers y la tercera de Rob Cohen, todas con Brendan Fraser  y finalizamos con la fallida “La Momia” 2017 de Alex Kurtzman con Tom Cruise y ahora es Lee Cronin quien nos ofrece una versión muy particular.

WARNER BROS. DISCOVERY CELEBRA SUPERMAN DAY 2026

Warner Bros. Discovery celebra Superman Day 2026 con un homenaje global a lo grande a Superman, Supergirl y Krypto el 18 de abril de 2026

Warner Bros. Discovery y DC invitan a los fans de todo el mundo a celebrar Superman Day el 18 de abril de 2026, aniversario del debut de Superman, con una celebración global y multiplataforma para fans de todas las edades. Los fans podrán participar desde cualquier lugar del mundo a través de experiencias, productos, nuevos cómics, contenido digital, maratones y mucho más de DC Comics, DC Studios, Warner Bros. Animation, HBO Max y Warner Bros. Discovery Global Experiences.

Superman Day anima a los fans a llevar el icónico símbolo de la S y celebrar lo que Superman representa: fuerza, heroicidad y esperanza. La celebración de 2026 se amplía para incluir a Supergirl, también conocida como Kara ZorEl, y al travieso Krypto, el Superperro, de cara al próximo largometraje de DC Studios “Supergirl”, que se estrena en cines de todo el mundo este junio de la mano de Warner Bros. Pictures.

Próxima película de DC Studios: “Supergirl”

“Supergirl”, el nuevo largometraje de DC Studios que llega a la gran pantalla, se estrenará en cines de todo el mundo este verano de la mano de Warner Bros. Pictures, con Milly Alcock en el doble papel de Supergirl/Kara ZorEl. Craig Gillespie dirige la película a partir de un guion de Ana Nogueira. Cuando un adversario inesperado e implacable golpea demasiado cerca de casa, Kara ZorEl, aka Supergirl, se ve obligada a unir fuerzas con un compañero poco probable en un viaje épico e interestelar de venganza y justicia.

“Supergirl” se estrena en cines el 26 de junio.

Disfruta en casa de películas, series y mucho más de Superman

HBO Max ofrece a los fans un destino único para Superman Day, con un espacio dedicado que reúne películas clásicas, queridas series animadas y el éxito de taquilla de 2025 “Superman”. Los suscriptores también pueden explorar la colección “La Fortaleza de la Soledad” durante todo el año, con “Superman & Lois”, “Mis aventuras con Superman”, “Krypto resuelve la situación” y más.

DC Publishing - Cómics y novelas gráficas

Múltiples novedades llegarán las librerías con lanzamientos centrados en Superman y Supergirl. En abril destaca el comic-book especial de Superman Day, un flipbook con las historias de debut de Supergirl y Krypto, que se regalará en tiendas. También llega una edición facsímil de Superman nº1, toda la actualidad de las principales series en curso (Absolute Superman, Superman Unlimited, Superman de Phillip Kennedy Johnson y Supergirl 2).

En mayo aterrizan obras fundamentales del personaje de Supergirl, desde Supergirl: Mujer del mañana, a títulos como DC Finest. Supergirl: Cuerpo y alma , DC Compact. Supergirl Feliz Retorno. Junio traerá consigo lanzamientos como DC Premiere. Supergirl: El confín del universo, Supergirl: El mundo, Supergirl y la Maliciosa, Archivos DC. Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl y DC Compact. Superman. Identidad secreta.

Warner Bros. Discovery Global Consumer Products

El 18 de abril, la colección global de Warner Bros. Discovery Global Consumer Products inspirada en “Supergirl”, la nueva película de acción real de DC Studios, aterrizará en tiendas. Nuevas propuestas en numerosas categorías, incluidos juguetes y coleccionables, moda, accesorios, cosmética y más, estarán disponibles de la mano de Funko, McFarlane Toys, Hot Topic, Lucky Brand, You Are The Princess y DC Shop, entre muchas otras.

La celebración continúa en Parque Warner Madrid, donde los fans podrán sentir que vuelan como el mismo Superman en la montaña rusa Superman: Atracción de Acero, conocer a Superman en el meet&greet y disfrutar del restaurante Daily Planet, que reabre sus puertas completamente renovado.

