EN TIEMPOS DE LUZ MENGUANTE: CRÍTICA DE CINE

         En tiempos de luz menguante. Un filme adaptado de la novela autobiográfica de Eugen Ruge, bajo un excelente guion de Wolfgang Kohlhaase,  donde sus diálogos ofrecen múltiples lecturas. La dirección corre a cargo del alemán, Matti Geschonnech.  

          Es el otoño de 1989 y Wilhelm Powileit (Bruno Ganz) un alto mando del Partido Comunista de la RDA, cumple 90 años, su familia prepara la celebración y a ella asistirán la familia, vecinos y compañeros del partido, entro otros.

          Todos se reúnen en el salón, donde en un sitio de honor se sentará Wilhelm para recibir las felicitaciones y los ramos de flores que le traen los invitados. Flores que desprecia constantemente pidiendo que se las lleven lejos de él o a un cementerio, nadie parece sentirse ofendido ante tales palabras, sino que por el contrario, le ríen la supuesta gracia. Se acomodarán alrededor del salón, dejando libre el acceso al gran comedor, donde se ha dispuesto un buffet frío sobre una gran mesa de origen nazi.

          Desde los primeros fotogramas Matti nos sitúa en el centro de la trama, como un invitado más, alrededor del nonagenario en una clara metáfora de lo que está ocurriendo en el país. Los últimos días de un patriarca como símbolo de la agonía y muerte del comunismo de la RDA y caída del Muro.  Me recordó en cierta medida a “Mamá cumple 100 años” de Carlos Saura, en esa metáfora del paso de la dictadura  a la democracia.

          Durante la celebración del 90 cumpleaños de Wilhelm sonará el nombre de Gorbachov, al igual que el sentir ese “pellizco” que se palma en la atmósfera, en ese hogar tímidamente iluminado, mientras van llegando los invitados. El frío extraño y la extraña tristeza que se respira en el ambiente, provocada por la férrea disciplina militar comunista; el miedo a expresar los deseos más internos, la esperanza de los más atrevidos a abandonar el país en busca de la libertad añorada y la humillación que deberán sufrir esos padres, ante la deserción de sus hijos. Temor que experimentará el hijo de Wilhelm, Kurt, que no se atreve a comunicar que su nieto Sascha, su favorito y encargado de abrir la gran mesa familiar, ha huido a la Alemania Occidental. Una mesa familiar como símbolo de un tiempo y un régimen que algunos se niegan a dejar atrás. "Quien pierde a sus hijos, pierde el futuro"

          Matti nos narra  el ocaso del comunismo alemán. Ese periodo histórico causante de la división, no solo de un país, sino de cientos de familias. En un día de aquel otoño de 1989, previo al gran acontecimiento que marcaría un antes y un después en el mundo y especialmente en Alemania, viendo y viviendo con asombro y regocijo el 10 de noviembre, la caía del muro de la vergüenza.

          Un gran filme coral, en el cual cada personaje tiene su historia que contar, sus miedos que ocultar o exponer, sus anhelos por mantener un régimen caduco o quienes buscan abrir las puertas y ventanas para que entren los nuevos aires de libertad. La vieja RDA contra el futuro incierto pero esperanzador, fantásticamente plasmado en esa fotografía impecable  de Hannes Hubach.

          Como bien decía, un gran filme coral con carácter teatral, entre grandes nombres del cine alemán, destacando a Bruno Ganz y Hildegard Schmahl en los papeles principales y entre los secundarios nombraré a Sylvester Groth, Evgenia Dodina y Alexander Fehling, por poner algunos ejemplos, del magnífico casting de Simone Bär. Todos y cada uno tan creíbles, que nos da la sensación de poder intervenir y hablar con ellos.

“Hay que abrir la mesa”… “Ya abro yo la mesa”… “Tú no vas a abrir nada, ya has roto bastantes cosas en esta casa”.

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Junio

          REPARTO: Bruno Ganz, Hildegard Schmahl, Alexander Fehling, Sylvester Groth, Evgenia Dodina, Natalia Belitski, Gabriela María Schmeide, Ángela Winkler, Stephan Grossmann, Jean Denis Römer, Sophie Pfennigstorf. Pit Bukowski, Jörg Pose, Nina Antonowa…

          PRODCTORA: MOOVIE the art of entertainment.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

ALMA MATER: CRÍTICA DE CINE

            Alma Mater, de Philippe Van Leeuw, nos narra un drama  con telón de fondo de la guerra en Siria.

