LA NOCHE DE 12 AÑOS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Uruguay, Argentina, Francia y España, La noche de 12 años, cuenta con guion y dirección de: Álvaro Brechner.

El 27 de junio de 1973 Uruguay sufrió un golpe de estado marcando el comienzo de la dictadura cívico-militar, régimen que duró hasta 1985. Esta película nos narra la historia de tres de los nueve presos Tupamaros que fueron sacados de sus celdas en una operación militar secreta. La orden de los altos mandos era: “Como no hemos podido matarles, vamos a volverles locos”.

Los tres prisioneros a los que seguiremos en sus desdichas fueron: José Mujica (Antonio de la Torre) quien fuera en el 2010 presidente de Uruguay. Mauricio Rosencof (Chino Darín) escritor, periodista y dramaturgo y Eleuterio Fernández Huidobro (Alfonso Tort) ejerció de ministro de defensa.

Las dictaduras se caracterizan por reprimir y  suprimir la libertad del ser humano a través del totalitarismo y la crueldad latente en las mentes más perversas y enfermizas. El cine nos ha ido ofreciendo a través de la historia escrita, algunas de estas muestras de fascismo. La historia que rodea este filme,  tuvo lugar en los años 70 en Uruguay.

Álvaro Brechner, tras sus anteriores películas: “Mal día para pescar” 2009 y “Mr. Kaplan” 2014, llena la gran  pantalla con esta trágica historia, basada en hechos reales, “La noche de 12 años”. Un filme intenso, sobrecogedor, dramático, doloroso,  impactante y desolador, expuesto a través de una ambientación claustrofóbica, narrada con sumo aplomo y apoyándose en tres magníficos actores.

Tres excelentes actores encarnando a tres activistas en busca de un país democrático. Tres cabezas de turco que tuvieron que convivir con la tortura, el aislamiento absoluto, la hambruna, los miedos y los experimentos psicológicos más viles imaginados para intentar volver loco a los cautivos, mientras ellos, buscaban  la manera de sobrevivir, día a día. El deseo de libertad, es el sueño que nunca se pierde. Tres nombres propios como son: Antonio de la Torre, Chino Darín y Alfonso Tort, ofreciéndonos con gran realismo, las experiencias vividas en un infierno durante 12 años, confinados en celdas sucias y de pequeñas dimensiones. Retratando el sufrimiento de  cada uno de los personajes y el anhelo que nunca se frustró en sus mentes. Es lo único que tenían y no estaban dispuestos a que se lo arrebatasen. Poseedores de fuertes personalidades y debilidades, con un mismo objetivo: Ser libres.

Importantísimo el trabajo de Carlos Catalán ofreciendo una fotografía tan “sucia” y deslucida, como los espacios habitados, logrando crear una atmósfera deshumanizada, entre la diversidad de  planos e iluminación utilizada, sin olvidarnos del  magnífico maquillaje.

El silencio grita mientras las palabras sacuden conciencias.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

REPARTO: Antonio de la Torre, Chino Darín, Alfonso Tort, César Troncoso, Soledad Villamil, Silvia Pérez Cruz, Mirella Pascual, Nidia Telles.

PRODUCTORA: Alcaravan// Haddock Films// Hernández y Fernández P.C.// Manny  Films// Movistar+// Salado Films// Tornasol Films// ZDF/Arte.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema

TRES CARAS: CRÍTICA DE CINE

Un nuevo viaje al interior de la sociedad iraní, a través de los habitantes de una aldea, 3 Caras, cuenta con guion de Nader Saeivar y del propio director Jafar Panahi (Taxi Teherán)

A través de una grabación con su propio móvil, Marziyeh (Marziyeh Rezaei) pide ayuda  de forma desesperada a Jafari (Behnaz Jafari), una famosa actriz, exponiendo su situación. Quiere estudiar interpretación, pero su familia se niega, incluso la han engañado para que se comprometiese con un chico de la aldea, si quería estudiar y tras acceder, continuaron  con la negativa. Pero lo que más preocupará a la actriz, es que la culpa de no haber contestado a sus llamadas al móvil y que desesperada, se va a quitar la vida, ahorcándose. Acto que realizará ante la cámara.

Jafari llama a su gran amigo y director de cine Jafar Panahi, para que la acompañe a la aldea de la chica. Por el camino hablarán de si el vídeo está manipulado. Por la experiencia de Jafar con el medio, piensa que no, pues no existen cortes durante la grabación, por lo que se pueden enfrentar a una dura situación. La llegada a la aldea supondrá algo más que la búsqueda de la chica.

Tres caras, tres generaciones de mujeres artistas: La primera, olvidada por la industria tras unos años de éxito y rechazada a su vuelta a la aldea, hasta que todos la vuelven a aceptar. La segunda, Jafari, una actriz en lo más alto de su carrera, admirada por su gran éxito  en la televisión, y la tercera, quien sueña ser actriz como lo es Jafari, a quien idolatra y pide auxilio.

Una vez más Jafar no solo se coloca tras la cámara para narrarnos una historia con inteligencia y astucia, sino también como actor principal junto a Jafari. Con firme determinación y sutileza, criticará de nuevo la sociedad en la que vive, a través de sus personajes. Se amparará, además de en las generaciones ya mencionadas, en cada uno de los instantes que ambos vivirán, tratarán durante el viaje y  la estancia en la aldea. Uno de esos  momentos importantes sucederá en el transcurso de la última noche. Noche  en que Jafari callejea por el pueblo encontrándose primero con los hombres, para dar paso a  las mujeres del lugar, entre las conversaciones que mantienen y las frases que invitan a la reflexión sobre las tradiciones, creencias y forma de vivir en Irán.

El filme cuenta con unas correctas interpretaciones, destacando sin ninguna duda a Behnaz Jafari, dando vida a un personaje sensible,  intimista, concienciada con la realidad existente y totalmente creíble. Una narración maravillosamente acompañada de la fotografía de Amin Jaferi, quien plasma con naturalidad, realismo y sencillez, la forma de vida de las mujeres en dicho país. Imágenes que hablan de miradas, de silencios, de expresiones, de normas que se han impuesto; entre el polvo de paisajes inhóspitos, hogares humildes y la necesidad de una igualdad, que grita en cada corazón.

           Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

         REPARTO: Jafar Panahi, Behnaz Jaffari, Marziyeh Rezaei, Maedeh Erteghaei y Narges Delaram.

PRODUCTORA: Jafar Panahi Film Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

THE GUILTY: CRÍTICA DE CINE

La ópera prima de Gustav Möller, The Guilty, cuenta con guion propio compartido con Emil Nygaard Albertsen. Una lección  de buen cine, con la  soberbia interpretación de Jakob Cedergren.

Suena un teléfono en el interior de una centralita, Asger Holm (Jakob Cedergren) atiende la llamada. Asger es un ex oficial de policía, relegado a funciones de teleoperador de servicio de emergencia. Durante su turno de trabajo, recibe la llamada de una mujer que le pide auxilio. Consigue tranquilizarla averiguando su nombre, Iben (Voz de Jessica Dinnage) y entre preguntas de Sí y No, descubrimos que ha sido secuestrada por Rashid (Voz de Omar Shargawi). Asger se pondrá en contacto con sus superiores y desde su mesa, seguirá de cerca el caso, tomándoselo como algo personal.

Nada más quiero y debo contar de esta magnífica historia escrita por Emil Nygaard Albertsen y el propio director Gustav Möller. Un guion brillante, tan simple en apariencia como atractivo en su ejecución, donde además del actor principal y el director, los grandes artífices de este filme, son sin duda: La fotografía, el montaje y el espectacular sonido.

Comencemos por la fotografía, en la mirada de Jasper Panning. Un arma poderosa para narrar la historia, pues en el espacio reducido que comprende  la centralita, logra conquistar al espectador con los planos tan cuidadosamente seleccionados y la iluminación utilizada.  El montaje ha recaído en las manos Carla Luffe, dotando al filme de un ritmo que aunque nos pueda resultar pausado, muy lejos de la realidad, el efecto está en que la tensión provocada en el espectador va creciendo de tal manera, que ansiamos anticiparnos a lo  que está sucediendo. Pero todo tiene su tiempo y ese tiempo está medido con exquisita pulcritud. La sensación de movimiento en un espacio casi inmóvil, es prodigioso. Finalizo con el sonido. Oskar Skriver, nos demuestra el virtuosismo en su trabajo, su maestría, su saber hacer y lograr que todo lo que pasa fuera de dicha centralita, nos parezca estar viéndolo y viviéndolo, desde las conversaciones que Asger mantiene, a cada sonido por insignificante que pueda parecernos. Tan realista que nos perturba, al percibir cómo el sonido se transforma en nuestro cerebro, en imágenes; algunas esperanzadoras, otras terroríficamente dolorosas. En todo este espectáculo sonoro y visual, no podía faltar la banda sonora, que cala a través de nuestros tímpanos en las notas de Carl Coleman y Caspar Hesselage.

Tensión y asfixia a través de una puesta en escena milimétricamente “esculpida” en la mente de Gustav Möller. Si este es su primer trabajo, no me quiero imaginar que nos espera en el futuro o debería decir, sí, quiero saberlo. Crea atmósferas con la misma facilidad que respira, para cortarnos a nosotros el aliento. Es un “sádico” en el buen sentido de la palabra, exponiendo lo que quiere que veamos y desarmándonos con aquello que no muestra. Me lo imagino esbozando una sonrisa socarrona, a través del drama tan ingeniosamente tramado. Dos historias, lo que sucede en el exterior y lo que se va desvelando, en la mente de Asgar.

Lo que nos lleva, para finalizar, a su actor principal, al peso absoluto de todo el filme, que rodado en tiempo real, Jakob Cedergren nos “catapulta”  e involucra  en  un laberinto de emociones y  sensaciones; atrapándonos y no soltándonos hasta el último fotograma. Una sublime y espectacular actuación, que nos deja fuera de juego, ante los giros inesperados, que cuidados con sumo celo, guarda el guion.

The Guilty, es la clara demostración de que no hacen falta de grandes alardes cinematográficos, para iluminar la gran pantalla y atravesar las fibras de los espectadores, dejándolos sin respiración y expectantes ante la historia narrada.  

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

REPARTO: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage (Voz en off), Omar Shargawi (Voz en off), Jakob Ulrik Lohmann, Morten Suurballe, Peter Christoffersen, Laura Bro.

PRODUCTORA: Nordisk Film

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España

EL VEREDICTO: CRÍTICA DE CINE

 Ian McEwan adapta su novela, El Veredicto, para ser dirigida  por Richard Eyre. Un sólido drama que nos llama a la reflexión.

Fiona Maye (Emma Thompson) es una ilustre jueza de la Corte Suprema Británica especializada en los derechos familiares. Estudia minuciosamente cada caso antes de dar la resolución definitiva. Está casada con Jack (Stanley Tucci) el cual busca una solución a su matrimonio cada día más deteriorado, debido al exceso de trabajo de su mujer, una mujer, Fiona, dedicada en cuerpo y alma a su profesión y que se ha vuelto fría como las paredes del juzgado.

Un día recibe el caso de un joven de diecisiete años, Adam (Fionn Whitehead) con leucemia, quien ha rechazado la transfusión de sangre que precisa para seguir con vida. Su familia pertenece a los Testigos de Jehová, y Adam prefiere morir a que su sangre sea contaminada con la de otra persona. Sus creencias religiosas, son muy firmes, hasta que Fiona en un giro inesperado, decide visitar al chico, antes de dictar sentencia. ¿Qué busca con la visita al enfermo? ¿Podrá Adam convencerla de que su religión está por encima de su vida?

El cine británico vuelve a ofrecernos un filme brillante, exponiendo un tema siempre candente como es la sangre dentro de las creencias religiosas de los testigos de Jehová y los problemas que provoca cuando se precisa una transfusión. Un tema tocado de forma seria y respetuosa, abierto al debate entre quienes aún no conocen las verdaderas razones de sus negativas, sin decantarse, más de lo necesario, por quién tiene o no la razón.

Pero Richard Eyre, junto al guionista y escritor Ian McEwan, no tocarán tan solo la ley del menor, sino que se involucran en otros temas de rabiosa actualidad, que generan serios problemas en el individuo y en las parejas. La obsesión por el trabajo, el crearse una coraza para que nada afecte, la dejadez, el olvidarse de las obligaciones con el cónyuge, pensando que siempre estará ahí e incluso en la falta de apetito sexual, la empatía y el despertar de los sentimientos olvidados, serán algunas de las cuestiones que iremos descubriendo entre las diversas capas de esta intensa obra, que cuenta con una correcta partitura de la mano de Stephen Warbeck y una cuidada fotografía de Andrew Dunn.

Un filme duro, triste y realista, que podría haber caído en la mediocridad o estar ante una historia que creeríamos ya haber visto, pero gracias al inteligente guion de McEwan y la magnífica dirección del veterano Eyre, logran mantenernos alerta durante todo el metraje y a la salida, dejarnos ese poso entre amargo y reflexivo.

Como suele suceder en el cine británico, hablar de las interpretaciones siempre es en positivo y aquí hay que destacar a sus tres actores principales. En primer lugar y no por ser mujer, sino por el soberbio trabajo actoral que realiza, la siempre magnífica Emma Thompson, un valor, que con solo leer su nombre, es sinónimo de excelencia. Un jovencísimo Fionn Whitehead, impresionante en su personaje, tan creíble como la fragilidad que presenta su aspecto, al que pudimos ver en su debut el pasado año en Dunkerke y un peso pesado como es, Stanley Tucci, en un papel aparentemente sencillo, pero cargado de matices.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

REPARTO: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, Ben Chaplin, Rupert Vansittart, Anthony Calf, Rosie Cavaliero, Andrew Havill, Nicholas Jones, Dominic Carter, Micah Balfour, Nikki Amuka-Bird, Des McAleer, Eileen Walsh, Alex Felton, Honey Holmes, Chris Wilson, Daniel Eghan, Flor Ferraco y Ty Hurley

PRODUCTORA: BBC Films// Filmnation Entertainment// Toledo Productions

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

A LA SOMBRA DE KENNEDY: CRÍTICA DE CINE

El biopic, A la sombra de Kennedy, está dirigido por Rob Reiner con guion de Joey Hartstone. 

Es el 22 de Noviembre de 1963, en Dallas, Texas, Estados Unidos. Un día radiante y feliz para la familia Kennedy. El coche presidencial, junto al resto de la comitiva, comienzan el desfile hacia el centro de Dallas y al llegar a la Plaza Dealey, el presidente JFK (Jeffrey Donovan) es tiroteado, muriendo a las pocas horas en el hospital.

En la comitiva presidencial entre otros altos cargos, iba el vicepresidente, Lyndon B. Johnson (Woody Harrelson), a quien Kennedy había nombrado por su experiencia parlamentaria y ser de origen sureño. Le había puesto al frente del Comité sobre la igualdad de oportunidades en el empleo, para poder llevar a cabo la Ley de Derechos Civiles.  LBJ, fue nombrado presidente a las pocas horas de la muerte de JFK, ofreciendo de esta manera la imagen de una nación fuerte y estable.

Tras leer el título traducido al español, cualquier espectador podría pensar que estamos ante un nuevo filme sobre la familia Kennedy, de las cuales recientemente hemos podido ver “Jackie” de Pablo Larraín o “El escándalo Ted Kennedy” de John Curran, pero muy lejos de la realidad. Si por el contrario observamos el título original “LBJ (Lyndon B. Johnson) ya nos podemos hacer una idea de que nos encontramos ante el presidente que sin ser elegido por el pueblo, se ganó el respeto de los demócratas y de la mayoría de los ciudadanos norteamericanos, siendo presidente entre los años 1963 a 1969 y retirándose para no volver a ser reelegido.

A la sombra de Kennedy es la revisión de una parte de la historia norteamericana, en unos años movidos por todos los cambios que se originaron, entre ellos prohibir la discriminación racial en aquellos lugares, negocios y espacios, que estuvieran bajo los fondos federales. Un filme con una fuerte carga política, entre  despachos, congreso, senado e incluso dormitorios, viendo hasta donde se puede llegar para gobernar o lograr determinados objetivos.

Un biopic bien dirigido, aunque tal vez excesivamente  pulcro y convencional. Parte de la narración está fragmentada por flashback, tomando como eje el famoso desfile por Dallas, para adentrarnos en la figura de Johnson. Ni una sola línea está escrita al azar, algo que juega a su favor, pero tanta pulcritud, también se torna en su contra, pues el espectáculo queda ligeramente deslucido.

Como ya viene siendo frecuente en este género cinematográfico, tan en boga en los últimos años, quienes destacan por encima de toda la obra, son sus personajes y en esta ocasión, además de las buenas interpretaciones, hay que hacer mención especial a la fabulosa ambientación y caracterización, que nos muestra Barry Markowitz, en su fotografía. Una obra que gana, también, gracias al montaje de Bob Joyce, dotándola de agilidad.