Sobre Superman, Supergirl y Krypto

Creado por el guionista Jerry Siegel y el dibujante Joe Shuster, Superman cambió el mundo de la cultura pop cuando debutó en el icónico cómic de DC Action Comics #1 el 18 de abril de 1938. Desde entonces, Superman se ha consolidado como un símbolo internacional de esperanza, fuerza y bondad, inspirando a personas de varias generaciones a través del cine, la televisión, la animación, los cómics y mucho más.

Kara ZorEl, también conocida como Supergirl, es una de las últimas supervivientes de Krypton, enviada a la Tierra siendo una niña. La Chica de Acero posee todos los poderes de Superman: desde fuerza, velocidad e invulnerabilidad sobrehumanas hasta el vuelo y los sentidos mejorados.

Krypto, el Superperro, es el fiel compañero de Superman: un perro kryptoniano con superfuerza, velocidad y sentidos. Puede que no siempre sea el compañero más disciplinado, pero Krypto ha servido durante mucho tiempo a Superman y Supergirl como un leal aliado, acudiendo en ayuda de cualquiera que lo necesite con una pata amiga.

NOTICIAS BREVES (CCXCV)

WARNER BROS. PICTURES nos informa que “SUPERGIRL” de Craig Gillespie, llegará a los cines el 26 de junio.

“Supergirl,” el nuevo largometraje de DC Studios que llega a la gran pantalla, estará en cines a nivel mundial el próximo verano. De Warner Bros. Pictures está protagonizada por Milly Alcock en el doble papel de Supergirl/Kara Zor-El.  Craig Gillespie dirige el film basado en el guión de Ana Nogueira.

Cuando un adversario inesperado y despiadado ataca demasiado cerca, Kara Zor-El, alias Supergirl, se une a regañadientes a un improbable compañero para un viaje épico e interestelar de venganza y justicia. Junto con Alcock, está protagonizada también por Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham, y Jason Momoa.

Peter Safran y James Gunn, que encabezan DC Studios, producen la pelicula, basada en personajes de DC, Supergirl que se basa en personajes creados por Jerry Siegel y Joe Shuster.  Los productores ejecutivos de la película son Nigel Gostelow, Chantal Nong Vo y Lars P. Winther.  Detras de la camara, se unen a Gillespie el director de fotografia Rob Hardy, el diseñador de produccion Neil Lamont, la directora de montaje Tatiana S. Riegel, la diseñadora del vestuario Anna B. Sheppard, el supervisor de efectos especiales Geoffrey Baumann, y el compositor Ramin Djawadi. 

DC Studios presenta una producción de Troll Court Entertainment Production, The Safran Company Production, Un Film de Craig Gillespie, “Supergirl,” que se estrenará en cines y en IMAX® en Norteamérica el 26 de junio de 2026, y a nivel internacional a partir del 24 de junio de 2026, distribuida por Warner Bros. Pictures.

ELASTICA nos informa que “BACKROOMS” de Kate Parsons, llegará a los cines el 5 de junio.

“BACKROOMS”, la nueva película de A24 que promete convertirse en la gran sensación del cine de género este año.

Elástica estrenará en cines el próximo 5 de junio la esperada ópera prima de Kane Parsons producida por A24, que nos ha dado títulos ya de culto como 'Hereditary' y 'Midsommar', de Ari Aster; 'La bruja' y 'El faro', de Robert Eggers'; 'X', 'Pearl' y 'MaXXXime', de Ti West; o 'Talk to me' y 'Bring her back', de los hermanos Danny y Michael Philipou, entre otras. “Backrooms” está protagonizada por Chiwetel Ejiofor y Renata Reinsve.

Basada en el fenómeno global que ha cautivado a toda una generación, “Backrooms” es un trepidante thriller de terror psicológico que convierte una leyenda viral en una auténtica pesadilla cinematográfica.

SINOPSIS: Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para salvarlo.

“Backrooms” marca el debut como director de largometraje de Kane Parsons, quien con apenas 19 años se ha convertido en el director más joven en la historia del prestigioso estudio independiente A24.

Parsons es el creador del universo original de 'Backrooms' en YouTube, donde lanzó este fenómeno viral siendo adolescente, con una serie de cortos inspirados en la leyenda urbana sobre espacios laberínticos que existen más allá de la realidad. Estrenada en 2022, la serie ha acumulado millones de visualizaciones hasta la fecha, y el largometraje surge a raíz del enorme impacto y la repercusión que estos vídeos alcanzaron en Internet.

