martes, 4 de diciembre de 2018

EL REGRESO DE BEN: CRITICA DE CINE


Peter Hedges escribe y dirige, El  regreso de Ben. Un potente drama familiar, que impacta por su realismo y verdad. Un tema tan en boga como son las drogas en la juventud y el daño que provocan, no solo a quienes las consumen, sino a quienes comparten su vida.

Ben Burn (Lucas Hedges) regresa a casa en vísperas de Navidad, para felicidad de su madre  Holly Burns (Julia Roberts), no así de su hermana mayor Ivy (Kathryn Newton) que al igual que su padrastro, Neal (Courtney B. Vance), lo reciben con reservas.
Ben resulta ser un joven encantador y cariñoso ganándose de nuevo el aprecio de su hermana Ivy. Pero a Ben le persigue un oscuro pasado de delincuencia y drogas, al que tendrá que enfrentarse  durante la Noche Buena. Sin él quererlo, contará con el apoyo de su madre y hermana.


Voy a comenzar con las interpretaciones de este filme basado en hechos reales, en el cual todos están perfectos, como es el caso de Kathryn Newton como Ivy Burns, pero el sobrecogedor duelo entre Julia Roberts y Lucas Hedges, es impresionante. Son los auténticos pilares de este doloroso drama.

Julia Roberts se vuelve a meter, de nuevo, en la piel de  una madre coraje. Recordemos su impecable actuación  en Wonder de Stephen Chbosky, 2017. En esta ocasión se rompe, se desgarra en la pantalla, luchando hasta lo indecible por  el amor a su hijo, deseando demostrar que el chico ha cambiado, que no está dispuesta a volver a perderlo, cueste lo que cueste, aunque sea arriesgando su propia vida. La vemos reír, llorar, emocionarse, ser guardaespaldas de su hijo y hasta sacar su lado “guerrero” enfrentándose a la noche y a los "fantasmas” que persiguen al joven. Un trabajo espectacular.

Lucas Hedges,  a quien recientemente hemos visto en filmes como “Manchester frente al mar” o “Tres anuncios a la afueras”  es dirigido de nuevo por su padre, Peter,  para encarnar y bordar el personaje de un joven, que como tantos, un día cae en el  terrible mundo de las drogas. Un joven amable, amante de la familia y vulnerable, hasta creer que no vale nada, que no merece que nadie luche por él, siendo consciente de todo el daño que en su día provocó. Se auto flagela mentalmente, no encontrando la paz, ni en las palabras, las miradas y los brazos de su madre.

Peter Hedges, dirige con aplomo este demoledor filme, con todas las connotaciones que le rodean, exponiéndolo con la máxima veracidad y crudeza. Ha contado con Ian Blume, responsable del correctísimo montaje. Dickon Hinchliffe, quien por momento hace gritar, callar y conmocionarse a través de las notas de su banda sonora y por supuesto, no nos podemos olvidar del gran fotógrafo Stuart Dryburgh, cuyas imágenes impactan por sí solas, a través de los espléndidos encuadres e iluminación.

Una obra reflexiva, una obra necesaria, una obra que nos hace comprender por lo que pasa una familia con un hijo con problemas de drogas y cuando la familia o al menos una parte de ella, se involucra en tal batalla.


¿Quién ha dicho que la Noche Buena, tiene que ser feliz?

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Diciembre

REPARTO: Lucas Hedges, Julia Roberts, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, Courtney B. Vance, Tim Guinee, Faith Logan, Melissa Van der Schyff y Teddy Cañez.

PRODUCTORA: Black Bear Pictures// 30West// Color Force.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

lunes, 3 de diciembre de 2018

KURSK: CRÍTICA DE CINE


           En coproducción entre Francia y Bélgica, Kursk, está dirigida por Thomas Vinterberg con guion de Robert Rodat. Un filme angustioso y claustrofóbico.

Antes de embarcarse en el submarino Kursk, de la armada rusa, Mikhail Averin (Matthias Schoenaerts) y sus compañeros, deciden celebrar la boda de uno de ellos, disfrutando de la hermandad que reina entre las familias de los marineros.


