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jueves, 5 de mayo de 2022

WALT DISNEY STUDIOS EN CINEMACON 2022

 

CINEMACON 2022: WALT DISNEY STUDIOS PRESENTA IMÁGENES Y DATOS DE SUS ESTRENOS DE PIXAR, MARVEL Y 20TH CENTURY STUDIOS EN CINES EN 2022, ADEMÁS DE UNA PRIMICIA DE LA SECUELA DE AVATAR

La presentación de Walt Disney Studios en CinemaCon 2022 tuvo lugar el 27 de abril en el Caesars Palace de Las Vegas. Tony Chambers, el jefe de distribución cinematográfica de Disney, junto con el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y el productor de Avatar, Jon Landau, dieron a conocer la lista de estrenos cinematográficos de 2022, presentando un avance exclusivo de títulos de Marvel Studios, Pixar Animation Studios y 20th Century Studios.

De 20th Century Studios:

El avance incluía los tres próximos estrenos de 20th Century Studios: Bob's Burgers: La película; Amsterdam, la nueva película de David O. Russell (La gran estafa americana, El lado bueno de las cosas), y la primera secuela de Avatar, la aventura de acción y ciencia ficción de James Cameron, la película más taquillera de todos los tiempos.

Amsterdam se estrenará en los cines el 4 de noviembre. Los asistentes a CinemaCon disfrutaron de un avance de la película, que es una epopeya romántica sobre tres amigos que se ven envueltos en una de las tramas secretas más impactantes de la historia de Estados Unidos. Basada en hechos que se mezclan con ficción. Amsterdam está protagonizada por Christian Bale, ganador del Premio de la Academia®, Margot Robbie, nominada en dos ocasiones al Oscar®, John David Washington, Alessandro Nivola, Andrea Riseborough, Anya Taylor-Joy, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Taylor Swift, Timothy Olyphant y Zoe Saldaña, junto con el ganador del Oscar Rami Malek y Robert De Niro, ganador de dos Premios de la Academia. 

Escrita y dirigida por David O. Russell, nominado al Oscar® en cinco ocasiones, la película está producida por Arnon Milchan, Matthew Budman, Anthony Katagas, David O. Russell y Christian Bale, con Yariv Milchan, Michael Schaefer y Sam Hanson como productores ejecutivos. 

El título de la secuela de Avatar, que se estrenará en los cines el 16 de diciembre, es Avatar: The Way of Water (Avatar: el sentido del agua).

Ambientada más de una década después de los acontecimientos de la primera película, Avatar: The Way of Water empieza contando la historia de la familia Sully (Jake, Neytiri y sus hijos), los problemas que los persiguen, lo que tienen que hacer para mantenerse a salvo, las batallas que libran para seguir con vida y las tragedias que sufren. 

Dirigida por James Cameron y producida por Cameron y Jon Landau, la película está protagonizada por Zoe Saldaña, Sam Worthington, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi y Kate Winslet. 

Para abrir el apetito del público, el estudio reestrenará Avatar en los cines el 23 de septiembre.

El tráiler, que se proyectó en 3D por primera vez y obtuvo una excelente acogida en CinemaCon, se estrenará exclusivamente en cines el 6 de mayo con Doctor Strange en el Multiverso de la locura de Marvel Studios. Además, Zoe Saldaña, que protagoniza tanto Avatar: The Way of Water como Amsterdam, recibirá el premio “Estrella del Año” que otorga CinemaCon en la ceremonia “Big Screen Achievement Award”  la noche del jueves 28 de abril.

El estudio también proyectó los seis primeros minutos de Bob's Burgers: La película, que se estrena en los cines de Estados Unidos el 27 de mayo. La comedia musical animada para la gran pantalla se basa en la longeva serie ganadora de un Emmy®, y cuenta con las voces de H. Jon Benjamin, Dan Mintz, Eugene Mirman, Larry Murphy, John Roberts, Kristen Schaal, con Zach Galifianakis, y Kevin Kline. La película está dirigida por Loren Bouchard & Bernard Derriman. El guion es obra de Loren Bouchard y Nora Smith. Los productores son Loren Bouchard, Nora Smith y Janelle Momary-Neely.

De Marvel Studios:

Marvel Studios llevó a la audiencia de CinemaCon a vivir un viaje fascinante a través del Multiverso con imágenes de Doctor Strange en el Multiverso de la locura, que se estrena el 6 de mayo en cines. Con esta película, el UCM abre las puertas del Multiverso y amplía más que nunca sus límites. Los fans viajarán a lo desconocido con el Doctor Strange, que, con ayuda de aliados místicos tanto antiguos como nuevos, atraviesa las alucinantes   y   peligrosas realidades   alternativas del Multiverso  para enfrentarse a  un nuevo y misterioso adversario.

Doctor Strange en el Multiverso de la locura está protagonizada por Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Elizabeth Olsen, Benedict Wong, Xochitl Gomez, junto con Michael Stühlbarg y Rachel McAdams. La película está dirigida por Sam Raimi y Kevin Feige es el productor. Louis D'Esposito, Victoria Alonso, Eric Hauserman Carroll y Jamie Christopher ejercen de productores ejecutivos. Michael Waldron ha escrito el guion.

De Pixar Animation Studios:

Se proyectaron imágenes de Lightyear, la próxima película de Disney y Pixar que se estrena en los cines el 17 de junio. Lightyear es una aventura de acción y ciencia ficción y la historia de origen definitiva de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete. La película cuenta lo que le ocurre al legendario Space Ranger después de que quedar varado en un planeta hostil a 4,2 millones de años luz de la tierra junto a su comandante y su tripulación. Buzz intenta encontrar la manera de volver a casa a través del espacio y el tiempo, y para lograrlo contará con un grupo de ambiciosos reclutas y con su encantador gato robot, Sox. Pero la llegada de Zurg, una presencia imponente con un ejército de robots desLa película cuenta con las voces de Chris Evans como el Space Ranger Buzz Lightyear, Uzo Aduba como su comandante y amiga Alisha Hawthorne y Peter Sohn como Sox. Keke Palmer, Taika Waititi y Dale Soules prestan sus voces a Izzy Hawthorne, Mo Morrison y Darby Steel de la Junior Zap Patrol, respectivamente, y también podemos escuchar a James Brolin como el enigmático Zurg. El reparto de voces también incluye a Mary McDonald-Lewis como el ordenador de la nave I.V.A.N., Isiah Whitlock Jr. como el comandante Burnside, Efren Ramirez como Airman Diaz y Keira Hairston como Izzy de joven. La película está dirigida por Angus MacLane (codirector de Buscando a Dory), producida por Galyn Susman (Toy Story: El tiempo perdido), con música del premiado compositor Michael Giacchino (The Batman, Up).piadados, complica aún más las cosas y pone en peligro la misión. 

lunes, 18 de abril de 2022

NOTICIAS BREVES (CXLI)

 

MADAVENUE PR. COMMUNICATIONS y ATERAFILMS informan que “CLARA SOLA” de Nathalie Álvarez Mesé se estrenará el 20 de mayo.

El 20 de mayo se estrena en cines “CLARA SOLA” de la mano de ATERAFILMS. Se trata del debut en el largometraje de la directora costarricense-sueca Nathalie Álvarez Mesén. Una historia llena de misticismo y sensualidad, donde se narra el despertar sexual de Clara, una mujer de 40 años, en un entorno próximo al realismo mágico.

Protagonizada por la bailarina Wendy Chinchilla Araya, Daniel Castañeda Rincón, Ana Julia Porras Espinoza y Flor María Vargas Chaves, la película se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes 2021 recibiendo una gran acogida por parte de la crítica especializada. Ahora la película tiene dos nominaciones a los Premios Platino 2022, a Mejor Ópera Prima y Mejor Dirección de Fotografía para Sophie Winqvist.

La película es una coproducción entre Costa Rica, Suecia, Bélgica y Alemania.

SINOPSIS: De Clara, 40 años, se cree que tiene una conexión especial con Dios. Como “sanadora”, sostiene a una familia y un pueblo necesitados de esperanza, mientras encuentra consuelo en su relación con el mundo natural. Después de años de ser controlada por el cuidado represivo de su madre, los deseos sexuales de Clara se despiertan por su atracción por el nuevo novio de su sobrina. Esta fuerza recién despertada lleva a Clara a un territorio inexplorado, permitiéndole cruzar fronteras, tanto físicas como místicas. Empoderada por su autodescubrimiento, Clara se libera gradualmente de su papel de “santa” y comienza a curarse a sí misma.

ELLAS COMUNICACIÓN y THE WALT DISNEY STUDIOS nos informan que ha finalizado el rodaje de “MARI(DOS)” de Lucía Alemany.

La semana pasada terminó el rodaje de ”MARI(DOS)”, la nueva película dirigida por Lucía Alemany, que durante siete semanas ha tenido como escenario los paisajes nevados de localizaciones pirenaicas y de la Comunidad de Madrid. 

El rodaje, que arrancó el pasado 21 de febrero, se ha desarrollado en dos fases: la primera tuvo lugar en localidades y estaciones de esquí del Pirineo aragonés como Candanchú, Formigal y Panticosa, y la segunda en espacios naturales de la Comunidad de Madrid. En ambas, las bajas temperaturas y las nevadas constantes han permitido filmar localizaciones idílicas que aportan mayor realismo y belleza a la historia.  

“Apostamos por rodar en estos paisajes porque aporta a la película una factura, un valor y una estética increíbles. Creamos un pueblo muy particular y con un punto de misterio al que bautizamos Malpaso, y le dimos una estética cercana al country, que a la montaña le va muy bien, y al western, porque la trama gira en torno a dos hombres enfrentados por una mujer que, poco a poco, se van quitando capas de orgullo para ser más sinceros consigo mismos. Esta idea motivó enormemente al equipo y hemos disfrutado muchísimo trabajando. He tenido la fortuna de estar rodeada de los mejores técnicos y de unos actores y actrices brillantes que sacan lo mejor del guion. El resultado es una comedia muy divertida, y a ratos sofisticada, que va a gustar a todos los públicos”, explica la directora Lucía Alemany. 

“MARI(DOS)” está protagonizada por Paco León, Ernesto Alterio, Celia Freijeiro y Raúl Cimas. Completan el reparto las actrices infantiles Lucía Gómez y Emma Hernández y el adolescente Kirill Bunegin. 

Este es el segundo largometraje de Lucía Alemany, que cuenta con un guion firmado por Pablo Alén y Breixo Corral. La directora castellonense debutó en 2019 con ‘La inocencia’, ópera prima con tintes autobiográficos que obtuvo, entre otros muchos reconocimientos, dos nominaciones a los premios Goya y ocho a los Gaudí.  

“MARI(DOS)” es una producción de TELECINCO CINEMA, CIUDADANO CISKUL, THINK STUDIO y DOS MARIDOS AIE, que cuenta con la participación de MEDIASET ESPAÑA; MOVISTAR PLUS+ y MEDITERRÁNEO MEDIASET ESPAÑA GROUP. La película llegará a los cines españoles distribuida por BUENA VISTA INTERNACIONAL. 

SINOPSIS:  Toni y Emilio (Paco León y Ernesto Alterio) reciben la misma trágica llamada: sus mujeres están en coma tras un alud en una estación de esquí. Cuando se presentan en el mostrador de admisiones del hospital hacen un sorprendente descubrimiento: sus mujeres son, en realidad, la misma persona, Laura (Celia Freijeiro). Durante años, Laura ha llevado en secreto vidas paralelas, una salvaje montaña rusa a caballo entre sus dos familias. Obligados a convivir hasta que Laura despierte y pueda ser trasladada, Emilio y Toni luchan por demostrar quién de los dos es el único y auténtico marido.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que El Círculo de Bellas Artes acogerá el estreno en Madrid del documental Eduardo Rosales y Murcia.

Tras su estreno, el pasado año, en la Filmoteca Regional de Murcia, el próximo 20 de abril a las 20:00 horas, tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes la premiere madrileña de Eduardo Rosales y Murcia. Este mediometraje documental, realizado por José López Almagro, quiere poner en valor el efecto que tuvo el paisaje y el aire murciano sobre la inspiración del pintor madrileño en la fase postrera de su carrera. Acuciado por una tuberculosis pulmonar que terminaría por llevarle a la tumba con apenas 36 años, pasó dos largas temporadas en Murcia en 1872 y 1873 buscando, en el clima mediterráneo, un estímulo para su salud y para su creatividad, que no pasaban por su mejor momento.

Afectado por la muerte de su hija pequeña Eloisa, y por la respuesta crítica negativa que tuvo su gran cuadro “La muerte de Lucrecia”, una obra que, sin embargo, hoy está considerada como un maravilloso ejemplo de impresionismo temprano, y que fue el “gran incomprendido” de la pintura española del siglo XIX (tal y como es definido en un momento del documental).

Juan Antonio López Delgado nos narra a través del guion de este documental, que aún existe un último Rosales, aquel que encontró en el paisaje y en la luz de Murcia una renovada inspiración. López Delgado (miembro de la Real Academia de la Historia y de la Real Academia Alfonso X El Sabio) ejerce de anfitrión en el documental. De su mano, el espectador recorre la impresión que dejó Murcia en el pintor, la integración de este en la vida política y social de la región en unos momentos especialmente convulsos (reinado de Amadeo I, proclamación de la I República) y, sobre todo, la recobrada pasión por su oficio que demostró Eduardo Rosales en tierras murcianas, concreta en toda una serie de obras, muchas de las cuáles fueron pintadas al aire libre, hecho insólito para quien hasta entonces había sido un pintor de estudio.

Ese período en la vida del artista, prácticamente ignorado y muy desconocido, será asimismo abordado en el coloquio que el propio Juan Antonio López Delgado y José López Almagro, director de Eduardo Rosales en Murcia, mantendrán con el público asistente al estreno del documental en Madrid, el próximo 20 de abril a las 20:00 horas.

SINOPSIS: En este documental pondremos el acento en las dos estancias en Murcia, durante los años 1872 y 1873, correspondientes a los dos últimos de su vida, del gran Pintor madrileño Eduardo Rosales (1836-1873).

Haremos un recorrido donde se refieran y comenten los lugares en los que vivió el gran Artista plástico entre nosotros, las personas con las que trabó amistad y la Pintura al aire libre que al fin pudo aquí realizar, luego de desdichas y pesadumbres en la Villa y Corte.

Así pues, se hablará y “verán” personajes como el pintor Domingo Valdivieso, el escritor Fuentes y Ponte, el compositor Antonio López Almagro, los Marín-Baldo y un largo etcétera. Se aducirán asimismo muchos ejemplos gráficos de la obra que Rosales llevó a cabo en Murcia.

Lo que se ignora o escasamente se reconoce es que Rosales, con resucitado ánimo y nuevas energías, pintó mucho y bien, con amorosa atención por la vida que descubría en las personas, los lugares y las cosas. Óleos, acuarelas y dibujos dan expresivo testimonio del interés que el Pintor sintió por el paisaje de su entorno, su humana simpatía por los tipos y costumbres populares: el mercado de los jueves, los refajos, cobertores y toda la indumentaria huertana. “El naranjero de Algezares”, el “Paisaje de la Fuensanta”, el espléndido retrato del “Hombre desconocido” (“Panadero murciano”) son algunos de los ejemplos de los que aquí pintó.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que la tercera entrega de “DIOS MÍO” se coloca en el top 10 de la taquilla mundial en su primer fin de semana en cartelera en Francia.

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará la tercera entrega de la saga DIOS MÍO (“Qu'est-ce qu'on a tous fait au Bon Dieu”) el próximo 19 de agosto. La película original fue un auténtico fenómeno de taquilla en toda Europa, alcanzando más de 12 millones de espectadores en Francia y 1,3 millones en nuestro país. La tercera entrega de la saga se estrenó el pasado miércoles en Francia, logrando más de 730.000 espectadores en su primer fin de semana. Es el tercer mejor estreno del año en cines franceses solo por detrás de “The Batman” y “Uncharted” y se colocó en el TOP 10 de la taquilla mundial con el estreno en un solo territorio (superando los 5,3 millones de euros de recaudación). Esta secuela, número 1 del box office francés, sigue los pasos de sus antecesoras y en su primera semana en cines ya se ha convertido en una de las películas del año.

La tercera entrega de DIOS MÍO vuelve a contar con la dirección de Philippe de Chauveron y con el reparto coral encabezado por el cómico francés Christian Clavier y la actriz Chantal Lauby. También cuenta con las interpretaciones de Ary Abbitan, Medi Sadoun, o Élodie Fontan, entre otros.

Sinopsis: Pronto se cumplen 40 años del matrimonio entre Claude y Marie Verneuil. Para esta ocasión, sus cuatro hijas deciden organizar una gran fiesta sorpresa en la casa familiar de Chinon e invitar a los padres de cada uno de los yernos a pasar allí unos días. Claude y Marie tendrán que acoger bajo su techo a los padres de Rachid, David, Chao y Charles. Esta estancia en “familia” promete estar llena de acontecimientos.

Biopic Films, Maskeline a Visual Fourdry y La Charito Films se unen para lanzar este Proyecto desde Murcia, “Últimas Voluntades”

Durante mes y medio, Murcia se convirtió en un plató de cine. La ciudad y otras localizaciones de la Comunidad Autónoma acogieron el rodaje de “ÚLTIMAS VOLUNTADES”, la primera película del director local Joaquín Carmona Hidalgo.

Fernando Tejero, Óscar Casas, Carlos Santos, Nerea Camacho y Adriana Ozores, acompañados de actores murcianos como Salvador Serrano (también guionista de la película junto con Helio Mira), recrearon un thriller, en el que se narra la historia de un padre que se propone recuperar el amor de su hijo, a quien abandonó cuando este tenía un año de vida. Es una historia de superación y de segundas oportunidades.

“ÚLTIMAS VOLUNTADES” es una producción de dos productoras murcianas, Biopic Films (Daniel E. Moncho y Juan Mª Prieto) y Maskeline a visual Foundry (Alejandro Rius) y de la productora catalana La Charito Films (Diego Rodríguez y Ferrán Tomás), con la participación de RTVE y La7, la colaboración institucional del Gobierno Regional, a través del Instituto de Industrias Culturales y de las Artes (ICA) -dependiente de la Consejería de Educación y Cultura- y los ayuntamientos de Molina de Segura, Fuente Álamo, Mazarrón y Calasparra.

También hay un importante apoyo del sector privado de la Región de Murcia, con la presencia de marcas y empresas como Auxiliar Conservera, El Pozo Alimentación, Primafrío, Estrella de Levante, Sercomosa, La Boca te lía, Autobuses LAT, Hoteles El Churra, Ibertiano, Garaje Beat Club, Iberpiano y Salazones Garre.

En palabras de su director, Joaquín Carmona Hidalgo, “‘Últimas Voluntades’ es un thriller que aborda temas universales como la marginalidad, el perdón, la redención, la homosexualidad, y las segunda oportunidades”.
Por su parte, el actor principal Fernando Tejero comenta “me llegó el proyecto hace 6 años y escribieron el personaje pensando en mí, así que es como un traje a medida. Este personaje me ha abierto heridas y traumas del pasado: ha sido bastante duro el trabajo, pero también bonito”.

Los productores Daniel E. Moncho y Alejandro Rius, llevan años trabajando juntos en el desarrollo de trabajos cinematográficos como el cortometraje “Mar” -también dirigido por Carmona-, sobre la violencia de género psicológica, que recientemente ha sido galardonado en el Festival de Mula.

Y a su vez Diego Rodríguez y Ferrán Tomás se han especializado en la financiación de proyectos audiovisuales a través de la búsqueda de capital inversor. Algunos de sus proyectos cinematográficos han sido “La asombrosa Elisa” de Sadrac González-Perellón, “Baby” de J. Bajo Ulloa. Otras líneas de negocio de esta productora son la consultoría y la distribución.

REVOLUTIONARY PRESS nos informa que “EL COMENSAL”, de Ángeles González-Sinde, se estrenará en cines el 27 de mayo

“El Comensal” es la adaptación de la exitosa novela homónima y autobiográfica de Gabriela Ybarra.

El próximo 27 de mayo se estrena en cines EL COMENSAL, película dirigida por Ángeles González-Sinde y protagonizada por Susana Abaitua, Ginés García Millán y Adriana Ozores. Completan el reparto Fernando Oyagüez, Iñaki Miramón y Ane Gabarain.

El Comensal es la adaptación de la exitosa novela homónima y autobiográfica de Gabriela Ybarra y narra las secuelas que supuso para su familia el asesinato, a manos de ETA, de su abuelo paterno, el empresario y político Javier de Ybarra, en el verano de 1977.

SINOPSIS: Iciar (Susana Abaitua) y Fernando (Fernando Oyagüez) son jóvenes. Los dos atraviesan la experiencia más traumática de sus breves vidas: la pérdida de uno de los progenitores. Pero Fernando e Iciar no pueden compartir el dolor ni las estrategias para manejarlo. Viven en tiempos distintos. Fernando en 1977 en Bilbao se enfrenta al secuestro de su padre por parte de ETA. Iciar en 2011 en Navarra afronta el cáncer fulminante de su madre Adela (Adriana Ozores).

A partir de esta inesperada pérdida, Iciar toma conciencia del trágico secuestro y asesinato de su abuelo, al que nunca conoció, a manos de ETA en 1977. Ante la negativa de Fernando (Ginés García Millán), su padre, de hablar del asunto. Iciar se embarca por su cuenta en una reconstrucción de los tensos días del secuestro cuarenta años atrás. Gracias a su esfuerzo por sacar a la luz la memoria familiar, su padre y ella se reencontrarán en una nueva manera de mirar al pasado para vivir el futuro.

El Comensal es el relato en primera persona de dos formas distintas de afrontar las consecuencias de 40 años de terrorismo: mirándolo de cara o bien callando para sobrevivir.

BCN FILM FEST nos informa sobre las actividades paralelas del VI FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BARCELONA-SANT JORDI (BCN FILM FEST)

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), cuya sexta edición tendrá lugar del 21 al 29 de abril, celebrará, una edición más, diversas actividades paralelas a su programación oficial relacionadas con el cine y la literatura.

Entre ellas, se enmarcan la presentación en exclusiva de las primeras imágenes de las nuevas películas de los directores Alberto Rodríguez y Jaime Rosales y dos actividades relacionadas con nuevos lanzamientos literarios.

Mientras que la presentación de las primeras imágenes tendrá lugar en los Cines Verdi (C/ Verdi 32), sede principal del festival, las presentaciones de los libros de cine tendrán lugar en entidades colaboradoras del BCN FILM FEST, como son FNAC y Casa Seat. 

Todas estas actividades son gratuitas y de acceso libre (algunas con previo registro) hasta completar aforo.

PRESENTACIÓN PRIMERAS IMÁGENES “MODELO 77” Y “GIRASOLES SILVESTRES”

Miércoles 27 de abril en Cines Verdi – (C/ Verdi, 32)
18:30h – Actividad en castellano.

De igual manera que en anteriores ediciones del festival con Isabel Coixet, Rodrigo Sorogoyen o Benito Zambrano, el BCN FILM FEST acogerá en su sexta edición la presentación en exclusiva de las primeras imágenes de los próximos trabajos de dos destacados cineastas de nuestro país: Alberto Rodríguez y Jaime Rosales.

Director de películas como “El hombre de las mil caras” o “Grupo 7”, Rodríguez presentará en el festival “MODELO 77”, que ha escrito de nuevo junto a su co-guionista habitual, Rafael Cobos. La película, protagonizada por Miguel Herrán (“Hasta el cielo”) y Javier Gutiérrez, que vuelve a trabajar con el director después del éxito de “La isla mínima”, que se alzó con 10 Goyas y la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, está ambientada en la conocida prisión de Barcelona y cuenta una historia de amistad, solidaridad y libertad, inspirada en hechos reales.

Por otro lado, Rosales, cuyos anteriores trabajos han recibido reconocimientos como el Goya a la Mejor Película y al Mejor Director de “La Soledad” o que han participado en el Festival de Cannes, como “Hermosa juventud” o “Petra”, presenta “Girasoles Silvestres”, su séptima película, protagonizada por la Ganadora del Goya Anna Castillo y Oriol Plá. La cinta sigue a Julia, una joven de 22 años y madre de dos niños, en un viaje personal en busca de su felicidad y la de su familia. 

Después de la presentación, los directores tendrán un pequeño coloquio con el público moderado por la Directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine, Conxita Casanovas. 

Para asistir al evento es necesario reservar una entada gratuita para la sesión.

CLICK AQUÍ PARA RESERVAR TU ENTRADA GRATUITA PARA EL EVENTO

MESA REDONDA: “LITERATURA Y CINE”

Viernes 22 de abril en Casa Seat (Passeig de Gràcia,109) 18:00h - Actividad en catalán. En colaboración con el grupo editorial Grup 62

Dentro del marco del festival, tendrá lugar una mesa redonda titulada “Literatura y cine”. Durante el encuentro, 4 autores de Grup 62 cuya trayectoria ha estado relacionada de alguna forma u otra con el mundo del cine (Laia Aguilar, autora de “Les altres mares” de Columna Edicions; Pep Prieto, autor de “La dona eterna” de Columna Edicions; Laura Gost, autora de “El món es torna senzill” de Empúries y Empar Moliner, autora de “Benvolguda” Premi Ramon Llull 2022 de Columna Edicions) establecerán un coloquio en el cual se abordará la relación entre la literatura y el cine.

El encuentro estará moderado por el periodista Roger de Gràcia.

CLICK AQUÍ PARA INSCRIBIRTE A LA ACTIVIDAD

 Importante: El evento comenzará finalmente a las 18:00h y no a las 18:30h como inicialmente se había anunciado.

PRESENTACIÓN DE LA NOVELA: “ESTIMAT PABLO”

Martes 26 de abril en el Auditorio FNAC L’illa Diagonal. 18:30h. Actividad en catalán. En colaboración con el grupo editorial Penguin Random House.

La guionista y escritora Maria Jaen, responsable entre otras obras de la novela “La dona discreta” o del guion de “La vampira de Barcelona” presentará  en el marco del BCN FILM FEST su nuevo trabajo al público. Una novela de amor y exilio donde se recupera la figura de la violonchelista Francesca Vidal, esposa y compañera de vida del músico Pau Casals, a menudo ignorada o subestimada en las biografías del artista. Con una escritura cargada de emoción, la autora devuelve a Vidal su voz silenciada y reivindica su papel fundamental al lado de Pau Casals.

ACCESO LIBRE SIN INSCRIPCIÓN HASTA COMPLETAR AFORO

CLICK AQUÍ PARA CONOCER TODA LA INFORMACIÓN DEL EVENTO

miércoles, 16 de febrero de 2022

MUERTE EN EL NILO: CRÍTICA DE CINE

MUERTE EN EL NILO, está dirigida por Kenneth Branagh con guion de Michael Green, basándose en la novela de Agatha Christie. “Elegante adaptación de uno de los grandes clásicos de la escritora británica”

La acción nos sitúa en el 31 de octubre de 1914 en unas trincheras, donde se espera la decisión de los altos mandos. Un mensajero trae la orden de ataque que debe ejecutarse en un momento determinado y el capitán informa a sus hombres. Entre ellos, se encuentra un joven Hércules Poirot, quien comunica al capitán que deberían atacar ese día y le explica los motivos. Esa hazaña le lleva a Poirot a convertirse en un héroe y al espectador, a conocer la historia de su emblemático bigote.

Unos años más tarde, el detective privado Poirot, sentado, cómodamente, en una silla de un lujoso restaurante, observa cuanto acontece a su alrededor, deparando en la joven Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), quien conversa con su novio Simon Doyle (Armie Hammer), ambos desean casarse, pero él está sin trabajo, ella le promete que pronto lo tendrá. En el restaurante aparece la famosa y millonaria Linnet Ridgeway (Gal Gadot), amiga de Jacqueline, ambas conversan y Jacqueline le comenta el problema con su novio. Linnet no duda en  ofrecer un trabajo a Simon, quedando además, prendada por su atractivo. Estos personajes, junto a otros que iremos conociendo a través de la mirada del detective, se embarcarán en un viaje por el Nilo. Un viaje de placer que dejará de serlo a lo largo de la travesía, cuando surge el primer asesinato.

El guionista, actor y director de teatro y cine, Kenneth Branagh, estudió en la Grove Primary School de Belfast y en el Meadway Comprehensive School de Reading, Inglaterra. En su juventud además de estudiar, practicar rugby y fútbol, escribía críticas de libros infantiles. A los 18 años ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art y tras finalizar los estudios, comenzó a trabajar de actor de teatro clásico, en obras como Enrique V para la Royal Shakespeare Company a la edad de 23 años. En el año 1987,  junto a David Parfitt, funda la compañía, “Renaissance Theatre Company”. Además de interpretar grandes papeles en teatro y cine, ha dirigido “Enrique V” 1989, “Morir todavía” 1991, “Los amigos de Peter” 1992, “Mucho ruido y pocas nueces” 1993, “Frankenstein, de Mary Shelley” 1994, “En lo más crudo del invierno” 1995, “Hamlet, de Kenneth Branagh” 1996, “Trabajo de amor perdido” 2000, “Como gustéis”  y “La flauta mágica de Kenneth Branagh” 2006, “La huella (Sleuth)” 2007, “Thor” 2011, “Jack Ryan: Operación Sombra” 2014, “Cenicienta” 2015, “Asesinato en el Orient Express” 2017,  “El último acto” 2018, “Artemis Fowl” 2020, “Muerte en el Nilo” y “Belfast” 2021 y en el 2022 nos llegará “Bee Gees Biopic”.

Muerte en el Nilo, también traducida como Poirot en Egipto, fue escrita en 1937 y hace la novela número 23 de las 53 que escribió Agatha Christie entre los años 1920 a 1976 de temática policiaca, con detectives tan carismáticos como Hércules Poirot, protagonista de 33 novelas, Miss Marple de 12, La pareja formada por Tommy y Tuppence Beresford, intervinieron en 4 novelas, 3 recayeron en el Superintendente Battle y 1 para Mr. Harley Quin. 53 novelas solo policiacas, pues su obra es mucho más extensa entre cuentos, novelas románticas, libros de poemas, libros autobiográficos, programas radiofónicos y obras teatrales. Obra policiaca que os dejo al final de esta reseña.

Kenneth Branagh se pone al frente de esta nueva adaptación, no solo en la dirección, sino también encarnando al emblemático detective de origen belga, Hércules Poirot, como ya hiciera hace unos años, en 2017, con “Asesinato en el Orient Express”, en una interpretación sobria y elegante, como lo es el personaje a interpretar. Utiliza con acierto los avances tecnológicos para recrear la estética de la época y sumergirnos en ella, bajo la cuidada fotografía de Haris Zambarloukos, director de fotografía habitual en sus filmes, al igual que Patrick Doyle, recreando la música con sus notas de suspense.

Branagh dirige con indiscutible elegancia y acierto este filme, que muy seguramente obtendrá un éxito similar o mayor que con su anterior filme, pues como el mismo ha comentado, le gustaría seguir explorando en el gran legado que la escritora dejó en su amplia bibliografía, leída por millones de lectores a lo largo de las décadas y que incluso en la actualidad, siguen publicándose en colecciones especiales. Kenneth se ha rodeado de un importante elenco actoral, que encarnan a la perfección a cada uno de los personajes, donde destacan Kenneth Branagh y una Gal Gadot, a la que le viene muy bien este cambio de registro, tras sus papeles de heroínas. Finalizo haciendo mención al maravilloso vestuario que en esta ocasión ha recaído en el español Paco Delgado.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de febrero.

REPARTO: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand y Chadha.

PRODUCTORA: The Estate of Agatha Christie// 20th Century Studio.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: 20TH Century Studio España y The Walt Disney Company.

Aquí os dejo los títulos de las novelas policiacas que escribió Agatha Christie:

El misterioso caso de Styles (1920) – El misterioso señor Brown (1922) – Asesinato en el campo de golf (1923) – El hombre del traje marrón (1924) – El secreto de Chimmeys (1925) – El asesinato de Roger Ackroyd (1926) - Los cuatro grandes (1927) – El misterio del tren azul (1928) – El misterio de las siete esferas (1929) – Muerte en la vicaría (1930) – El misterio de Sittaford (1931) – El enigmático señor Quin (1931) – Peligro inminente (1932) -  La muerte de Lord Edgware (1933) – Asesinato en el Orient Express (1934) – Trayectoria de bumerán (1934) – Tragedia en tres actos (1935) – Muerte en las nubes (1935) – El misterio de la guía de ferrocarriles (1936) – Asesinato en Mesopotamia (1936) – Cartas sobre la mesa (1936) – El testigo mudo (1937) – Muerte en el Nilo (1937) – Cita con la muerte (1938) – Navidades trágicas (1939) – Matar es fácil (1939) – Diez negritos (1939) – Un triste ciprés (1940) – La muerte visita al dentista (1940) – Maldad bajo el sol (1941) – El misterio de Sans Souci (1941) – Un cadáver en la biblioteca (1942) – Cinco cerditos (1942) – El caso de los anónimos (1943) – Hacia cero (1944) – La venganza de Nofret (1945) – Cianuro espumoso (1945) – Sangre en la piscina (1946) – Pleamares de la vida (1948) – La casa torcida (1949) – Se anuncia un asesinato (1950) – Intriga en Bagdad (1951) – La señora McGinty ha muerto (1952) – El truco de los espejos (1952) – Un puñado de centeno (1953) – Después del funeral (1953) – Destino Desconocido (1955) – Asesinato en la calle Hickory (1955) – El templete de Nasse-House (1956) – El tren de las 4:50 (1957) – Inocencia trágica (1958) – Un gato en el palomar (1959) – El misterio de Pale Horse (1961) – El espejo se rajó de lado a lado (1962) – Los relojes (1963) – Misterio en el Caribe (1964) – En el hotel Bertram (1965) – La tercera muchacha (1966) – Noche eterna (1967) – El cuadro (1968) – Las manzanas (1969) – Pasajero a Frankfurt (1970) – Némesis (1971) – Los elefantes pueden recordar (1972) – La muerta del destino (1973) – Telón (1975) y Un crimen dormido (1976)

jueves, 20 de enero de 2022

EL CALLLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS: CRÍTICA DE CINE

El callejón de las almas perdidas, está dirigida por Guillermo del Toro compartiendo guion con Kim Morgan y adaptando la novela de William Lindsay Gresham. “Almas traumatizadas, viviendo bajo convicciones engañosas”

Es el año 40 cuando Stanton Carliste (Bradley Cooper) llega a un espacio en el que se encuentra instalada una feria, en él conocerá a  Molly Cahill (Rooney Mara) de la que se enamora. Decide unirse a ellos y entre sus variopintos personajes, intimará con Zeena Krumbein (Toni Collette) la tarotista y su padre Pete Krumbein (David Strathairn), el mentalista. Ambos le enseñan el arte del engaño. Cuando Pete muere, Stanton y Molly deciden irse en una camioneta a la ciudad. Pronto las habilidades de Stanton le colocan en una gran posición, hasta conocer a la doctora Lillith Ritter (Cate Blanchett), doctora en psicología, con quien se alía para alcanzar mayores cotas de popularidad y rendimiento económico.

El filme está basado en la novela homónima de William Lindsay Gresham publicada en 1946, cuya primera versión fue rodada en 1947 por Edmund Goulding y con Tyrone Power como actor principal. Estamos ante una película de suspense psicológico neo-noir, en la cual la degradación del ser humano acampa debajo y fuera, de las carpas.

Guillermo del Toro, estudió en el Centro de Investigación  y Estudios Cinematográficos, en Guadalajara (Jalisco), graduándose en 1983. Con tna solo ocho años, empezó a experimentar con la cámara de Súper 8 de su padre. Trabajó durante diez años en el departamento de diseño de maquillaje y fundaría su propia compañía “Necropia”. Sus inicios fueron en el cortometraje con “Doña Lupe” 1986 y “Geometria” 1987, saltando al largometraje con “Cronos” 1993, “Mimic” 1997, “El espinazo del diablo” 2001,  “Blade II” 2002, “Hellboy” 2004, “El laberinto del fauno” 2006, “Hellboy II: El ejército dorado” 2008, “Pacific Rim” 2013, “La cumbre escarlata” 2015, “La forma del agua” 2017 y este año “El callejón de las almas perdidas” 2021. Ha dirigido también capítulos de series como “Hora marcada” 1988/1989, “Los Simpson” 2013, “The Strain” 2014/2015, “Trollhunters” 2016/2018 y “Los 3 de abajo: Cuentos de Arcadia” 2018. Los video juegos “Pacific Rim: Jaeger Pilot Oculus Rift Experience”  y “P.T.” ambos en 2014.

La acción se sitúa en la antesala de la II Guerra Mundial, aunque tal acontecimiento histórico, solo lo veremos de paso entre las noticias de los periódicos y alguna pequeña conversación. El telón de fondo del filme, serán las mugrientas carpas y los personajes de esa feria ambulante; pero no  como el que hemos conocido la mayoría de nosotros, con sus payasos y atracciones circenses, sino más bien de los horrores, en medio de esos seres deformes, conocidos como los Freaks, entre los que encontraremos a la mujer en un amplio abanico de personajes, desde las barbudas, eléctricas, pitonisas o la mujer araña, que nos obsequiará con una moraleja; pasando por los mentalistas, los enanos, los forzudos o aquellos de quienes se duda entre su naturaleza humana y salvaje. Atracciones maquilladas, reales y ficticias que Guillermo nos presenta a través de la excepcional atmósfera y el clímax que se va elevando a medida que transcurre la narración.  

Del Toro nos vuelve a sumergir en una historia en la cual, las verdaderas protagonistas son las almas de los personajes. Los cuerpos simplemente son la materia en un espacio, de un tiempo, de la caprichosa naturaleza o un producto del imaginario; con el que provocar el espanto y la sorpresa; pues la verdadera realidad es aquello que protegen en lo más profundo de sus almas, de sus sentimientos y emociones e incluso en sus mentes limpias o retorcidas. En otras palabras, el ser real que se haya secuestrado en ese armazón, al que llamamos cuerpo y que en muchas ocasiones, idolatramos o despreciamos, por encima de la verdadera razón de nuestra identidad. Almas torturadas y hasta perdidas en cuerpos rotos, ante la mirada de gentes que pagan por ver el sufrimiento y las desgracias de sus semejantes, mientras otros sacan provecho de ello. Una crítica social que muy bien se podría aplicar hoy en día desde otras perspectivas, con el mismo resultado, pues aun sabiéndolo, algunos o muchos, se dejan manipular por los lobos hambrientos y sedientos de poder, de charlatanes que manejan los hilos y la psicología humana, convirtiéndolo, en la mayoría de las ocasiones, en un número vergonzoso de mentiras. En esta ocasión, entre todos esos elementos y extraños seres, seremos testigos de la vida de un hombre que llegó a lo más alto, para luego caer al fango más hediondo.

Un filme inmersivo en el que Guillermo del Toro nos muestra las luces y las sombras del ser humano, a través de esa  feria que es la vida, la cual, entre la densa atmósfera, nos presentará el escenario sobre el que debemos mantenernos en equilibrio y sobrevivir entre la inmundicia, los engaños, la codicia, la vanidad o incluso ante ese fugaz reflejo del amor interesado y con ello, no caer en las entrañas de la oscuridad, del propio infierno en la Tierra, como le sucede al personaje de Stanton Carliste. Del Toro logra atraparnos en un extraño laberinto, entre lo melancólico y la reflexión, pues el drama se masca desde los primeros fotogramas, entre esa extraña tenebrosidad que envuelve a estos seres, como si fueran almas en pena vagando por una tierra maldita. A destacar el extraordinario elenco actoral, que da vida a estos desdichados.

Si bien, en muchas ocasiones destaco dos de los elementos imprescindibles de todo film, como son la música y la fotografía, en esta ocasión, con más motivo, pues  junto a los actores, son los pilares de la obra. La fotografía de Dan Laustsen es pura magia, apoyándose en los excepcionales decorados, ofreciéndonos una gran riqueza de planos y sobretodo, la sobresaliente iluminación con la que cuenta, en un juego extraordinario de luces. Por su parte, la banda sonora del maestro Natham Johnson, se muestra doliente y espeluznante, como requiere la obra.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de Enero

REPARTO: Bradley Cooper, Cate Blanchett, Rooney Mara, Toni Collette, Willem Dafoe, Ron Perlman, Richard Jenkins, Mark Povinelli, David Strathairn, Holt McCallany, Jim Beaver, Mary Steenburgen y Paul Anderson.

PRODUCTORA: Searchlight  Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures Spain.

martes, 28 de diciembre de 2021

THE KING`S MAN: LA PRIMERA MISIÓN

 


La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, The King´s Man: La primera misión, está dirigida por Matthew Vaughn, compartiendo guion con Jane Goldman y Karl Gajdusek.

Nos encontramos en Sudáfrica en el año 1902, durante la  Segunda Guerra Bóer. El duque de Oxford, Orlando (Ralph Fiennes), recibe la visita de su esposa y su hijo pequeño Conrad, en una expedición de la Cruz Roja. Son atacados por un francotirador y en medio de la confusión, muere la mujer, quien le hace prometer a su marido que protegerá durante toda su vida, al hijo que tienen.

Doce años más tarde vemos a Conrad (Harris Dickinson), pilotando un avión con su padre, de acompañante. Es un joven testarudo y valiente, que quiere convertirse en soldado, algo que su padre le prohíbe al ser menor de edad. Por otro, lado una banda de mentes criminales, entre los que se encuentran Mata Hari (Valerie Pachner) y Grigori Rasputín (Rhys Ifans), se unen para desencadenar una guerra que matará a millones de personas. Para detenerlos, mientras los gobiernos esperan órdenes, un grupo de agentes armados liderarán la primera agencia de inteligencia independiente,  cuyo objetivo será velar por la paz. Orlando está al frente de dicha agencia e iniciará a su hijo en ella, presentándole a sus otros compañeros, Shola (Djimon Hounsou) y Polly (Gemma Arterton) la niñera de Conrad. Ellos formarán la  famosa organización de espionaje de los Kingsman.

El productor, guionista y director, Matthew Vaughn, estudió interno en la Stowe School en Buckingham, Inglaterra. Antes de su ingreso en la universidad, viajó en un tour del Hard Rock Café que finalizó en Los Ángeles, comenzando a trabajar como asistente de dirección. Regresó a Londres para estudiar Antropología e Historia en la University College London,  pero se dio cuenta que lo suyo era el cine, por lo que regresó de nuevo a Los Ángeles en busca de trabajo, algo que no halló y de nuevo retornó a Londres, conociendo a Guy Ritchie, a quien ayudó en “Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Lock & Stock) 1998, tras otros trabajos, debutó en la dirección con “Layen Cake (Crimen organizado)” 2004, “Stardust” 2007, “Kick-Ass: Listo para machacar” 2010, “X- men: Primera generación” 2011, “Kingsman: Servicio secreto” 2014, “Kingsman: el círculo de oro” 2017 y “The King´s Man: La primera misión” 2021; además del cortometraje “Nike: Awaken the Phantom” 2018.

The King´s Man: La primera misión, es la precuela de la franquicia Kingsman. Sus antecesoras fueron, las ya mencionadas, “Kingsman: Servicio secreto” 2014 y “Kingsman: El círculo de oro” 2017, ambas dirigidas por Matthew Vaughn, al igual que esta tercera. En esta ocasión, Vaughn, nos ofrece los inicios que originaron la formación de la famosa agencia, a principios del siglo XX e inspirada, como las antecesoras, en los cómic de Mark Millar y Dave Gibbons. El guion lo ha compartido con Jane Goldman y Karl Gajdusek, basándose en una historia propia.

The Kin`s Man, es ante todo un filme de aventuras y como tal, al menos yo, le permito las licencias históricas que se quiera tomar, porque como he dicho y repito, es una película de aventuras, de evasión, para deleitarnos y  no tener que pensar más allá de lo puramente necesario. Para películas históricas, tenemos decenas de ellas cada año y aunque sobre la primera guerra mundial abunden menos que de la segunda, en la gran pantalla hemos podido disfrutar últimamente con “Frantz” 2016 de François Ozon y “1917” 2019 de Sam Mendes, por poner dos ejemplos. Trataré por lo tanto este filme desde el lado cinematográfico y de aventuras, cuyo reparto, mayoritariamente británico, cumplen sobradamente con sus personajes. 

La película nos ofrece un divertido entretenimiento que respira un estilo clásico muy británico, en medio de coreografías de espadachines, que nos acercan a aquellas películas en las cuales los caballeros y aquellos que no lo eran tanto, se batían con espadas entre piruetas circenses, mientras destrozaban cuanto se encontraban a su paso, sillas, mesas, lámparas y algún que otro objeto; casi siempre con la finalidad de tener alguna ventaja ante su adversario y no siempre de manera caballeresca, prueba de ello, era el diseño de algunas espadas. Un aire clásico que rezuma en la elegante fotografía de Ben Davis, quien juega con la luz, las tonalidades ocres y los tonos bajos de color; retratando bellamente los exteriores, así como la magnífica ambientación en los decorados de Dominic Capon y por supuesto, el vestuario de Michael Clapton. Todo ello para intentar mostrar el mayor realismo de aquel principio del siglo XX.  Una aventura que goza de momentos ocurrentes y de un correcto montaje a cargo de Jason Ballantine y Robert Hall, otorgando un notable nervio al metraje, aun superando las dos horas, que personalmente, se me pasaron volando. En definitiva, una obra que cumple con su principal cometido, entretener a toda la familia.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de Diciembre

REPARTO: Harris Dickinson, Ralph Fiennes, Aaron Taylor-Johnson, Charles Dance, Daniel Brühl, Gemma Arterton, Djimon Hounsou, Matthew Goode, Stanley Tucci, Tom Hollander, Thys Ifans, Alison Steadman y Alexandra María Lara.

PRODUCTORA: Marv Films// 20th Century Studios//

DISTRUBIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures.

miércoles, 22 de diciembre de 2021

WEST SIDE STORY: CRÍTICA DE CINE

West Side Story está dirigida por Steven Spielberg con guion de Tony Kushner, basándose en el libro de Arthur Laurents. “Reinventando un clásico”.

Una parte del West Side, está sufriendo un proceso de transformación urbanística, con la intención de crear edificios y espacios más lujosos y residenciales. En la otra parte del barrio, entre sus habitantes, dos bandas se disputan el territorio: Los Jets con Riff (Mike Faist) como jefe y los Sharks, puertorriqueños liderados por Bernardo (David Álvarez). Los enfrentamientos entre ambas pandillas son frecuentes y violentos. En el transcurso de un baile, Tony (Ansel Elgort), el mejor amigo de Riff, conocerá a María (Rachel Zegler), la hermana de Bernardo, surgiendo entre los dos un flechazo instantáneo, lo que ocasionará un nuevo conflicto entre ambas pandillas.

Dos clásicos se abrazan en esta nueva versión, por una parte la inmortal novela de William Shakespeare publicada en 1597 y cuya historia gira entorno a dos jóvenes de dos familias rivales: los Montesco y los Capuleto y del otro lado, el gran clásico del cine musical “West Side Story (Amor sin barreras)” 1961 dirigido por Robert Wise y Jerome Robbins, que se alzó con numerosos premios, entre ellos 10 Óscar. La banda sonora fue obra de Leonard Bernstein y las letras de Stephen Sondheim.  

Tras leer la noticia de que el maestro Steven Spielberg iba a versionar el clásico citado, pensé si realmente era necesaria hacer una nueva versión de un filme ya inmortal por sí mismo; pero siendo Spielberg, uno de mis directores favoritos, le daría la oportunidad de mostrar una vez más, su saber hacer. Tras el visionado, solo puedo afirmar que el genio de Steven, no tiene límites, pues contándonos la misma historia, con las mismas tramas y temas musicales, ha concebido una obra más intensa, más dramática y lo más importante, profundizando en los personajes y el porqué de algunas reacciones. Una nueva versión con la mirada puesta en el público más joven que tal vez nunca ha visto el clásico de 1961 y por supuesto, para los grandes nostálgicos que entraran en la sala con dudas y saldrán convencidos y con una gran sonrisa. Un musical que desde estas primeras líneas, recomiendo encarecidamente.

West Side Story de Wise, es uno de mis musicales favoritos. Lo he visto en infinidad de ocasiones y siempre lo he disfrutado de igual manera y aun conociendo la historia y el mantener toda la obra intacta, Spielberg logra emocionar, no solo haciéndonos canturrear la maravillosa banda sonora, sino logrando que nuestro corazón se encoja, que nuestras emociones exuden por todos nuestros poros y finalmente las lágrimas resbalen por nuestro rostro, sin poderlo evitar. El genio que tantas grandes obras inolvidables nos ha ofrecido a lo largo de los años, ahora nos atrapa con una adaptación de un clásico, que no me cansaba de afirmar, hasta antes de ver este filme, intocable. Spielberg lo ha tocado, lo ha mimado, lo ha respetado, se lo ha llevado a su mundo tan particular y nos lo devuelve colmado de vida, de energía, de magia y de emotividad, con ese punto de modernidad en los pequeños detalles, que se hacen muy grandes, en esas calles del West Side, mostrándonos el día a día de sus gentes, con el objetivo siempre puesto en las dos bandas rivales y junto a ellos, ofrecernos, en medio de esa historia de amor, fácilmente reconocible, las luchas internas y externas de los jóvenes, sus miedos y odios, el ansia por lograr el sueño americano, la añoranza de la tierra que les vio nacer y que corre por su sangre, la lucha por sobrevivir e incluso ese racismo tan latente en el país, revelando por primera vez y de una forma tan acertada, a ese personaje transgénero, que se mueve entre las dos bandas. Todo ello coronado por haber sabido elegir actores latinos, cuidando además el español con esos acentos tan característicos, que en la versión original, no existían.

El elenco actoral es brillante, pues se hace creíble ante la naturalidad que transmite, deslumbrando una maravillosa Raquel Zegler, encarnando a María. Su carisma y belleza casi celestial, nos enamora; en el lado masculino destacar a Ansel Elgort, en el papel de Tony, un personaje en el que por primera vez, descubriremos sus luces y sus sombras y en el lado más nostálgico, nos encontramos con la gran Rita Moreno, esa actriz que encarnó a Anita en la anterior versión, será aquí Valentina, la dueña de la tienda en la que trabaja Tony. La humanidad que desprende su personaje cala en el público y en el número final, que interpreta en solitario, nos roba el alma. A todos en general, gracias por ofrecernos vuestra verdad.

En los aspectos técnicos habría tanto que decir, que esta reseña se haría interminable. En primer lugar destacar las impresionantes coreografías, actualizadas, de Justin Peck, sacando a las calles las más importantes, como sucede con el tema de “América” que si en su origen era vistoso, ahora es espectacular, con un ritmo y una garra asombrosa, y es que el maestro Spielberg, siempre ha tenido muy claro lo que es el espectáculo y aquí hace gala de ello, deleitándonos con toda la magnitud de la que es capaz dedicarnos, entre escenarios al aire libre, que nos envuelven en el barrio. La extraordinaria fotografía en la mirada atenta de su mano derecha, Janusz Kaminski, tan vistosa que deslumbra en cada fotograma. El impecable y llamativo vestuario de Paul Tazewell, ciñéndose, aún más, a aquellos años 50 del siglo pasado. El meticuloso montaje de Michael Kahn y por supuesto, la gran banda sonora, que aun respetando la original, David Newman, otro habitual en  las últimas películas del director, le ha dado un toque de novedad, que no estropea para nada el origen. En definitiva, estamos ante una nueva obra maestra y es que solo el gran genio, no me cansaré de repetirme, de Spielberg, es capaz de sorprendernos, adaptando un clásico ya perfecto.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de Diciembre.

REPARTO: Rachel Zegler, Ansel Elgort, David Alvarez, Ariana DeBose, Rita Moreno, Josh Andrés Rivera, Corey Stoll, Brian d´Arcy James, Maddie Ziegler, Ana Isabelle, Mike Faist, Reginald L. Barnes y Jamila Velazquez.

PRODUCTORA: Amblin Entertainment// 20th Century Studios

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: 20th Century Studios.

LA BANDA SONORA

1.- “Prologo”, 2.- “Jet Song”  3.- “Something`s Coming”  4.- “Dance at the Gym” , 5.- “María”  6.- “One Hand, One Heart”  7.- “Tonight Quintet”, 8.- “The Rumble”, 9.- “Somewhere”, 10.- “A Boy Like That/I Have a Love”, 11.- Somewhere (Reprise), 12.- “Finale”, 13.- “América”, 14.- “Tonight”, 15.- “I Feel Pretty”, 16.- “Cool” y 17.- “Gee, Officer Krupke”.

LOS COMPONENTES DE LAS BANDAS SON:

LOS JETS SON INTERPRETADOS POR: Brianna Abruzzo, Kyle Allen, Kyle Coffman, Ben Cook, Harrison Coll, Kevin Csolak, Kellie Drobnick, Julian Elia, Myles Erlick, Leigh-Ann Esty, Sara Esty, John Michael Fiumara, Paloma Garcia-Lee, Garett Hawe, Patrick Higgins, Sean Harrison Jones, Eloise Kropp, Lauren Leach, Jess LeProtto, Skye Mattox, Ezra Menas, Adriana Pierce, Brittany Pollack, Daniel Patrick Russell, Talia Ryder, Jonalyn Saxer y Halli Toland.

LOS SHARKS SON INTEPRETADOS POR: David Aviles Morales, Yesenia Ayala, María Alejandra Castillo, Annelise Cepero, Andrei Chagas, Jeanette Delgado, Kelvin Delgado, Gaby Díaz, Yurel Echezarreta, Adriel Flete, Carlos E. González, David Guzman, Jacob Guzmán, Ana Isabelle, Melody Martí, Ilda Mason, Juliette Feliciano Ortiz, Edriz E. Rosa Pérez, Maria Alexis Rodriguez, Julius Anthony Rubio, Carlos Sánchez Falú, Sebastian Serra, Gabriela Soto, Ricky Úbeda, Tanairi Vazquez, Jamila Velazquez, Isabella Ward, y Ricardo Zayas.

BIOGRAFÍA DEL DIRECTOR

El productor, guionista y director, Steven Spielberg,  Siendo un niño asistió a la sinagoga en Haddon Heights y a la escuela hebrea entre 1953 y 1957. Asistió a la Escuela Secundaria en Phoenix durante tres años y se graduó en la Saratoga High School en 1965. Se mudó a California y tras ser rechazado en tres ocasiones en la University of Southern California de Teatro, Cine y Televisión, se inscribió en la California State University, Long Beach, en donde fue miembro de la fraternidad Theta Chi. En 1994, la USC le otorgó el doctorado Honoris Causa y dos años más tarde, se convirtió en miembro del consejo de la universidad. Su  verdadera carrera comenzó al ingresar en la Universal Studios. Su primer cortometraje profesional, para salas, fue con “Amblin” 1968, título que como bien sabemos, utilizaría para dar nombre a su productora, Amblin Entertainmet. Debido a su amplia filmografía, me limitaré a presentar las dirigidas por él: “Duel (El diablo sobre ruedas)” 1971, “Loca evasión” 1974, “Tiburón” 1975, “Encuentros en la tercera fase” 1977, “1941” 1979, “En busca del arca perdida” 1981, “E.T. el extraterrestre” 1982, “En los límites de la realidad” 1983, “Indiana Jones y el templo maldito” 1984, “El color púrpura” 1985, “El imperio del sol” 1987, “Always” y “Indiana Jones y la última cruzada” 1989,  “Hook” 1991, “Parque Jurásico”  y “La lista de Schindler” 1993, “El mundo perdido: Jurassic Park” y “Amistad” 1997,  “Salvar al soldado Ryan” 1998, “A.I Inteligencia artificial” 2001, “Minority Report” 2002, “Atrápame si puedes”, “La terminal” 2004, “La guerra de los mundos” y “Múnich” 2005, “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal” 2008, “Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio”  y “War Horse (Caballo de Batalla)“ 2011,  “Lincoln” 2012,  “El puente de los espías” 2015, “Mi amigo el gigante” 2016, “Los archivos del Pentágono”  y “Ready Player One”  en 2017 y “West Side Story” 2021.