De la mano del prodigio Kane Parsons y de los productores responsables de fenómenos del género como 'The Conjuring', 'Stranger Things' o 'The Monkey', el próximo 5 de junio llega a los cines una nueva forma de terror en la que los miedos más profundos habitan tras las paredes.

BETA FICTION SPAIN nos informa que “LA ROJA” de Marcel Barrena ha finalizado su rodaje.

Marcel Barrena finaliza el rodaje en Barcelona de LA ROJA, inspirada libremente en hechos reales y con guion del propio Barrena junto a Alberto Marini (El 47). Producida por Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine y Vilaüt Films, la película está protagonizada por Paco León, Carolina Yuste, Óscar de la Fuente, Guillermo Lasheras y Marc Martínez junto a los debutantes Atul Vijayakumar, Kunal Sharma, Yassin El Idrisssi, Bhupinder Singh, Arpit Raj, Sagar Trivedi, Umair Asif y Mihail Chitta entre otros.

Sinopsis: Inspirada en hechos reales. Mario (Paco León) es un entrenador con una misión imposible: lograr que España triunfe en su primer Europeo de cricket. Pero España es un país sin tradición en ese deporte y el equipo nacional es un desastre.

Todo cambia cuando empiezan a incorporarse jugadores indios, pakistaníes y bangladesíes que trabajan como taxistas, repartidores o dependientes, y que llevan cricket en la sangre. Lo que al principio parece una solución de urgencia acaba transformando por completo al equipo: diversas lenguas, costumbres diferentes y muchas tensiones… y también una nueva idea de lo que significa representar a España.

Sin dinero, sin patrocinadores, cosiéndose sus propios uniformes y pagándose los viajes de su bolsillo, estos jugadores, el entrenador y una profesora de instituto (Carolina Yuste), lucharán por la camiseta de un país que muchas veces les da la espalda. Y, contra todo pronóstico, podrían convertir a España en una potencia del cricket y, quizás, participar en los Juegos Olímpicos.

Marcel Barrena, dice sobre LA ROJA: ¿Existe la selección española de cricket? Ahora sí, se empeña en anunciar su seleccionador, capitán de un equipo compuesto por taxistas, repartidores de comida, vendedores, cuponeadores… indios, pakistaníes… Inmigrantes en un país que no siempre los quiere, pero un país al que ellos van a intentar llevar a los Juegos Olímpicos.

Esta historia de empatía, superación, integración, de culturas y lenguas... surgió cuando vi el video del himno de la selección en su primera competición, el Campeoneto de Europa, en el que fueron terceros. Cosiéndose la ropa, pagándose los trajes y los viajes de su propio bolsillo, los jugadores dieron la cara por un país que, pese a su triunfo, les recibió con insultos y burlas.

La Roja es un título irónico, pero profundamente significativo: gente diversa, de distintos colores y religiones, unida por una misma causa. Y esa causa no es el cricket ni una bandera, es la humanidad.

La roja es una película de equipo. Tanto es así que nos hemos unido los equipos de Infiltrada y El 47 para hacer posible esta comedia urbana con un casting precioso, algunos de nuestros mejores actores y el descubrimiento de nuevos rostros que dejarán un gran recuerdo en los espectadores.

'La Roja' es una producción de Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine, Vilaüt Films y La Roja AIE, con la participación de Atresmedia y Netflix y la financiación del ICAA. La película llegará a los cines en 2027 distribuida por Beta Fiction Spain.

SIDERAL nos informa que “ANDY” de Román Parrado, llegará a los cines el 10 de julio.

Tras su estreno en el Festival de Málaga, Andy, dirigida por Román Parrado, llegará a los cines el 10 de julio, distribuida por Sideral Cinema. Con pulso de thriller, la road movie narra el viaje de una niña mexicana de doce años hacia Estados Unidos, donde espera reencontrarse con su madre. Parrado —ganador de un Ondas y un Globo de Oro en el World Media Festival— lleva así su experiencia en el periodismo narrativo al terreno de la ficción. La producción de Mundo Cero, que cuenta con la participación de RTVE, retrata la experiencia real de los 140.000 niños que cada año se adentran solos en este corredor, del que muchos no regresan nunca.

Como tantos otros, Andy (Leslie Vázquez Gómez) atraviesa México enfrentándose a la violencia, los controles policiales y los territorios controlados por traficantes junto a Fernando (Emiliano López Quintana), un compañero de ruta más inexperto. Consciente de que el mayor riesgo no es cruzar la frontera sino sobrevivir hasta ella, se hace pasar por niño para esquivar los abusos que acechan a las mujeres en el camino. 

Del sur al norte de México: Un rodaje entre la ficción y la realidad

Andy nació de un proceso de documentación radicalmente honesto. Antes de rodar las escenas de ficción, Parrado y su equipo recorrieron durante mes y medio la misma ruta migratoria que seguiría su protagonista: desde Tecún Umán y el río Suchiate, en la frontera sur con Guatemala, hasta Nogales, en la frontera norte con Arizona. A lo largo de ese trayecto atravesaron Ciudad Hidalgo, Tapachula, San Carlos, Empalme, Hermosillo y Santa Cruz, en los mismos albergues, visitando estaciones de tren y pasos fronterizos improvisados y observando de primera mano cómo se mueven realmente los menores en tránsito. Cada año, alrededor de 140.000 emprenden solos el camino hacia la frontera norte, y muchos no llegan nunca. Todo ese material documental transformó el guión, y así la historia de Andy no pertenece a ninguna persona concreta, sino que está construida a partir de miles de experiencias reales. 

El rodaje de ficción se llevó a cabo con un equipo reducido cámara en mano y sonido directo, en esas mismas localizaciones del corredor migratorio mexicano. El resultado es una película en la que el fondo de cada plano es tan real como sus protagonistas. "Todo ese realismo, toda esa fragilidad, toda esa tensión invisible está ahí porque nosotros también la estábamos viviendo mientras rodábamos. Y al final, Andy es justamente eso: una ficción atravesando un mundo real que no se detiene para ser filmado. Una película que no intenta explicar la migración desde fuera, sino acompañarla durante un tramo del camino”, afirma el director.

NUEVE CARTAS nos informa que “CON LA TIERRA EN LOS PIES” de Fernando Vera, llegará a los cines el 17 de abril.

El largometraje documental «Con la tierra en los pies», dirigido por Fernando Vera («Los acordes de la memoria»), tendrá su estreno en cines el próximo 17 de abril. Ese día se ha programado un evento de estreno de la película, a las 18:30 en los Cines Palafox de Zaragoza, con Photocall, presentación y coloquio con el equipo de la película, que estará disponible para entrevistas presenciales. Y a partir del sábado 18, el film se podrá ver en Cines Aragonia. Próximamente, se podrá ver en cines de Madrid y Barcelona.

«Con la tierra en los pies» tuvo su première mundial en la 23ª edición de Espiello - Festival Internacional de Documental Etnográfico de Sobrarbe con sold out de entradas, sobrepasando el aforo de 270 personas del Palacio de Congresos de Boltaña, Huesca. 

La película, que entrelaza un desarrollo documental y un argumento de ficción basado en sucesos reales, presenta dos caminos que se cruzaron en 1930, el del lingüista alemán Rudolf Wilmes, y el de un territorio que estaba a punto de cambiar su forma de vida, el Valle de Vió. Una historia sobre la vida de los pueblos y su lucha por mantener su patrimonio cultural, material e inmaterial. Sobre la necesidad de toda persona de ser reconocida en su trabajo y el empeño de un pueblo por mantener su identidad. 

El film tiene un panel extraordinario de colaboraciones, voces con experiencia en temas sobre la despoblación y el Pirineo como las de Manuel Campo Vidal, Severino Pallaruelo, Sandra Araguás, José María Satué, Oscar Latas, Elena Puértolas o Maribel Clemente, entre otras. 

«Con la tierra en los pies» cuenta con el apoyo del Gobierno de Aragón, diputaciones provinciales de Zaragoza y Huesca, Justicia de Aragón, Parque Nacional de Ordesa y Monte Perdido, Reserva Biosfera Ordesa Viñamala, Asociación de Realizadores Oscenses, Instituto de Estudios Altoaragoneses y Comarca de Sobrarbe, Ayuntamientos de Fanlo, Broto y Aínsa, así como de Aragón TV, Fundación Caja Rural de ARAGÓN y CERTEST, entre un numeroso grupo de patrocinadores.

El film, que hilvana estas voces, se desarrolla a partir de un hecho real, la estancia en el valle de Vió durante la primavera de 1930, de Rudolf Wilmes, lingüista de la Universidad de Hamburgo. Fritz Kruger, director del Seminario para Lenguas y Culturas Románicas de Hamburgo acostumbraba a enviar a su alumnado a países donde todavía quedaban restos del romanticismo. Wilmes vino al pirineo a recoger, para su tesis, datos sobre el idioma aragonés y se encontró con una forma de vida que le fascinó y que la industrialización ya había borrado en el norte de Europa. Después de esa estancia en Vió, Wilmes se encontraría con tres guerras, la Guerra Civil española, la II Guerra Mundial y la guerra entre su profesor de tesis y otro influyente profesor de la Universidad de Munich. El pueblo de Nerín y Wilmes vivieron durante más de la mitad del siglo XX, una lucha por no perder su identidad. «Con la tierra en los pies» es una película sobre las señas en las que somos reconocidos, aquellas señas que nos hacen singulares.

«Con la tierra en los pies» cuenta con un elenco encabezado por Christian Stamm en el papel de Rudolf Wilmes (El «hombre de las mil caras», «Nasdrovia»), Isabelle Stoffel como Eike Wilmes («La virgen de agosto», «Karen»). Las actrices Carla Chiorazzo («El hotel de los líos. García y García 2»), Ibone Becana («Novatos»), Leticia Pascual («60m2») e Itziar Aizpuru (Premio Feroz por «Loreak») dan vida a Carmen en diferentes momentos de su vida y Javier Aranda (con larga trayectoria teatral) y Natividad Orozco («Tono menor») interpretan al padre y la madre de Carmen.

BETA FICTION SPAIN  nos informa que “HOKUM” de Damian  McCarthy, llegará a los cines el 15 de mayo.

Hokum, la nueva pesadilla del estudio que trajo Longlegs y el productor de Weapons. Tras su aclamado estreno en SXSW, llegará a los cines españoles el próximo 15 de mayo de la mano de Beta Fiction Spain y Madfer Films. 

Hokum está escrita y dirigida por Damian McCarthy y protagonizada por Adam Scott. Le acompañarán en el reparto Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Will O’Connell, and Michael Patric (Frontera).

SINOPSIS: Cuando un novelista se recluye a una posada remota en Irlanda para esparcir las cenizas de sus padres, las historias sobre una bruja ancestral que ronda la suite nupcial empiezan a obsesionarlo.

Pronto, visiones inquietantes y una desaparición inesperada lo arrastran a un enfrentamiento aterrador con los rincones más oscuros de su pasado.

ATREVIDA PRODUCCIONES nos informa que “CALCINACIÓN” de Luis Navarrete, se estrenará en salas de cine el 17 de abril.

La película dirigida por Luis Navarrete cuenta con un excepcional reparto encabezado por Javier Hernández, Vanessa Pámpano, Antonia San Juan y Bernabé Fernández. Completan el elenco Pablo Liñares, Teresa Gareche, María Alfonsa Rosso, África Esparducer y Juan Luis Valle.

“Calcinación” aborda el tema de las patologías mentales y busca entender  estos trastornos que, afortunadamente, cada vez tienen más visibilidad en nuestra sociedad.

En palabras del director “Calcinación”, es ante todo una película honesta y visceral. Es un guión que se fue construyendo mediante la desnudez psicológica del autor, volcando todas las obsesiones más profundas y los temores más oscuros en una historia.

“Calcinación”, ofrece un punto de encuentro para cualquier persona que necesite sentirse comprendida y acompañada, en estos procesos cada vez más comunes, que a veces nos da tanto miedo verbalizar. Así, es un relato que enfatiza la emoción de la manera más honesta y cercana posible, y a la vez engancha en su propio universo.

SINOPSIS: La vida de Álvaro ha perdido sentido, diluyéndose en una apatía que lo mantiene a la deriva. Cuando una chica irrumpe en su vida y parece devolverle la esperanza, una inquietante tensión comienza a crecer a su alrededor.

