viernes, 8 de junio de 2018

EN TIEMPOS DE LUZ MENGUANTE: CRÍTICA DE CINE

         En tiempos de luz menguante. Un filme adaptado de la novela autobiográfica de Eugen Ruge, bajo un excelente guion de Wolfgang Kohlhaase,  donde sus diálogos ofrecen múltiples lecturas. La dirección corre a cargo del alemán, Matti Geschonnech 

          Es el otoño de 1989 y Wilhelm Powileit (Bruno Ganz) un alto mando del Partido Comunista de la RDA, cumple 90 años, su familia prepara la celebración y a ella asistirán la familia, vecinos y compañeros del partido, entro otros.

          Todos se reúnen en el salón, donde en un sitio de honor se sentará Wilhelm para recibir las felicitaciones y los ramos de flores que le traen los invitados. Flores que desprecia constantemente pidiendo que se las lleven lejos de él o a un cementerio, nadie parece sentirse ofendido ante tales palabras, sino que por el contrario, le ríen la supuesta gracia. Se acomodarán alrededor del salón, dejando libre el acceso al gran comedor, donde se ha dispuesto un buffet frío sobre una gran mesa de origen nazi.

          Desde los primeros fotogramas Matti nos sitúa en el centro de la trama, como un invitado más, alrededor del nonagenario en una clara metáfora de lo que está ocurriendo en el país. Los últimos días de un patriarca como símbolo de la agonía y muerte del comunismo de la RDA y caída del Muro.  Me recordó en cierta medida a “Mamá cumple 100 años” de Carlos Saura, en esa metáfora del paso de la dictadura  a la democracia.

          Durante la celebración del 90 cumpleaños de Wilhelm sonará el nombre de Gorbachov, al igual que el sentir ese “pellizco” que se palma en la atmósfera, en ese hogar tímidamente iluminado, mientras van llegando los invitados. El frío extraño y la extraña tristeza que se respira en el ambiente, provocada por la férrea disciplina militar comunista; el miedo a expresar los deseos más internos, la esperanza de los más atrevidos a abandonar el país en busca de la libertad añorada y la humillación que deberán sufrir esos padres, ante la deserción de sus hijos. Temor que experimentará el hijo de Wilhelm, Kurt, que no se atreve a comunicar que su nieto Sascha, su favorito y encargado de abrir la gran mesa familiar, ha huido a la Alemania Occidental. Una mesa familiar como símbolo de un tiempo y un régimen que algunos se niegan a dejar atrás. "Quien pierde a sus hijos, pierde el futuro"

          Matti nos narra  el ocaso del comunismo alemán. Ese periodo histórico causante de la división, no solo de un país, sino de cientos de familias. En un día de aquel otoño de 1989, previo al gran acontecimiento que marcaría un antes y un después en el mundo y especialmente en Alemania, viendo y viviendo con asombro y regocijo el 10 de noviembre, la caía del muro de la vergüenza.

          Un gran filme coral, en el cual cada personaje tiene su historia que contar, sus miedos que ocultar o exponer, sus anhelos por mantener un régimen caduco o quienes buscan abrir las puertas y ventanas para que entren los nuevos aires de libertad. La vieja RDA contra el futuro incierto pero esperanzador, fantásticamente plasmado en esa fotografía impecable  de Hannes Hubach.

          Como bien decía, un gran filme coral con carácter teatral, entre grandes nombres del cine alemán, destacando a Bruno Ganz y Hildegard Schmahl en los papeles principales y entre los secundarios nombraré a Sylvester Groth, Evgenia Dodina y Alexander Fehling, por poner algunos ejemplos, del magnífico casting de Simone Bär. Todos y cada uno tan creíbles, que nos da la sensación de poder intervenir y hablar con ellos.
“Hay que abrir la mesa”… “Ya abro yo la mesa”… “Tú no vas a abrir nada, ya has roto bastantes cosas en esta casa”.

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Junio

          REPARTO: Bruno Ganz, Hildegard Schmahl, Alexander Fehling, Sylvester Groth, Evgenia Dodina, Natalia Belitski, Gabriela María Schmeide, Ángela Winkler, Stephan Grossmann, Jean Denis Römer, Sophie Pfennigstorf. Pit Bukowski, Jörg Pose, Nina Antonowa…

          PRODCTORA: MOOVIE the art of entertainment.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

jueves, 7 de junio de 2018

SALYUT-7. HÉROES DEL ESPACIO: CRÍTICA DE CINE

          SALYUT-7. Héroes del espacio. El claro ejemplo de cómo hacer una buena película, con un bajo presupuesto. Está dirigida por el ruso Klim Shipenk.