Días más tarde, concretamente el 10 de agosto de 2000 el submarino Kursk se incorporó con 118 tripulantes a bordo, a los ejercicios de entrenamiento naval más grande de Rusia, compuesto por cuatro submarinos de ataque, el portaaviones Almirante Kuznetsov, el buque insignia de la flota Pedro el Grande, diversas aeronaves y barcos más pequeños.


El día 12, el Kursk debía disparar dos torpedos sin explosivo a un crucero de batalla, pero uno de ellos se sobrecalentó y antes de ser disparado, explotó en el interior del submarino. La armada rusa silenció lo sucedido, mientras los hombres se debatían entre la vida y la muerte, en aquel infierno.  No, no estoy haciendo spoiler, es un acontecimiento real que saltó a las noticias de todo el mundo, hace 18 años.

Antes de comenzar, deciros que todas las películas relacionadas con submarinos, me provocan una cierta desazón, en parte por los espacios reducidos donde se mueven los personajes y por otro lado, el  estar bajo el mar dentro de un objeto aparentemente con más trampas, que facilidades para desenvolverse y no digamos sobrevivir;  pero  lo que Kursk despierta, es  rabia e impotencia. Una rabia e impotencia que crece, no solo al  quedar reflejada en las mujeres que han perdido a sus maridos e hijos, sino  en el comportamiento de los propios niños, al negarse a recibir las condolencias de quien ha llevado a la muerte a sus padres. Momentos donde se dice más con una mirada o la negación de la misma, que cualquier discurso.

El Director Danés, Thomas Vinterberg, cofundador del movimiento cinematográfico Dogma 95, aunque no haya seguido siempre dichas leyes, tomándose algunas licencias; es director de filmes como “La Caza” 2010 o “La comuna” 2016; junto al guionista, Robert Rodat, logran una narración, que aun conociendo el desenlace de la historia, consiguen mantener la tensión precisa, jugando en un “partido” a tres bandas. La tragedia que viven los marinos dentro del sumergible, el drama de los familiares que no encuentran respuestas a los hechos y finalmente la dejadez de políticos y militares.

Una película que nos hace pensar y preguntarnos ¿Cuál es realmente el valor que tenemos para nuestros gobernantes? La historia nos está demostrando día a día, que muy poco, pues cada uno de ellos lucha por sus intereses y salvarse cuando están al descubierto.  Nosotros solo somos peones,  números en un fichero e importantes, cuando tenemos que dejar el voto en una urna, haciéndonos creer durante unos días, que verdaderamente somos imprescindibles. Una película con una fuerte crítica social, hacia la política y el ejército que nos tiene controlados con sus engaños y manipulaciones, más en países donde la democracia, es solo una palabra.

Antony Dod Mantle, nos adentra en la historia a través de su magnífica fotografía, retratando los diferentes ambientes, en un trabajo entre planos y tonalidades, según el espacio en el que se desarrolla la acción: la superficie o las profundidades, en interiores o exteriores;  destacando la realizada en los habitáculos del submarino, gracias a la recreación de Thierry Flamand, con sus fabulosos decorados. Una fotografía, ésta última, angustiosa y claustrofóbica.


El ajustado montaje de Valdis Oskarsdottir y la banda sonora de Alexandre Desplat, coronan el filme,  entre correctísimas interpretaciones.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Diciembre

REPARTO: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchew, Jehon Gorani.

PRODUCTORA: Europa Corp// Belga Productions// VIA EST

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente/Films.

LA VOZ DORMIDA: CRÍTICA TEATRAL


La voz dormida, de Dulce Chacón, es un canto a la paz, a la libertad, al amor y a la lucha por vivir, en tiempos difíciles. Está dirigida por Julián Fuentes Reta y cuenta con la magnífica interpretación de Laura Toledo.

Pepita (Laura Toledo) será la voz de las mujeres encarceladas durante la posguerra española, en la prisión de las Ventas de Madrid. Mujeres que fueron torturas, humilladas e incluso llevabas a la muerte. En palabras de autora, Dulce Chacón “Es una historia de tiempos de silencio”, aunque Pepita hable por todas, ofrecer al espectador su propio testimonio, sus miedos, los fantasmas que la persiguen, su frustración y el amor que se encuentra lejos, huido como otros tantos, a ese país vecino que es Francia. Una obra que lucha desde la dignidad y el coraje,  lo único que mantenía a aquellas mujeres, pues habían sido privadas de toda libertad.

La obra ha sido adaptada por la directora, actriz y guionistas, Cayetana Cabezas, bajo la magnífica dirección  de Julián Fuentes Reta,  contando con una sencilla, pero excepcional puesta en escena.

La ambientación y vestuario que presenta la obra es austera y lúgubre, elementos para recrear la sobrecogedora historia que nos irá narrando Pepita, en una época incierta.  Un espacio escénico de Laura Ferró, bien acompañado por el excepcional trabajo de Carlos Merino, en el sonido y la iluminación y la soberbia música de Luis Paniagua, donde cada nota desgarra el dolor, la ansiedad, la soledad, los miedos y el encierro.

Entre las luces y las sombras, el sonido de cacharros golpeando los barrotes de la cárcel, la máquina de coser y la propia tela de araña, nuestra “heroína” Pepita, nos contará su historia, sus pérdidas y las vidas de sus amigas,  encerradas por estar en el bando de los  perdedores de una guerra que separó a todo un país y que nunca debió de existir. Un monólogo que habla más allá de la contienda y sus consecuencias, pues  como es sabido, una guerra no termina cuando un bando pierde o gana. Una obra relatada desde la honestidad, pues Pepita es neutral, solo sueña con que toda esa pesadilla termine y que su hombre vuelva, para casarse con él. Laura Toledo está espléndida y totalmente creíble, con quien el espectador conecta desde el principio.

La voz dormida cuenta con cuatro candidaturas a los Premios Max 2018: Mejor dirección para Julián Fuentes. Mejor Adaptación para Cayetana Cabezas. Mejor Interpretación Femenina para Laura Toledo y Mejor escenografía para Julián Fuentes Reta.

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Julián Fuentes Reta

Reparto: Laura Toledo y Ángel Gotor.

Producción: Salvador Collado.

Iluminación: Joseph Mercurio

Adaptación de la novela y Ayudante de dirección: Cayetana Cabezas

Asesoramiento de Lenguaje: Consuelo Trujillo. 

Música y espacio sonoro: Luis Paniagua

Técnico de luz y sonido: Carlos Merino

Fotografía: Nieves Ferrer

Diseño gráfico: JL Navarro

Prensa y promoción: Adolfo Ramírez

Directora de producción: Marisa Lahoz

Espacio Escénico y Vestuario: Laura Ferró

Prensa: Gran Vía Comunicación

Fechas: del 27 de noviembre al 18 de diciembre.  Todos los Martes a las 20:30 horas.

Teatro Bellas Artes – Madrid – Metro Banco de España

Duración: 80 minutos.

domingo, 2 de diciembre de 2018

APUNTES PARA UNA PELÍCULA DE ATRACOS: CRÍTICA DE CINE


El documental, Apuntes para una película de atracos cuenta con guion y dirección de León Siminiani.

El documental está narrado con la voz en off de Elías (León Siminiani), un director de cine que sueña con dirigir una película de atracos y para ello seguirá de cerca la historia del Robín Hood de Vallecas, o como Elías le apoda, el Flako, cuando en el 2013 lee una noticia sobre su detención.

Elías le envía una carta a prisión donde estaba cumpliendo condena y el líder de “la banda de las alcantarillas” le responde, que puede ir a visitarlo acompañado de su mujer,  a la cárcel.

El Flako tarda poco tiempo en tomar confianza con Elías, narrando sus inicios, estudiando los grandes golpes de la época, entre ellos el de Albert Spaggiari en 1976 en Niza. El eslogan del butronero de Niza era: “Sin odio, sin violencia y sin armas”

Durante el transcurso de la narración, Elías nos presenta a su propia mujer, Ainhoa, quien le comunica que está embarazada. Seguiremos todo su estado hasta el nacimiento de su hija, Laura, en los instantes que Elías se toma de descanso, en la  historia de los butroneros.

Ainhoa será en parte la “conciencia” de Elías, a quien pregunta  sobre el caso y deseando saber siempre su opinión. Una mujer que le ayuda en todo, incluso en escenificar conversaciones y situaciones que Elías mantiene con la mujer del Flako y donde ésta no desea mostrarse ante la cámara.

El Flako se va considerando cada vez más importante ante la presencia de Elías y decide escribir un libro, donde además de todo lo que le está contando al director, hablará de su relación con su madre, su padre, el momento en que el juez le preguntó con quién deseaba vivir al separarse sus padres o como descubrió que su padre era un ladrón, entre otros muchos temas.

El documental tomará mayor interés, cuando al Flako le dan su primer permiso el 20 de febrero de 2016. Momentos en los que ambos, en el coche de Elías, visitarán zonas de Madrid que el Flako conoce muy bien, detallando como estudiaba el lugar, los edificios, las zonas más accesibles y sobre todo, todo el sistema de alcantarillado.

El contar todo esto, no hace que el documental pierda interés, pues León Siminiani dirige un magnífico documental, con un gran ritmo, presentando una documentación muy importante de los periódicos de aquellos años. Seremos testigos del modus operandi del atraco de Albert Spaggiari y su difusión de un país a otro, hasta llegar al nuestro. Entre esos butroneros, el español Arturo Gómez Vidal, reivindica el Butrón, como oficio, al no utilizar armas.


Las parte humana, no será obviada en el documental, pues como he comentado, seguiremos la evolución del nacimiento de la hija de Elías, las intenciones que tiene el Flako con respecto a la educación de su hijo, en cuanto salga definitivamente de la cárcel, la postura de la madre del Flako o la del padrastro, cuando Elías los entrevista…

Un documental serio, didáctico y entretenido, que va captando la atención del espectador a medida que la historia avanza.  Cuenta con una cuidadísima fotografía de Juan Berrero, la elección de los temas musicales de la época y los favoritos del propio Flako,  escenas de películas como "A tiro limpio" "Los peces rojos" o "A sangre fría", sin olvidarnos del correcto montaje.

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Diciembre

PRODUCTORA: Pandora Cinema

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

RETROSPECTIVA DEDICADA A LOS CINEASTAS ISAKI LACUESTA E ISA CAMPO


COMIENZA LA RETROSPECTIVA DEDICADA A LOS CINEASTAS ISAKI LACUESTA E ISA CAMPO

Bajo el título de “Lo real y lo fabulado”, la retrospectiva, la más completa dedicada hasta la fecha a la obra de los cineastas, se desarrollará a lo largo del mes de diciembre en el Cine Doré.

El ciclo, ha sido organizado por la Filmoteca Española y el Festival Márgenes con motivo de la concesión del Premio Especial Márgenes a Isaki Lacuesta e Isa Campo como reconocimiento a su trayectoria y a su contribución decisiva a la parte más independiente de nuestra cinematografía.

27 de noviembre de 2018 – Con motivo de la concesión del Premio Especial Márgenes, la Filmoteca Española y el Festival Márgenes dedican, a lo largo del mes de diciembre, una retrospectiva de la obra de los cineastas Isaki Lacuesta e Isa Campo.

El ciclo, el más completo organizado hasta la fecha en España, repasa la trayectoria de esta pareja creativa fundamental para entender el devenir de la cinematografía española reciente. La programación incluye un total 32 títulos, entre cortos y largometrajes, que abarcan desde Cravan vs Cravan, la deslumbrante ópera prima de Lacuesta, hasta la reciente Entre dos aguas (galardonada en los Festivales de San Sebastián y Mar del Plata).