Dejo para el final lo mejor, que sin duda es Woody Harrelson en el papel del presidente Lyndon B. Johnson. Woody pone toda la carne en el asador y no es que interprete a Johnson, sino que traspasa cada fibra de un presidente, muy pocas veces mostrado en la gran pantalla. Un momento brillante, su intervención en el congreso.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

REPARTO: Woody Harrelson, Bill Pullman, Jennifer Jason Leigh, Michael Stahl-David, Richard Jenkins, Brian Stepanek, Kim Allen, Judd Lormand, Joe Chrest, Brent Bailey, Katrina Cerio, John Burke, Tim Ransom, Rob Steinberg y Dean J. West.

      PRODUCTORA: Acacia Filmed Entertainment// Castle Rock Entertainment// Star Thrower Entertainment//Savvy Media Holdings.

      DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

AVANCE DE CINE: GENTE QUE VIENE Y BAH

DeAPLANETA PRESENTA: GENTE QUE VIENE Y BAH

Patricia Font dirige esta comedia romántica basada en la novela de Laura Norton.

Zeta Cinema, Atresmedia Cine y DeAPlaneta nos presenta “Gente que viene y bah”, la adaptación cinematográfica de la popular novela de Laura Norton. Patricia Font, ganadora de un premio Goya por el cortometraje “Café para llevar” y directora de series como “Polseres vermelles” y “Cites”, dirige esta comedia romántica protagonizada por Clara Lago, Carmen Maura, Alexandra Jiménez, Carlos Cuevas y Alex García entre otros.

En Gente que viene y bah, Clara Lago  interpreta a Bea, una joven y exitosa arquitecta que, tras ser abandonada por su novio, decide volver al hogar familiar, reencontrarse con su familia y empezar de nuevo. Carmen Maura interpreta a Ángela, la matriarca de la familia, y Alexandra Jiménez da vida a Irene, la hermana mayor de la protagonista y alcaldesa del pueblo. Un trío de grandes actrices para dar vida a esta historia sobre cómo encontrar la felicidad en el lugar más sorprendente.

En palabras de su propia directora, Gente que viene y bah “es un canto a la vida, una historia que tiene que ser contada con mucha luz, color, sensibilidad y sentido del humor”.

Álex García, Fernando Guallar, Carlos Cuevas y Paula Malia completan el reparto de esta comedia romántica única, basada en la segunda novela de Laura Norton, editada por Espasa (Grupo Planeta), y que es un gran éxito editorial, con 12 ediciones y más de 100.000 lectores.

GENTE QUE VIENE Y BAH es una producción de Zeta Cinema y Atresmedia Cine. Cuenta, además, con la participación de Netflix y TV3 y será distribuida por DeAPlaneta

SINOPSIS

Todo va bien en la vida de Bea, una arquitecta joven y talentosa, hasta que en la misma semana pilla a su novio enrollándose con una de las presentadoras más monas de la tele y es despedida con una indemnización ridícula. Con el desastre en los talones, Bea no tiene más remedio que volver a su pueblo natal, donde, además de un paisaje idílico, le espera un futuro incierto, una familia como poco peculiar y un vecino «misterioso».

 DeAPLANETA ESTRENARÁ “GENTE QUE VIENE Y BAH” El 18 de Enero de 2019

AVANCE DE CINE: JUDY

VÉRTICE CINE ESTRENARÁ EN 2020  “JUDY” 

El Biopic sobre Judy Garland protagonizado por Reenée Zellweger

Vértice Cine nos informa que  estrenará en España, “JUDY” durante el primer trimestre de 2020. Biopic basado en los últimos años de la actriz Judy Garland, uno de los juguetes rotos de Hollywood, la eterna Dorothy Gale.

SOBRE LA PELÍCULA

Tras el estreno de su ópera prima, “Una historia real”, Rupert Goold se pone a los mandos de este biopic escrito por el guionista Tom Edge, (responsable de series de éxito como Lovesick o The Crown), en el que explora los últimos meses de vida de Judy Garland. 

La oscarizada Renée Zellweger (El diario de Bridget Jones, Chicago), es la encargada de dar vida a la mítica actriz, acompañada de Finn Wittrock (La gran apuesta) en la piel de Mickey Deans, el quinto marido de la actriz. Completan el reparto Michael Gambon (Harry Potter, El Cuarteto) y Bella Ramsey (Juego de tronos) entre otros.

SINOPSIS

Durante el invierno de 1968, treinta años después del estreno de El mago de Oz, la leyenda Judy Garland (Renée Zellweger) llega al Londres para dar una serie de conciertos. Las entradas se agotan en cuestión de días a pesar de haber visto su voz y su fuerza mermadas.

Mientras Judy se prepara para subir al escenario vuelven a ella los fantasmas que la atormentaron durante su juventud en Hollywood. A sus 47, se enfrenta en este viaje a las inseguridades que la acompañaron desde su debut, pero esta vez vislumbra una meta firme: regresar a casa con sus familias para encontrar el equilibrio.

LA EDUCACIÓN DEL REY: CRÍTICA DE CINE

Santiago Esteves dirige su ópera prima, La educación del rey, con guion compartido con Juan Manuel Bordón.

Reynaldo Galíndez, conocido como Rey (Matías Encinas) es un adolescente que va a visitar a su primo. Su primo y un amigo de éste, le proponen realizar un robo en una casa. Todo parece ir según las indicaciones, hasta que Rey se encuentra con un perro vigilando la casa. Escapa por los tejados y esconde la caja llena de dinero en lo alto de una casa, al intentar bajar, resbala y cae al jardín, destrozando una zona destinada a las plantas.

Con el ruido, sale el dueño de la casa, Carlos Vargas (Germán de Silva), que al contrario de lo que otros harían, le propone quedarse en la casa, hasta arreglar lo que ha estropeado. Rey acepta, creándose entre ambos, una buena  relación de amistad. Pero el capo que les contrató para el  robo, lo está buscando tras haber dado una paliza a su primo, quien se encuentra hospitalizado.

Una nueva incursión del cine argentino en el mundo de la delincuencia juvenil. Recientemente hemos visto “El Ángel” de Luis Ortega y ahora nos llega “La educación del rey” de Santiago Esteves. Cine de saqueadores  a la antigua usanza, al menos visto desde nuestro país, que como ya comenté en la reseña de la aquí también citada “El Ángel” a nosotros nos queda un poco lejos, concretamente unas década atrás. Desgraciadamente en Argentina, como en otros países  de Latinoamérica, la delincuencia está a la orden del día.

        La diferencia entre la obra de Ortega y Esteves, es que Ortega como ya dije, es más elegante a la hora de exponer, mientras que Esteves es más directo, más crítico, más incisivo y no tiene pelos en la lengua a la hora de denunciar, tanto visual como argumentalmente.  De lo visual se encarga Cecilia Madorno, con su aguda fotografía; del texto Juan Manuel Bordón y el propio director.

Un filme a caballo entre lo rural y urbano, con unas localizaciones excelentes para reflejar y retratar el ambiente en el que vive una determinada juventud, en ese país; donde la delincuencia, parece ser la única vía de escape, hasta que aparece alguien que tiene sus propias normas y forma de orientar a quien está perdido. Es el caso del personaje de Carlos Vargas, un ex vigilante de seguridad, que cree más en la reinserción con buenas palabras y hechos, que siendo encarcelados y golpeados. El ejemplo lo tenemos casi al comienzo de la película, cuando el hijo de Carlos se enfada con su padre, porque  ha ofrecido a Reynaldo que arregle lo que ha destrozado al caer en su jardín. El hijo comenta que lo que debe de hacer es denunciar al chico, entonces Carlos pregunta a su hijo: No has estado nunca en la cárcel, ¿verdad?... El hijo niega y él responde: Yo sí y por eso hago lo que estoy haciendo.

Un guion que navega constantemente, a través de la correctísima dirección y montaje de Santiago Esteves, entre la violencia explícita, la crítica social y sobremanera, la policial. Instantes de policías dormidos durante el servicio o la corrupción dentro del cuerpo, incluso estando involucrados en los propios atracos, encargados a delincuentes organizados.

Y termino con las fabulosas interpretaciones, como ya nos tiene tan bien acostumbrados el cine argentino. Es una delicia disfrutar, no solo de la buena dirección, sino de cada actor y actriz que el cine argentino posee. Por tal motivo, no me voy a decantar por ninguno en concreto, pues cada uno cumple sobradamente con su cometido.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Noviembre

REPARTO: Germán de Silva, Jorge Prado, Mario Jara, Matías  Encinas, Elena Schnell, Martín Arroyo, Walter Jakob y Esteban Lamothe.

PRODUCTORA: 13 conejos

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.