EL CASO SLOANE: CRÍTICA DE CINE

          El Caso Sloane de John Madden. Un thriller donde quien manda y cautiva es sin duda, Jessica Chastain.

          Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) es una despiadada lobbista a quien le proponen formar parte de un grupo de presión, que ella misma selecciona, para plantar cara al poderoso lobby de la industria armamentística de Washington DC. Centrará su estrategia en el voto femenino y convencer a los senadores para que la nueva legislación, más rigurosa y estricta, tenga éxito.         

          Cuando se trata de negocios, Liz es una mujer sin piedad, no le importa a quien se tenga que llevar por delante para conseguir su objetivo y el éxito que sueña en alcanzar en el mundo empresarial. No tiene tiempo para dormir, para comer o para mantener una vida sentimental, sustituyendo las horas de sueño por pastillas, el alimentarse por comida rápida y su vida íntima, por chicos de compañía de alto standing.

          Pero cuando se hace un pacto con el diablo, se juega con fuego o  con los sentimientos ajenos, todo se paga.

          Siempre dejo mi comentario sobre las interpretaciones para el final, pero en esta ocasión su actriz principal, se merece el puesto de honor.

          El personaje de Elizabeth Sloane, creado por Jonathan Perera en su guion, es la pera en dulce que cualquier buena actriz desearía interpretar y será Jessica Chastain, quien asuma el gran riesgo y lo borde. La interpretación no es de un diez, sino de matrícula. Esta arrebatadora, soberbia, impecable; seduce a la cámara con un descaro despiadado y hasta sexual, que a la más malvada, la haría estremecer, la despacharía con una mirada o con la verborrea agresiva de que es capaz. Como bien se escucha en un momento determinado, solo le falta tener… el atributo masculino. Se la ama y se la odia por igual. Los pocos instantes que nos priva de su presencia, se reclaman a gritos. Miss Sloane abduce a Chastain y Jessica, se regodea con ese “secuestro” provocado por Elizabeth. Una vez más, el peso y la fuerza que transmite la película, recae sobre su actriz principal.

          John Madden (Shakespeare in Love) logra mantener la tensión, la emoción y el suspense en su obra, con una cuidada narración, no exenta de algunos errores, pero con el virtuosismo de  un gran prestidigitador, logra que dichas erratas se borren de nuestra mente y llegando al número final, sacar la última "paloma" de un lugar inexistente y así sorprender al espectador en su butaca. En mi opinión, la conclusión, tras el fundido a negro, me sobra. Por otra parte destacar la gran dirección de actores, que tras mencionar a Jessica, sobresalen: Gugu Mbatha-Raw y Mark Strong, aunque todos están creíbles.

           Guion brutal de Jonathan Perera, en el cual los duelos verbales, la verborrea  desatada y los monólogos inteligentes, son el detonante que durante las más de dos horas de su metraje, mantienen sin aliento al espectador.

          Cierro esta crónica sin olvidarme, de la tensión que logra mantener Max Richter con su banda sonora y la fotografía tan limpia y directa de Sebastian Blenkov.

Recomendable para amantes del cine en general.

MI NOTA ES: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de Mayo

    

      REPARTO: Jessica Chastain, Mark Strong, Gugu Mbatha-Raw, Alison Pill, Jake Lacy, Michael Stuhlbarg, John Lithgow, Douglas Smith, Sam Waterston, Enni Esmer, Alexandra Castillo, Meghann Fahy, Noah Robbins, Lucy Owen, Raoul Bhaneja.

          PRODUCTORA: Transfilm/ Archery Pictures/ FilmNation Entertainment

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

MUJERES HASTA EL COÑO: CRÍTICA TEATRAL

         Mujeres hasta el coño, de la compañía La Mala Compañía nos presenta a cuatro mujeres, cuatro sillas y un espacio escénico, para una obra experimental, con toques feministas.

          Una pieza teatral con texto y dirección de Mónica Negueruela, la cual somete a las actrices: Natalia Bermejo, Sabine Lane, Remedios Renog y Teresa Ruíz, a un intenso ejercicio interpretativo y de expresión corporal.

          Preguntas como ¿Qué sucedería si toda una generación desapareciese de repente? ¿De quién aprenderían los nuevos retoños? ¿La rutina diaria, nos hace comportarnos de una forma u otra ante la vida?, son algunas cuestiones que se hacen los personajes y lanzan al espectador.