El día 4 de diciembre Isaki Lacuesta impartirá además una clase magistral en el Cine Doré. La entrada será gratuita hasta completar el aforo. Ese mismo día presentará la proyección de La leyenda del tiempo, uno de los títulos más emblemáticos del cine español del s. XXI.

Uno de los propósitos fundamentales de esta exhaustiva retrospectiva conjunta es valorar en toda su amplitud la fascinante filmografía de este asombroso binomio de creadores, a menudo oculto tras el nombre de Lacuesta, y mostrar que resulta imposible entender al uno sin el otro. Así, también se incluyen en el programa una serie de títulos en los que ambos han participado como productores o guionistas, con su desbordante talento supervisando desde relatos clásicos de espionaje (Garbo, el espía), hasta óperas primas de jóvenes cineastas emergentes (Alba Sotorra, Game Over), todas ellas obras valiosas.

PROGRAMACIÓN RETROSPECTIVA ISAKI LACUESTA E ISA CAMPO

SÁBADO 1 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 1 22:30 h.

Rouch, un noir (Sergi Dies e Isaki Lacuesta, España, 2004)

Dos cuentos en la palma de la mano (Isaki Lacuesta, España, 2007, 10 min.)

Los pasos dobles (Isaki Lacuesta, España, 2011, 87 min.)

DOMINGO 2 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 2 20:30 h.

La matanza del cerdo (Isaki Lacuesta, España-EEUU, 2012, 10 min.)

Murieron por encima de sus posibilidades (Isaki Lacuesta, España, 2014, 100 min.)

MARTES 4 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 1 20:00 h: Clase Magistral Isaki Lacuesta

Cine Doré - Sala 1 22:00 h:

La leyenda del tiempo (Isaki Lacuesta, España, 2006, 110 min.)

MIÉRCOLES 5 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 1 17:30 h.

Microscopías (Isaki Lacuesta, España, 2003, 23 min.)

Ressonàncies magnètiques (Isaki Lacuesta, España, 2003, 10 min.)

Teoría de los cuerpos (Isaki Lacuesta, España, 2004, 5 min.)

Lunaby (Isaki Lacuesta, España-Japón, 2015).

Las variaciones Marker (Sergi Dies e Isaki Lacuesta, España, 2007, 34 min.)

MARTES 11 DE DICIEMBRE Cine Doré- Sala 2 20:30 h.

Game Over (Alba Sotorra, España, 2015, 74 min.)

MIÉRCOLES 12 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 1 20:00 h

La noche que no acaba (Isaki Lacuesta, España, 2010, 80 min.)

JUEVES 13 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 2  18:00 h.

Lugares que no existen. Google Earth 1.0: Alpha and Again (Isa Campo e Isaki Lacuesta, España, 2009, 26 min.)

Lugares que no existen. Google Earth 1.0: Rusia (Isa Campo e Isaki Lacuesta, España, 2009, 18 min.)

Lugares que no existen. Google Earth 1.0: San Fernando (Isa Campo e Isaki Lacuesta, España, 2009, 8 min.

Marte en la tierra (Isaki Lacuesta, Esoaña, 2007, 50 min.)

VIERNES 14 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 1  17:30 h.

Soldats anónims (Pere Vilá e Isaki Lacuesta, España, 2008, 25 min.)

Los condenados (Isaki Lacuesta, España, 2009, 104 min.)

SÁBADO 15 DE DICIEMBRE  Cine Doré – Sala 22:00 h.

La próxima piel (Isa Campo e Isaki Lacuesta, España-Suiza, 2016, 103 min.)

DOMINGO 16 DE DICIEMBRE   Cine Doré - Sala 2  20:00 h.

El rito (Isaki Lacuesta, España, 2011, 7 min.)

El cuaderno de barro (Isaki Lacuesta, España-Suiza, 2011, 73 min.)

JUEVES 20 DE DICIEMBRE Cine Doré - Sala 2 18:00 h.

Dejà vu 1. Paisatges que desapareixen (Isaki Lacuesta, España, 2003, 4 min.

Saber nedar (Isaki Lacuesta y Pere Vilà, España, 2006, 4 min.)