          Oum Yazan (Hiam Abbass) es madre de tres hijos, su  único objetivo es protegerles de los conflictos armados en Siria y de quienes intentan invadir su hogar. Su casa la ha convertido en una zona segura para los suyos, el novio de su hija mayor y los vecinos de arriba. Halima (Diamand Abou Abboud), la vecina que acoge Oum, tiene un niño recién nacido y el marido está buscando la forma de huir del país, esa misma noche.

         La zona está rodeada por francotiradores, uno de los cuales dispara al marido de Halima. Las bombas caen demasiado cerca para hacer una vida normal. Las casas son abandonadas y saqueadas por los ladrones que aprovechan para entrar y arrasar con todo lo que han dejado. Oum no está dispuesta a renunciar a su hogar y mucho menos que los suyos sufran el menor percance.

        Philippe, con guion propio, nos ofrece una nueva visión de la guerra en Siria, en esta ocasión a través del encierro voluntario de sus protagonistas entre  las cuatro paredes que ofrece la  vivienda, cuyos actores (habitantes),  se mueven con total naturalidad, en los espacios  limitados por las habitaciones, el salón, la cocina e incluso el cuarto de baño. Una realidad a través de un argumento ficticio, con una gran carga emocional, dura, demoledora, angustiosa, realista y sincera, que desgraciadamente forma parte de la vida en ese rincón del planeta, pues muchos de los habitantes de dicho país, siguen viviendo en ese estado lamentable, bajo condiciones inhumanas, confiando y creyendo en la paz, aunque no en sus políticos.

           Un refugio del cual conoceremos cada recodo durante un periodo de  24 horas, un día que el  director estima oportuno para ofrecer su historia a través de un cuidadísimo uso de la cámara, la cual se desplaza sutilmente y de forma precisa, como si fuera un habitante más. Hogar que bien podría representar al país y quienes en el habitan, bajo el miedo, la desesperación y la amarga sensación de ser robados, violados o asesinados.

        Magnifica dirección de actores.  como ya he comentado, en interpretaciones tan creíbles que creemos cercanas aún en la lejanía, destacando como la gran alma mater a Hiam Abbass, ofreciendo un personaje de madre coraje, luchadora y defensora de los suyos, cueste lo que cueste y duela lo que duela; acompañada muy de cerca por la dulce y madre primeriza, Diamand Bou Abboud.

          La fotografía de Virginie Surdej y la música de Jean-Luc Fatchamps, serán los perfectos acompañantes de la angustiosa historia. Una obra necesaria, que recomiendo encarecidamente.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas.

          PRODUCTORA: Altitude 100 Production/ Liaison Cinématographique.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

THELMA: CRÍTICA DE CINE

          Thelma  está dirigida por el noruego Joachim Trier (El amor es más fuerte que las bombas), con guion propio compartido con Eskil Vogt.

          Thelma (Eili Harboe) es una joven estudiante que se traslada a Oslo para cursar su carrera de Biología en la universidad. Conocerá a Anja (Kaya Wilkins) de quien se enamorará. Ha recibido una educación cristiana muy estricta y está sobreprotegida por sus padres.  

          El despertar de Thelma a la sexualidad, no será lo único que experimente, pues misteriosamente va descubriendo que tiene ciertos poderes sobrenaturales, acompañados de ataques “epilépticos”

          Si no estuviéramos ante un thriller tan refinado, la obra podría ser clasificada como la clásica película de terror o suspense psicológico, pero Joachim la dota de una exquisita puesta en escena a través de una narración pausada, donde todo tiene importancia y así llegar a conocer y entender a Thelma: La sobreprotección, la familia, lo sobrenatural, la sexualidad, el amor y una férrea educación cristiana. Una narración lenta pero necesaria. Necesaria para ir descubriendo lo que su mente esconde y desea salir a la luz entre las luchas internas al ser consciente de su nueva situación, sus ataques, las preguntas que realiza a Dios sin recibir respuesta, las caricias de su compañera, en una delicada presentación del amor lésbico, mientras entra  en debate de sí es natural su relación con su amiga, pues así es como lo siente y desea, pero no como ha sido educada.

           Un drama psicológico que ya en las primeras escenas presientes que algo no es natural. Instante del padre llevando a una Thelma niña de caza y en vez de apuntar al ciervo, la apunta a ella por detrás,  a la cabeza; surgiendo preguntas como: ¿Qué esconde ese padre? ¿Qué teme de su hija? Cada minuto está perfectamente medido para mantener en guardia al espectador transformando al filme, en un equilibrado y meditado thriller paranormal.

          Las interpretaciones están de sobresaliente, con momentos memorables de sus progenitores: Henrik Rafaelsen y Ellen Dorrit Patersen, tan misteriosos como su propia hija, pero sin la menor duda destaca Eili Harboe, con su inquietante personaje.

          Una fotografía tan cálida como fría, en encuadres precisos que van de lo terrenal a lo extrasensorial a través de una iluminación delicada a cargo de Jakob Ihre, fotografía que se deja envolver en las notas de una partitura tensa,  romántica e intrigante compuesta por  Ola Flottum.

          Como comentaba al principio, no estamos ante un filme de terror al uso, pues está exento de gritos, de sangre, de vísceras, de carreras sin sentido, donde la fotografía es luminosa y no oscura, donde la banda sonora acaricia las notas y no provoca estruendos innecesarios. Joachim Trier nos lleva de la mano hasta el subconsciente, a través del más sofisticado terror psicológico.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen

          PRODUCTORA: Coproducción Noruega-Francia- Dinamarca-Suecia/ Motlys/Eurimages/Film I Väst/ Le Pacte/ Nordic Film och TV Fund/ Norwegian Film Institute/ Snowglobe Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

          VISTA EN LA MUESTRA SYFY 2018

LA HERIDA (The Wound) CRITICA DE CINE

         La Herida (The Wound), el filme de John Trengove, con guion compartido con Malusi Bengu y Thando Mggolozana. Tan dura como honesta.

          La historia nos lleva a Sudáfrica, a una zona ocupada por la tribu Xhosa, un pueblo nativo donde las tradiciones ancestrales continúan muy arraigadas entre los habitantes. Xolani (Nakhane Touré) es un trabajador soltero, que cada año participa como tutor en la iniciación de los nuevos jóvenes que quieren ser reconocidos como hombres. Un ritual que comienza con la circuncisión y el pasar unos días en medio de la naturaleza. Uno de los nuevos iniciados es Kwanda (Niza Jay Ncoyini), proviene de una familia acomodada y pronto será la diana de las burlas de los demás iniciados.

          Entre los tutore está el mejor amigo de Xolani, Vija (Bongile Mantsai), aunque Kwanda descubrirá que Xolani lo considera más que un amigo, pues está enamorado de él.

         

Lo mejor, sin la menor duda, es la fusión que se crea entre los paisajes naturales y sus personajes. Entre los diálogos que parecen ser llevados por el viento y escondidos entre los árboles para no ser aún desvelados a la sociedad que les rodea, pero sí al espectador y al mundo como grito desesperado de libertad contenida. Entre la desnudez natural de sus personajes cubiertos de pintura blanca, mantas como única prenda de abrigo y la verdad oculta de algunos de ellos, para no sentir el rechazo de un colectivo que su sociedad repudia, como es la homosexualidad.

          Un duro y sólido ejercicio de una realidad que duele, por la credibilidad ofrecida por sus tres personajes principales y donde  Trengove busca impactar en las mentes de un país, Sudáfrica, aun con  fuertes contrastes, choques y conflictos sociales, que aquí serán ofrecidos por sus actores, sus personajes y el entorno que recrea, para crear una fuerte denuncia social.

          De nuevo estamos ante uno de esos filmes, que se dice más con las miradas, los gestos, las expresiones corporales, que las propias palabras, aunque estas sean precisas cuando son pronunciadas. La falta de adornos innecesarios deja al descubierto, por una parte, la calidad de las interpretaciones, desde sus tres personajes principales, hasta el último de los secundarios, y por otra, la narración que nos brinda John Trengove, quien con cámara al hombro, nos retrata un entorno al más puro estilo documental, a través de la magnífica fotografía de Paul Ozgur.

          Un filme de denuncia, como he comentado antes, delicadamente dirigido, exquisitamente montado y el cual  considero de obligada visión como reflejo de una parte más de nuestra sociedad. No es una película más sobre la homosexualidad, es una visión tan dolorosamente desgarradora, sincera y real, que apasiona.

        

 Recomendable para un público maduro.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 15 de DICIEMBRE

          REPARTO: Nakhane Touré, Bongile Mantsai, Niza Jay Ncoyini, Thobani Mseleni, Gamelihle Bovana, Halalisani Bradley Cebekhulu, Inga Qwede, Sibabalwe Ngqayana.

          PRODUCTORA: Coproducción Sudáfricana – Alemania - Países Bajos (Holanda) – Francia/ Riva Filmproduktion/ Das Kleine Fernsehspiel/ ZDF/ Arte.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.