          Estamos en el año 1985 en plena guerra fría, cuando la estación soviética no tripulada Salyut 7, deja de responder a los comandos que ordena el Centro de Control. Los cosmonautas Viktor Savinskh (Pavel Derevyanko) y Vladimir Dzhanibekov (Vladimir Vdovichenkov) asumen una misión de alto riesgo, consistente en acoplar su nave a la estación espacial y repararla.

          Shipenko nos ofrece un filme con alta tensión dramática y realismo visual a través de las situaciones que tendrán que vivir los dos protagonistas. Una historia narrada en dos ambientes muy diferentes. Por una parte lo que acontece en  el espacio exterior, siendo el espectador partícipe de los avatares a los que se enfrentan los dos cosmonautas y el peligro que corren. En el otro lado no se privará en criticar lo que está sucediendo entre las paredes de los despachos y de los centros de control, en la Tierra. Una dura crítica a esa guerra fría que se vivía en esos tiempos y que no hubieran dudado en sacrificar a sus dos mejores hombres, para seguir manteniendo en secreto los avances científicos en la carrera espacial soviética.  

          Klim Shipenko con un presupuesto de unos 15 millones de euros, una cifra importante en su país, pero no tanto fuera de sus fronteras, ofrece un derroche de imaginación, espectáculo y buen hacer, rodeándose de un gran grupo de profesionales. Contó con cinco guionistas: Aleksy Chupov, Jeffrey Hylton, Natalya Merkulova, Aleksey Samolyotov y Klim Shipenko. Dos excelentes directores de fotografía, Sergei Astakhov e Iván Burlakov, un cuidadísimo montaje de la mano de Mariya Sergeenkova y unos excelentes efectos visuales.

          Entre otras muchas cosas que impactan de este filme, como ya he comentado, no puedo olvidarme de su honestidad y naturalidad a la hora de exponer las situaciones vividas en el espacio, no hay lugar para las florituras: martillazos desesperados, roturas de tuberías, fallos al acoplarse, golpes a doquier, desesperación a raudales y todo lo que podamos imaginar,  mostrando a los dos héroes espaciales como humanos que son, con sus miedos, errores, victorias y falta de medios. Y llegando a este punto, toca hablar del elenco actoral y seré breve, el gran trabajo de casting, se ve sobradamente reflejado en cada uno de los actores y actrices que intervienen, tan creíbles que sufrimos y vivimos con ellos cada instante y situación expuesta. Simplemente perfectos.

          Salyut 7, resultó ser una las películas más esperadas, comentadas y aplaudidas de la última Muestra SYFY 2018 y el motivo sin duda fue la sorpresa que nos causó a todos los presentes. Estábamos ante un cuidadísimo filme espacial basado en hechos reales, que desde mi punto de vista, está muy a la altura de Gravity de Alfonso Cuarón, porque las demás no se le acercan ni por asomo.

          Comentar como dato histórico, que Viktor Savinskh y Vladimir Dzhanibekov, están reconocidos en su país como héroes nacionales y que el pasado año fueron recibidos por el presidente Vladimir Putin. 

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Junio.

          REPARTO: Pavel Derevyanko, Vladimir Vdovichenkov, Mariya Mironova, Nikita Panfilov, Roman Perelygin, Lyubov Novikova, Ilya Andryukov, Oksana Fandera, Vasiliy Ignatich, Vitali Khayev, Sergey Korenkov, Natalya Kudryashova, Vladimir Matveev, Leonid Paranin, Stepan Patnikov, Polina Rudenko, Aleksandre Samoylenko, Aleksandra Serebryakova, Oksana Syrtsova, Igor Ugolnikov

          PRODUCTORA: Kinokompaniya CTB/ Lemon Films Studio/ Telekanal Rossiya.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

miércoles, 6 de junio de 2018

PARIR, VOLVER AL VIENTRE: CRÍTICA TEATRAL

FOTOS: MARTA ATTAHRAM
 
            El pasado viernes 18, Santi Senso presentó su nuevo acto íntimo, PARIR, VOLVER AL VIENTRE, en el Teatro la Puerta Estrecha de Madrid.

               En “Parir, volver al vientre”, Santi quiere visibilizar el deseo de un hombre (ÉL) de PARIR, donde los sentimientos  como el deseo, la frustración, el dolor y la aceptación, habitarán durante este acto ceremonial, al que el espectador está invitado. 

          Si algo tienen de especial los Actos Íntimos de Santi, es que no dan error a su nombre. Santi en cada una de sus obras, se desnuda y no hablo del desnudo físico, que también es frecuente en sus piezas teatrales, sino del desnudo de su alma, de ese espíritu rebelde e inconformista, que desde el escenario grita una y otra vez que hay que cambiar las cosas para que el ser humano vuelva a serlo.

          Siempre le he observado desde la primera fila y en algunas ocasiones incluso me he visto dentro de la propia historia, y lo que he comprobado es que el Santi que todos conocemos, desaparece del mundo real siendo abducido por un ser especial que habita en su interior, al que da rienda suelta durante la obra y consigue controlar al finalizar, regresando al escenario en cuerpo y alma. Un ejercicio complejo donde el espectador que conecta con su esencia en cada acto íntimo, irá conociéndolo un poco más.
FOTOS: MARTA ATTAHRAM

          Por todo esto y más, intentar describir una obra o un acto íntimo de Santi Senso, por mucho que se intente, no es nada en comparación con vivirlo en directo, pues cada obra, aunque sea el mismo tema, el mismo mensaje, el mismo desafío, se convierte en una pieza totalmente distinta. Él lo sabe e incluso en ocasiones eso le frustra, pues no sabe si lo ha dado todo, si ha entregado al espectador la verdad que ha querido mostrar.

          En “Parir, volver al vientre” se acompaña por un grupo de actrices que todas han pasado por la maravillosa experiencia de ser madre y en un momento determinado, sentadas en círculo mientras las unas a las otras se peinan el cabello, hacen partícipes a los espectadores de lo que sintieron, lo que vivieron, lo que experimentaron cuando tuvieron a su primer hijo. Grupo de actrices que representan a las matronas y a las propias musas de Santi.

          Una obra compleja, posiblemente la más impenetrable hasta la fecha presentada, aunque como he dicho, tal vez en la siguiente función, esa complejidad se convierta en asombro, intriga, luz, ensoñación… Nadie lo sabe, ni él mismo hasta que la oscuridad envuelve el escenario y suenan los primeros aplausos.

FOTOS: MARTA ATTAHRAM
FICHA TÉCNICA DE LA OBRA

PARTERAS:

Santi Senso / Alicia Ponce Loza /Asaari Bibang/ Estela De María/ Fumilayo Johnson/ Livia Dascalu/ María Reyes/ Nathalie Portela/ Rocío Artolazabal/ Solanally Cabrera/ Verónica Alegría y Violeta Salmón.

Autoría, dramaturgia y dirección: Santi Senso

Diseño de Vestuario y Atrezzo: Fede Pouso

Creadora del Útero: Joana Leal

Música Original: Santiago Córdoba

Diseño de Iluminación: Sergio Laguna

Fotógrafo y Diseño del Cártel: Pelayo Zurrón

Fotos del Proceso de Creación de la Obra: Marta Attahram

Video/tráiler obra: Reyes Caballero Rey

Video arte: Lucas Damiani

Distribución: Metidos en Obras

Comunicación: Lucía Núñez Molina

Compañía: Actos Íntimos
FOTOS: MARTA ATTAHRAM

Agradecido y afortunado de ser amamantado por todas las Madres que me han embriagado con su Acto de PARIR.

WWW.ACTOSINTIMOS.COM
 
WWW.SANTISENSO.COM

FACEBOOK: Santi Senso / Actos Intimos

TWITTER: Santi Senso / Actos Intimos

INSTAGRAM: santisensoperdido 

NOTA:


Finalizadas las representaciones en Madrid, Santi y su compañía viajan a Latinoamérica, concretamente a Chile y Perú durante los meses de Julio y Agosto, donde representarán algunos de sus actos íntimos e impartirán Masterclass relacionadas con disciplinas como el cine, la danza o el teatro con el lenguaje de los actos íntimos. 

martes, 5 de junio de 2018

LOS EXTRAÑOS (CACERÍA NOCTURNA): CRÍTICA DE CINE

           Los extraños. Cacería nocturna, está dirigida por Johannes Roberts y cuenta con guion de Ben Ketai y quien fuera el creador de la primera entrega “Los Extraños” de 2008, Bryan Bertino.

          Kinsey (Bailee Madison) es una adolescente problemática, disfruta estando con sus amigas y suspendiendo en sus estudios. Sus padres, Mike (Martin Henderson) y Cindy (Christina Hendricks) deciden ingresarla en un internado. Junto a su hijo mayor Luke (Lewis Pullman) la acompañarán viajando en el coche familiar.

          Deciden pasar unos días en un camping de caravanas, antes de dejar a la joven en el internado. Al poco de acomodarse en una de las caravanas, se escuchan unos fuertes golpes en la puerta, una chica pregunta por Tamara y a partir de ese momento…

       
   Como comentaba en el enunciado de esta reseña, este filme es la secuela de “Los extraños” que escribió y dirigió en el 2008 Bryan Bertino, ahora Roberts toma el relevo y cambia el regreso a casa tras una boda, por el viaje de una familia para acompañar a la chica rebelde al internado, y el detenerse en la casa de vacaciones, por pasar unos días en un camping; pero para el comienzo de la masacre, se conserva su esencia: Unos golpes en la puerta, una joven y una pregunta: ¿Está Tamara?

          Siempre soy honesto en mis reseñas o críticas y reconozco que este subgénero dentro del terror, con cuchillos, hachas y otros elementos para crear una masacre y llenar de sangre la pantalla blanca de las salas de cine,  los gritos en exceso, las persecuciones sin sentido y las caídas en el momento menos oportuno, junto con la ilógica que en cine no debe cuestionarse al menos en este género, pero que con los años obligatoriamente haces; para mí quedó atrás hace mucho tiempo. Entiendo, porque todo vuelve o mejor dicho nunca se va, que ahora los espectadores veinteañeros, disfruten viendo de vez en cuando una película al más puro estilo de la Matanza de Texas o incluso recordando al mítico Freddy Krueger. Pero hay que reconocer que todas estas películas están cortadas por el mismo patrón.

          La mayoría de las veces, se desarrollan en la noche, en lugares con campos abiertos, en casas abandonas, camping, hoteles apartados del mundo… Lugares por donde los personajes jugarán al gato y al ratón, hasta que el ratón (víctima) es descuartizado y desangrado por el gato (Asesino en serie), para el deleite de un gran número de seguidores.

          Recordando como yo disfrutaba en su tiempo, con algunas de estas obras hasta llegar a los títulos de crédito, hoy no soy quien para criticar que este subgénero continúe sobreviviendo a través de las décadas. Simplemente diré que a mí me resultan tediosas, pues es más de lo mismo, salvo que cambian los actores y el comienzo a través de un guion que no superará la docena de páginas.  

          En esta ocasión la música que aporta más suspense que la trama en sí, está a cargo de Adrian Johnston y la fotografía demasiado manida en este tipo de filmes, la consigue con acierto, Ryan Samul.

          ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Junio

          REPARTO: Christina Hendricks, Bailee Madison, Martin Henderson, Lewis Pullman, Leah Roberts, Emma Bellomy, Damian Maffei, Lea Enslin, Preston Sadleir.

          PRODUCTORA: Intrepid Pictures/ Mandate Pictures/ Relativity Studios/ Thefyzz.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España

lunes, 4 de junio de 2018

ALGO CELOSA: CRÍTICA DE CINE

          La comedia, Algo Celosa, está dirigida por los hermanos David Foenkinos y Stéphane Foenkinos.

          Nathalie Pêcheux (Karin Viard)   es una mujer divorciada que vive con su hija Mathilde (Dara Tombroff) bailarina y en una relación amorosa reciente. Su ex marido Jean-Pierre (Thibault de Montalembert) está viviendo con una chica más joven que él. Nathalie de un día para otro comienza a cambiar. Envidiará la belleza y el talento de su hija, la juventud de la pareja de su ex marido, la felicidad de sus amigas y para colmar el vaso, al colegio donde trabaja, llegará una profesora joven y talentosa, sustituta de su mejor compañero.

        Los celos irán creciendo día a día y nublando su entendimiento, con todos los que la rodean, llevándola a situaciones grotescas, irracionales y provocadoras, sin ser consciente de ello y creyendo que son los demás, los que se han confabulado contra ella.


         Los hermanos Foenkinos ofrecen en bandeja de oro este filme a la actriz Karin Viard, para su lucimiento personal y ofrecernos todo lo que puede dar de sí, en un registro por segundos desagradable y deseando que en la secuencia siguiente un camión de 18 toneladas, la pase por encima. Los Foenkinos presentan al público cinematográfico, a la bellísima ex bailarina del Ballet de la Ópera Nacional de Bordeaux, quien el pasado año decidió dejar la danza para convertirse en actriz. Un personaje del que sale airosa y con nota. Los demás actores resuelven bien sus personajes, como las “marionetas” de una Nathalie, que nadie desearía tener a su lado, en los momentos malos.

          Los celos como tema central de la obra, es el recurso con el que los Foenkinos con guion propio, llevan casi al extremo a su protagonista, con las consabidas consecuencias en quienes están cerca de ella. Algo que también queda palpable es el cuidado tratamiento en la diversidad de personalidades con que han dotado a cada uno de los personajes femeninos. De la dulzura a la agresividad.  De los celos al amor, pasando por esa amistad verdadera y comprensiva, ante lo que está pasando y con ello ser capaz de perdonar y socorrer. Personajes femeninos fuertes, con una gran dosis de feminidad y entereza.

       Pero todo no es perfecto y sin duda los hermanos Foenkinos, saben que no han rematado bien su obra. Desde el comienzo, el vértigo en la comedia que presentan, es imposible de mantener, decayendo en determinados momentos, porque el error tal vez está en haber dejado demasiada responsabilidad al personaje de Karin, el cual precisa descansar y que sean otros los que creen situaciones tomando su relevo, pero desafortunadamente no es así. No por ello deja de ser un filme entretenido, del cual sales con una sonrisa agradecida de la sala, que no es poco.  

         Mi nota es: 6
          ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Junio

          REPARTO: Karin Viard, Marie-Julie Baup, Thibault de Montalembert, Anaïs Demoustier, Anne Dorval, Corentin Fila, Stéphane Foenkinos, Éric Frey, Bruno Todeschini, Dara Tombroff.
          PRODUCTORA: Mandarin Cinéma

          PRODUCTORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

sábado, 2 de junio de 2018

MI MUNDIAL: CRÍTICA DE CINE

           Carlos Andrés Morelli debuta como director de largometrajes con Mi Mundial, en un filme con clara moraleja sobre el deporte y la educación, compartiendo guion con Martín Salinas.

          Tito (Facundo Campelo) es un niño de 13 años uruguayo, que tiene cualidades para jugar al futbol, pero no le gusta estudiar. Su padre, Rubén (Néstor Guzzini) hace pequeñas chapuzas además de ser guarda de seguridad, pero apenas gana dinero para mantener a su familia. Su objetivo es que sus hijos sean buenos estudiantes, para labrarse un futuro, pero Tito solo piensa en el futbol y en su amiga Florencia (Candelaria Rienzi).

          Un día aparece un hombre llamado Rolando Castillo (Roney Villela), que desea representar al joven Tito, ofreciendo a la familia sacarles de la pobreza y trasladase a la capital, pero su padre, que le seguirá de cerca, observa que está descuidando sus estudios.

          La obra se basa en la novela homónima del escritor Daniel Baldi Morelli en un filme que aboga por el primer amor, la amistad y la familia, como pilares fundamentales para el desarrollo de un niño, junto con la educación, el deporte y la igualdad de género, pues de forma muy inteligente incluye el deporte del futbol, como pasión a practicar por las chicas.

          ¿Cuántas veces hemos escuchado que el deporte es muy importante en el crecimiento de un niño, pero que los estudios nunca deben descuidarse? Esa realidad, la hemos visto  muchas veces en el deporte, sobre todo años atrás, donde un niño o niña que destacaba en una disciplina determinada, se les “explotaba” sin ser conscientes  o sí, de que no dura para siempre.  Esa es precisamente una de las moralejas que deja la obra.

          Mi Mundial cuenta con un ritmo muy adecuado y una dirección correctísima, donde las interpretaciones de los jóvenes resultan totalmente creíbles. Sebastián Gallo es el encargado de la magnífica fotografía y Hernán González, de la emotiva banda sonora.

          Una obra que se podría enclavar en esos filmes llamados amable, destinados a la familia y en esta ocasión concretamente a los más jóvenes, que en ocasiones de dejan deslumbrar por un futuro que tiene una caducidad demasiado temprana. Una obra que considero que además de pasar por la gran pantalla, debería luego recorrer los colegios, como filme educativo.

          Finalmente me quedo con este texto, que resume perfectamente la esencia del filme: “Uno no sabe hasta dónde te puede llevar la pelota (futbol), pero sí que estudiando vas a tener la posibilidad de llegar muy lejos” “No te olvides que la única defensa del pobre, es leer y aprender”

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Junio.

          REPARTO: Facundo Campelo, Néstor Guzzini, Candelaria Rienzi,  Vérónica Perotta, Roney Villela, César Troncoso, Marcel Keoroglian, Jorge Bolani y Ernesto Liotti.

         
PRODUCTORA: Coproducción Uruguay-Brasil-Argentina/ La Gota Cine/ Panda Filmes/ Pensa y Rocca Producciones/Coral Cine/ U Films

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory

viernes, 1 de junio de 2018

BASADA EN HECHOS REALES: CRÍTICA DE CINE


          Olivier Assayas y Roman Polanski, adaptan la novela de Delphine de Vigan, Basada en hechos reales, bajo la dirección de Roman Polanski. Un intrigante thriller psicológico.

          Delphine (Emmanuelle Seigner) es una reputada escritora que acaba de terminar su última novela y durante la firma de libros, conocerá a Elle (Evan Green) también escritora, pero para otros, es como bien dice en un momento determinado a Delphine, “soy un negro literario”. Se presenta ante ella como una gran admiradora en busca de la dedicatoria de su último libro. Elle poco a poco irá traspasando el espacio vital de Delphine, algo que de entrada a Delphine parece no importarle, pues en esos instantes, le inquietan otras cuestiones.

          Es sabido que algunos escritores tras publicar su nueva obra y dependiendo del vínculo que ha tenido con ella, puede sufrir el síndrome del abandono, del vacío, de la pérdida y con ello el sentirse incapaz de comenzar a escribir una nueva historia, o el temor ante el fantasma de la página en blanco; eso es lo que en parte le sucede a Delphine, mientras que su partenaire, Elle, representa la admiración, la devoción y el deseo de compartir tiempo, ideas y espacio con su ídolo, pero en realidad. ¿Quién es Elle?

          Basada en hechos reales, me traía el recuerdo de tramas ya tratadas en otros filmes, pero está claro que Polanski dota a la película de su atmósfera personal. Sabe navegar con exquisita elegancia entre esos juegos de espejos desvirtuando la realidad, de máscaras, de identidades, de verdades y engaños; y así poder profundizar en los miedos, la soledad, el amor y la falta del mismo, la doble personalidad, la obsesión y hasta la apatía propia que provoca tocar fondo. Un filme en el que surge la duda de si Polanski ha jugado al despiste o por el contrario se ha dispersado en algunos instantes de la trama. Yo al menos quiero creer, confiando en su maestría y su “retorcida” mente, que nos está retando y nos ofrece la posibilidad de creer o no, en aquello que muestra o insinúa, incluyendo el potente componente sexual que se filtra en el ambiente.  Sea como sea, la tensión la consigue, la intriga está servida y la resolución… Eso ya es muy personal, de quien la ve y su estado de ánimo.

          A destacar de este extraño ejercicio, además de la exquisita puesta en escena, de la dirección y el guion, el contar con dos pesos pesados como son, Emmanuelle Seigner sobresaliente en su interpretación, encarnando a Delphine. Un personaje vulnerable y sensible, cuyos miedos la llevarán a bucear en su propio infierno y del otro lado, Evan Green, en su papel de Elle, sofisticada, perversa e inquietante, navegando entre lo terrenal y lo fantasmal. La magnífica fotografía de Pawel Edelman y la soberbia banda sonora del gran maestro de sobra conocido como es, Alexandre Desplat, rematan esta obra en la cual, algunas de sus lecturas, pueden hacer pensar al espectador, más de lo que desearía y llevarlo a conclusiones muy diferentes a las iniciales.

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Junio

          REPARTO: Emmanuelle Seigner, Evan Green, Vincent Pérez, Damien Bonnard, Camille Chamoux, Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou.

          PRODUCTORA: Coproducción Francia-Bélgica/ Wy Productions/ Belga Productions/ Belga Films Fund.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.