REMINISCENCIA: CRÍTICA DE CINE

Reminiscencia, está escrita y dirigida por Lisa Joy. “¿No estás cansado de observar desde las sombras?

Viajamos al futuro, a Miami, en donde el cambio climático ha provocado que el mar inunde parte de la ciudad y debido a las altas temperaturas, sus habitantes se ven obligados a vivir de noche. Nick Bannister (Hugh Jackman) es un detective privado que ofrece a sus clientes recuperar sus recuerdos más positivos a través de una máquina, pues sienten que sus vidas, están vacías. Nick cuenta con la ayuda de  Emili “Watts” (Thandiwe Newton), una joven que oculta su amor por él.

Una noche, ya a punto de cerrar, aparece una misteriosa mujer, Mae (Rebecca Ferguson), informándoles de que ha perdido las llaves y le urge recuperarlas, para lo que precisa una sesión de recuerdos recientes. Nick acepta, pues se siente, extrañamente, atraído por ella. Mae es cantante en un local y Nick acude a él, quedando aun más impactado, al escuchar en su voz, la canción que le trae los mejores recuerdos de su vida. Ambos inician una relación amorosa, hasta que un día, Mae desaparece y entonces Nick, tras descubrir algunos detalles que  Mae le había ocultado, decide ir en su busca. 

La productora, guionista y directora, Lisa Joy, estudió en la Universidad de Stanford y en la Facultad de Derecho de Harvard, graduándose en ambas. En el año 2009 fue admitida en el colegio de abogados y ejerció como jueza en California. En ese mismo año se casa con el guionista Jonathan Nolan, hermano del director Christopher Nolan.  Ha trabajado como co-productora de la serie “Burn Notice” 2011. Para la HBO y junto a su marido, ha escrito la exitosa serie “Westworld” 2017, ejerciendo también de productora ejecutiva. Ha sido nominada a los premios Emmy. Estos destacados trabajos y las colaboraciones en otras series, la impulsan hacia la gran pantalla produciendo, escribiendo y dirigiendo su ópera prima “Reminiscencia” 

El más clásico cine negro policiaco nos visita en la gran pantalla, adaptándose al siglo XXI y a todo color. Posee todos los ingredientes. Una ciudad un tanto turbia, un detective privado no exento de traumas, la mujer que desea un día ocupar su corazón, la femme fatale, que además canta en un club y por supuesto, los gangsters y el alcohol, que en esta ocasión han sido sustituidos por los narcotraficantes y las drogas de diseño. Un filme narrado a través de la  voz en off del protagonista, adentrándonos en la trama con sutileza e inteligencia, sin prisa, pero sin pausa; saboreando cada pista que nos ofrece, cada descubrimiento que va surgiendo, cada pieza que va encajando en el gran puzle y de esta manera, ir visualizando con más claridad, el motivo de la desaparición de Mae, su oscuro entorno y las enigmáticas vidas que la rodean a ella y a Nick.  

Un elegante thriller, en el cual las pistas se van dosificando a través del enrevesado y bien cimentado guion, que la propia directora ha escrito para recrear un universo futurista, en el que no faltará la crítica socio-política, sobre el abandono del planeta y el calentamiento global. Los personajes oscuros que nos recuerdan a los de un cine clásico de otros tiempos, con la mirada puesta en un futuro, poco esperanzador. Una narración en la que por momentos se eleva la tensión, entre giros inesperados o no tanto, pero siempre necesarios para llegar a una resolución acorde, a la historia narrada.

Reminiscencia, por tanto, es mucho más de lo que muestra. Una propuesta arriesgada e interesante, para un espectador paciente, que no tiene prisa, pues él mismo intentará buscar y sacar sus propias conclusiones. Que disfruta sin mirar al reloj, que eso lo hacemos demasiado en la vida real. Que se deja hechizar por cada detalle que la gran pantalla, en el interior de la sala oscura, le ofrece entre las imágenes y el sonido y que además, le gusta bucear o al menos intentarlo, entre las finas líneas del guion y cuanto los personajes tienen que decir, para hallar aquello que se le pretende ocultar, pero que de alguna manera, ya está presente. Reminiscencia nos invita a relajarnos, recrearnos, dejarnos llevar, experimentar sensaciones y a jugar a ser detectives. Nos recuerda a personajes de filmes clásicos tan importantes como Humphrey Bogar y su rol de investigador y mujeres misteriosas, como la inolvidable Rita Hayworth o filmes más futuristas como Minority Report 2002, de Steven Spielberg. Siempre salvando las distancias. 

Un Thriller que cuenta con una magnífica ambientación, uno efectos visuales correctísimos, una fantástica fotografía de Paul Cameron y como ya he dicho o al menos insinuado, un buen guion y una más que correcta dirección por parte de Lisa Joy. En el apartado de interpretaciones destaco a Hugh Jackman, impecable en su personaje de Nick Bannister y Rebecca Ferguson, quien a mi gusto, debería haber tenido más presencia en la pantalla, pero es lo que tienen las mujeres misteriosas, solo se dejan ver, cuando ellas lo creen conveniente.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Agosto

REPARTO: Hugh Jackman, Rebecca  Ferguson, Thandie Newton, Daniel Wu, Angela Sarafyan, Marina de Tavira, Cliff Curtis, Natalie Martinez, Teri Wyble, Sam Medina, Sue-Lynn Ansari, Mojean Aria y Demi Castro.

PRODUCTORA: Filmnation Entertainment// Kilter Films//Michael De Luca.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Warner Bros. España.

"MEDITERRANEO" TENDRÁ SU PREMIER EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN

DEA PLANETA informa que “MEDITERRÁNEO”, tendrá su premier internacional en el Festival de San Sebastián

 “MEDITERRÁNEO”, la nueva película de Marcel Barrena protagonizada por Eduard Fernández, Dani Rovira, Anna Castillo, Sergi López, Àlex Monner y Patricia López Arnaiz, junto a un reparto internacional, tendrá su premier internacional en la 69ª edición del Festival de San Sebastián el 23 de septiembre.

La película, que cuenta con un guion de Danielle Schleif, y parte de un argumento de Oscar Camps y Marcel Barrena, se estrenará en cines el 1 de octubre de la mano de DeAPlaneta. “Mediterráneo” se proyectará en el Teatro Victoria Eugenia en el marco de la gala de RTVE y contará con la presencia del equipo artístico.

La película nace con la intención de visibilizar el complejo viaje que en septiembre de 2015 emprenden dos socorristas de Badalona, Oscar Camps y Gerard Canals, tras ver la terrible fotografía del  pequeño Aylan Kurdi yaciendo sin vida a orillas del Mediterráneo. En palabras de Oscar Camps, "nadie se acercaba allí excepto mochileros y voluntarios alarmados ante lo que estaba ocurriendo". Desde entonces, cientos de héroes anónimos han salvado más de 100.000 vidas en el mar a través de su ONG Open Arms. Mediterráneo es la película basada en estas personas y su lucha contra las muertes en el mar. 

El rodaje de Mediterráneo  se realizó en 2020 en diferentes localizaciones de Grecia y Barcelona tras más de cuatro años de tareas de documentación, en los que los productores y el director trabajaron codo con codo con el equipo de Open Arms. Más de 1000 extras, en su gran mayoría personas refugiadas de campos de Grecia, forman parte del reparto de la película.

SINOPSIS: Otoño 2015. Dos socorristas, Oscar (Eduard Fernández) y Gerard (Dani Rovira), viajan hasta Lesbos (Grecia) impactados por la fotografía de un niño ahogado en las aguas del Mediterráneo. Al llegar descubren una realidad sobrecogedora: cada día miles de personas arriesgan sus vidas en el mar huyendo de conflictos armados sin que nadie ejerza labores de rescate. 

Junto a Esther (Anna Castillo) y Nico (Sergi López) crearán un equipo de salvamento con el que intentarán hacer frente a la situación e inevitablemente harán visible una realidad que afecta a toda Europa.
Mediterráneo es una batalla por la supervivencia, una lucha en la que cada vida cuenta.  

“MEDITERRÁNEO” es una producción de Lastor Media, Fasten Films, Arcadia Motion Pictures,  Cados Producciones (España) y Heretic (Grecia); cuenta con la participación de RTVE, Movistar+ y TVC, con la financiación del ICAA y el ICEC y con el apoyo de Creative Europe- MEDIA Programme. Las ventas internacionales corren a cargo de Filmax.

EL REY DEL FIN DEL MUNDO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, EL REY DEL FIN DEL MUNDO, está dirigida por Michael Haussman, con guion de Rob Allyn. “No importa lo lejos que huyas, jamás podrás escapar de ti mismo”

James Brooke (Jonathan Rhys-Meyers), su primo el coronel Arthur Crookshank (Dominic Monaghan) y Charles Brooke (Otto Farrant), desembarcan en una isla, acompañados por Subu (Shaheizy Sam). Se internan en la jungla y son sorprendidos por una tribu que los llevan a presencia del príncipe Bedruddin y emisario del sultán (Samo Rafael) y el principie Mahkota y gobernador de Sarawak (Bront Palarae), quienes les escoltan hasta la aldea de Orang Kaya (Peter John), donde James queda prendado por la belleza de Fátima (Atiqah Hasiholan). A través de una astuta maniobra, es nombrado por el sultán de Brunéi, Rajá y gobernante de Sarawak.

Michael Haussman, es un artista, escritor y director de cine estadounidense afincado en Roma. Su exposición “Gravity” ha recorrido galerías como Pacific Design Center en el West Hollywood, California o InOut Art Exhibition en Cannes y presentada también en la Semana del Arte de Berlín. Se especializó en el video musical con piezas como “Martika: Love… Thy Will Be Done” 1991, “Richard Marx: Hazard” 1992, “Chris Isaak: Can´t Do a Thing (to Stop Me) 1993, “Madonna: Take a Bow” 1994,“Mylène Farmer: Optimistique-moi” 2000, “Britney Spears: Someday (I Will Understand) y “Shakira, Alejandro Sanz: La tortura” 2005, “Justin Timberlake feat. Timbaland: Sexyback” y “Chris Cornell: You Know My Name” 2006, “Selena Gomez: Same Old Love” 2015, “Rita Ora: Your Song” 2017. En cuanto al largometraje, debutó con “El enemigo está dentro” 2004 continuando con “A Study Gravity” 2013, y este año nos ofrece “El rey del fin del mundo”, también ha rodado el documental “The Last Serious Thing” 2003, los cortometrajes, “The Abandoned 58” 2002,  el cortometraje “The Audition”, el corto documental “The Unsinkable Henry Morgan” 2013,  el cortometraje publicitario “Duo des chats” y el corto “All in the Game” 2018.

“El rey del fin del mundo” se nos presenta como un filme contemplativo y visualmente cautivador, bajo la cuidada dirección de Michael Haussman. La banda sonora ha recaído en Will Bates, quien nos va acunando, suavemente, como si estuviéramos a bordo de una de las barcazas indígenas, que se adentran, entre la extensa vegetación, en el estado de Sarawak, en Malasia; mientras que Jaime Feliu-Torres, retrata los paisajes naturales con un gusto exquisito, ofreciendo un correcto uso del color y la luz, logrando texturas que invitan a la ensoñación, salvo en aquellas escenas sangrientas, provocadas por las batallas y el festín de cabezas cortadas. Un filme reflexivo sobre el despotismo y la sangre fría de los colonos, buscando llenar las arcas de la corona británica, con las riquezas que atesoraban los indígenas, como parásitos en aquel principio del siglo XIX. La felicidad que contagia la naturaleza no precisando más, que lo que esta ofrece y el amor que en ella, se puede encontrar. Sobre la violencia y la falta de moral de los piratas y rivales cercanos, sedientos de sangre, de cabezas cortadas que exhibían como trofeos, para alcanzar mayor prestigio, junto al saqueo y tráfico de oro, carbón y especias. Pero el filme también se nos ofrece, en gran parte, como una historia de aventuras y amor entre James y la nativa Fátima. 

Debo reconocer que sobre el personaje que se centra la historia, el capitán James Brooke, nada conocía y que antes de realizar la reseña, he decidido leer sobre su historia y me molesta, que habiendo tenido una vida tan intensa y una mentalidad tan despierta, para su tiempo; el tratamiento que se le da en este filme, sea más una recreación libre, que la que tal vez muchos estarían esperando contemplar, aun así, como película de aventuras resulta atractiva y entretenida, con interesantes interpretaciones entre las que destaco la de su protagonista principal, Jonathan Rhys-Meyers. Dejo al final unos datos, los que se nos ofrecen entre los títulos de crédito finales y que no son spoiler, sobre la vida de James Brooke.

“Demasiado débil para matar. Demasiado débil para gobernar”

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Agosto.

REPARTO: Jonathan Rhys Meyers, Dominic Monaghan, Ralph Ineson, Hannah New, Josie Ho, Bront Palarae, Atiqah Hasiholan, Wan Hanafi, Kahar Jimi y Shaheizy Sam.

PRODUCTORA: Margate House Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Alfa Pictures.

El capitán James Brooke fue coronado Rajá por el sultán de Brunei el 18 de agosto de 1842. Reinó durante 26 años, embarcándose en una cruzada de por vida, para acabar con la piratería, la esclavitud y la caza de cabezas. Por su valentía en la lucha contra los piratas de Borneo, la reina Victoria  nombro caballero a Sir James Brooke en 1847. En 1854, tras desafiar las ambiciones coloniales, Brooke fue juzgado por asesinato en una investigación parlamentaria. Brooke no se declaró ni inocente ni culpable. Alegó que los británicos no tenían poder para juzgarlo, como Rajá de Sarawak independiente, James y Fátima se casaron según los ritos locales. Tuvieron una hija. En 1857 James reconoció formalmente a su hijo ilegítimo inglés, rebautizándolo como George Brooke. Fue el segundo Rajá de Sarawak. Tras la muerte de James en 1868, su sobrino, el Rajá Charles, gobernó Sarawak hasta su muerte en 1917. Los hijos de Charles reinaron hasta la invasión japonesa durante la II Guerra Mundial, un siglo después de la llegada de James. Sarawak se convirtió en colonia británica en 1946 y formó la Federación Malaya en 1963.