          Las cuatro actrices seguirán un ritual donde las sillas les darán fuerza, cobijo, descanso, equilibrio e incluso emulará una prisión para el cuerpo y el ser, mientras interpretan pequeños monólogos, los cuales siempre recibirán el relevo oportuno al finalizar cada uno de ellos. Cuatro voces femeninas dejándose oír y gritando todo aquello que las inquieta, sus dudas, sus miedos, la libertad o falta de la misma que les condiciona el hogar, la familia al sentir la obligación de cuidar  de sus progenitores. Una obra reflexiva desde la ironía.

          Las cuatro interpretaciones femeninas convencen al espectador, lo entretienen haciéndole sonreír y sobre todo, meditar. Cuatro actrices con fuerza y personalidad, muy diferentes entre ellas en físico y carácter, para recrear a las mujeres que quieren representar.

          La dura realidad de ser y sentirse mujer en esta sociedad. ¿De qué estás harta? El género femenino va a decir lo que piensa y siente.

          La obra se puede disfrutar todos los sábados de mes de Mayo a las 20:00 horas

Espacio escénico: Plot Point Calle Ercilla nº 26 Metro Embajadores L3

Texto y Dirección: Mónica Negueruela

Maquillaje: Sabine Lane

Diseño de Cartel: Mónica Negueruela

Reparto: Natalia Bermejo, Sabine Lane, Remedios Renog, Teresa Ruíz.

Compañía: La Mala Compañía.

PUDOR: CRÍTICA TEATRAL

          “Como decía mi madre: Se puede ser muy cerda, pero estar siempre limpia”

          Esta es una de tantas frases que se escucharán en la obra de teatro “Pudor” Una comedia desenfadada, erótica y canalla.

          Silvia y Ricardo, darán vida a 20 personajes de lo más variopinto, entre los que nos encontramos a una choni recién salida de la peluquería, un numerario del Opus, una dómina muy fan del Corte Inglés, una pareja con un bulldog francés de Tucson (Arizona), una virgen… ¿dispuesta? O un cowboy llamado Harry Clearwater. Todos con sus aventuras y desventuras erótico festivas, para que en el transcurso de casi una hora y media, el espectador no pare de reír e incluso el poderse sentir más o menos identificado.

          José Recuenco, Elena Lombao y Silvia de Pé entre otros autores, se dejan llevar por la imaginación, el desenfreno, las situaciones tomadas de aquí y de allá, para crear un texto muy descarado, donde Silvia de Pé dirige con gran acierto.

          El dueto en escena lo forman Ricardo Reguera y Silvia de Pé, en un escenario donde ambos comienzan subiendo a un avión, pasando por la mesa de un bar, asistiendo a una boda o bailando en una discoteca; todo ello desde las sillas en las cuales prácticamente permanecen toda la obra sentados, salvo los momentos en que ambos, por separado, interactúan con el público. Dos interpretaciones libres de todo prejuicio, percibiéndose la complicidad entre los dos. Simplemente, divertidísimos, con sus gestos, ademanes, mirada e incluso carcajadas a mandíbula abierta.

          El pudor del título, se ha quedado en los camerinos, pues los dos actores mantienen monólogos y diálogos cargados se sensualidad, sexualidad y un erotismo donde se llama a las cosas por su nombre, despertando en el público grandes carcajadas por instantes, sonrisas en otros y descanso necesario, cuando es preciso.

          Silvia de Pé, asume funciones de guión, interpretación y dirección. Cometidos que logra con acierto. La puesta en escena sencilla pero efectiva y la música seleccionada acorde con la obra.

          En unos tiempos donde la risa parece un privilegio, se agradecen estas obras, pues no hay nada más beneficioso para el ser humano, que la carcajada libre de impuestos.

          La obra que recomiendo a todo el mundo, se puede disfrutar en:

          SALA: OFF LATINA

          Calle Mancebos 4     (Metro Latina L5)

          Todos los viernes a las 21:00 horas

Entradas en: https://www.atrapalo.com/entradas/pudor_e4799436/

DEMONIOS TUS OJOS: CRÍTICA DE CINE

          Demonios tus ojos de Pedro Aguilera, se podría clasificar como una película sincera, directa, sin escrúpulos y sin pretensiones.

          Oliver, es un joven director de cine (Julio Perillan) que lleva varios años fuera de casa, viviendo con su novia; un día descubre a través de páginas eróticas en internet,  un video donde su hermana pequeña, Aurora (Ivana Baquero), mantiene sexo explícito con un chico.

      

        Decide visitarla extrañado por lo visto, en las imágenes. Se aloja en la casa vacía de un amigo, pues no tiene una buena relación con su madre o madrastra. Tras un par de días, tomará contacto de nuevo con su hermana y su entorno de amistades. Una de sus amigas, quedará fascinada con el atractivo de Oliver. Lo que al principio parece un acercamiento entre hermanos, pronto se convertirá en una atracción sexual.

          Demonios tus ojos, se ofrece al espectador como una película provocadora para algunos o retro sexual de finales de los 70 para otros; incluso con el cierre final, al utilizar determinadas imágenes de la mítica película, Holocausto Caníbal de 1980.

          Una historia sencilla en la cual su director Pedro Aguilera, con guion compartido con Juan Carlos Sampedro, nos somete a diversas filias sexuales: Voyerismo, Sadomasoquismo, exhibicionismo, incesto… Filias y miedos, miedos y deseo a lo desconocido. Ese deseo carnal  y desconocido se desatará en la película, dejando de lado toda moral y ética. Es evidente el guiño que hace al filme de Iván Zulueta, Arrebato, entre otras obras reconocibles.

          De la película destacaría, por una parte las interpretaciones de la pareja formada por Ivana Baquero y Julio Perillan, sobre todo éste último que sobresale con su dura, cruel y provocadora actuación. La magnífica música compuesta por Richard Córdoba, desconcertante por momento y sensual en otros; sin olvidarnos de la cuidada fotografía  a cargo de Miquel  Prohens.

Mi nota es 5,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de MAYO

REPARTO: Ivana Baquero, Julio Perillan, Lucía Guerrero, Nicolás Coronado, Juan Pablo Shuck, Elisabeth Gelabert.

PRODUCTORA: España – Colombia

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Good Films.

MARAVILLOSA FAMILIA DE TOKIO: CRÍTICA DE CINE

          Maravillosa familia de Tokio, es la divertida secuela de Una familia de Tokio de 2013, dirigida por Yôji Yamada (El ocaso del Samurái), junto al  mismo elenco de actores, y es que. ¿Por qué cambiar algo, cuando el conjunto funciona tan acertadamente?

         Shukichi (Isao Hashizume) y su esposa Tomiko (Kazuko Yoshiyuki) llevan casi 50 años casados. Un día, mientras Shukichi sube a la habitación para cambiarse de ropa y así estar cómodo en casa, habla con su mujer, mientras ella recoge las prendas que él va dejando tirada por la habitación. En un momento determinado, Tomiko le  comenta que es su cumpleaños y él en un alarde de “generosidad” le dice que le hará un regalo, que pida lo que desee, pero que no sea muy caro que ahora viven de los ahorros. Ella le manifiesta que lo que quiere no cuesta más de unos 450 Yenes y una firma. Shukichi se queda sorprendido y su mujer saca de un cajón un certificado de divorcio, al cual solo le falta la firma del marido y las costas del trámite, éste se queda desconcertado ante la propuesta de su mujer. Cuando los hijos se van enterando, se preguntan el porqué.   

          Yôji Yamada dirige una deliciosa y entrañable historia, con toques dramáticos donde sobresale la comedia inteligente y diálogos mordaces, en un guion firmado conjuntamente con  Emiko Hiramatsu, como ya sucediera en su antecesora: Una familia de Tokio y otras obras. Ambos parecen entenderse a la perfección, pues la historia, sencilla en apariencia, está cargada de matices con referencias a temas familiares, sociales e incluso algunos políticos del país nipón, que funciona a la perfección.

          Sin duda lo mejor de toda la película es el carisma  de sus personajes, que los actores que los interpretan, logran sacar lo mejor de ellos, creando esa complicidad que el espectador agradece y disfruta cuando va al cine y siente esa cercanía con lo proyectado en la pantalla blanca, hasta tal punto que si te invitan a tomar sake, no lo durarías ni un segundo, te descalzarías y traspasarías el umbral de dicha casa.

          El gran peso de la obra recae, en su gran mayoría, en el matrimonio formado por Shukichi y Tomiko, o lo que es lo mismo, por Isao, que traspasa la pantalla con su naturalidad y espontaneidad, sus expresiones, sus miradas, su lento caminar, sus frases lapidarias e incluso en esos silencios donde se intuye que está meditando sobre la propuesta de su mujer. Y Kazuko, la mujer perfecta,  cumplidora ama de casa y orgullosa de la crianza de sus hijos, pero que llegado el momento se plantea la necesidad de vivir lo que por la estricta educación recibida, no ha experimentado.

          La luminosidad que nos ofrece la fotografía de Shinji Chikamori, refleja la verdad que la obra nos quiere ofrecer. Limpia, clara y directa, como si estuviéramos observando a través de una ventana, sentados frente a la barra de un bar, acomodados en el sofá de casa, descansando en el parque o mientras sacamos a nuestro perro a pasear.  

          Una película deliciosa, tierna, divertida, reflexiva y directa, donde el espectador disfrutará de cada minuto del metraje.

          Mi nota es de 7,5

          ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de Mayo

          REPARTO: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki, Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya.

          PRODUCTORA: Shochiku Company

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sherlock Films

CASTA, PESTE Y ETERNIDAD, una apologia del Amor.: CRÍTICA DE TEATRO

FOTO: PELAYO ZURRÓN

          Santi Senso regresa para ofrecernos un nuevo acto íntimo: CASTA, PESTE y ETERNIDAD,  Una apología del Amor.

          Mientras los espectadores se van acomodando en sus butacas, en un lateral del escenario abierto que ofrece el Teatro del Arte, bajo una ligera penumbra, observamos el cuerpo desnudo de un hombre (Santi Senso) que juega con un tren eléctrico, rodeado de pequeños soldados de plástico.

          Ese tren y su maquinista, Santi, nos invitan a viajar  y a profundizar junto a ellos, como en otras de sus obras, al interior del ser humano, al verdadero yo, oculto por un cuerpo cada vez más viciado en la sociedad en la que vive.

FOTO DE: EDU MARTÍN

          Cuestiones primarias en los actos íntimos, es saber quiénes somos realmente y  no como nos comportamos ante los demás. Hacía dónde vamos, pero sin olvidarnos nunca, dónde venimos. Cuáles son nuestros miedos y como enfrentarnos a ellos. Cómo liberar nuestra alma y no corromperla en el camino de nuestra existencia mortal. 

          Para profundizar en el alma debemos dejar atrás las mentiras, aceptar nuestros errores… Santi nos pregunta, esperando paciente las respuestas ¿Qué cuerpo te gustaría habitar si no fuera el que tienes? ¿Estás conforme con quién eres? ¿Es nuestra sangre pura?...

FOTO: EDU MARTÍN

          Expondrá el poder de las razas, de las castas de las que formaremos parte durante nuestra existencia mortal y así entre debates internos y personales, desembocar toda la obra en el amor, la fuerza más poderosa del universo.

          El alma y el amor, dos temas que nos podrían llevar a una pregunta: ¿Es el alma quien custodia el amor?

          Santi, a través de los años se ha ido rodeando de un magnífico equipo,  sorprendiéndonos con magníficas interpretaciones. En cada obra asume las responsabilidades de Dirección, Guion y personaje central, desnudando no solo el alma del personaje creado, sino la suya propia, en esa generosidad que le caracteriza, con una madurez que se palpa en cada una de sus piezas teatrales, a medida que pasan los años.

FOTO: PAULA MARTÍNEZ SANZ

           En esta obra cuenta con dos incorporaciones nuevas: Cecilia Gessa, con un personaje breve, pero intenso, y para muchos la sorpresa del artista polifacético, Fede Pouso, en su primer papel. Un papel doble, pues lo veremos como asistente y fuera de escena, pintando uno de sus cuadros en directo, todo un lujo. No me puedo olvidar de Cary Rosa Varona, llenando la escena con su presencia en cada aparición y sobremanera, en el instante del exorcismo que realiza al cuerpo del personaje de Santi, para liberar el alma de toda mancha.

          Lo digo siempre que acudo a uno de sus actos íntimos. Santi tiene ese magnetismo animal, esa sinceridad en el escenario, esas miradas en sus silencios que por momentos te abrazan y en otros te mantienen alerta, y todo ese poder es contagiado a todo su equipo, que vuelvo a repetir, es de sobresaliente, y por descontado, traspasando al público, en quien impacta de formas muy diferentes, como diferentes somos cada uno de nosotros.

          Obra que recomiendo con una advertencia, quien asiste a un acto íntimo de Santi, quedará atrapado en su red, como lo estamos  quienes le seguimos desde hace años.

FOTO: EDU MARTÍN

AUTOR Y DIRECCIÓN: Santi Senso

INTÉRPRETES:   Cary Rosa Varona, Fede Pouso, Santi Senso, Cecilia Gessa, Juan Carlos Torres, Amparo Alcaraz, Álvaro Hurtado, Caridad Borges.

DISEÑO DE VESTUARIO: Fede Pouso

MÚSICA ORIGINAL: Ismael Viñoly

DRAMATURGIA: Santi Senso

ESCENOGRAFÍA Y ATREZZO: Davide Lonoce

AYUDANTE DE ATREZZO: Jennifer Quirós Jiménez

 ILUMINACIÓN: Sergio Laguna Jornet

FOTÓGRAFO Y DISEÑO DE CARTEL:  Pelayo Zurrón

 FACILITADORA DE PROCESOS: Almudena Miguelañez

VIDEO: Reyes Caballero Rey.

PRODUCCIÓN: Esther Sererols y Federica Bellini

DISTRIBUCIÓN: Metidos en obras de Carlos Lorenzo

COMUNICACIÓN: Lucía Núñez Molina.

COPAÑIA: Actos Íntimos.

¡¡¡SOLO QUEDAN TRES FUNCIONES!!! 

LOS DÍAS: 11, 18 y 25 de Mayo

(Obra incluida en la programación: Surge Madrid)

HORA: 20:00 HORAS.
LUGAR: TEATRO DEL ARTE (Metro Lavapiés)

RESERVA DE ENTRADAS:


http://teatrodelarte.org/casta-peste-eternidad-una-apologia-del-amor/ 

https://www.atrapalo.com/entradas/casta-peste-y-eternidad-surge-madrid_e4801974/

CASI LEYENDAS: CRÍTICA DE CINE

           Casi leyendas de Gabriel Nesci nos ofrece una comedia ácida, con fuerte dosis de drama.

          Axel (Santiago Segura) padece el trastorno de Asperger, trabaja de informático en una empresa en horario nocturno en España, vive y está en la vida completamente solo, hasta el punto que ninguno de sus supuestos amigos, acude a su último cumpleaños. Su padre está ingresado en una residencia, a la que acude cada día a visitarlo. Un buen día en uno de sus arrebatos toma un avión en dirección a Buenos Aires, donde 25 años atrás vivió y formó parte de un grupo musical, junto a Javier (Diego Peretti) un profesor que no ha superado la muerte de su mujer y que tiene problemas de comunicación con su hijo adolescente y Lucas (Diego Torres) un abogado que niega el divorcio a su mujer, involucrado en una estafa y quien es despedido de la empresa en la que trabaja, por dicho motivo.

       Axel tiene un objetivo, reunir a la banda (Auto Reverse) que tuvo sus momentos, alcanzando casi el éxito, en aquellos tiempos. Se presenta en la vida de sus dos compañeros, donde cada uno está lidiando con sus propios problemas. Axel les despertará la chispa por recuperar el pasado y más cuando una emisora de radio está a punto de cumplir los 25 años, decidiendo que las bandas más votadas, realicen conjuntamente un concierto.

          El argentino Gabriel Nesci (Días de vinilo) polifacético artista de cine y televisión, dirige con guion propio y por si fuera poco, compone  la  banda sonora, buscando homenajear  la música Pop de los años 80, sin olvidar el argumento que a medida que vamos conociendo a los personajes, irá impregnando de nostalgia la obra. 

        Un filme sencillo en su presentación al espectador, sin más propósito que acercarnos a la historia de Axel, Javier y Lucas, cuyas  desdichadas vidas recibirán el balón de oxígeno que les proporcionará Axel, al recuperar la banda de música, sacarles de sus letargos y con ello luchar por mejorar sus vidas personales. El objetivo de Gabriel está conseguido, regalándonos de paso un puñado de temas musicales al más puro estilo retro.  Nos hará viajar por un mundo de amores perdidos pero no olvidados, la muerte, la amistad, los reencuentros, el atrevimiento y el deseo de conseguir un sueño.

          Los tres actores están acertadísimos en sus interpretaciones, pero quien nos sorprende, sin la menor duda para bien, es Santiago Segura. Un personaje nada fácil, aunque sí muy agradecido. Él solito lleva prácticamente todo el peso de la película.

          Para nostálgicos de un tiempo que pudo ser mejor.

          Mi nota es un: 6

          ESTRENO en ESPAÑA: 5 de MAYO

          REPARTO: Diego Peretti, Santigo Segura, Diego Torres, Claudia Fontán, Florencia Bertolli, Uma Salduende, Julieta Cardinali, Rafael Spregelburd, Arturo Bonín, Bebe Sanzo.

          PRODUCTORA: Coproducción Argentina-España / MyS Producción/ Está Por Venir/ Bowfinger Internacional Pictures/ Telefé/ DK Group/ Benteveo Producciones Audiovisuales.

          DISTRIBUIDORA: A Contracorriente Films

UN REINO UNIDO: CRÍTICA DE CINE

          Cuando “Un reino unido”, se subleva ante la soberbia, prepotencia y el racismo interracial, que destilaban sus opresores con sus ideales retrógrados.

          Un chico de raza negra Seretse Khama (David Oyelowo) conoce durante una fiesta a una joven oficinista londinense de raza blanca, Ruth Williams (Rosamund Pike), bailan y quedan para verse al día siguiente, entre ellos nace el amor y es cuando él desvela a la chica su verdadera identidad. Es el heredero al trono del país de Bechuanalandia, lugar al que pronto deberá regresar tras finalizar sus estudios en la capital británica y ser coronado.

          Ruth de entrada queda desconcertada, le agradece la sinceridad y que no desapareciera sin más, él reacciona al instante desvelando que siente algo especial por ella, que la ama y ante la oposición de todos, se casan.

          Se crea entonces un gran revuelo político en el gobierno del Apartheid de Sudáfrica, sin olvidar el deseo del gobierno británico de tener el control absoluto del oro, diamantes y uranio de dicho país, como sucedía en las minas de los demás países de África del Sur.

          Un matrimonio que desafió a la sociedad de mediados del siglo XX, enfrentándose a los gobiernos de sus países, al apartheid y a sus familias.

          Un reino unido, de la directora Amma Asante (Belle), se presenta como un magnífico Biopic,  basado en la historia del príncipe de Bechuanalandia, la actual Botswana, de la cual fue el primer presidente. Una pareja que luchó por amor y contra la segregación racial. Un matrimonio que durante sus años de convivencia, no estuvieron exentos de problemas. ¿Pero qué pareja no tiene problemas, cuando lo comparten todo?

          Asante dirige con pleno convencimiento esta cautivadora historia, con guion de  Guy Hibbert, logrando mantener pegado a la butaca al espectador, al cual por momentos lo hace sentir inquieto, molesto por la rabia contenida en el desprecio hacia otros seres humanos y esas ínfulas de supremacía que siempre ha tenido una gran parte de la sociedad británica, creyéndose intocables, únicos y superiores, cuando desgraciadamente, ante determinados valores sociales y democráticos, según mi punto de vista y no soy el único, dejan mucho que desear.

En aquel entonces fue el Apartheid, hoy es el Brexit.

          Una película con una narración esplendida y una puesta en escena sobresaliente, abanderando el idealismo, el amor verdadero, la lucha por la verdad, la victoria cuando un pueblo está unido, el deseo de prosperar, el ansia por un mundo más plural, el verdadero sentido de la democracia…   

          Habrá quienes opinen que es una película predecible desde el principio, pero no es así, pues estamos ante una historia real, no ficticia, por lo tanto nada es predecible, todo es historia.

          Un reparto de lujo, dirigidos con firmeza para hacer creíble, no solo a los personajes, sino cada escena que filma con  minuciosa precisión. Destacando la excelente pareja protagonista compuesta por David Oyelowo y  Rosamund Pike, quienes cautivan a los espectadores con sus interpretaciones magistrales.

          Sam McCurd nos viste la mente y los ojos con la fascinante fotografía, llena de matices, de tonalidades que cambian según las situaciones presentadas y donde algunas escena, nos llevan al recuerdo de otra joya cinematográfica como es Memorias de África, algo que también se advierte por una parte, en el romanticismo bucólico y paisajístico, que a través de las notas, marca Patrick Doyle en su banda sonora y por otra, en las situaciones dramáticas y tensas vividas y  que encogen el alma.

          Recomendable para todos los amantes del cine con mayúsculas y del drama en particular

          Mi nota es: 9

          ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de Mayo

     

     REPARTO: David Oyelowo, Rosamund Pike, Jack Davenport, Laura Carmichael, Tom Felton, Charlotte Hope, Jessica Oyelowo, Nicholas Lyndhurst, Arnold Oceng, Jack Lowden, Terry Pheto, Vusi Kunene, Abena Ayivor, Donald Molosi, Gareth Matthews.   

          PRODUCTORA: Pathé      

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures