YO EL VAQUILLA Y EL MEJOR CINE QUINQUI EN FLIXOLÉ

ZENIT COMUNICACIÓN informa del estreno en la Plataforma FlixOlé de “YO, EL VAQUILLA” y con ella no te pierdas las imprescindibles del Cine Quinqui.

En la última década, de todos los movimientos que componen la historia de nuestro cine, quizá sea el cine quinqui el que más ha sido reevaluado, reivindicado y analizado. El cine quinqui ha entrado en el museo, se le han dedicado exposiciones, libros, artículos académicos e incluso tesis doctorales. El género, que había sido tantas veces denostado y tratado como menor, ahora es revisitado desde ópticas sociológicas o históricas. Y es que pocas películas más útiles para comprender el periodo de la Transición como estas, ambientadas en el extrarradio de las grandes ciudades. 

Este género se caracteriza por mostrar la vida de delincuentes juveniles (muchas veces basados en personas reales) y su forma de actuar y de vivir, en películas llenas de acción, persecuciones, disparos, pero también de sexo y de música.  En un momento de auge de la delincuencia juvenil, estas películas sirvieron para mostrar un problema real que había que resolver, pero sin renunciar al espectáculo ni a la adrenalina.

Uno de los grandes valores del cine quinqui era saber que lo que se retrataba en la película sucedía muy cerca del centro de las grandes ciudades, donde se veían las películas, que se convirtieron en grandes éxitos populares. El nombre de esos delincuentes juveniles aparecía en televisión, en las revistas, en la prensa, convirtiéndolos en figuras pop, algo que el cine quinqui promovió y de lo que se aprovechó.

FLIXOLÉ, aprovechando el estreno en la plataforma de “YO, EL VAQUILLA” (Jose Antonio de la Loma, 1985), lanza una nueva colección, CINE QUINQUI; en la que mostrar las joyas de este género. Con “YO, EL VAQUILLA” (1985), José Antonio de la Loma cerraba el largo ciclo del cine quinqui, que él mismo había abierto con las tres partes de Perros callejeros. Esta cinta es una biografía del famoso delincuente, que de hecho aparece en la película, en la cárcel, en un prólogo, para testimoniar la veracidad de todo lo que se ve. La película tiene el contenido de acción y erótico de sus predecesoras pero va más allá en su denuncia. La película no tardó en convertirse en una obra de culto, reivindicada cada vez más por los numerosos aficionados al género.

El éxito de este tipo de películas hizo que muchos directores y productores normalmente volcados en la realización de películas comerciales, que seguían las modas del momento, se fijasen en el género y apostasen por él. Ese fue el caso de, por ejemplo, “JUVENTUD DROGADA” (José Truchado, 1977), una película que mezcla el cine quinqui con el thriller, poniendo en paralelo la venta de droga en las calles y el asalto a unos laboratorios farmacéuticos, “LOS VIOLADORES DEL AMANECER” (Ignacio F. Iquino, 1978), sobre una banda de chicos que se dedica a secuestra jovencitas o “LA PATRIA DEL RATA” (Francisco Lara Polop, 1980), el biopic de un delincuente, esta vez de ficción, que huye por toda la geografía española después de haber atracado un banco.  

Pero también se acercaron al género algunos directores de prestigio, algunos nombres claves del cine español. Lo que hicieron fue coger las características principales de este tipo de películas, para acercarlos a otros géneros, como el melodrama o el thriller, estilizando también sus formas. Eso es lo que sucede, por ejemplo, en “BARCELONA SUR” (Jordi Cadena, 1981), una película que recoge influencias de la Serie B americana para estilizarla, dando además por primera vez el protagonismo de este tipo de películas a unas mujeres; en “DEPRISA, DEPRISA” (Carlos Saura, 1981), considerada una de las obras maestra de su director, una película que trasciende el cine quinqui para convertirse en uno de los films más románticos hechos en nuestro país, con una inolvidable banda sonora de Los chunguitos; en “COTO DE CAZA” (Jorge Grau, 1983), con Assumpta Serna, sobre una abogada de oficio que es acosada por uno de los delincuentes a los que defiende; en “FANNY PELOPAJA” (Vicente Aranda, 1984), una película que abraza el mejor cine negro, con una mujer fatal que vuelve a la ciudad para vengarse de aquel que la traicionó cuando parecía que iba a conseguir escapar de la delincuencia; en “27 HORAS” (Montxo Armendáriz, 1986) una desolada historia de desempleo y pobreza y de cómo eso abocaba a los jóvenes a perder el futuro y la perspectiva en el mundo de la droga, o en “MATAR AL NANI” (Roberto Bodegas, 1988), una película basada en un hecho real que conmocionó a la opinión pública, que destapó una intricada red de corrupción que implicaba a destacados políticos.

Pero si hay un director que amplió el alcance de estas películas, convirtiéndolas en verdaderos alegatos políticos de denuncias de las condiciones sociales del país, fue Eloy de la Iglesia, el director quizá más revindicado en la actualidad, homenajeado en festivales de todo el mundo. Fue De la Iglesia quien consiguió alejar al cine quinqui de la espectacularidad de las persecuciones y la acción, para, sin alejarse de ella, acercarlo al cine social. Clásicos contemporáneos como “NAVAJEROS” (1980) o “COLEGAS” (1982), esta última protagonizada por Antonio Flores, Rosario Flores y José Luis Manzano, ahondaron en el desempleo y el desarraigo como motivo de la delincuencia juvenil. Otras como “MIEDO A SALIR DE NOCHE” (1980) se permitieron bromear y parodiar el estado de alarma social. Después vendría su celebérrima “EL PICO” (1983) seguida de “EL PICO II” (1984), otra vez con José Luis Manzano como protagonista, en la que se dio una vuelta de tuerca al tema, mostrando de frente el infierno de la dependencia a la heroína a la que estaban abocados mucho de estos jóvenes. Este tema fue llevado al sainete costumbrista en “LA ESTANQUERA DE VALLECAS” (1987), adaptación al cine de la popular obra de teatro, con José Luis Gómez como protagonista.

En los últimos años, algunos cineastas han reivindicado el legado del cine quinqui, actualizándolo y adaptándolo a los tiempos actuales. El primero en hacerlo fue Gabriel Velázquez en “ÁRTICO” (2014), que lleva este género a una ciudad de provincias, situándola entre la ficción y el documental. En la misma frontera se mueve la exitosa “QUINQUI STARS” (Juan Vicente Córdoba, 2019), un documental en el que con el cantante El Coleta como guía, partimos en busca de lo que queda de esa subcultura en la periferia de las grandes ciudades.

Con esta colección, FLIXOLÉ quiere ofrecer la posibilidad de descubrir este género audaz, interesante y comprometido a las nuevas generaciones y a los que quieren volver a disfrutarlo. Y como siempre, con copias con la mejor calidad de imagen y sonido posibles.

FlixOlé está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo o a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

"AQUELLOS QUE DESEAN MI MUERTE" ESTRENO ESTE VIERNES 7 DE MAYO EN CINES

 

Warner Bros. Pictures nos informa sobre su nuevo lanzamiento. De la mano de New Line Cinema, llega el Thriller “Aquellos que desean mi muerte”, protagonizada por Angelina Jolie y dirigida por Taylor Sheridan.