SIEMPRE CONTIGO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Israel e Italia, Siempre Contigo (Here We Are), está dirigida por Nir Bergman, con guion de Dana Idisis.

Aharon (Shai Avivi) está separado y ha dedicado toda su vida a su hijo autista, Uri (Noam Imber), quien idolatra a su padre y le obedece en todo. A ambos les gusta montar en bicicleta y vivir una vida tranquila, apartados del bullicio de la ciudad. Los problemas surgen cuando la ex mujer de Aharon, Tamara (Smadi Wolfman), se empeña en ingresar a Uri en un centro especial para autistas y Aharon, cree que su hijo no está preparado para abandonar el hogar y alejarse de él. Así todo, acepta encontrarse los tres,  pero Uri sufre una crisis y su padre decide escapar con él. 

El guionista y director, Nir Bergman, estudió Humanidades en la Universidad de Tel Aviv y en 1993 comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión Sam Spiegel, de Jerusalén, en la que se graduó. Como proyecto de fin de carrera dirigió el cortometraje “Hipocampos” 1998 y en 2002 saltó a la dirección de largometraje con “Alas Rotas” con el que obtuvo diversos premios internacionales. Su siguiente proyecto llego con “Gramática Íntima” 2010 (Mejor película en el Festival de Tokyo), para continuar con “Yona” 2014, “Lehatzil et Neta” 2016 y en 2020 presentó “Siempre contigo (Here We Are)”. Para televisión ha dirigido series como “In Therapy” 2005,  “En terapia (En tratamiento)” 2008, “Na terapija” 2017 y en este 2021 “En Terapia”

Nuevamente nos encontramos ante un filme minimalista que se centra, evitando todo tipo de artificios, en la historia, y atrayendo al espectador con un guion firmado por Dana Idisis, desbordando encanto, sensibilidad y emotividad entre ambos personajes; el de un padre, entregado en cuerpo y alma a su hijo adolescente y un hijo, que ama a su padre, pues es el espejo en el que se mira y la referencia para diferenciar entre lo que puede estar bien o no, cuando su enfermedad se lo permite. Un filme que trata el autismo sin dramas, exponiendo con total naturalidad la vida de estas personas y ese componente que puede llegar a desconcertar a quienes conviven con ellos, pues el mínimo cambio en sus rutinas, puede provocar una crisis, en ocasiones difícil de controlar. 

Un filme sencillo y directo, que toma como “apoyo emocional” un gran clásico que recientemente ha cumplido los 100 años, en la historia del cine. “El Chico” de Charles Chaplin, pues dichas imágenes y música, parecen ser el mayor bálsamo para  Uri, que no se cansa de verla en televisión o en su Tablet, tanto en casa como en la calle. Un drama bien dirigido y un importante guion en donde curiosamente el papel femenino, en la vida del joven, queda en un segundo plano, pues quien ha educado, se ha sacrificado y cuidado del joven, es el padre. Un hombre que no desea alejarse de su hijo, aunque en lo más profundo sabe que la separación es inevitable, por el bien de Uri y el suyo propio, aunque no quiera reconocerlo. La obra en parte, como aclaró el director, está basada en la historia del hermano de la propia guionista, que es autista y la convivencia junto a su padre. 

Para finalizar, comentaros que es uno de esos filmes que considero necesarios, un drama sin buscar la lágrima, sino el mostrar una dura realidad, que sufren muchas familias; maravillosamente interpretado por Shai Avivi, en el papel de ese hombre coraje y entregado y Noam Imber, como el hijo autista; calando ambos en el espectador ante la naturalidad y verdad que nos ofrecen.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Agosto

REPARTO: Shai Avivi, Noam Imber, Smadi Wolfman, Efrat Ben-Zur, Amir Feldman, Sharon Zelikovsky, Natalia Faust, Uri Klauzner, Avraham Shalom Levi, Omri Levi, Avi Madar y Rony Gammer.

PRODUCTORA: Spiro Films// Rosamont.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon.

ANNETTE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Alemania, Bélgica, México y Japón, ANNETTE, está dirigida por Leos Carax, con guion de Ron Mael y Russell Mael. “La autodestrucción más anárquica, brillantemente filmada”

El prólogo nos sitúa en un estudio de grabación donde comienza a sonar el tema “Empezamos ya”. La coreografía de dicha canción, capitaneada por Henry McHenry (Adam Driver), un afamado cómico monologuista, nos lleva desde dicho estudio a las calles, presentando de esta manera a los diferentes personajes de la película y que culmina, cuando Henry, se introduce en el coche en cuyo interior, se encuentra su gran amor, Ann Desfranoux (Marion Cotillard), una famosa cantante de ópera.

Henry y Ann se casan y tienen una hija a la que llaman Annette (Marioneta/ Devyn McDowell). El nacimiento de la niña, el gran éxito que alcanza Ann y el declive del humor provocador de Henry, llevarán a este último a cometer actos de tal gravedad, que resultarán imposibles de enmendar.

El director, Leos Carax, estudió en el centro Censier de la Universidad Sorbona Nueva – Paris 3. Sus inicios llegaron con el cortometraje “Strangulation Blues” 1980, para debutar en el largometraje con “Chico conoce chica” 1984 y continuar con “Mala sangre” 1986,  “Los amantes del Pont-Neuf” 1991, “Pola X” 1999,  “Tokyo!” 2008, “42 One Dream Rush” 2010,  “Holy Motors” 2012 y este 2021 nos llega “Annette”. Entre medio de algunas de sus producciones ha realizado videos musicales como “Carla Bruni: Quelqu´un m´a dit” 2002, “Carla Bruni: Tout le monde” 2003, “New Order: Crystal (Alternative Version) 2005 o “Sparks: So May We Start” 2021 y los cortometrajes. “Sans Titre” 1997, “My Last Minute” 2006 y “Gradiva”2014.

Annette es una tragedia por donde desfila el amor correspondido y el que no lo fue, las ambiciones, los celos profesionales, la explotación infantil, las venganzas, la muerte, el alcoholismo, la subida al olimpo de un artista y el descenso a los mismísimos infiernos e incluso el machismo, en el que parece regodearse el personaje. Un musical desconcertante e hipnotizante, oscuro y dramático, que aborda temas de rabiosa actualidad entre las imágenes más opresivas que uno pueda imaginar y de tal calado, que el espectador por momentos, se sentirá misteriosamente atrapado en una historia que comienza con un halo de optimismo y  que poco a poco, se enturbia como el agua en un charco, y aun así, te mantiene con los sentidos despiertos, de principio a fin.

La obra presenta una puesta en escena extraordinaria gracias a los sobrecogedores y excepcionales escenarios virtuales, apoyados por el sobresaliente Chroma, el cual juega con gran virtuosismo en el desarrollo de la historia, envolviéndonos en los diversos decorados por donde transitará la acción, con una ruptura absoluta de la cuarta pared y con ello, provocar que el público, se involucre en este extraño, maravilloso y hasta extravagante, drama musical. Si el espectador conecta con el filme desde el inicio, la experiencia, os aseguro, será inolvidable, pues ofrece todos los ingredientes para ser disfrutada. Pero me reitero, los asistentes a esta obra, deben conectar con esta narración un tanto arriesgada e insólita. Una fábula absorbente, engalanada con canciones cuyas letras navegan entre el lado más oscuro y el dramático, entre la cordura y la demencia total. Reflexiva, onírica, dolorosa, romántica y psicológica. Un musical moderno, duro y desgarrador, que me trajo recuerdos de otra inquietante y ya clásica película como fue “All that Jazz (Comienza el espectáculo)” 1979 del maestro Bob Fosse. Hay detalles muy sobresalientes, que prefiero obviar en esta crítica, para que seáis vosotros mismos quienes los descubráis, mientras pensáis en el por qué y otros un tanto excesivos, pero seductores.

A todo lo dicho,  hay que destacar, por encima del resto, la interpretación, difícil de definir en una sola palabra de, Adam Driver, en  puro estado de gracia y la  lúcida dirección de Leos Carax,  junto a  la singular fotografía en la mirada de Caroline Champitier y la inmersiva banda sonora a cargo de Ron Mael y Russell Mael, que os dejo al final de la reseña.

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Agosto

REPARTO: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg, Dominique Dauwe, Kait Tenison, Latoya Rafaela, Rebecca Dyson-Smith, Timur Gabriel, Kevin Van Doorslaer, Devyn McDowell, Ornella Perl, Christian Skibinski y Marina Bohlen.

PRODUCTORA: CG Cinéma// Kinology.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmin y Elastica Films.

BANDA SONORA DE ANNETTE:

1.- “So May We Start” – Sparks, Adam Driver, Marion Cotillard, Simon  Helberg (3:44)// 2.- “True Love Always Finds a Way” – Sparks, Marion Cotillard (1:25)// 3.- “We Love Each Other So Much” – Adam Driver, Marion Cotillard (3:32)// 4.- “I’m an Accompanist” – Simon Helberg (1:24)// 5.- “Aria (The Forest)” – Marion Cotillard, Catherine Trottman (3:17)// 6.- “She’s Out of this World” – Sparks, Adam Driver, Marion Cotillard (2:23)// 7.- “Six Women Have Come Forward” – Sparks, Six Women (2:03)// 8.- “You Used to Laugh” – Sparks, Adam Driver (2:13)// 9.- “Girl From the Middle of Nowhere” – Marion Cotillard (2:57)// 10.- “Let’s Waltz in the Storm!” – Adam Driver, Marion Cotillard) (3:33)// 11.- “We’ve Washed Ashore” / Baby Aria (The Moon) / “I Will Haunt You, Henry” – Adam Driver, Hebe Griffiths, Catherine Trottman (4:49)// 12.- “Premiere Performance of Baby Annette” – Adam Driver, Wim Opbrouck (2:13)// 13.- “All the Girls” – Adam Driver (1:19)// 14.- “Stepping Back in Time” – Adam Driver, Marion Cotillard, Catherine Trottman (2:04)// 15.- “Sympathy for the Abyss” – Adam Driver, Devyn McDowell (3:51).

COMIENZA EL RODAJE DEL DOCUMENTAL "[REC] TERROR SIN PAUSA"

FILMAX nos informa del comienzo del rodaje del documental “[REC] TERROR SIN PAUSA”

El estreno de “[REC]” el 23 de noviembre de 2007 supuso un antes y un después en la cinematografía española. La nueva apuesta del productor de Filmax, Julio Fernández, redefinió el género del terror en España con una propuesta innovadora que se convirtió en una de las películas más apreciadas por los amantes del género y en todo un hito para el cine de terror patrio.

Tras su estreno en cines se convirtió en un éxito inmediato de público y crítica, recibió numerosos premios y posibilitó el nacimiento de una franquicia con tres secuelas y un remake estadounidense.

Jaume Balagueró y Paco Plaza fueron los directores de una franquicia inédita hasta ese momento en el cine español. Utilizar el ‘falso documental’ en primera persona para narrar toda la película y situar la acción en una peculiar comunidad de vecinos española fueron dos ganchos para el público, que abrazaron con diversión y tensión la propuesta de ambos cineastas.

La saga de terror “[REC]” marcó un punto de inflexión en la trayectoria de Filmax como productora de cine español con ventana al mercado internacional.

Ahora, quince años después se empieza a rodar el documental “[REC] TERROR SIN PAUSA”, dirigido por Diego López-Fernández, que retrata el nacimiento e impacto de la primera entrega, que derivó en todo un fenómeno cinematográfico.

Este domingo 1 de agosto empezó su rodaje en Barcelona, en el emblemático edificio de la Rambla de Catalunya, y se prolongará a lo largo de los próximos meses.

LOS FUNDAMENTOS DE “[REC]”: EL SELLO DE LA FANTASTIC FACTORY

Con la creación de un sello cinematográfico propio de género fantástico, Fantastic Factory, Filmax abrió una etapa de esplendor en la que dio el salto a nivel internacional. Ideado por Julio Fernández y el cineasta norteamericano Brian Yuzna, este sello se consagró dentro del cine español con Faust. La venganza está en la sangre (Brian Yuzna, 2001), Arachnid (Jack Sholder (2001), Dagon, la secta del mar (Stuart Gordon, 2001), Darkness (Jaume Balagueró, 2002), y El segundo nombre (Paco Plaza, 2002), dando forma a lo que más tarde se conoció como Terror Made in Spain. Cada una de estas películas ayudó a consolidar los fundamentos del futuro éxito de Filmax: la saga [REC].

LOS PROTAGONISTAS DEL DOCUMENTAL

Además de sus directores, el documental hará un recorrido por los diferentes ámbitos de la producción, entrevistando a los impulsores de la idea, su elenco principal, los profesionales de áreas como la dirección de arte y la dirección de fotografía y personalidades destacadas como Ángel Sala, director del certamen que vio nacer el fenómeno: el Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña.

Así pues, en “[REC] TERROR SIN PAUSA” nos contarán su experiencia Jaume Balagueró y Paco Plaza (directores), Julio Fernández, Carlos Fernández y Carles Rojano (Filmax), Oriol Maymó (producción), Pablo Rosso (director de fotografía), David Ambit (FX), y los protagonistas del film Manuela Velasco, Carlos Lasarte o Javier Botet, entre muchos más.

EL DIRECTOR: DIEGO LÓPEZ-FERNÁNDEZ

Diego López-Fernández (Barcelona, 1977). Ha dirigido diversos documentales centrados en la historia del cine fantástico estatal, entre ellos Los perversos rostros de Víctor Israel (2010) y Herederos de la Bestia (2016), ambos codirigidos junto a David Pizarro. El segundo, un análisis del impacto del film de Álex de la Iglesia El día de la bestia (1995), cosechó excelentes críticas tras su paso por festivales nacionales e internacionales, donde ganó un premio y diversas menciones. Ya en solitario, ha dirigido los cortometrajes-documental Jack Taylor, testigo del fantástico (2018), centrado en el actor estadounidense Jack Taylor, y La Dama del Fantaterror (2020), que presenta la trayectoria de la actriz Helga Liné.

En paralelo, es el editor desde el año 2005 de la publicación especializada en cine fantástico El Buque Maldito y, desde 2010, programador de la sección Brigadoon del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

LA PRODUCTORA: FILMAX

Con más de 60 años de trayectoria, Filmax es una de las principales empresas audiovisuales españolas. Con sede en Barcelona, la compañía aúna todas las áreas del proceso fílmico: desde el desarrollo de la idea hasta la exhibición, pasando por la producción, distribución y ventas internacionales. Su apuesta por esta versatilidad la llevó a ser pionera en España al crear el primer estudio independiente de cine y televisión en el país.

Desde su fundación como Grupo Filmax por Julio Fernández en 1987, la compañía ha producido casi 100 largometrajes; películas premiadas, aclamadas y proyectadas internacionalmente como El maquinista, con Christian Bale y dirigida por Brad Anderson; El perfume, dirigida por Tom Tykwer; la saga de terror [REC], de Jaume Balagueró y Paco Plaza; Transsiberian, con Woody Harrelson y Emily Mortimer y dirigida por Brad Anderson; TheWay, de Emilio Estévez con Martin Sheen, y Mientras Duermes, de Jaume Balagueró, protagonizada por Luis Tosar y Marta Etura.

Más recientemente, ha llevado a la gran pantalla sus producciones 100 metros, de Marcel Barrena con Dani Rovira, Karra Elejalde y Alejandra Jiménez; Musa, de Jaume Balagueró, que contó con Christopher Lloyd, Manuela Vellés y Leonor Watling en su elenco de actores y No Matarás, dirigida por David Victori y protagonizada por Mario Casas. En 2021 tiene previsto estrenar sus dos nuevos largometrajes, Pan de limón con semillas de amapola, dirigida por Benito Zambrano, con Elia Galera y Eva Martín como protagonistas, y Donde caben dos, con dirección de Paco Caballero y que cuenta con un gran elenco formado por Ernesto Alterio, Raúl Arévalo, Anna Castillo, Pilar Castro, Álvaro Cervantes, María León y Verónica Echegui, entre otros.

La empresa destaca también por ser una de las compañías que más ha invertido en producción de animación con películas como Copito de Nieve (Andrés G. Schaer, 2011); Nocturna (Víctor Maldonado y Adrián García, 2007); El Cid: la leyenda (José Pozo, 2003) y las dos películas que tienen como personaje principal al ratoncito Pérez: Pérez, el ratoncito de tus sueños (Juan Pablo Buscarini, 2006) y su secuela, dirigida por Andrés G. Schaer en 2007. Más recientemente, ha estrenado La gallina Turuleca (Víctor Monigote y Eduardo Gondell, 2020). Su apuesta por este campo cinematográfico ha sido reconocida con seis Premios Goya a Mejor Película de Animación.

En el campo televisivo, Filmax ha producido las series Polseres vermelles, primera serie española Ganadora del Emmy Kids, Cites, Sé quién eres, Benvinguts a la família y Días de Navidad, todas ellas de Pau Freixas. Actualmente está inmersa en las nuevas producciones Todos Mienten, dirigida por Pau Freixas, y Feria, que cuenta con la dirección de Jorge Dorado y Carles Torrens.

Más allá de su experiencia como productora, Filmax cuenta con una amplia trayectoria como distribuidora de películas nacionales e internacionales. Algunos títulos que la compañía ha distribuido con gran éxito de público y crítica son la ganadora de 8 Oscar, entre ellos Mejor Película, Slumdog Millionaire (Danny Boyle), la ganadora de 4 premios Oscar Million Dollar Baby (Clint Eastwood), La mejor oferta (Giuseppe Tornatore), Truman (Cesc Gay) gran triunfadora en los Goya 2016 y, más recientemente, Loving Pablo (Fernando León de Aranoa), El fotógrafo de Mauthausen (Mar Targarona), La Boda de Rosa (Iciar Bollain) y Sentimental (Cesc Gay).

JOE DANE RECIBIRÁ EL PREMIO DE HONOR DE CURTAS FESTIVAL do IMAXINARIO

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informan que JOE DANTE recibirá el premio de honor de Curtas Festival do Imaxinario. El director norteamericano visitará por primera vez Galicia para celebrar su carrera en el Festival.

El legendario realizador norteamericano Joe Dante será el invitado de honor de la 49 edición de Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa, donde recogerá el galardón honorífico en la gala de clausura del festival, el sábado 30 de octubre, en reconocimiento a su enorme contribución al género fantástico.

Nacido en 1946 en  Morristown, Nueva Jersey, Dante comenzó su carrera como editor para el productor Roger Corman. En 1978 debutó en la dirección en solitario con “Piraña”, escrita por John Sayles, con el que volvió a colaborar en “The Howling (Aullidos)” (1981), que este año celebra su 40 aniversario.

En 1983 comenzó una exitosa colaboración con Steven Spielberg como productor, dirigiendo uno de los segmentos de la adaptación cinematográfica de la serie “The Twilight Zone”. Continuando con el gran éxito de “Gremlins” (1094), su secuela “Gremlins 2” (1990) o “El chip prodigioso” (1987). Además de firmar otros títulos como “Ecploradores” 1985,  “No matarás al vecino” (1989), “Matinee” (1993), “Pequeños guerreros” (1998), “Burying the Ex” (2014), o la antología “Nightmare Cinema” (2018), su último largometraje hasta el momento.

Como parte del homenaje, Curtas Festival do Imaxinario acogerá un encuentro con Joe Dante y una retrospectiva con varias de sus películas, así como una exposición con reproducciones de sets a tamaño real, piezas originales  de “Gremlins”, que además se complementa con varios homenajes de ilustradores de todo el mundo a la película.

Primeros títulos confirmados

Una gran selección de lo mejor del cine fantástico mundial se dará cita en Curtas Festival do Imaxinario con títulos como “The Spine of Night”, film de animación dirigido por Philip Gelatt y Morgan Galen King, que nos traslada a una tierra de fantasía en los que conoceremos la lucha de héroes de diferentes épocas contra una poderosa fuerza maligna; “Son”, escrita y dirigida por Ivan Kavanagh, en la que una madre llegará hasta el límite para proteger a su hijo de una peligrosa secta; o la historia de maldiciones familiares de “The Accursed”, de Kathryn Michelle y Elizabeta Vidovic.

Desde Galicia, y a ritmo de black metal, llegará el terror rural de “Jacinto”, de Javi Camino; y desde Taiwan hará lo propio “The Sadness”, el debut de Rob Jabbaz cuya premiere mundial acaba de tener lugar en el Festival de Locarno, para teñir de rojo la pantalla de Curtas en una sesión especial que permanecerá en la memoria de los asistentes durante años.

Acreditaciones de prensa y profesionales.

Curtas Festival do Imaxinario abre el plazo de acreditación para prensa y profesionales que quieran asistir al festival que se celebrará del 22 al 31 de octubre. El número de plazas disponibles es limitado, y estará sujeto a las medidas sanitarias vigentes en el momento, y se otorgarán por estricto orden de llegada. Además, el festival ha habilitado una tipo de acreditación remota para que puedas optar a realizar entrevistas (según disponibilidad) con los invitados aunque no puedas asistir al festival.

Puedes solicitar la acreditación tanto online como presencial a través de nuestra página web: www.curtas.org

Id reservando las fechas en vuestro calendario porque esta va a ser una edición que no os vais a querer perder.

La 49 edición de Curtas Festival do Imaxinario de Vilagarcía de Arousa cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Vilagarcía de Arousa y la Diputación de Pontevedra, y el patrocinio de Cafés Candelas, Gadis y Planet Horror.

AVALON NOS INFORMA DE LA ADQUISICIÓN EN CANNES 2021 Y DE LOS PRÓXIMOS ESTRENOS

 

AVALON nos informa de la adquisición en Cannes 2021 y próximos estrenos.

Este año AVALON visitaba el Festival de Cannes con tres importantes películas en cartera: “Benedetta” de Paul Verhoeven, “La Isla de Bergman” de Mia Hansen-Løve y la producción propia “Libertad”  de Clara Roquet. Además, se alegran de comunicar que han adquirido los siguientes títulos en el marco de las diferentes secciones del festival. Una selección que da continuidad a su línea editorial, ligada a grandes directores, temáticas comprometidas, debuts que no lo parecen, documentales de referencia y su  segunda pasión: la música.

LES OLYMPIADES (Paris 13th District) de Jacques Audiard

SINOPSIS: París, XIII distrito, barrio de Les Olympiades. Émilie conoce a Camille, que se siente atraído por Nora, que, a vez, se cruza en el camino de Amber. Tres chicas y un chico. Son amigos, a veces amantes y, a menudo, las dos cosas.

La nueva película de Jacques Audiard  tendrá su estreno en cines en España hacia finales de 2021, en codistribución con Wanda Visión.

PLAYGROUND (Un Monde) de Laura Wandel (PREMIO FIPRESCI (Un Certain Regard)) 

SINOPSIS: Nora entra en primaria cuando descubre el acoso que sufre su hermano mayor, Abel. Nora se debate entre su padre, que la anima a actuar, y su hermano, que le pide que guarde silencio: un terrible conflicto de lealtad. Una inmersión profunda en el universo escolar a través de los ojos de una niña.

MONEYBOYS de C. B. Yi

SINOPSIS: Para satisfacer las necesidades de su familia, el joven Fei, oriundo de una pequeña aldea de China, se prostituye en la gran ciudad.
Una aproximación diferente, más urbana y contemporánea, a la imagen de China que estamos acostumbrados. Un debut imponente. 

THE STORY OF FILM. A NEW GENERATION de Mark Cousins.

SINOPSIS: El cineasta Mark Cousins actualiza su clásico The Story of Film (La historia del cine) con A New Generation poniendo de relieve las secuencias cinematográficas más potentes de la década. En esta entrega, que abarca de 2010 a 2021, y que incluye el periodo de epidemia, Cousins cuenta una historia épica cargada de esperanza sobre la innovación cinematográfica en el mundo entero, mientras contribuye a hacer descubrir nuevas formas de ver y ser en nuestra era digital, ecléctica y voluminosa.

ALI & AVA de Clio Barnard

Por diferentes razones, Ali y Ava se sienten solos. Se conocen a través de Sofía, la hija de los inquilinos eslovacos de Ali a quien Ava cuida. A partir de ahí y durante un mes lunar, una conexión profunda comienza a crecer entre ellos, a pesar de las secuelas de la relación anterior de Ava y la confusión emocional de Ali; y todo ello alimentado por la pasión de ambos por la música.

Además, también hemos adquirido varios títulos y proyectos en el marco del mercado de Cannes (Marche du Film). Estos los iremos comunicando progresivamente durante los próximos meses.

CALENDARIO PRÓXIMOS ESTRENOS AVALON

Siempre contigo (Here We Are) de Nir Bergman (27 de Agosto 2021) *

Petite Maman de Celine Sciamma (2 de Octubre 2021) *

Benedetta de Paul Verhoeven (8 de Octubre 2021) *

Libertad de Clara Roquet (19 de Noviembre 2021) *

La isla de Bergman de Mia Hansen-Løve (22 de Diciembre 2021) *

*en codistribución con Elastica Films

COMIENZA EL RODAJE DE LA SERIE "TODA LA SANGRE"

EVA CALLEJA y PRISMA IDEAS nos informan del inicio del rodaje de la Serie “TODA LA SANGRE” con AARON DÍAZ y ANA BRENDA CONTRERAS.

La Serie de Pantaya, Starzplay, Spiral, Spiral International y Fremantle México, esta dirigida por Luis Primeto y Hari Sama.

El pasado 4 de Agosto, Pantaya, STARZPLAY y Spiral International anunciaron el comienzo del rodaje de la serie “Toda la sangre”. Producida por Fremantle México, “Toda la sangre” esta dirigida por los Luis Prieto y Hari Sama, ambos directores reconocidos internacionalmente. Las superestrellas latinas Aaron Díaz y Ana Brenda Contreras interpretarán los papeles principales de esta sofisticada serie de género basada en los libros del autor mexicano Bernardo Esquinca.

Prieto es conocido por haber dirigido películas (“Kidnap”) y series de TV (“White Lines”, “Snatch”); mientras que Sama se hizo conocido por su premiada película This is Not Berlin.

Aaron Díaz (“Quantico”) interpretará el papel de Eugenio Casasola, un periodista que se une a la teniente Edith Mondragon, interpretada por Ana Brenda Contreras (“Dynasty”), en la búsqueda de la verdad detrás de una serie de crueles asesinatos que se asemejan a sacrificios aztecas en la actual Ciudad de México.

Distribuida a nivel internacional por Fremantle, la serie de diez episodios es desarrollada y producida por el showrunner y productor ejecutivo Zasha Robles de Spiral International, creador de la serie ganadora del Emmy internacional “Falco”.

“Somos muy afortunados de poder trabajar con creadores tan talentosos como Luis Prieto, Hari Sama, Aaron Díaz y Ana Brenda Contreras, además del equipo de producción de Fremantle México, que conforman el equipo ideal para crear nuestro thriller azteca "Toda la sangre”, comentó Zasha Robles.

“‘Toda la Sangre’ es una evocadora serie premium que explora la compleja herencia cultural de México mediante imágenes y personajes inolvidables. Estamos sumamente orgullosos del equipo que reunió Zasha para dar vida a  esta serie, con talentos de primer nivel tanto detrás como delante de las cámaras”, afirmó Mario Almeida, director de contenido de Pantaya.

“‘Toda la Sangre’ cuenta con un equipo creativo y un elenco de increíble talento, que harán cobrar vida a esta sofisticada historia ambientada en México y con el telón de fondo de algunas de las obras arquitectónicas más emblemáticas de la Ciudad de México”, señaló Superna Kalle, presidenta de canales internacionales de STARZ. “Estoy muy orgullosa del proyecto y espero con ansias ofrecer una historia compleja y cautivante a los públicos de STARZPLAY”.

Coty Cagliolo, directora de producción de Fremantle México, agregó: “Las obras de Bernardo Esquinca son muy queridas y admiradas en todo el mundo y por eso estamos muy emocionados de traerle al público ‘Toda la Sangre’, una serie realmente atrapante con un elenco estelar tanto delante como detrás de cámaras. Ambientada en el icónico escenario de la Ciudad de México como trasfondo, esta serie es un thriller como ningún otro, una carrera para atrapar a un asesino en serie antes de que vuelva a atacar y donde los mundos de la antigüedad y la actualidad chocan con consecuencias devastadoras”.

Aaron Díaz está representado por Innovative Artists Agency y el Make Good Group. Ana Brenda Contreras es representada por 3 Management.

"SEIS DÍAS CORRIENTES" LOGRA DOS PREMIOS Y UNA MENCIÓN ESPECIAL EN EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE LOCARNO

FILMAX nos informa que “Seis Días Corrientes” logra dos premios en el Festival Internacional de Cine de Locarno y recibe una mención especial.

La película “SEIS DÍAS CORRIENTES”, dirigida por Neus Ballús y producida por Miriam Porté, ha sido premiada con el premio a la mejor interpretación masculina en el Festival Internacional de Cine de Locarno (Suiza). El Leopardo al mejor actor, nombre con el que se conocen los premios de este certamen, ha recaído ex aequo en dos de los actores de la cinta: Mohamed Mellali y Valero Escolar. Ambos intérpretes no son actores sino que se interpretan a si mismos, como suele ser habitual en el cine de Ballús.

Tras un largo periodo de casting y documentación en el universo de los fontaneros y electricistas, Ballús eligió al trío de protagonistas (los fontaneros reales Mohamed Mellali, Valero Escolar y Pep Sarrà) entre más de mil profesionales del sector. Todo el elenco, sin experiencia en el mundo del cine, pasó por un taller de preparación a lo largo de dos años antes del rodaje. Así mismo, en el rodaje Ballús incorporó metodologías del documental para obtener de los protagonistas interpretaciones y situaciones frescas, auténticas y sorprendentes a la vez y contó con la colaboración del coach Gerard Oms. 

Premio Europa Cinemas Label y mención especial del jurado

Además del premio ex aequo al mejor intérprete masculino, la película ha recibido también el premio Europa Cinemas Label. Creado en 2003, este reconocimiento busca mejorar la promoción, circulación y vida de las películas. El premio es otorgado por un jurado compuesto por exhibidores y proporciona a la película los recursos necesarios para llegar a una gran audiencia. Este premio, que se entrega en cinco grandes festivales europeos como son Locarno, Cannes, Berlín, Venecia y Karlovy Vary, se otorga en un punto estratégico de la carrera de un largometraje, en el momento de su presentación en un gran festival y su lanzamiento al mercado internacional. 

Por último la cinta ha recibido también una mención especial del jurado joven independiente el cual valora que “esta comedia, narrativamente simple y directa, logra abordar la temática de la integración con genuinidad y ligereza”.

El Festival de Locarno es uno de los 15 festivales del mundo de Categoría A. Próximamente, “Seis días corrientes” podrá verse en la 46ª edición del Festival Internacional de Cine de Toronto-TIFF (Canadá, 9-18 de septiembre), dentro de la sección Contemporary World Cinema (Cine Mundial Contemporáneo).

Sinopsis: Basada en situaciones y personajes reales, “Seos días corrientes” relata el día a día de la vida de Moha, Valero y Pep, trabajadores de una pequeña empresa de fontanería y electricidad en la periferia de Barcelona. Durante una semana Moha, el más joven, tendrá que demostrar que está preparado para sustituir a Pep, que se jubila. Pero Valero considera que Moha “no da el perfil”, y duda de que los clientes acepten a un trabajador marroquí en sus casas.

“Seis días corrientes” es una película de género híbrido, que conjuga la ficción con elementos prestados de la realidad. El film conserva la sensibilidad característica de su autora pero esta vez Ballús se aleja del drama para adentrarse en un tono aparentemente ligero, convirtiendo la propuesta en una singular comedia.

Bajo una capa de humor, ligereza y cotidianidad las seis historias que conforman el film (correspondientes a seis días de una semana laboral), esconden una profunda reflexión sobre los prejuicios que se activan cuando nos vemos obligados a convivir con alguien distinto a nosotros. En un momento en el que las muestras de intolerancia y racismo están muy presentes, la película quiere ofrecer una nueva mirada sobre uno de los mayores retos a los que se enfrenta nuestra sociedad, diversa y multicultural: el reto de comprender al otro.

Con guion de la propia directora y de Margarita Melgar (pseudónimo tras el que se encuentran Montse Ganges y Ana Sanz-Magallón), el film está producido por Miriam Porté para Distinto Films y El Kinògraf.

“Seis días corrientes” es una producción de Distinto Films y El Kinògraf; y la producción asociada de Slot Machine (Francia). Cuenta con la participación de Radio Televisión Española, Televisió de Catalunya y Movistar+ y el apoyo del ICAA y el ICEC. Con el impulso del Máster en Documental de Creación de la UPF. La película llegará próximamente a los cines de la mano de Filmax. Internacionalmente distribuye Beta Cinema GmbH.

DOCMA DEDICA EL PRÓXIMO "3XDOC/ENCUENTRO DE CREADORES" AL CINE-ENSAYO Y LA MIRADA AUTOBIOGRÁFICA.

 

LAS ESPIGADORAS informa que DOCMA dedica el próximo “3XDOC / Encuentro de creadores” al cine-ensayo y la mirada autobiográfica.

La asociación dedicada al cine documental DOCMA celebrará del 15 al 19 de septiembre en el Cine Estudio del CBA y el Goethe-Institut Madrid la séptima edición del “3XDOC / Encuentro de Creadores”, dedicada este año al cine documental más íntimo y universal característico del cine ensayo y la mirada autobiográfica. Cientos de cineastas, artistas, investigadores y amantes del cine y de las artes visuales se darán cita durante cinco días en Madrid para disfrutar de una programación de cine, actividades formativas y encuentros que contarán con la participación del cineasta Eric Pauwels, considerado uno de los grandes maestros belgas del cine-ensayo, y la productora y guionista Marta Andreu, referente del documental de creación y desarrollo de proyectos.

“3XDOC es una oportunidad única de recuperar la interacción entre creadores españoles y extranjeros; proponemos un marco de pensamiento colectivo y artístico que inspire a los participantes a descubrir nuevos conceptos y contenidos culturales en torno al cine, nuestra herramienta para mirar y entender el mundo” explica Andrea Guzmán, directora de la VII edición del 3XDOC y fundadora de DOCMA.

Cada edición del “3XDOC / Encuentro de Creadores” invita a dos autores para confrontar y relacionar su punto de vista de la realidad a través de sus creaciones y producciones cinematográficas, en un diálogo abierto al público que facilita la transmisión de su particular visión. “La mirada de Pauwels y Andreu conjuga la pasión y la necesidad por la creación subjetiva, con la capacidad para extrapolar estas experiencias de vida y artísticas hacia un lugar de íntima comunión con el espectador. Dos artistas fundamentales para entender el cine documental contemporáneo en su faceta experimental y documental”, explica el coprogramador de la edición y socio de DOCMA, David Varela. Una de las oportunidades que la edición propone para reflexionar a partir de la relación entre sus filmografías será el Encuentro de Creadores en el que Varela moderará la conversación entre ambos artistas el sábado 18 de septiembre en el Cine Estudio Círculo de Bellas Artes.

Eric Pauwels: Un objeto lanzado hacia lo desconocido

La retrospectiva titulada “Un objeto lanzado hacia lo desconocido. El cine-ensayo según Eric Pauwels”, dedicada al cineasta y escritor belga, nacido en 1953, incluye nueve obras, cinco de ellas inéditas en España. Su trayectoria como cineasta está marcada desde el inicio por las enseñanzas del padre del cinéma vérité Jean Rouch y gira en torno a tres grandes ejes: el teatro, la etnografía y el cine.

Su filmografía traza un recorrido desde la aproximación al mundo de la danza y los rituales hasta llegar a reflexiones más personales que exploran los formatos del ensayo y el diario. “En el cine ensayo imaginado por Pauwels aprendemos que el acto de filmación y montaje puede ser reinventado en una permanente primera vez”, afirma Guillermo G. Peydró, programador de la edición junto a Varela y comisario de la retrospectiva.

En la inauguración del 3XDOC el día 15 de septiembre en el Cine Estudio, se estrenarán en España dos títulos que permiten un acercamiento a los orígenes de Pauwels como cineasta: “Carta a Jean Rouch” (1994), una obra dedicada a su maestro decisiva para entender el acercamiento al dispositivo cinematográfico de ambos autores, y “Viaje iconográfico: El martirio de San Sebastián” (1989), un film-ensayo sobre arte donde realiza un viaje físico y conceptual por la historia de la representación del personaje que le obsesiona. Tras la proyección inaugural, Eric Pauwels participará en un coloquio con el público moderado por Peydró.

El Cine Estudio acogerá también su famosa Trilogía de la cabaña, compuesta por “Carta de un cineasta a su hija” (2002), un relato iniciático sobre la vida y la muerte, la creatividad y la libertad de la mujer; “Los films soñados” (2010), una reconstrucción de todas las películas que alguna vez quiso hacer y nunca pudo; y “La segunda noche” (2016), en la que se pregunta cómo mirará y cómo hará cine tras la muerte de su madre. La construcción de esa nueva mirada se desarrolla en la que es su última película hasta el momento, “Diario de septiembre” (2019), donde propone una reinterpretación del género del diario autobiográfico y que Peydró destaca como “una gozosa celebración de la vida y del deseo inagotable de hacer cine”.

Además, podrá verse el cortometraje inédito en España “Violon phase” (1985), influenciado por Rouch y los rituales de posesión a los asistió en Indonesia, en el que filma a la célebre coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker bailando en trance al ritmo de la música minimalista de Steve Reich. Las artes también están presentes en la sesión formada por “Tres danzas húngaras de Brahms” (1990) y “Las orillas del río” (1991), donde se mezcla la ficción, el documental etnográfico, el relato oral de países remotos y el making of de la propia película. 

Pauwels impartirá también una clase magistral el 16 de septiembre en el Goethe-Institut Madrid, una ponencia ilustrada con numerosos extractos de sus películas que será retransmitida por streaming.

Marta Andreu: la agudeza del camaleón

En el 3XDOC se mostrarán una selección de películas producidas recientemente por la cineasta, también guionista y consultora Marta Andreu (Barcelona, 1975), quien también impartirá varias sesiones de formación diseñadas para el 3XDOC, partiendo de una experiencia de más de 20 años en festivales internacionales y laboratorios de desarrollo de proyectos documentales. “Escuchar a Marta Andreu es como adentrarse en una espiral de dudas inevitables que acompañan con ternura (y rigor) los procesos más fértiles de construcción del cine documental”, afirma David Varela, que destaca el perfil camaleónico de Andreu a la hora de abordar todos sus proyectos, ya sea desde la producción, el guion, la distribución o como consultora y docente.

La relación entre el autor y su obra, y la relación entre la obra y su audiencia son dos aproximaciones al proceso creativo que suelen abordarse por separado. Sin embargo, Andreu propone unirlos en el seminario Afinidades Electivas junto a Isona Admetlla, experta en diseño de audiencias, financiación y distribución de cine y desde 2009 Coordinadora del fondo para la cinematografía Berlinale-World Cinema Fund. Para participar en esta actividad, 3XDOC ha publicado en su web una convocatoria dirigida a cineastas con un proyecto en desarrollo, incluso en una fase muy inicial. El encuentro, a caballo entre el seminario y el taller, se celebrará en el Goethe-Institut Madrid durante las mañanas del 16 y 17 de septiembre.

En el Cine Estudio del CBA se mostrarán dos de sus obras más recientes, en las que una vez más, la reflexión sobre la memoria está presente: Amanecer (2018) de la directora colombiana Carmen Torres y Cuchillo de palo (2020) de la paraguaya Renate Costa. Ambas directoras abordan en sus películas la necesidad por conocer el pasado de sus respectivas familias para encontrar un equilibrio en sus vidas.

El día 18 de septiembre en el Cine Estudio la cineasta catalana intervendrá en una sesión especial en torno al proyecto colectivo Ida e volta, realizado entre 2009 y 2013 en el marco del “Laboratorio de retrato filmado” en el Festival Play-Doc. Andreu comentará fragmentos seleccionados de las cinco películas que conforman el proyecto y que surgieron de preguntas como “¿Qué implica atrapar en imagen la existencia del otro?”

“Queremos ir retomando ese espacio en el que la conversación y la mirada unificadora y multiplicada de los espectadores en una gran pantalla nos haga sentir de nuevo próximos”, expresa la directora Andrea Guzmán aludiendo al propósito final de esta próxima edición.

Además de sus sedes Goethe-Institut Madrid y el Círculo de Bellas Artes, la VII edición del 3XDOC impulsada por DOCMA cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE), y la colaboración del Centre de l'Audiovisuel à Bruxelles, Alliance Française, Wallonie-Bruxelles International, Wallonie.Be y la Embajada de Bélgica.

Las actividades en el Goethe-Institut Madrid tendrán un aforo limitado de personas marcado por el protocolo Covid. Las plazas se asignarán por estricto orden de inscripción y se habilitará una lista de espera.

Sobre DOCMA y el 3XDOC / Encuentro de Creadores

Fundada hace más de 14 años, DOCMA es la asociación dedicada al cine documental más grande de España y que cuenta con cerca de 300 socios pertenecientes al sector audiovisual. A través de diversas iniciativas como el 3XDOC, pretende ser un punto de encuentro entre profesionales y amigos del cine documental para crear redes y ampliar conocimientos, además de servir de interlocutor entre los propios cineastas y las grandes entidades de producción y distribución.

Desde el año 2012 el 3XDOC / Encuentro de creadores ha contado con la participación de invitados especiales como Heddy Honigmann, Mercedes Álvarez, Víctor Kossakovsky, Andrés Duque, Peter Mettler y Daniel V. Villamediana, Avi Mograbi, Ahmad Natche, Lucien Castaing-Taylor, Véréna Paravel, el Colectivo Los Hijos, Robert Bahar y Heino Deckert.