Cravan vs. Cravan (Isaki Lacuesta, España, 2002, 97 min.)

VIERNES 21 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 1 19:30 h.

La leyenda del tiempo (Isaki Lacuesta, España, 2006, 110 min.

DOMINGO 23 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 2  20:00 h.

Herencia (Isaki Lacuesta, España-Japón, 2011, 3 min.)

In Between Days (Naomi Kawase e Isaki Lacuesta, España-Japón, 2009, 43 min.)

MIÉRCOLES 26 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 2  20:00 h. Garbo: el espía (Edmon Roch, España, 2009, 88 min.)

JUEVES 27 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 1  20:00 h. La repetición (Banyoles ’82) (Isaki Lacuesta, España, 2012, 6 min.)

Sobre la marxa (Jordi Morató, España, 2013, 77 min.)

VIERNES 29 DE DICIEMBRE   Cine Doré - Sala 1  21:30 h

Entre dos aguas (Isaki Lacuesta, España, 2018, 136 min.)

SÁBADO 30 DE DICIEMBRE  Cine Doré - Sala 2  18:00 h.

La próxima piel (Isa Campo e Isaki Lacuesta, España, 2016, 103 min)

sábado, 1 de diciembre de 2018

CADÁVER: CRÍTICA DE CINE


Bajo la dirección de Diederik Van Rooijen, Cadáver, cuenta con guion de Brian Sieve.

Megan Reed (Shay Mitchell) es una ex policía que ha dejado el cuerpo tras ver como moría uno de sus compañeros y  quedarse bloqueada ante la situación. Una buena amiga le consigue un trabajo en un hospital, en la morgue, en el turno de noche. Su misión, entre otros cometidos es recibir a los muertos que le traen, fotografiarlos, tomarles las huellas dactilares y guardarlos en las cámaras.

Una noche recibe el cadáver de una chica (Kirby Johnson), con innumerables cortes por todo el cuerpo. Resultará imposible tomarle las huellas o fotografiarla, pensando Megan, que las máquinas se han averiado, pero muy lejos de esa supuesta realidad, más cuando Megan comienza a tener ciertas experiencias.

        
La película arranca con un prólogo impactante y un frenético ritmo,  donde un padre junto a unos exorcistas, intentan liberar al demonio que ha poseído el cuerpo de su hija (Kirby Johnson). Pero las cosas se complican y la chica muere. ¿Muere?


El holandés, Diederik Van Rooijen (Taped) dirige este filme de terror tocando el mundo del exorcismo y lo macabro de trabajar en una morgue, más en esas horas intempestivas. Una obra bien dirigida y con un montaje correctísimo de Stanley Kolk y Jake York, para un adecuado metraje.

Un nuevo filme de terror para el disfrute de los amantes al género en la gran pantalla, aunque es una lástima que el factor sorpresa se descubra en el prólogo, no dejando imaginación al espectador a especular, qué es lo que está sucediendo realmente; pero la puesta en escena, la ambientación, la magnífica iluminación  y la fotografía de Lennert Hillege, junto a la banda sonora de John Frizzell, logran crear una atmósfera lo suficientemente potente para atrapar al espectador entre los pasillos y las salas de esa morgue, en horas que seguramente a nadie o pocos nos gustaría estar a solas. Posee momentos de tensión y  algunos sustos, aunque los estés esperando. Juega muy bien con la situación que la protagonista está sufriendo, para crear un mayor desconcierto.

Magnífica interpretación de Shay Mitchell, que se carga a sus espaldas casi la totalidad de la película, a quien acompañamos, con ciertas reservas,  en esas horas inciertas, donde no solo luchará contra el miedo, sino con sus propios fantasmas. Kirby Johnson, pondrá los pelos de punta a más de un espectador con sus dotes de gimnasta y contorsionista, en su personaje  de Hannah Grace y en el lado masculino, Grey Damon en su corta intervención como policía y ex pareja de Megan.