La película también está protagonizada por Nicholas Hoult (las películas de “X-Men”), Finn Little (“Reckoning”), Aiden Gillen (“Juego de tronos”, “Peaky Blinders”), Medina Senghore (“Happy!”), Tyler Perry (“El vicio del poder”, “Perdida”), Jake Weber (“Midway”, “Homeland”) y Jon Bernthal (“Le Mans '66”, “Wind River”).

Taylor Sheridan dirige a partir de un guion de Michael Koryta, Charles Leavitt y Sheridan, basado en el libro de Koryta. Steven Zaillian, Garrett Basch, Aaron L. Gilbert, Kevin Turen y Taylor Sheridan son los productores y Steven Thibault, Ashley Levinson, Andria Spring, Jason Cloth, Richard McConnell, Kathryn Dean, Michael Friedman, Daria Cercek y Celia Khong son los productores ejecutivos.

El equipo creativo del director incluye a Ben Richardson, su director de fotografía en “Wind River”, al diseñador de producción Neil Spisak, a la diseñadora de vestuario Kari Perkins, a Chad Galster, su montador en “Yellowstone” y al compositor Brian Tyler.

New Line Cinema presenta “Aquellos que desean mi muerte”, una producción de BRON Studios/FILMRIGHTS, en asociación con Creative Wealth Media y dirigida por Taylor Sheridan. Warner Bros. Pictures distribuye la película en todo el mundo. Se estrena este viernes 7 de Mayo de 2021 solo en Cines.

Sinopsis: Angelina Jolie, da vida a Hannah, la responsable de una torre de vigilancia antiincendios, que sigue arrastrando la pérdida de tres vidas que no pudo salvar en un incendio. Y ahora se encuentra con un niño de 12 años, traumatizado y que no tiene nadie a quien pedir ayuda.

Link del tráiler en YouTube:

https://www.youtube.com/watch?v=ZleDB5mGgnk

4 DÍAS: CRÍTICA DE CINE

 

4 DÍAS está dirigida por Rodrigo García compartiendo el guion con Eli Sanlow.

La puerta del hogar de Deb (Glenn Close) es aporreada, al abrir se encuentra con su hija Molly (Mila Kunis) quien la ruega que la deje entrar, ella se niega, argumentando que no es bienvenida debido a su adicción a las drogas y su comportamiento, su hija insiste en que lo está dejando y necesita quedarse por unos días, hasta que esté completamente limpia, pero la madre no la cree. Tras pasar la noche en la calle, la joven insiste y la madre la lleva a un centro de desintoxicación. El especialista le ofrece un nuevo tratamiento que no podrá administrarle hasta que esté completamente limpia de cualquier sustancia nociva, tiempo que estima en cuatro días. Durante esos días, madre e hija, hablarán del pasado y de la oportunidad que el destino les está ofreciendo.

4 Días está inspirada en el artículo que publicó en el Washington Post, Eli Saslow, titulado “How´s Amanda?”, siendo además el autor del guion de este filme. Eli ganó el premio Pulitzer en 2014 por su labor de investigación y en la actualidad tiene varios proyectos para cine y televisión.

Rodrigo García, estudió historia medieval en la Universidad de Harvard, continuando con sus estudios en el American Film Institute. Su debut en el cine llegó  con “Cosas que diría con solo mirarla” continuando con “Ten Tiny Love Story” 2002, “Nueve vidas” 2005, “Almas Pasajeras” 2008, “Madre e hija” 2009, “Revolución” 2010, “Albert Nobbs” 2011, “Últimos días en el desierto” 2015 y en este  pasado año ha estrenado “4 Días” que llega ahora a nuestra cartelera. En televisión ha  colaborado en series como “A dos metros bajo tierra” 2001, “Carnivàle” 2003, “Fathers and Sons” 2005, “Dime que me quieres” 2007,  “En terapia (En tratamiento)” 2008, “Christine” y “Blue” 2012, “The Affair” 2014, “Bull” 2016, “Party of Five” 2019 o “Cien años de soledad” 2020 y entre los cortometrajes mencionar “Celia” y “Serena” 2012.

La familia y las drogas nuevamente en el punto de mira en la gran pantalla y es que aunque el filme que nos ofrece Rodrigo García, ya nos parece haberlo visto en otras ocasiones, con historias muy similares; el tema de los estupefacientes, principalmente en la juventud, nunca está de más el ser revisado en las salas de cine o en la pequeña pantalla, pues es una forma más directa de llegar al espectador y de esta manera, concienciar a la población en general, del daño que ocasionan las drogas, no solo a la persona que las consume sino al núcleo familiar del que se rodea la víctima, que ha caído en sus redes. Un filme sencillo en su apariencia que encierra todo el dolor de una familia rota por la adicción, que como una sombra, les persigue. Un filme duro y realista en el cual no faltarán las críticas al sistema de salud de norteamericano o a las relaciones tóxicas, que siempre dejan huellas, entre otros temas.

Aunque 4 Días cuenta con un amplio reparto, solo dos actrices destacan, a lo largo del metraje, convirtiéndose en el  corazón y el alma del filme: Glenn Close y Mila Kunis, ambas excepcionales. La primera como la madre coraje que aunque lo parece en más de una ocasión, nunca tira la toalla por su hija y la segunda, interpretando a la hija drogadicta cuya vida ha estado plagada de altibajos y varios intentos de abandonar las drogas, sin conseguirlo. Rodrigo firma un filme social abrazado por los matices, rodado con suma tranquilidad en escenarios que invitan a la reflexión, dotando a la obra de un cierto carácter teatral y apoyándose en la fotografía de Igor Jadue- Lillo.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Mayo

REPARTO: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Chad Lindberg, Joshua Leonard, Michael Hyatt, Rebecca Field, Gloria Garayua, Sam Hennings, Mandy June Turpin, Violet Brinson, Senyo Amoaku, Emanuel Loarca, Rebecca Tilney, Nicholas Oteri, Pam Cook, Nina Millin y Carla Gallo.

PRODUCTORA: Productivity Media// Indigenous Media// Oakhurst Entertainment.

DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: DeAPlaneta.

QUO VADIS, AIDA? : CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Bosnia, Herzegovina, Austria, Rumanía, Alemania y Polonia, QUO VADIS, AIDA? Está dirigida y escrita por Jasmila Zbanic.

El filme nos sitúa en la ciudad de Srebrenica (Bosnia), durante el mes de julio de 1995. Aida (Jasna Djuricic), trabajaba en dicha ciudad como traductora para la ONU. Mientras el ejército de la República Srpska ocupaba la zona, miles de personas intentaban refugiarse en los campos de la ONU, y antes de que se llevase a cabo el genocidio de los habitantes de dicha ciudad, Aida intentará salvar a su familia, su marido Nihad Selmanagi´c (Izudin Bajrovi´c) y sus dos hijos Hamdija (Boris Ler) y Sejo (Dino Bajrovi´c), tirando de todos los recursos que tenía a su alcance, en una carrera sin freno.

La productora, guionista y directora de cine, Jasmila Zbanic, estudió en las escuelas locales antes de ingresar en la Academia de Artes Escénicas de Sarajevo. Tras licenciarse, trabajó en los Estados Unidos como Titiritera en el Bread and Puppet Theatre en Vermont y como payaso en un taller de Lee De Long. Regresó a Bosnia y Herzegovina, fundando la Asociación de Artistas “Deblokada”. Ha producido y dirigido diversos documentales. En 2005 dirige junto a otros compañeros “Perdido y encontrado” para continuar en solitario con “Grbavica (El secreto de Esma) 2006 (Oso de Oro en Berlín), en 2008 volvería a dirigir con otros compañeros “Stories on Human Rights” y a partir de ese filme, dirige en solitario “En el camino” 2010 (Premio especial del jurado en Seminci), “For Those Who Can Tell No Tales” 2013, “Love Island” (Piazza Grande en el Festival de Locarno), el documental “One Day in Sarajevo” 2015, hasta llegar este año a nuestras pantallas con su último trabajo “Quo Vadis, Aida?”.

QUO VADIS, AIDA? Es  un potente, desgarrador, trágico y devastador filme basado en hechos reales. Sin la menor duda, esto último, “basado en hechos reales”, sea lo que más impacta, pues su directora Jasmila Zbanic, además de narrar los recuerdos y vivencias de dicha familia, nos muestra con gran realismo y crudeza, aquel terrible acontecimiento. Desde el mismo instante en que todo se desata, el espectador se verá arrastrado al corazón del horror, siendo testigo de cuanto acontece y aunque tenga claro que debe de seguir a la heroína de la historia, a esa mujer luchadora y trabajadora, que se enfrenta a la terrible situación de cómo salvar a sus seres queridos, es tal la magnitud en la que Jasmila nos envuelve, que nos deja con el aliento justo para llegar al final.

La atmósfera que Zbanic logra concentrar y exhibir en su filme, es espectacular y escalofriante, contando con la magnífica fotografía de Christine A. Maier, la cual adquiere por momentos, un cariz documental que enriquece la obra y sobremanera, en ese continuo seguimiento de  Aida, el personaje en quien se descarga todas las emociones y sensaciones, mientras se sortean los peligros en busca soluciones. Jasna Djuricic, borda su interpretación con cada palabra, gesto y con el coraje que emana de su ser. Un ejercicio interpretativo natural y doloroso hasta el punto que sufrimos con ella, pues en sus miradas y silencios, percibimos el peso de la guerra, del dolor, del miedo, de la impotencia, de la resignación, del hedor a muerte, del genocidio que se avecinaba y hasta de la pérdida; traspasando la pantalla y calando en el espectador, que permanece mudo, inmóvil e incluso enojado en su butaca, pues lo que está viendo, aconteció realmente, hace 25 años.

Un filme recomendable no solo por su valor cinematográfico, que ya es mucho, sino para recordar en los errores que el hombre no debe volver a caer jamás y que cualquier vida humana, está muy por encima de los intereses sociales, políticos o económicos. Se nos otorgó el don de la palabra y de la razón ¿Por qué no los ejercemos? 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Mayo.

REPARTO: Jasna Djuricic, izudin Bajrovic, Boris Ler, Dino Bajrovic, Boris Isakovic, Johan Heldenbergh, Raymond Thiry, Joes Brauers, Eemir Hadzihafizbegovic, Reinout Bussemaker, Teun Luijkx, Ermin Sijamija, Alban Ukaj, Rijad Gvozden, Juda Goslinga, Ermin Bravo, Sanne den Hartogh, Micha Hulshof, Sol Vinken, Emina Muftic, Job Raaijmakers, Drazen Pavlovic.

PRODUCTORA: Deblokada// Coop 99// Digital Cube// Extreme Emotions// Indie Prod// N279 Entertaniment// Razor Film// Tordenfilm AS.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.

EL OLVIDO QUE SEREMOS: CRÍTICA DE CINE

 

Fernando Trueba dirige El olvido que seremos, con guion adaptado de David Trueba, basándose en la novela de Héctor Abad Faciolince. "Juicio, conocimiento, sabiduría y bondad; lo fundamental para enseñar" 

La historia gira en torno a la vida de Héctor Abad Gómez (Javier Cámara) quien fue un padre de familia ejemplar y  felizmente casado con Cecilia Faciolince (Patricia Tamayo), con quien tuvo seis hijos (Mariluz, Clara Inés, Eva Victoria, Sol Beatriz, Marta Cecilia y el único varón Héctor). Ejerció de profesor universitario, médico, ensayista y promovió la tolerancia y los derechos humanos en los convulsos años del Medellín de los 70, así como especialista en salud pública colombiana.

El olvido que Seremos está vista a través de los ojos de su hijo, Héctor, quien trascurridos diecinueve años de la muerte de su padre, publicó la novela  homónima y biográfica en torno a la figura de su progenitor. Una obra que ha superado las cuarenta ediciones y más de 200 mil ejemplares vendidos en Colombia, convirtiéndose en un fenómeno de culto. También ha sido editada en México, España y otros países. Desde su publicación se ha convertido en uno de los libros más leídos en Iberoamérica.

El productor, guionista y director, Fernando Trueba, tras terminar los estudios secundarios, se matriculo en la Facultad de Ciencias de la Información, pero no terminó sus estudios, pasando a trabajar como crítico de cine para el periódico El País y La Guía del Ocio. Rodó varios cortometrajes en los años 70 entre los que encontramos “En legítima defensa” 1978 y “El León enamorado” 1979.  En 1980 llegaría su ópera prima a la que rindió homenaje “Ópera prima” 1980 continuando con el documental “Mientras el cuerpo aguante” 1982,  “Sal gorda” 1983, “Se infiel y no mires con quien” 1985, “El año de las luces” 1986,  “El sueño del mono loco” 1989 (6 Goyas entre los que se encuentra mejor película y director), “Belle Époque” 1992 (Ganadora del BAFTA, el OSCAR y 9 premios GOYA), el documental “Lumière et Compagnie” y Two Much” 1995, “La niña de tus ojos” 1998,  el documental “Calle 54” 2000, “El embrujo de Shanghai” 2002, el documental “El milagro de Candeal” 2004,  “El baile de la victoria” 2009, el filme de animación “Chico&Rita” 2010 (Ganador de diversos premios internacionales), “El artista y la modelo” 2012, “La reina de España” 2016 y en 2020 ha dirigido “El olvido que seremos”.

Fernando Trueba nos ofrece una obra narrada desde la admiración que Héctor hijo sentía por su padre, ambientada, principalmente, entre los años  70 en Torino y los 80 en Medellín, haciendo un recorrido y crítica por la sociedad, la violencia y la política que rodeó y sigue existiendo en Colombia, pues desgraciadamente en parte, no han cesado. Un filme enriquecido por los flashback que  viajan desde aquel presente al pasado a través de la espléndida fotografía de Sergio Iván Castaño y el uso del color, exponiendo un brillante y luminoso blanco y negro en contraste con el color que nos trae recuerdos de aquellos años 70, sin olvidar los encuadres tan estudiados, con los que también nos obsequia Sergio; la cuidada dirección artística de Leonie Heys- Cerchio y Camilo Ospina y la banda sonora en la partitura de Zbigniew Priesner, redondean este filme. 

El olvido que seremos, es el retrato de una familia unida, amorosa y con un cabeza de familia admirado y querido por aquellos que le conocieron, debido a su nobleza y acciones, en lucha por los derechos humanos y que jamás se dejó amedrentar. Una obra que ha adaptado con el máximo respeto David Trueba y filmado con elegancia, Fernando, en un guion marcado por las emociones y los sentimientos de los protagonistas y del duro entorno en el que se desarrolla. Si bien cada actor cumple su función con el personaje a representar, por encima de todos ellos destaca un Javier Cámara, encarnando a Héctor Abad Gómez, en puro estado de gracia, sorprendiéndonos no solo con su correcto acento colombiano, sino en las expresiones, movimientos… A mi juicio, si no es el mejor papel de su vida, poco le ha faltado. Mención especial también merece el jovencísimo Nicolás Reyes Cano, Héctor hijo, de niño. La ternura, pasión y respeto que despierta hacia su progenitor, cala en el espectador de forma tan natural, que nos sobrecoge y nos hace esbozar una sonrisa. Finalizo, aunque ya lo haya mencionado, con Fernando Trueba. Un impecable trabajo digno de su talento y de disfrutar en la gran pantalla.

"Solo me arrodillo ante mis rosas"

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Mayo

REPARTO: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Daniela Abad,  Laura Londoño,  Whit Stillman, Maria Teresa Barreto y Nicolás Reyes Cano.

PRODUCTORA: Caracol Televisión// Dago García Producciones.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTEAM PICTURES.

BODA SIN FIN: CRÍTICA DE CINE

Boda sin Fin está dirigida y escrita por Maggie Peren. “Atrapada en el tiempo por amor”.

Zazie (Alicia von Rittberg) y Philipp (Tim Oliver Schultz) se conocen desde niños y se prometen amistad eterna. Pasados los años, Zazie,  junto con Anton (Edin Hasanovic) que sufre narcolepsia y Patrick (Samuel Schneider) un mujeriego; deciden vivir en el mismo piso, con la promesa de no enamorarse jamás.

Un día Zazie es reprendida por uno de sus vecinos de que debe sacar la correspondencia del buzón, pues las cartas se salen por arriba y eso puede atraer ladrones, entre las cartas se encuentra con la invitación de boda de su amigo de infancia Philipp con Franziska (Emilia Schüle), a la que ella no tiene mucha simpatía; boda que se celebrará al día siguiente. Es entonces cuando planea rescatar a su amigo de las garras de Franziska, animando a Anton para que la acompañe al enlace.

La actriz, guionista y directora, Maggie Peren, vivió en Stuttgart trasladándose a Inglaterra en 1993 para estudiar en la Escuela Estatal de Teatro en Manchester. Tres años más tarde, en 1996, estudia Literatura en la Universidad Ludwig Maximilians de Munich y a finales de esa misma década, comenzó a trabajar como escritora y actriz. Su debut en la interpretación tuvo lugar en 1998 en el cortometraje “En nombre del Señor” de Dennis Gansel, para continuar con el largometraje para la televisión “Ein Mann Für gewisse Sekunden 1999. Su primer trabajo en la gran pantalla, llegaría también de la mano de Dennis Gansel con “Chicas al ataque” 2001. Debutó en la dirección cuatro años más tarde con el cortometraje “Hypochonder”, continuando con los largometrajes “Escolta especial” 2007, “El color del océano” 2011 y “Boda sin fin” 2020; además he escrito un buen número de guiones.

El romanticismo más rosa, que no empalagoso, llega a las salas de cine bajo el título de “Boda sin fin”. Cinco actores darán vida a los personajes de esta comedia de enredos entre el amor y el desamor, los celos, los miedos, las infidelidades, las inseguridades, la amistad, la familia y por supuesto la tarta de boda que no puede faltar; en esta ocasión tan rosa, como la propia trama exige. Zazie, será en esta ocasión quien se verá atrapada en el tiempo, hasta que queden resueltos sus conflictos más personales. Los bucles temporales, como bien sabemos, siempre han sido un recurso que de vez en cuando se asoman a la gran pantalla para, en la mayoría de las ocasiones, ofrecernos una comedia a través de unos personajes un tanto atípicos.

Esos personajes, un tanto especiales, lo forman tres chicos y dos chicas que nos irán descubriendo sus razones para casarse o permanecer solteros, según el círculo en el que han vivido o las experiencias que han experimentado, saltando, con ello,  las alarmas más íntimas, sobre las relaciones amorosas y personales. A la cabeza nos encontramos con la protagonista principal, Alicia von Rittberg, que encarna a Zazie, una joven viviendo en una encrucijada que le llevará a sufrir ese viaje temporal y su compañero de fatigas, Edin Hasanovic, como Anton, que no cree en el amor porque sus padres solo sabían discutir hasta que se divorciaron. Esas malas experiencias infantiles que en ocasiones, si no se liberan en su debido momento, pasan factura. Ambos están bien arropados por el resto del elenco actoral.

A destacar la puesta en escena que nos ofrece el filme, junto a la delicada fotografía en la mirada de Marc Achenbach, creándose una sutil atmósfera romántica. No podría faltar la banda sonora, compuesta en esta ocasión por temas muy conocidos que estoy seguro que más de un espectador tarareará, cuando suenen canciones como “Mr. Sandman”  por Bad Girl  Remix, “Good Girl”, Shake It”, “Chicas”, “Nimmst Du Drogen?”, “Treppe”, “Geradeaus” y “Vespafahrt”.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Mayo.

REPARTO: Alicia von Rittberg, Edin Hasanovic, Samuel Schneider, Tim Oliver Schultz y Emilia Schüle.

PRODUCTORA: Sommerhaus Filmproduktionen// Warner Bros.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Alfa Pictures.

CINES Y FESTIVALES (VII)

 

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “Un cielo tan turbio (So Foul a Sky)”, de Álvaro F. Pulpeiro, una inmersiva road movie desde una Venezuela al borde del colapso, compite en el prestigioso CPH:DOX

La première mundial del largometraje tendrá lugar dentro de la sección Next Wave del certamen danés, dedicada a cineastas emergentes.

El largometraje documental Un cielo tan turbio (So Foul a Sky) participará en la 18 edición del prestigioso festival danés CPH:DOX dentro de la sección Next Wave, dedicada a cineastas emergentes. La première internacional del film tendrá lugar el próximo 24 de abril en el Festival Internacional de Documentales de Copenhague.

El segundo largometraje de Álvaro F. Pulpeiro (Nocturno: Fantasmas del mar en puerto) toma como punto de partida la novela Nostromo, el clásico de Joseph Conrad, adaptándolo a la realidad actual de Venezuela, un estado al borde del colapso económico, político y simbólico. En palabras del director, la película “tiene la ambición de poder habitarse como una pieza lírica que oscila entre lo mundanamente realista y lo radicalmente íntimo. Ilustramos el concepto de paria, huérfano, de sujeto desprovisto de identidad o derechos nacionales, a través de una serie de encuentros con personas que viven, consciente o inconscientemente, de espaldas a aquello que los fuerza a tomar un bando concreto dentro del conflicto asolando el país. De la mano de peregrinos y piratas viajamos por territorios descolonizados de manera simbólica por una estirpe, posiblemente ficcionalizada por la película, que en su destierro parece haber hallado un verdadero hogar”.

Un cielo tan turbio (So Foul a Sky) es una coproducción entre Colombia (Laura C. Solano - Cámara Lenta), España (Víctor Paz Morandeira - Cuarta Parede Films) y Reino Unido (Clive Patterson - Insight TWI).

SINOPSIS: A la sombra de monumentales refinerías que emergen cual templos cromados, Un cielo tan turbio viaja por diversos paisajes fronterizos de Venezuela, el primer petro-estado, hoy golpeado por la peor crisis política y humanitaria que Sudamérica ha vivido en el siglo XXI. Bajo cielos que auguran tormenta, somnolientos militares acechan en medio del mar Caribe, migrantes vagan por lúgubres pueblos fronterizos entre Venezuela y Brasil, y contrabandistas apuran los últimos barriles de gasolina cruzando clandestinamente por las trochas del hostil Desierto Guajiro. Todo ello al son de las esquizofrénicas noticias del conflicto político que emite una radio desde la lejanía capitalina. Esta es una película que retrata peregrinos y piratas, hijos huérfanos de una tierra que han hecho suya sin necesidad de plantar banderas, o imponer himnos; anárquicos como la tormenta que amenaza poner fin a este limbo en donde se encuentran suspendidos.

DYP COMUNICACIÓN informa que “EL VIENTRE DEL MAR” de AGUSTÍ VILLARONGA, participará en la 50 Edición del Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR), dentro de la Sección Nueva Sección Harbour, que se celebrará entre el 2 y el 6 de Junio próximos. (También ha sido seleccionada para participar en el 43 Moscow Internacional Film Festival)

EL VIENTRE DEL MAR, con guion y dirección de Agustí Villaronga,  ha sido seleccionada para participar en la 50 Edición del INTERNATIONAL FILM FESTIVAL OF ROTTERDAM (IFFR), dentro de su nueva sección HARBOUR, que pretende reflejar la naturaleza multidimensional de la ciudad y su certamen.

La crisis sanitaria ha obligado al festival a celebrar la edición de este año en dos etapas, una ya realizada durante el pasado mes de febrero y la segunda, entre el 2 y el 6 de junio próximos, unidas en un programa continuo de eventos, exposiciones y presentaciones.

Por otra parte, EL VIENTRE DEL MAR participará también en la sección oficial del 43 MOSCOW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL, que se celebrará en la capital rusa entre el 22 y 29 de abril, próximos.

La película, protagonizada por Roger Casamajor, Oscar Kapoya y Mumi Diallo, está producida por Testamento, La Periférica Produccions y Filmin, en coproducción con Turkana Films/Link-up Barcelona/Bastera Films.

El rodaje de EL VIENTRE DEL MAR tuvo lugar íntegramente en la isla de MALLORCA durante el  pasado mes de agosto. La cinta cuenta con la participación de TV3 e IB3, el soporte del ICEC y la financiación del Gobierno de España (ICAA), además del patrocinio de la Fundació Mallorca Turisme, la Mallorca Film Commission y el Institut Ramón Llull. Paco Poch Cinema se ha encargado del asesoramiento internacional.

Inspirada en un texto de Alessandro Baricco, El VIENTRE DEL MAR es una película basada en hechos reales. Tras el naufragio de un buque, 147 hombres intentan salvarse, confinados en una balsa a la deriva en medio del mar. . Este naufragio fue inmortalizado por Théodore Géricault en el famoso lienzo “La balsa de la Medusa”, conservado en el Museo del Louvre. El escritor italiano Alessandro Baricco narra estos hechos en la novela Oceano Mare, concentrados en un capítulo titulado “El Vientre del mar”.

SINOPSIS: Junio de 1816. La fragata Alliance, de la Marina francesa, embarranca ante las costas de Senegal. Como los botes disponibles para la evacuación no son suficientes para acoger a todos los tripulantes, se construye una precaria embarcación en la que obligan a subir a 147 hombres: soldados, marineros, algún pasajero y unos pocos oficiales. El plan previsto es que los botes remolquen la balsa hasta la orilla pero el pánico y la confusión se apoderan del convoy y cortan la soga de remolque, abandonando la balsa a su suerte. El hambre, la inclemencia del mar, la locura y una lucha encarnizada se desata en aquella balsa a la deriva.
Un horror que duró días y días.

De esos 147 hombres sólo nueve lograron salvar sus vidas. Entre ellos estaban Savigny, un oficial médico implacable y Thomas, un rebelde marinero raso. Enfrentados, viven esos hechos mostrando diferentes actitudes para sobrevivir.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “JO TA KE (Non Stop)” de Aitziber Olaskoaga compite en la Sección Burning Lights de Visions du Réel

La première internacional de segundo film tendrá lugar en esta sección, especializada en trabajos que ahondan en la experimentación visual y narrativa.

Tras su première nacional en la Sección Zinemira del Festival de San Sebastián, Jo ta ke (Non stop), dirigida por Aitziber Olaskoaga, compite en el prestigioso festival suizo Visions du Réel dentro la sección Burning Lights, destinada a los trabajos que ahondan en la experimentación. La cineasta la presentará en Nyon el miércoles 21 de abril junto al productor ejecutivo del film, Federico Delpero Bejar.

El proyecto fue parte de la quinta edición de Ikusmira Berriak, un programa de apoyo a proyectos audiovisuales que apuestan por la innovación y la experimentación y que es fruto de la colaboración entre Tabakalera Centro Internacional de Cultura Contemporánea, el Festival de Cine de San Sebastián y Elías Querejeta Zine Eskola. El rodaje de la película se llevó a cabo por un equipo 100% femenino: Pilar Monsell, quien ha colaborado estrechamente en el proyecto desde sus inicios, se hizo cargo del sonido directo y el montaje; la también cineasta vasca Maddi Barber realizó la fotografía del film. Por su parte, Federico Delpero Bejar es el productor ejecutivo. La película, que distribuye Marvin & Wayne, ha podido realizarse gracias al apoyo del Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Bizkaia, y el ICAA - Ministerio de Cultura. 

SINOPSIS: Un equipo de rodaje se embarca en una persistente búsqueda para encontrar las grietas entre dos identidades nacionales fuertemente polarizadas. Las sucesivas negativas y silencios marcarán el camino desde Euskal Herria a La Mancha, donde se erige la primera cárcel de máxima seguridad construida en España. Un viaje sin respuestas y con una sola pregunta: ¿Cómo representar la Historia cuando las imágenes nos son negadas?

KARMA FILMS nos informa que “DAMAS DE HIERO” está nominada a la Mejor Comedia Europea del año en los Premios EFA 2020.

Segundo largometraje dirigido por la actriz finlandesa Pamela Tola tras irrumpir en la dirección en 2018 con su ópera prima “Swingers”. “Damas de hierro” se convirtió en uno de los grandes éxitos de taquilla en Finlandia a principios del pasado año 2020 y fue nominada a los European Film Awards como Mejor Comedia Europea y a los Jussy Awards (equivalente a los premios Oscar en Finlandia) como Mejor Película del año.

SINOPSIS: Después de golpear a su marido con una sartén en la cabeza e intentar enterrarlo en el jardín, Inkeri de 75 años se da cuenta de que puede pasar el resto de su vida en prisión y se lanza a un enloquecido último viaje a través de Finlandia con sus hermanas Sylvi y Raili. Con los reencuentros del pasado, los bailes hasta el amanecer y los guapos autoestopistas descubrirán que nunca es demasiado tarde para vivir la vida.

Tras su premiere nacional en la sección Cinema amb Gràcia del BCN FILM FEST, “Damas de hierro” se estrenará en cines en España el 6 de agosto de 2021.

VASAVER nos informa que El D'A Film Festival Barcelona aterriza en Madrid con una selección de 12 películas. Entre el 7 y el 13 de mayo se podrán ver en los Cines Renoir Plaza de España algunos de los mejores títulos proyectados en la edición barcelonesa.

El D'A Film Festival Barcelona vuelve a las salas de cine para celebrar la undécima edición del festival que se llevará a cabo del 29 de abril al 9 de mayo con una edición híbrida, que combinará la máxima presencialidad posible en las salas de cine con una edición paralela online en Filmin. Pero además este año el D'A Film Festival Barcelona se expande físicamente fuera de Barcelona y llegará a Madrid del 7 al 13 de mayo a los Cines Renoir Plaza España con una selección de doce de las mejores películas que hayan pasado por la edición de Barcelona.

Forma parte de esta programación especial en Madrid la película inaugural del D'A Film Festival Barcelona, Adiós, idiotas de Albert Dupontel, protagonizada por él mismo y Virginie Efira. La película ha sido un fenómeno en su paso por los cines franceses y arrasó en los premios César de este año, donde ganó un total de siete galardones, incluyendo los de mejor película, director y guion. La séptima película como director de Albert Dupontel es una tragicomedia delirante, cargada de humor negro y ritmo frenético. 

En el D'A 2021 en Madrid se podrán ver películas de grandes maestros del cine volviendo a su esencia como El teléfono del viento, el retorno de Nobuhiro Suwa a Japón para retratarla frágil recuperación emocional diez años después del tsunami; Rizi (Days) del gran director asiático Tsai Ming-liang en una maravilla que ganó el premio Teddy en la última Berlinale; o Nunca volverá a nevar de Małgorzata Szumowska, una de las directoras más destacadas del cine polaco contemporáneo y una directora de culto del cine europeo. También se podrán ver dos películas de gran impacto como Berlín Alexanderplatz de Burhan Qurbani, director alemán de origen afgano, que se enfrenta al clásico de Alfred Döblin, ya adaptado por R.M.Fassbinder, actualizándolo al Berlín actual, y Las cosas que decimos, las cosas que hacemos de Emmanuel Mouret, la ganadora moral de los César 2021 (solo ganó un César de los 13 a los que aspiraba) y que es una de las películas más emocionantes del año.

El cine independiente hecho en España es uno de los buques insignia del D'A Film Festival Barcelona y así en Madrid podrá verse el estreno de la película Mía y Moi de Borja de la Vega, protagonizada por Bruna Cusí, Ricardo Gómez y Eneko Sagardoy. También la sensación del cine español independiente Karen de María Pérez Sanz con Christina Rosenvinge en el papel de la escritora Karen Blixen; o Armugán, del inquieto director catalán Jo Sol (Vivir y otras ficciones, El taxista ful) con un itinerario muy personal y metafórico que habla de la vida desde la aceptación del tránsito hacia la muerte.

Por último, Mamá, mamá, mamá de la directora argentina Sol Berruezo, mención especial enla sección Generation K-Plus de la Berlinale; el delicioso debut en la dirección de Suzanne Lindon (con un apellido que es aristocracia del cine francés) con Seize printemps, una explosión de juventud y vitalidad protagonizada por ella misma; y la contundente película rumana Poppy Field de Eugene Jebeleanu.

Madrid: 7 al 13 de mayo - Cnes Renoir Plaza España

Filmin: 30 abril - 9 mayo

Barcelona: 29 abril - 9 mayo

VASAVER nos informa del estreno el 7 de Mayo de  “ISABELLA”, de MATÍAS PIÑEIRO.

El realizador argentino presentará su nuevo largometraje en  el D´A Film Festival de Barcelona. La película llegará a los cines distribuida por  Noucinemart el próximo 7 de mayo.

Noucinemart estrenará en cines el próximo 7 de mayo, “Isabella”, el nuevo trabajo del realizador argentino Matías Piñeiro. La película se podrá ver antes de su estreno en cines en la edición de este año del festival D'A, en el que el director ha estado presente con prácticamente toda su filmografía. Piñeiro continúa fiel a su estilo con esta cinta que explora de nuevo las relaciones entre la cotidianidad y la obra de Shakespeare, en este caso a través de una narración que juega con los saltos temporales. La protagonista de “Isabella” es una actriz que desea el papel principal de la obra Medida por medida, y que por el camino se encontrará con una antigua compañera, ahora actriz reputada, que siempre le ha hecho sombra. Isabella, ganó el premio a la mejor dirección e interpretación (María Villar) en Mar del Plata.

Matías Piñeiro es uno de los directores más interesantes del panorama cinematográfico argentino actual. Sus películas forman un conjunto bello, divertido y original que juega con la teatralidad de la vida cotidiana, siempre cercano a Shakespeare. Filmografía: Isabella (2020), Hermia & Helena (2016), La princesa de Francia (2014), Viola (2021), El hombre robado (2007), A propósito de Buenos Aires (2006).

HAYEDA CULTURA informa que “75 días”, basada en los crímenes de Alcàsser, inaugurará la Sección Oficial del Festival de Cine Alicante.

La Sección Oficial del Festival de Cine de Alicante se inaugurará este año con la película “75 días” basada en el triple crimen de Alcàsser que conmocionó a la sociedad española en los años 90. Este trabajo es la ópera prima del director Marc Romero.

“75 días” nos lleva a aquel viernes 13 de noviembre de 1992 cuando tres niñas de 14 años desaparecieron misteriosamente mientras se dirigían a la discoteca de un pueblo cercano. 75 días después se hallaron sus cuerpos en avanzado estado de descomposición, semienterrados entre la maleza de un paraje inhóspito llamado el barranco de La Romana.

El largometraje cuenta en su reparto con la actriz Ana Fernández, Javier Albalá, Eulàlia Ramon, Antonia San Juan, Yohana Cobo y Mario Martín. El actor Ion Manresa interpretará a Miguel Ricart mientas que Jonás Torres dará vida a Antonio Anglés.

El guion es del propio director, Marc Romero y está producida por El Orgullo de mi Casa PC y Spainwood Films. Este largometraje, que se proyectará el 31 de mayo en los Cines Kinépolis.

Marc Romero, director de la película, ha expresado su emoción, al inaugurar con su película la sección oficial del Festival: “sinceramente, creo que este tipo de reconocimientos por parte de festivales tan importantes, son el verdadero premio. Como director de una película tan compleja, que trata un tema tan delicado como el crimen de las niñas de Alcàsser, siento un poco de vértigo y enorme responsabilidad a la hora de mostrar lo que he querido plasmar. Desde el primer momento que empecé a escribir el guion, hace más de diez años, siempre tuve claro que esta película sería el altavoz de muchos testimonios que nunca fueron escuchados y que nunca alcanzaron la relevancia que debieron para la satisfactoria resolución del caso”.

“Casi treinta años después del caso de las chicas de Alcàsser, revisitamos la historia que sacudió a una nación por la extrema brutalidad de los crímenes, la muy criticada investigación policial y la extensa y venal cobertura mediática que siguió la historia. Con rigor de estilo documental, la película se aleja del sensacionalismo sangriento o el melodrama, centrándose en cambio en la incompetencia y la falta de empatía con la que se manejó el caso, pero también he querido hacer una radiografía de los años 90. Mostrar al espectador más joven una España desconocida para ellos, sin móviles, sin redes sociales… Es como asomarse por una ventana pequeña y conocer el universo de nuestros padres en una época donde las Olimpiadas de Barcelona y la Expo 92 copaban todas las portadas de los medios nacionales e internacionales mientras la Ruta del Bakalao se proclamaba como heredera directa de la Movida Valenciana”, ha comentado Marc Romero.

“El Festival de Cine de Alicante siempre ha sido lugar de oportunidades, en el que dar a conocer a nuevos talentos del panorama cinematográfico español. Estamos muy contentos de inaugurar nuestra sección oficial con la ópera prima de Marc Romero”, ha comentado Vicente Seva, director del Festival de Cine de Alicante.

El Festival de Cine de Alicante, que celebrará su 18ª edición del 29 de mayo al 5 de junio, cuenta con el apoyo de la Diputación Provincial de Alicante, el Ayuntamiento de Alicante, Alicante City & Beach, Casa Mediterráneo y otras empresas colaboradoras.

CINE DE ESTRENO EN MOVISTAR+ MAYO 2021

CINE DE ESTRENO EN MOVISTAR+ MAYO 2021. UN MAYO REPLETO DE ESTRENOS.

Regresan las aventuras de los simpáticos Trolls, con las voces de Justin Timberlake y Anna Kendrick en “Trolls 2: gira mundial”. Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan y Griselda Siciliani protagonizan la comedia sobre parejas “Sentimental”, por la que Cámara recibió el José María Forqué 2021 al mejor actor y San Juan, el Goya 2021 al mejor actor de reparto. Y la nueva adaptación del clásico “Pinocho”, a cargo de Matteo Garrone (“Dogman”, “Gomorra”) con Roberto Benigni de protagonista.

Además, nada menos que tres #EstrenosDirectos que llegan a Movistar Estrenos sin pasar por las salas de cine: “Bill y Ted salvan el universo”,  “Creation Stories” y “Burden”.

ESTRENOS DESTACADOS EN ORDEN DE ESTRENO

TROLLS 2: GIRA MUNDIAL. Desde el viernes 21.

La felicidad de los tiernos trolls se ve de nuevo amenazada en esta segunda aventura para la gran pantalla de los muñecos creados en 1959 por Thomas Dam. Secuela de la película de 2016 de DreamWorks Animation, esta comedia musical de animación, llena de aventuras para toda la familia, vuelve a contar con las voces en VO de Anna Kendrick y Justin Timberlake y con una banda sonora espectacular, llena de conocidas canciones “adaptadas al troll”.

SENTIMENTAL. Desde el viernes 28.

Las dificultades de las relaciones de pareja en esta comedia protagonizada por Javier Cámara (premio José María Forqué 2021 al mejor actor), Belén Cuesta, Alberto San Juan (Goya 2021 al mejor actor de reparto) y Griselda Siciliani. Ellos cuatro son los únicos intérpretes de esta historia dirigida por Cesc Gay  y basada en la obra de teatro “Los vecinos de arriba”, escrita por el propio director.

“PINOCHO”. Desde el viernes 14.

Matteo Garrone dirige a Roberto Benigni en esta adaptación en imagen real del cuento de Carlo Collodi (seudónimo de Carlo Lorenzique) que vuelve a las raíces de la historia clásica. Para concebir a Pinocho y al resto de muñecos animados del País de los Juguetes y del Campo de los Milagros, Garrone contó con la inestimable ayuda del maestro del maquillaje Mark Coulier, ganador del Oscar por “El gran hotel Budapest” y “La dama de hierro”. Nominada a dos Oscar 2021: mejor diseño de vestuario y mejor maquillaje.

“BILL Y TED SALVAN EL UNIVERSO”. Desde el viernes 7. Estreno directo*

Keanu Reeves y Alex Winter vuelven a meterse en la piel de Ted y Bill en esta tercera entrega de la saga de comedias de ciencia ficción que comenzó en 1989 con “Las alucinantes aventuras de Bill y Ted”, todo un clásico del cine reciente en el que dos estudiantes, amantes de heavy metal, realizaban un asombroso viaje en el tiempo que los llevaba a conocer a Sócrates, Napoleón, Beethoven, Juana de Arco o Sigmund Freud. Ahora, unos personajes mucho más talluditos y hartos de la monotonía de la vida de mediana edad, son advertidos por un visitante del futuro de la necesidad de crear una canción que salve la vida y el universo.

“CREATION STORIES”. Desde el sábado 15. Estreno directo*

Con guion del escritor y guionista Irvine Welsh, junto a Dean Cavanagh, producción de Danny Boyle y dirección del actor Nick Moran, “Creation Stories” une todo este acreditado talento en un drama biográfico musical que narra la historia del 'britpop' a través de los ojos del fundador de Creation Records, Alan McGee, el productor que descubrió a Oasis.

“BURDEN”. Desde el sábado 1. Estreno directo*

Ganadora del Premio del Público en el Festival de Sundance de 2018, la película narra la historia real de Mike Burden, un joven miembro del Ku Klux Klan que intentó alejarse de la organización racista con la ayuda de un reverendo afroamericano. Protagonizada por Garrett Hedlund, Forest Whitaker, Andrea Riseborough  y Tom Wilkinson, “Burden” supone el debut como director y guionista del actor Andrew Heckler.

“REGRESO A HOPE GAP”. Desde el domingo 23.

Unos extraordinarios Annette Bening y Bill Nighy, se sitúan al frente de este drama sobre las relaciones de pareja, la ruptura y la soledad protagonizado por un matrimonio que, a punto de cumplir 29 años de casados, se rompe. Dirigida y escrita por William Nicholson, “Regreso a Hope Gap” está basada en su propia obra de teatro “La retirada de Moscú”.

“RIFKIN'S FESTIVAL”. Desde el domingo 2.

Woody Allen dirige y escribe esta comedia romántica ambientada durante la celebración del Festival de San Sebastián. Protagonizada por Wallace Shawn, Gina Gershon, Elena Anaya, Christoph Waltz, Sergi López y Louis Garrel.

“CORPUS CHRISTI”. Desde el martes 18.

Una de las cintas más aclamadas por la crítica en 2020 fue, sin duda, este sorprendente y controvertido drama de alto voltaje dirigido por el polaco Jan Komasa (“Hater”) sobre un joven marginal que se hace pasar por cura en un pueblo remoto. La cinta, que estuvo nominada al Oscar al mejor filme internacional y está inspirada en hechos reales, habla en clave tragicómica -pero siempre desde el respeto- sobre la hipocresía social, la pérdida de fe y el perdón.

“MUSIC”. Desde el miércoles 26.

La estrella del pop Sia debuta como guionista y directora en este drama musical protagonizado por Kate Hudson y la joven Maddie Ziegler, la icónica bailarina de sus videoclips “Chandelier” o “The Greatest”. La polifacética Sia presenta 10 canciones inéditas e interpreta alguna de ellas en “Music”, en la que también participan conocidos nombres del cine y la televisión como Lena Dunham o Juliette Lewis.

DOCUMENTALES MAYO 2021

 

DOCUMENTALES  MAYO 2021 “Bienvenidos a Chechenia” y “White Riot. Rock contra el racismo”, entre los documentales destacados de mayo en Movistar+.  “Niños Mutantes. Nunca olvidaré esta noche” y “Daft Punk Unchained” completan los estrenos del mes. Títulos de estreno en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y en el servicio bajo demanda de Movistar+.

BIENVENIDOS A CHECHENIA

Desde el domingo 16 de mayo en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y en el servicio bajo demanda de Movistar+.

En 2016, Ramzan Kadyrov, líder de Chechenia, se propone hacer una “limpieza de sangre” a través de una campaña gubernamental basada en detener, torturar y ejecutar a cualquier checheno que pudiera formar parte del colectivo LGBTIQ+. Desde entonces, un grupo de activistas hace frente al represivo movimiento homófobo poniendo en riesgo sus propias vidas. David France ('Cómo sobrevivir a una epidemia'), dirige “Bienvenidos a Chechenia”, un thriller documental que sigue a estos valientes activistas rusos en su intento de sacar del país a personas LGTBIQ+ con la ayuda de una red internacional. France filma unos angustiosos viajes de huida ayudándose de cámaras ocultas y también muestra los refugios donde estas personas se ponen a salvo. Además, para asegurar el anonimato de estos refugiados políticos, el director altera digitalmente sus rostros utilizando la técnica deepfake. “Bienvenidos a Chechenia” consiguió estar en la shortlist de los Oscar 2021 y ha ganado premios en festivales como Sundance (Premio Especial del Jurado), Hot Docs y la Berlinale.

WHITE RIOT. ROCK CONTRA EL RACISMO

Desde el jueves 21 de mayo en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

Gran Bretaña, década de 1970. El partido fascista Nacional Front adquirió popularidad y sus discursos xenófobos dividieron a todo el país, incluyendo a una industria musical cada vez más polarizada. Mientras Eric Clapton dio apoyo al líder ultraderechista Enoch Powel, surgió un  movimiento juvenil, Rock Against Racism -formado a ritmo de punk y de reggae- para hacer frente a la gran oleada racista. The Clash, Steel Pulse o Tom Robinson, fueron algunos de los grupos más conocidos del momento que apoyaron este movimiento. “White Riot. Rock contra el racismo” es un documental que cuenta cómo se gestó esta revuelta cultural que supo unir a jóvenes de diferentes razas y clases sociales para cambiar el mundo a través de la música.

NIÑOS MUTANTES. NUNCA OLVIDARÉ ESTA NOCHE

Desde el viernes 14 de mayo en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

En marzo de 2020, en plena pandemia, la banda Niños Mutantes publicaba su nuevo trabajo, 'Ventanas'. A pesar de la buena acogida que el disco tuvo entre sus fans, la crisis sanitaria impidió que el grupo hiciera la gira, pero finalmente los días 16 y 17 de de octubre de 2020, pudieron dar un concierto en la Caja de Granada. 'Niños Mutantes. Nunca olvidaré esta noche' recoge ese directo y lo lleva a cada rincón de España. Con 20 años de carrera a sus espaldas, los granadinos son ya una leyenda de la música alternativa española y con 'Ventanas' firman uno de sus proyectos más ambiciosos, es un disco en el que participan cinco productores de manera que se hizo a través de cinco procesos de grabación diferentes. En palabras de la propia banda, “la única forma de revolucionar a los demás es revolucionándose primero uno mismo”. 

DAFT PUNK UNCHAINED

Desde el viernes 28 de mayo en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+

Esta es la historia de dos artistas inflexibles, la primera película documental sobre el fenómeno de la cultura pop que fue Daft Punk, un dúo musical con más de doce millones de discos vendidos en todo el mundo y siete premios Grammy. Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo siempre se resistieron a ceder ante los códigos establecidos de la industria y en una era de globalización y redes sociales, raramente hablaron en público. 'Daft Punk Unchained' explora su particular revolución cultural y muestra a unos artistas en permanente búsqueda de creatividad, independencia  y libertad. La película combina imágenes de archivo y exclusivas entrevistas con Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Michel Gondry, algunos de sus colaboradores más cercanos.

LUIS ÁLVARO PUBLICA SU MONÓLOGO "DESORDEN PUTO VIDA MI UN ES"

 

El cómico Luis Álvaro publica su monólogo “Desorden Puto Vida Mi Un Es”, uno de los dos únicos especiales de comedia “stand up” grabados en 2020 en España.

El reputado cómico Luis Álvaro ha publicado su monólogo “Desorden Puto Vida Mi Un Es”, una obra de casi una hora de duración grabada justo antes del confinamiento de 2020 y que se considera una pieza bastante rara y excepcional en el panorama cómico español ya que, debido a la actual situación sanitaria, el pasado año sólo se filmaron dos especiales de humor de este tipo en nuestro país.

Durante más de 50 minutos, en “Desorden Puto Vida Mi Un Es” encontramos a un desatado Luis Álvaro que apenas podía imaginar lo que iba a ocurrir en el mundo pocas semanas después. Encadenando un chiste detrás de otro a un ritmo vertiginoso, el humorista hace gala de su estilo inimitable, sin dar respiro al espectador y donde las menciones a la socorrida pandemia están ausentes, para alivio de aquellos que quieran recordar cómo era nuestra sociedad en los instantes previos a la crisis.

Ya disponible en abierto y en Youtube para todo el público general, esta actuación de Luis Álvaro es una ventana abierta a una de las mentes más transgresoras de la comedia nacional, donde el absurdo, el surrealismo y el humor negro se unen de múltiples formas. Un muestrario de humor “punk”, como lo define el artista, que combina comedia “stand up” e incluso canciones en vivo.

Grabado en febrero de 2020, ha sido casi un año después cuando el monologuista ha decidido publicarlo en Youtube, donde hasta el momento acumula más de 30.000 visitas, una cifra nada desdeñable teniendo en cuenta el particular estilo del artista, muy alejado de lo que habitualmente encontramos en el “stand-up” español.

ÚNICO EN SU ESPECIE

Luis Álvaro se caracteriza por su humor absurdo y surrealista, con rápidas asociaciones mentales y un lenguaje depuradísimo que vuelca en sucesivos “oneliners”, esto es, chistes cortos y directos con los que avasalla al espectador. En España se le considera el máximo exponente dentro de su estilo, un artista único en su especie al que se ha comparado con grandes de la comedia estadounidense, como Steven Wright o Mitch Hedberg.

Asimismo, también se pueden establecer paralelismos entre los chistes de Luis Álvaro y las célebres greguerías de Ramón Gómez De La Serna.

Además de grabar más de diez monólogos para Comedy Central, Luis Álvaro ha colaborado en Yu (Los 40) junto a Dani Mateo, en En El Aire (La Sexta) de Buenafuente e Ilustres Ignorantes (Movistar+); ha actuado en Australia, Argentina y Uruguay y fue propuesto dos años seguidos por Comedy Central España para el festival Just for Laughs de Montreal. Durante 2020 ha dirigido el programa de Susi Caramelo 'Caramelo' (Movistar+) y colabora en Tarde lo que Tarde (RNE). También ha actuado en el marco de varios festivales de música como el Sonorama (2017, 2018 y 2019) o el Cruilla (2019, 2020 y 2021).

Actualmente está representando su espectáculo “Extracotidiano” en Madrid y Barcelona, cuyas entradas están disponibles en Atrapalo.com.