La película narra el proceso de una depresión, y pretende ir más allá, transmitiendo mediante imágenes y música una serie de síntomas que normalmente es casi imposible describir con palabras.

Calcinación arranca su recorrido en festivales en noviembre de 2025, con proyecciones en el Festival Internacional de Cine de Almería, Algeciras Fantastika, Independent Days, Indie Film Showcase y Cittador Film Festival, en el que ganó el premio a Best Arthouse Film.

NUEVE CARTAS nos informa que “SAL&DEAN: TRAS LOS PASOS DE KEROAUC”, llegará a los cines el 22 de mayo.

“Sal & Dean: Tras los pasos de Keroauc” de Rosa García Loire y Miguel Hualde  tendrá su estreno en cines el próximo 22 de mayo. Antes de su estreno, los músicos Jimmy Barnatán y Miguel Hualde (Mike Inverno), que emulan en ese film a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de la novela 'On the Road' (En el camino) de Jack Keroauc, acercarán la banda sonora original del film al público con un gira de conciertos en Madrid, Barcelona, Cantabria y Navarra. 

La travesía que Jimmy y Mike emprenden en este largometraje sugiere que el sueño americano no es una verdad universal, sino una construcción cambiante, reinterpretada constantemente por quienes lo persiguen o lo cuestionan, reflejando las tensiones y riquezas de una sociedad profundamente plural. 

Rosa García Loire, codirectora de 'Sal&Dean', explica que "este largometraje documental realiza un retrato de la sociedad estadounidense actual, siguiendo una obra literaria universal como es 'On the Road'. A lo largo del camino, personajes secundarios dan su visión del sueño americano y lo que queda de él. Recorremos el camino de Keroauc, revisitando el paisaje y los espacios. Creo que es interesante esa combinación de viaje, sociedad y cultura para mostrar, desde una óptica contemporánea, lo que queda de aquel viaje que el autor realizó hace más de medio siglo". 

Dirigido por Rosa García Loire y Miguel Hualde con guion de Jimmy Barnatán, 'Sal&Dean' cuenta con Javier Rodríguez como director de fotografía. Ignacio Maquirrain se encarga del montaje y Álvaro Soto del diseño gráfico. Jimmy Barnatán y Mike Inverno firman la música. Juan San Martín, Jordi Carbonell y Oriol Cardús son los productores. La película cuenta con el apoyo de incentivos fiscales, tanto navarro como de territorio común.

SINOPSIS: Jimmy Barnatán y Mike Inverno emprenden un viaje por la América profunda en el que  recorren el interior de Estados Unidos descubriendo a sus gentes, sus rincones y contrastes, tan fotografiados como desconocidos. Un viaje lleno de encuentros con músicos, camareras, camioneros y otros personajes anónimos que, aunque secundarios como ellos mismos, se convierten en protagonistas.

Emulando a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de 'On the Road' (En el camino), la novela definitiva de la generación beat publicada por Jack Kerouac en 1957, estos viajeros, acompañados de una guitarra y una pluma, tratan de entender el sueño americano, descubriendo la complejidad y diversidad cultural que definen a este fascinante país.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “ZONA 3” de Cédric Jimenez, llegará a los cines el 24 de abril

UN INQUIETANTE VIAJE A UN FUTURO DISTÓPICO

París, 2045. La ciudad está dividida en tres zonas que determinan quién tiene futuro… y quién queda fuera.

En un mundo bajo vigilancia permanente, una inteligencia artificial omnipresente es capaz de señalar a los culpables incluso antes de que el crimen ocurra. Cuando una agente de élite de la Zona 2 se ve obligada a colaborar con un ex-policía relegado a los márgenes del sistema, ambos se adentrarán en una investigación que amenaza con destapar la verdad detrás del control absoluto.

Dirigida por Cédric Jimenez  y protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Guilles Lellouche, Zona 3 es un thriller de ciencia ficción intenso y espectacular que combina investigación policial, tensión política y una inquietante visión del poder de la tecnología.

Tras su paso por la Mostra de Venecia, el Festival de Toronto y el Festival de Sitges, la esperada Zona 3 propone un inquietante viaje a un futuro cercano donde la inteligencia artificial ya no solo vigila… decide. La película adapta la exitosa novela de ciencia ficción Zona 3, escrita por Laurent Gaudé, un auténtico fenómeno editorial en Francia.