Poco más hay que decir de este filme, que seguramente hará las delicias de los amantes al suspense, a que las palomitas puedan saltar con algún susto que otro e incluso esbozar alguna sonrisa, pues la cinta no está exenta de algunos puntos humorísticos.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Noviembre

REPARTO: Shay Mitchell, Stana Katic, Grey Damon, Louis Herthum, James A. Watson Jr., Larry Eudene, J.P. Valenti, Arthur Hiou, Lexie Roth, Shawn Fitzgibbon, Jacob Ming-Trent, Michey Gilmore, Lisa Wynn, Kirby Johnson, Kenneth Israel y Matt Mings.

PRODUCTORA: Screen Gems// Broken Road Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

viernes, 30 de noviembre de 2018

EL AMOR MENOS PENSADO: CRÍTICA DE CINE



Con guion propio, el argentino Juan Vera, dirige su ópera prima, El amor menos pensado. Una amable comedia sobre la crisis de pareja, tras 25 años de casados.

Ana (Mercedes Morán) y Marcos (Ricardo Darín) llevan 25 años felizmente casados, con una buena estabilidad económica y todos los problemas resueltos. Su hijo decide tomarse un año sabático en los estudios y viajar por España, es a partir de esos instantes cuando los cimientos, supuestamente sólidos en la pareja, comienzan a tambalearse al cuestionarse temas  existenciales sobre sus vidas, lo que les lleva a la separación y vivir nuevas aventuras amorosas.

Juan Vera nos ofrece la historia de una ruptura matrimonial sin gritos, sin lágrimas, sin traumas, sin reproches… En definitiva, sin dramas. Los dos creen que el amor se acabó y los dos piensan que lo mejor es estar separados y  Juan  Vera, inteligentemente, no tomará partido por ninguno de los dos. Por una parte los deja a su libre albedrío ante la mirada del espectador y por otro lado jugará con ellos, como si fueran marionetas en el gran guiñol de la vida.

Si no fuera por las escasas escenas en exteriores, bien podríamos definir a la obra como un filme teatralizado, pues los espacios en interiores, que los personajes habitan mientras mantienen las largas conversaciones, están perfectamente delimitados, para que la cámara pase lo más desapercibida posible. Los protagonistas máximos de la película, son ellos dos y no deben ser distraídos.

Un guion nutrido de diálogos brillantes donde nada está dicho por decir, sino medido hasta en la última coma. En largas conversaciones entre la pareja y  los “peones” que participarán en la partida, que la vida les está haciendo jugar, con nuevas  cartas que desconocen, para ser conscientes de hasta qué punto puede ser importante el amor, la estabilidad, el sueño de libertad, el deseo de protección, el descubrimiento de otros amores, la complicidad en la pareja, el respeto  y todo aquello que logra crear, con los años, firmes pilares en la pareja y tan sólidos que ni un huracán sería capaz de destruir. ¿Es posible alcanzar esa cima o por el contrario sucumbir en el intento?

Como siempre o casi siempre, el reparto actoral argentino es una garantía y uno de esos referentes, sin la menor duda es, Ricardo Darín, magnífico en su papel del romántico, seductor y hombre afable que es Marcos; quien no reprocha nada al destino y por el contrario, coquetea con él, como lo hace con las mujeres, tras su separación y Mercedes Morán, espléndida y espectacular, como Ana, en un registro de mujer que sabe liberarse cuando el momento lo requiere. Que dice las cosas por su nombre, sin ningún temor ni rubor. Que desea dejar atrás todo rastro de su pasado, para vivir un presente camino de un siempre, misterioso destino.

Resumiendo  “El amor menos pensado”, es una comedia agradable, a través de un guion donde los diálogos nos hacen pensar. Cuenta con  una correcta  dirección y unas interpretaciones de lujo.
Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Noviembre

REPARTO: Ricardo Darín, Mercedes Morán, Claudia Fontán, Andrea Pietra, Luis Rubio, Jean Pierre Noher, Claudia Lapacó, Chico Novarro, Andrés Gil, Norman Briski, Juan Minujín, Gabriel Corrado y Andrea Politti.

PRODUCTORA: Patagonik// Kenya Films// INCAA

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax