EL VIENTO ENTRE LAS CAÑAS: CRÍTICA DE CINE

El filme de animación, El viento entre las cañas, es una coproducción entre Francia y Bélgica. Está dirigida por Arnaud Demuynck, Nicolas Liguori, Anaïs Sorrentino, Rémi Durin y Madina Iskhakova.
A través de la lechuza Delfine, conoceremos cinco historias con un tema en común. La libertad. Fábulas en verso, al más puro estilo trovador. Las narraciones que nos acompañarán son: “Encajes y Dragones”, donde una niña se aburre jugando a juegos de niñas,  soñando con ser  un caballero andante y encontrándose por el camino otros personajes que tampoco están conformes con quienes son. “La caza del Dragón”, nos presenta a joven príncipe y su escudero que salen del castillo a cazar un dragón, dejando a la princesa en el castillo, pues esos juegos, supuestamente no son para niñas, lo que no saben es la sorpresa que ella,  les tiene preparados cuando regresen. “La niña y la Noche” un cuento sobre el nacimiento de las estrellas en los tiempos de la noche oscura, a la que todos temían. Nacimiento motivado por la encarcelación de un pájaro y  sus hermosas melodías.  “La Unicornio” una narración en la cual un rey se encapricha por poseer un unicornio hembra, tras ser apresada, el animal enfermará por no poder vivir libremente en el bosque, y la quinta historia  es la que da nombre al filme “El viento entre las cañas” Un trovador al acercarse a una comarca, descubre que el rey ha prohibido la música al quedarse el príncipe sordo y mudo, al regreso de  una batalla. El trovador y la hija pequeña de unos músicos,  se negarán a cumplir dicha orden y lucharán contra la tiranía del rey, alentando a los habitantes de la comarca.  

Un filme en el cual el objetivo principal es educar a los niños, sobre la importancia de la libertad, mostrando las consecuencias que se originan cuando una persona o un determinado colectivo de personas, se ven privadas de la facultad y derecho que tenemos todos los seres vivos, sin excepción.

Tanto la animación, como la música que acompaña a cada uno de los cuentos, recuerda a los antiguos trovadores, donde en la última historia veremos a uno de ellos. Trovadores  que viajaban de aldea en aldea, contando  historias de caballeros andantes y héroes de leyenda, educando con mensajes sobre la convivencia, la tiranía, el amor, la amistad o simplemente por el hecho de entretener. 

Un dibujo plano, con trazo grueso y sin apenas movimiento, pero suficiente para seguir con interés cada uno de los cuentos. Una obra destinada a los más pequeños de la casa, aunque a mi juicio, algunos mayores también deberían tomar ejemplo.

           El viento que sopla entre las cañas, es el viento de la libertad. No os olvidéis nunca de escuchar su música. Os cantará la melodía de la felicidad.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero

PRODUCTORA: Les Films du Nord.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Pack Magic.

ÖTZI, EL HOMBRE DEL HIELO: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Alemania, Italia y Austria, ÖTZI, el hombre del hielo cuenta con guion y dirección de Félix Randau.

Hace 5.300 años, en la Era del Cobre, en los Alpes Ótztal, vivía Kelab (Júrgen Vogel) el líder y cuidador del objeto sagrado del clan.  Un día sale de caza y a su regreso descubre que los miembros de otro clan, han dado muerte a todos los suyos, prendido fuego sus chozas y robado el objeto sagrado. Tan solo un niño ha sobrevivido a la matanza.

Decide ir detrás de los tres asesinos y ladrones de la caja que contiene la reliquia sagrada, en un viaje por las inhóspitas montañas de los Alpes, junto al niño superviviente y una cabra.  

Randau parte de la noticia que saltó a todos los medios de comunicación en 1991, cuando en los Alpes de Otztal  se descubrió, al que llamarían "Ötzi, el hombre de hielo", congelado y en perfecto estado. En un principio se pensó que se trataba de un alpinista, pero los análisis efectuados al cadáver, descubrieron que tenía una antigüedad de unos 5.300 años. Lo que también averiguaron es que había sido asesinado por una flecha que atravesó uno de sus pulmones. Nada más se sabe de él por muchos estudios que se han realizado en la zona. Félix crea una historia ficticia de venganza, para mostrar al espectador la crudeza de la naturaleza y lo duro que era sobrevivir.

Lo primero que sorprende, aunque por una parte es comprensible, es que la película, aunque sus personajes hablen en contadas ocasiones, su “idioma” no es traducido, lo que provoca un doble esfuerzo por parte del director y el espectador; el primero sustituyendo las palabras por la gesticulación y expresión corporal en sus personajes que el segundo, el espectador, pueda comprender e incluso poner las palabras que no existen. Ejercicio, a mi juicio, que Félix, logra con nota. Sabremos cuando están irritados, agradecidos, cansados,  sufriendo…

Una película donde la imagen y el sonido cobran toda la importancia, pues aunque el actor Júrgen Vogel, elabora un impecable trabajo y los pocos secundarios que le acompañan en ocasiones, cumplen con sus personajes; serán las imágenes fotografiadas por Jakub Bejnarowicz y la música compuesta por Beat Solèr, los verdaderos protagonistas del filme, cautivando al espectador y en particular, a los amantes de la naturaleza y de la montaña. Hay que destacar la excelente labor en el montaje a cargo de Vessela Martschewski.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero.

REPARTO: Júrgen Vogel, Susanne Wuest, Andre Hennicke, Sabin Tambrea, Martin Schneider, Franco Nero, Paula Renzler, Nora Pider y Ann-Birgit Höller.

         PRODUCTORA: Port au Prince Film// Kultur Produktion// Echo Films// Lucky Bird Pictures// Amour Fou Filmproduktion.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

LA CASA DE JACK: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Dinamarca, Francia, Alemania y Suecia, La casa de Jack, cuenta con guion y dirección de Lars von Trier. Un filme difícil de clasificar. Un thriller abrumador, narrado en cinco incidentes, con claras pinceladas de documental didáctico.

Jack (Matt Dillon) es entrevistado por Verge (Bruno Ganz), al que no veremos hasta la última parte de la película, pues la obra está dividida en cinco incidentes. El primero de ellos, el más breve y con un humor más negro, está interpretado, además de Matt, por Uma Thurman, la cual da vida a una mujer exasperante y obstinada, a la que mata con un gato hidráulico, en  un ataque, más que por desearlo, por desesperación. Único asesinato que despierta la simpatía del público, abriendo camino a un frenesí demencial y paranoico.

A partir de ese instante, las diversas partes, se van oscureciendo a medida que se crea una trama compleja, entre los asesinatos, las divagaciones y forma de ver la vida  Jack, un psicópata con un grave TOC (Trastorno Obsesivo Compulsivo) y fuerte endiosamiento; mientras responde a las preguntas de Verge.  Jack ve arte en cada uno de sus movimientos y actos.

Lars von Trier, resulta un director incómodo, por los temas que trata y la forma de narrarlos. Exquisito en su puesta en escena, no deja nada al azar, todo tiene un porqué y una explicación que se va dilucidando a medida que transcurre la historia. Una obra perversa, la que nos ocupa, que podría entenderse como una “flagelación” hacia su forma de percibir el arte y el proceso de creación de sus obras, desde el momento en que surge la idea en su mente, hasta su conclusión. Una tortura entre lo terrenal y lo intangible. Lo material (la sangre vertida) y el desenlace (la muerte)

Su ego será abducido por Jack, ese ingeniero que desea construir su propia casa y por más maquetas que realiza en su estudio y más ideas que va plasmando en el terreno a construir, la casa no toma la forma deseada, en parte por los materiales utilizados y sus débiles cimientos, teniendo que empezar una y otra vez desde el principio, lo que le lleva a la destrucción para de nuevo, crear; entre conversaciones filosóficas y artísticas que compartirá con su interlocutor. Conversaciones que nos llevan a esa parte documental de la que al principio hablaba, entre disertaciones sobre arquitectura o pintura.

Pero, la casa de Jack, es también una gran provocación visual y emocional, mostrando una absoluta misoginia, en la forma en que se deshace de sus víctimas femeninas, el presenciar  la matanza de animales o lo más impactante, al menos para quien os escribe, el ser testigo de la caza y muerte de dos niños y el ritual posterior con la merienda. Todo con una puesta en escena deshumanizada, cruel y desmesurada, demostrando su falta de pudor, de escrúpulos y su alto ego provocativo.

Faltan calificativos para esta obra  tan sádica y vil, en la cual su creador, nos va preparando para llevarnos a los infiernos en la Catábasis, donde Verges acompañará a nuestro protagonista al inframundo, haciéndose presente una vez más, el arte, a través del famoso cuadro de Delacroix “La barca de Dante”, entre el fuego eterno, los lamentos insoportables de las almas que allí se encuentran, el abismo sinfín y la agonía que le espera. Una obra que cuenta con una impactante y estudiada fotografía en la mirada de Manuel Alberto Claro y una espeluznante banda sonora en la batuta de Víctor Reyes.

Dejo para el final, la impresionante interpretación de Matt Dillon, al que perdemos de vista desde el instante en que Jack lo posee. Junto a él viviremos todas las demencias, atrocidades, locuras, divagaciones, excesos, miedos, obsesiones y egos, entre mucho más, con lo que debe lidiar su personaje. Una interpretación magistral, asumiendo la presión de un guion sobrecogedor, con múltiples lecturas que el espectador irá descubriendo, en sus dos horas y media de metraje. Un ejercicio en el cual se desgranan las miserias del ser humano, cuando éste pierde la razón.

Debo advertir a los lectores de esta crítica, que si son aprensivos, no vayan a verla. Es un filme que se antoja altamente despiadado. Estamos ante una gran película, un diamante en bruto  que te destrozará sin piedad, por muy dura que tengas el alma.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero

REPARTO: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Sofie Gräbøl, Siobhan Fallon, Ed Speleers, Osy Ikhile, David Bailie, Yu Ji-tae, Marijana Jankovic, Robert G. Slade.

PRODUCTORA: Zentropa Productions// Radio (DR)// Film// Väst

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

THE OLD and THE GUN: CRÍTICA DE CINE

The old Man and the Gun, está dirigida por David Lowery compartiendo guion  con David Grann.

Forrest Tucker (Robert Redford) tiene 70 años y continúa robando bancos. Su método sorprende a todos, por su atuendo, su gran educación y aunque siempre muestra un arma, nunca la ha tenido que usar. Roba por el placer de hacerlo, pues los fajos de billetes,  los guarda bajo el suelo de la casa.

En la carretera, huyendo de la policía, se encuentra con una mujer cuya furgoneta está averiada, para despistar a sus perseguidores se detiene a ayudarla. Jewel (Sissy Spacek) resulta ser una anciana encantadora y entre ambos comenzará una buena amistad.

The old Man and the Gun, está basada en hechos reales  sobre un artículo de David Grann. Tucker fue un ladrón profesional, conocido como el artista del escape, pues desde la primera vez que fue ingresado en un Internado con  15 años, se fugó un total de 18 veces, siendo la más famosa de sus evasiones, la perpetrada en la prisión estatal de San Quintín en 1979. Su último robo lo realizó en el año 2000, cuando contaba con 80 años.

Para encarnar a dicho personaje, David Lowery ha contado con una estrella que sigue brillando en el firmamento de los grandes actores norteamericanos, Robert Redford, quien comentó cuando aceptó el papel, que sería su retirada definitiva. Un papel a su medida. Una tierna y entrañable comedia, que nos hace esbozar sonrisas y disfrutar de quien aún tiene la capacidad de llenar la gran pantalla, con su sola presencia.

    

           Elegancia, saber estar, carisma y esa mirada de picarón/seductor que aún permanece tras las arrugas que cubren su rostro. Protagonista de películas como: “Dos hombres y un destino”  y “El golpe” con el inigualable Paul Newman, o en las que intervino con otras grandes estrellas como Dustin Hoffman en “Todos los hombres del presidente” o la gran dama Meryl Streep en “Memorias de África”. Un actor y director con una filmografía apasionante, la propia de una estrella de su altura. Ahora, en su despedida, nos regala una pequeña y deliciosa película rodeándose de otros astros de ese firmamento, que podemos leer y ver en el filme.

Un filme, ameno, dirigido con un respeto y cariño encomiable. Narrado con una exquisita sensación de estar dentro de una fábula, sin importarnos mucho si el personaje fue real o no, que lo fue. La ciudad en la que vive e incluso su historia, que se narra de forma escueta.  Tan solo observar a Forrest Tucker, vestido impecablemente, a cara descubierta donde las arrugas muestran el paso inexorable del tiempo, su gorro, el maletín, la pistola que vemos en muy pocas ocasiones, pero sabemos que muestra a los cajeros de los bancos y la elegancia con la que atraca, siempre esbozando una sonrisa e incluso tranquilizando a quien está atracando, ya merece la pena estar sentado en la butaca.

Dos geniales  y hasta seductoras interpretaciones por parte de Robert y Sissy. La madurez tiene esa virtud de provocar relax y esa es precisamente la sensación que percibe el espectador en cada plano que ambos están.

Lowery ha contado con Joe Anderson, como fotógrafo, quien ha sabido dotar a cada plano de una magia especial, advirtiéndose más que viéndose. Hay sensibilidad y pasión en los encuadres y la iluminación, al igual que en las notas de la banda sonora a cargo de Daniel Hart.  Un filme que todo amante del cine debería ver, para entender por qué las grandes estrellas iluminaban e iluminan con su trabajo, las pantallas de todo el Planeta.

El cine está escrito con letras de oro, con polvo de estrellas y con aura de leyendas.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero

REPARTO: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Tom Waits, Isiah Whitlock jr., Robert Longstreet, Keith Carradine, Jordan Trovillion, John David Washington, Augustine Frizzell, Barlow Jacobs, Gene Jones, Leah Roberts, Kevin McClatchy, Patrick Newall, Todd Terry, James Siderits, Christine Dye y Toby Halbrooks.

PRODUCTORA: Identily Films// Wildwood Enterprises// Endgame Entertainment// Conde Nast Entertainment// Sailor Bear.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España

EL BLUES DE BEALE STREET: CRÍTICA DE CINE

        Basada en la novela del escritor afroamericano James Baldwin, El blues  de Beale Street, está dirigida y adaptada por Barry Jenkins (Moonlight). Una obra romántica, desgarradora y  melancólica, como las notas de un blues.

Tish (Kiki Layne) y Fonny (Stephan James) se conocen desde niños y desde esa  temprana edad, nunca se han separado. Su amor ha ido creciendo al igual que sus cuerpos, liberados de todo pudor y deseos más allá de los que la naturaleza del ser, les reclama.

El destino les reservada una gran prueba. Fonny es acusado injustamente de violación, siendo encarcelado, mientras que Tish descubrirá que está embarazada. Su familia se alegrará de la noticia, mientras que entre la de Fonny, solo compartirá dicha felicidad, el padre de él. Pero Tish atesora un único pensamiento, lograr sacar libre a su gran amor, demostrando su inocencia,  antes de que nazca su hijo.

Barry Jenkins, en su tercer largometraje y tras el arrollador éxito de Moonlight en el 2016, nos presenta un nuevo enfoque del racismo en Estados Unidos, en esta ocasión a través de una pareja afroamericana en la cual él es acusado de violación, sin ninguna prueba, mientras ella, embarazada de tres meses, luchará sin cuartel para probar su inocencia. Un drama romántico a través de una narración fragmentada, en la cual sus constantes flashback, nos irán mostrando los instantes más importantes desde una niñez y amistad compartida que va creciendo en el tiempo, hasta llegar a ser inseparables. Un amor puro, de esos que se sueña tener y que rara vez se logra.

Pero a Jenkins no le gustan las cosas fáciles, nos dará una de cal y otra de arena, convirtiendo a sus personajes en la gran diana sobre la que descargar las críticas sociales y políticas de su país, sobre los suyos: Los  afroamericanos. Una vez más, lo logra de forma elegante, sutil y exquisitamente visual. De este último aspecto, hablaré más adelante.

Continúa en su lucha de concienciación sobre el racismo actual en los Estados Unidos, aunque en esta ocasión nos lleve a la década de los setenta del pasado siglo. Una lucha por obtener la verdad ante una justicia que permanece impasible, ciega y muda, cuando  un hombre o mujer de raza negra, se tiene que enfrentar a un tribunal. Aquí no se cumple la expresión: “Eres inocente, hasta que se demuestre lo contrario.

En esta ocasión, Barry ha contado con un presupuesto de 12 millones de dólares, (el de Moonlight  fue de un millón y medio aprox.) siendo respaldada una vez más por la productora de Brad Pitt, Plan B Entertainmen, entre otras, y lo ha sabido aprovechar. Impactante, visualmente, en cada uno de los detalles. No en vano, ha vuelto a confiar en parte del equipo de su anterior filme, entre ellos ha contado con Caroline Eselin-Schaefer quien recrea un vistoso vestuario entre prendas elegantes e informales. James Laxton, a través de su magnífica y poética fotografía, con  un cuidadísimo uso del color y de los encuadres, para trasladarnos a otro tiempo. La dramática y envolvente banda sonora de Nicholas Britell, que te arropa  o te azota, según los instantes mostrados, y no deseo olvidarme del montaje de Nat Sanders, equilibrado y correctísimo, otorgando el dinamismo preciso que requiere el filme.

        He dejado para el final, al extraordinario elenco actoral. Todos y cada uno de ellos,  impecables en sus personajes, destacando a la pareja protagonista quienes desbordan amor, resignación y complicidad... Te van atrapando  entre sus vidas, sus sueños, sus deseos de formar una familia, sus miradas, sus silencios y el dolor profundo e injusto, que les mantiene en un sinvivir. Mención especial para esa madre coraje y luchadora, interpretada por Regina King.

Una vez más, Barry Jenkins, nos demuestra su talento y extraordinario uso de la cámara, ofreciendo con ella,  una narración extra, traspasando esa frontera invisible y calar hasta lo más profundo en el alma del espectador, mientras nuestro ser se embelesa con el cálido romanticismo que destilan sus protagonistas.

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero

REPARTO: Kiki  Layne, Stephan James, Diego Luna, Pedro Pascal, Teyonah Parris, Regina King, Colman Domingo, Brian Tyree Henry, Ed Skrein, Michael Beach, Emily Rios, Finn Wittrock, Dave Franco, Aunjanue Ellis y Faith Logan.

PRODUCTORA: Annapurna Pictures// Pastel// Plan B Entertainmen

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

UNO MÁS DE LA FAMILIA: CRÍTICA DE CINE

Uno más de la familia está dirigida por Charles Martin Smith, con guion de W. Bruce Cameron y Cathryn Michon.  Hay lazos que la distancia, no puede romper.

Lucas (Jonah Hauer-King)  lleva alimento a unos gatos que viven entre los escombros de una casa derruida, justo frente a la suya. Un día, de entre las maderas, aparece una pequeña perrita, a la que pondrá de nombre Bella, (voz original de Bryce Dallas Howard) cuando decide adoptarla, tras el consentimiento de su madre (Ashley Judd) advirtiéndole que deben tener cuidado, pues en el contrato de alquiler, prohíbe  tener animales en la casa.

Una serie de circunstancias, provocan que a Bella la lleven al hogar de unos familiares, para no ser encerrada por orden del ayuntamiento.  Aunque ella se encuentra cómoda con los nuevos humanos, echa de menos a Lucas y decide escaparse, emprendiendo un viaje de más de 600 km.

Una película amable, sensible y emotiva, que te transporta por la vida y la naturaleza, a través de las cuatro estaciones entre la ciudad, el campo, la montaña y los bosques, disfrutando de los cuatro elementos: Viento, Tierra, Agua y Fuego. Vida abriéndose camino, en busca del amor y la amistad verdadera.

 Junto a  nuestra pequeña amiga de cuatro patas, correremos sus andanzas, desde el instante en que decide regresar a casa, al lado de Lucas,  entre camadas de perros que van de un lugar a otro de la ciudad, dejándose alimentar por sus habitantes. Internándose en un bosque donde se encontrará con la  cría de un puma, a quien confunde con un gato grande y determina protegerlo, como en su día hicieron con ella. Sacará valor para enfrentarse a lobos hambrientos o caminando entre la nieve, ayudar a otro perro a rescatar a su dueño que ha quedado enterrado tras una avalancha, llegando al momento dramático que vivirá junto al vagabundo, Axel (Edward James Olmos)

Vivirá bajo el calor y el amor de una pareja de chicos, con los cuales  pasará el invierno, pero Bella, es fiel a sus ideales y sueños. Serán muchas las aventuras y desventuras de nuestra pequeña perrita, durante esos 600 kilómetros y más de dos años para ver cumplido su deseo.

Una emotiva hazaña, con un gran valor educativo que nos habla de la supervivencia,  la convivencia, la solidaridad, el valor, la entereza, la protección, el amar y dejarse amar, el compañerismo, el compartir, el respetar los espacios de los demás, el ser agradecidos y por encima de todo, no perder nunca la esperanza, aunque la vida nos dé un revés.

Una vez más, el cine nos ofrece un filme afable, que se disfruta de  principio a fin entre la exquisita banda sonora de Mychael Danna, la maravillosa narración en la voz de Bryce Dallas Howard, encarnando a Bella y la deliciosa fotografía de Peter Menzies Jr. Un filme para soñar despierto, para sonreír a la vida y alejar todo lo negativo que tenemos a nuestro alrededor. Aunque uno se resista, nos toca la fibra.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Enero

REPARTO: Ashley Judd, Alexandra Shipp, We Studi, Edward James Olmos, Chris Bauer, Barry Watson, Tammy Gillis, Jonah Hauer-King, Patrick Gallagher, Farrah Aviva, Veenu Sandhu, Lucia Walters, John Cassini, Spencer Drever, Jennifer Gibson, Benjamin Ratner, Leo Li Chiang, Lane Edwards, Darcy Laurie, Arielle Tuliao, Kimi Alexander, Javier Lacroix, Troy Rudolph, Sean Quan, Rolando Boyce, Cesar De León, Broadus Mattison, Jesse Miller, Gregory Tunner.

PRODUCTORA: Columbia Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.