EL DÍA QUE VENDRÁ: CRÍTICA DE CINE

Basándose en la novela de Rhidian Brook, El día que vendrá, está adaptada por Joe Shrapnel  y Anna Waterhouse, bajo la dirección de James Kent.

Ha finalizado la II Guerra Mundial, estamos en el invierno de 1946 en Hamburgo y Rachael Morgan (Keira Knightley) se reúne con su marido, el coronel británico, Lewis (Jason Clarke), cuya misión es la de reconstruir la ciudad y mantener el orden.

Lo que ignora Rachael es que la gran mansión en la que van a vivir, la debe compartir con sus antiguos propietarios, un alemán viudo, Stephan Lubert (Alexander Skarsgård) y su adolescente y rebelde hija, Freda (Flora Thiemann), quienes se alojarán en la parte superior de la vivienda, mientras que Rachael y su marido, lo harán en la zona baja, la más lujosa. Pronto surgirán las  inevitables hostilidades entre vencedores y vencidos, además de los fantasmas que cada uno lleva consigo.

James Kent, siempre se sintió muy cómodo en el documental, como ha comentado en más de una ocasión, pero un día debido a las modas televisivas, decidió pasarse al drama argumental, realizando para la televisión “El secret diaries of Miss Anne Lister” 2010 y más recientemente en 2016  la miniserie de ciencia ficción “22.11.63”. En España hemos podido ver su ópera prima “Testamento de Juventud” 2014, basándose en un relato autobiográfico de Vera Brittain durante la I Guerra Mundial, en formato DVD.

En esta ocasión, Kent, nos lleva  a la postguerra de la II Guerra Mundial, donde como siempre he dicho, en una guerra, no hay ganadores ni derrotados, todos son perdedores y durante ese tiempo tan crucial es inevitable que no surjan los conflictos provocados por la hostilidad, el dolor, la pérdida, el rencor, las pasiones, el recuerdo de los que no volverán y las traiciones. Tiempos de nubes plomizas. Tiempos en los que ambos bandos deben levantarse y recuperar aquello que han destruido por el afán de unos pocos en sus sueños de alcanzar el poder, ponderar la ambición y el propio ego. Y como es habitual, entre el dolor y el sufrimiento, el amor se abrirá camino. El amor, ese sentimiento tan puro que en ocasiones el hombre ha “violado” malinterpretándolo, demuestra no conocer de rivalidades, sino de emociones y sentimientos. Un deseado y tupido abrigo ante la soledad y el dolor.

James Kent ha logrado crear esa quebradiza atmósfera a través del invierno de Hamburgo, en el cual el frío y la nieve se muestran como símbolos  del estado de ánimo de sus protagonistas, en contraposición ante calor que desprenden los hogares a través de las chimeneas de leña, buscando un lugar seguro entre tanta tristeza y resentimiento. Es tiempo de curar las heridas. Elegantes alegorías retratadas por la exquisita fotografía de Franz Lusting y la sutil banda sonora en las notas de  Martin Phipps.

Actuaciones  correctas, destacando al trio protagonista: Keira Knightley,  en un personaje que ha creado una falsa coraza para no permitir que su vulnerabilidad quede al descubierto, al igual que el dolor que atenaza su alma, sin saber cómo remediarlo. Alexander Skarsgård, nos muestra en su personaje que las emociones humanas están por encima de cualquier catástrofe o secuela de una guerra. Prefiere amar que odiar y Jason Clarke, cerrando su corazón al dolor e intentando olvidar dedicándose en cuerpo y alma a su cargo de militar, no siendo consciente de que su esposa precisa más atenciones que nunca.

Estamos por tanto, ante un drama clásico, de los de antes, dirigido con temple, con una extraordinaria fotografía como ya he mencionado, el correcto y elegante vestuario de Bojana Nikitovic  o la dirección artística de Lucienne Suren.  Una obra que nos hace reflexionar y disfrutar por igual.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

REPARTO: Keira Knightley, Alexander Skarsgård, Jason Clarke, Kate Phillips, Claudia Vaseková, Fionn O´Shea, Alexander Scheer, Tom Bell, Frederick Preston, Joseph Arkley, Jim High, Abigail Rice, Anna Katharina Schimrigk, Jannik Schümann, Flora Thiemann, Logan Hillier.

PRODUCTORA: Fox Searchlight// Scott Free Productions// Amusement Park Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

MIA Y EL LEÓN BLANCO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Sudáfrica y Alemania, Mia y el León Blanco, está dirigida por  Gilles de Maistre con guion de Prune de Maistre y William Davies.

Mia (Daniah De Villiers) tiene 11 años y sus padres: Alice Owen (Mélanie Laurent) y John Owen (Langley Kirkwood)  se mudan a África, junto a su hermano pequeño, Mick (Ryan Mac Lennan). Su padre retomará el negocio familiar  de cría de animales salvajes para vender a los Zoos o protegerlos en su hábitat, pero Mia no se siente adaptada al nuevo hogar, su única evasión son sus llamadas vía Spyke, con un amigo de Londres, hasta que éste un día le dice que está ocupado y cuelga.

En la granja ha nacido un león blanco, al que llamarán, Charlie, que sigue a Mia a todos sitios, ella lo ignora, hasta que un día se interesa por él. Ambos crearán un fuerte lazo de amistad que John desaprueba, pues piensa que un león jamás podrá ser amigo de un humano, cuando este crezca. Pasados tres años, Charlie ya es adulto y John decide venderlo. Mia intentará impedírselo y descubrirá por casualidad, un secreto que guarda su padre.

Debo reconocer, que siento debilidad ante las películas interpretadas por niños y animales, y si encima están rodeados de naturaleza en su máxima expresión, me acomodo y me dejo llevar por la historia que desean contarme.

Para saber cómo esta película ha llegado por fin a la gran pantalla, tenemos que remontarnos primero, al origen. En un viaje a Sudáfrica, Prune y  su marido, el director Gilles de Maistre, conocieron a un niño que vivía en una granja de leones, el cariño que tenía por ellos era absoluto. Un día se enteró  que su padre los criaba para venderlos a cacerías organizadas. Prune se sintió conmovida por la historia y decidió escribirla.

El segundo punto a tener en cuenta, es el más importante y laborioso, cinematográficamente hablando. Pues a diferencia de tantas películas donde priman los efectos visuales, aquí no hay ni trampa ni cartón. Giles decidió que para filmar dicha obra, el león y la niña debían conocerse y para ello, no solo la joven tendría que pasar un casting, sino que los padres y la niña vivieran en el entorno del león. Cuando nació Charlie, Daniah tenía 11 años y tuvo que convivir durante tres años con el cachorro, hasta que se hizo adulto, comiendo juntos, jugando y viéndose prácticamente todos los días. La amistad que surgió entre ambos, logra que en la gran pantalla brote la sorpresa, la emoción y ese halo romántico que se despierta hacia la vida, la naturaleza y por supuesto, sobre los animales.

Ese viaje que la joven emprende con Charlie ya adulto, en busca de la reserva en la cual no podrá ser cazado,  maravillosamente filmado, al más puro estilo documental por Gilles de Maistre, junto a su director de fotografía Brendan Barnes y arropados por la banda sonora compuesta por Armand Amar; a los amantes de la aventura, de la naturaleza y de los animales, nos hace viajar hasta la sabana africana y caminar junto a ellos entre elefantes, hienas, cebras y por supuesto leones.

Un filme que se disfruta en cada fotograma desde el inicio hasta el final, a través de unas correctas interpretaciones, destacando con todos los honores, a la joven Daniah De Villiers, que traspasa  la gran pantalla, con su ternura, su complicidad, su maravillosa sonrisa y ansia de libertad.

La idea del filme es clara y por si el espectador estaba demasiado cautivado por la historia que ha visto, Gilles se lo recuerda en los títulos de crédito. La necesidad de apoyo para proteger a los leones, la vida salvaje, donde muchas especies están en peligro de extinción  y la naturaleza, que se abre en el Sur de África.

Un canto a la vida, en una historia recomendada para toda la familia.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

REPARTO: Daniah De Villiers, Mélanie Laurent, Langley Kirkwood, Ryan Mac Lennan, Lionel Newton, Lillian Dube y Brandon Auret.

PRODUCTORA: Galatée Films// Outside Films// Film Afrika Worldwide// Pandora Films// M6 Films// Cana+//

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

LO DEJO CUANDO QUIERA: CRÍTICA DE CINE

         La comedia, Lo dejo cuando quiera, está dirigida por Carlos Therón y cuenta con guion de Cristóbal Garrido y Adolfo Valor.

Una historia que nos narra las aventuras y desventuras de tres amigos: Pedro (David Verdaguer), Arturo (Ernesto Sevilla) y Eligio (Carlos Santos) quienes se conocieron en la universidad y aunque como jóvenes deseaban asistir a las fiesta que se organizaban en el campus, dedicaron todo el tiempo a sus carreras. En la actualidad, los tres añoran los años perdidos en su juventud.  

Pedro se ve despedido como profesor, tras pedir un puesto de mayor importancia. Un día decide probar, involucrando a sus dos amigos, el producto en el que estaba trabajando, un complejo vitamínico, descubriendo, tras sus efectos, que están ante una nueva droga que da la felicidad. Deciden, tras un intento fallido,  ponerla en circulación en una discoteca. Cuando el dueño del local, Tacho (Ernesto Alterio) se da cuenta de lo sucedido, les llamará a su oficina.

Carlos Therón ha dirigido comedias como: “Impávido” 2012  o la reciente “Es por tu bien” 2017 y ha sido galardonado con numerosos premios por sus cortometrajes, entre los que se encuentran: “La ley de Murphy” 2000, “Interruptus” 2003 o “Impávido” 2007 que luego llevaría al largometraje. Ganó también el Goya por su cortometraje documental "En la cuna del aire".

“Lo dejo cuando quiera”, aun sin ser original, ya que es un remake de una cinta italiana titulada "Smetto quando voglio" y tirando de algunas situaciones ya vistas, resulta divertida y muy entretenida. Un disparate bien dirigido donde sus actores, la mayoría conocidísimos por el público televisivo, logran salir de sus zonas de confort, para meterse en la piel de los nuevos personajes. Una locura por momentos incompresible, pero que francamente me ha dado igual, se podría decir que las drogas y el deseo de divertirse tienen la culpa, y  lo consiguen. Entiéndase, las drogas en la película. Por otra parte, no sería una comedia sino estuviera rodeada de disparates, locuras y situaciones extremas, gracias en gran parte a  un guion bien construido, de la mano  de Cristóbal Garrido y Adolfo Valor. Para mi gusto, supera a la original.

En toda buena comedia debe sobresalir, además de lo ya mencionado como es el caso de una interesante historia y una buena dirección, sus actores. Un correcto casting del cual  Carlos ha logrado sacar de su encasillamiento a algunos de ellos y de esta manera, lograr empatizar con sus nuevas actuaciones. Personalmente, me ha servido para “reconciliarme” con un actor que consideraba demasiado viciado en su propio mundo  y aquí, Ernesto Sevilla, está divertidísimo sin tener que recurrir a su habitual humor y chascarrillos. Tres actores principales cuya complicidad resulta indiscutible, defendiendo a tres personajes con personalidades muy diferentes, conociéndose desde sus tiempos de estudiantes y unidos en el presente en lo bueno y lo malo, en las aventuras y las desventuras, en los amores y desamores. A destacar a un sobresaliente Ernesto Alterio.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

REPARTO: David Verdaguer. Ernesto Sevilla, Carlos Santos, Ernesto Alterio, Cristina Castaño, Miren Ibarguren, Amaia Salamanca, Pedro Casablanc, Gracia Olayo y Luis Varela.

PRODUCTORA: Telecinco Cinema// Mod Producciones// Mediaset España// Movistar+// Sony Pictures España.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

QUIERO COMERME TU PÁNCREAS: CRÍTICA DE CINE

Basada en la novela de Yoru Sumino, Quiero comerme tu páncreas, está adaptada y dirigida por, Shin`ichirô Ushijima.

Un joven espera su turno en la consulta de un hospital, cuando se encuentra con un libro que lleva como título “Convivencia con la enfermedad” escrito por Sakura Yamauchi, una compañera de clase. En dicho diario, narra su enfermedad terminal de páncreas y que sabe que le queda poco tiempo de vida. El chico le entrega el diario a Sakura, cuando esta regresa a por él.

Sakura busca su amistad, pero el joven, del que no sabremos su nombre  hasta el final de la película, se siente abrumado. Él es un chico introvertido, sin amigos; su mundo son los libros y su trabajo en la biblioteca, además de los estudios; pero Sakura es muy insistente. Ambos son  polos opuestos.

Cómo pueden confundir algunos títulos y sorprender gratamente cuando estamos ante un filme tan delicado como el batir de las alas de una mariposa o la belleza de ver florecer los cerezos en primavera. “Quiero comerme tu páncreas” posee la esencia del romanticismo  y de la verdadera amistad. Fue escrito por Yoru Sumino e ilustrado por Idumi Kirihara, convirtiéndose en un absoluto best seller en Japón y llevándose al cine en dos ocasiones, la primera en imágenes reales, “Lest Me Eat Your Pancreas” 2017 dirigida por Shô Tsukikawa y ahora esta nueva versión en animación.

Shin`ichirô Ushijima, en su debut cinematográfico, nos presenta esta maravillosa historia a través del dolor y la soledad, de la amistad y del miedo a la misma, de la pasión por vivir disfrutando de cada instante y de quienes viven encerrados en sí mismos, sin saber cómo salir de su cautiverio, en definitiva, de la vulnerabilidad del ser. Sentirán como despiertan los cerezos tras el largo invierno, pacientes, sabiendo que su momento llegará, al igual que irán brotando la emociones en el joven.

Un filme que va cautivando al espectador entre intensos diálogos, dignos de ser estudiados, ante la profundidad y verdad  que encierran, y el bien que pueden causar  a aquellas personas  desvalidas ante la enfermedad, la soledad u otros problemas, cuando estos además se ceban en los más jóvenes. Una mirada tierna a la esperanza.

Una película que atrapa fotogramas a fotogramas, o tal vez debería matizar, ilustración a ilustración, de una asombrosa belleza, creando imágenes que parecen reales, como es el caso de los coches, los tranvías o los trenes, cuando estos están en movimiento, todo bajo una exquisita paleta de color y estampas tan reconocibles del universo manga.

Una obra que nos acuna con su extraordinaria banda sonora, compuesta por Hiroko Sebu, donde las notas de su delicada partitura, contagia: sonrisas, lágrimas, resignación, optimismo, sueños y hasta comprensión, en cada momento, en cada situación, que las imágenes así lo requieren.

“Somos las decisiones que tomamos”

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

PRODUCTORA: Studio VOLN

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Visión.

EL PARQUE MÁGICO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y España, El parque mágico, está dirigida por Dylan Brown, con guion de Josh Appelbaum y André Neme,   quienes comparten historia junto a Robert Gordon.

 

June es una niña feliz, hiperactiva y con una gran imaginación, que alimenta cada día su madre. Entre ambas han creado un gran universo, un parque mágico dirigido por diversos animales, entre los que se encuentran: el relaciones públicas del parque, un oso azul y bonachón (boomer). Una inteligente y siempre positiva jababí (Greta). El guarda de seguridad, el puercoespín (Steve). Los juguetones castores (Gus y Cooper) y el creador de juegos del parque, el chimpancé (Peanut), quienes además cuidan de las instalaciones y de entretener a los visitantes.

La mamá de June tiene que ser ingresada en un hospital y le hace saber a su hija, que debe pasar un periodo de tiempo en el hospital para curarse y que ella, deberá portarse bien con su padre. June se queda triste y renuncia al gran juego que habían creado las dos, sin ser consciente de que ese mundo ha cobrado vida en otro espacio, en el que entrará por casualidad, descubriendo que todo ha cambiado, tras haberlo abanado.
El filme ha sido producido por Paramount Pictures y Nickelodeon Movie, contando con el estudio español de animación llion Animation Studios, quienes se han encargado de llevar la historia a la gran pantalla;  por eso no os extrañéis ver tantos nombres  de artistas españoles en los títulos de crédito. Un estudio que aun siendo tan joven (se fundó en 2002),  debe sentirse orgulloso de desarrollar películas con  tan magnífica calidad, recordemos su anterior filme  “Planet 51” y ahora “El parque mágico”

El parque mágico, es un espectáculo delicioso, divertido y entretenido, cargado de acción y con un gran ritmo. En todo momento están sucediendo cosas. Los más pequeños vivirán aventuras  junto a unos personajes entrañables, en torno a la pequeña June y el mundo que ha creado junto a su madre. Entre juegos aprenderán lecciones tan importantes como el no dejarse abatir,  no olvidarse de desarrollar la imaginación y conservar los sueños, ser positivos ante las adversidades y luchar siempre en defensa de la luz ante la oscuridad. Del bien ante el mal. En definitiva,  aprender a madurar y  valorar lo importante de la vida.

Una comedia de aventuras, creada por ordenador y contando con una espectacular paleta de color, haciendo las delicias de los más pequeños. Extraordinaria iluminación rodeada de tonalidades vivas y muy visuales. Un divertimento para toda la familia, sin decaer en ningún momento; despertando sonrisas entre sus sencillos diálogos y dejando ese poso emocional, que no confundir con sensiblero. Una propuesta perfecta para estas fechas que se avecinan.

Mi nota es 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

PRODUCTORA: Ilion Animation// Nickelodeon Movies// Paramount Animation// Midnight Radio// Village Roadshow.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

LA CANCIÓN DE MI PADRE: CRÍTICA DE CINE

    Dirigida por Andrew Erwin y Jon Erwin, La canción de mi padre,  cuenta con una historia escrita por Alex Cramer, John Erwin y Brent McCorkle y está adapta por los propios Jon Erwin y Brent McCorkle.

    Bart Millard (J. Michael Finley) desde niño sufrió viendo como su padre Arthur Millard (Dennis Quaid) maltrataba a su madre y le daba palizas a él. Un día su madre lo lleva a un campamento cristiano y a la vuelta de él, comprueba que no está en casa, es entonces cuando el padre  le comenta que su madre les ha abandonado,  porque no les quiere a ninguno de los dos.

    Brat tiene una gran amiga de la infancia, Shannon (Madeline Carroll) cuyo amor perdurará en el tiempo, incluso en los momentos de debilidad de Brat, quien un día tras graduarse decide irse a Oklahoma, donde conocerá a los componentes de una banda que buscan un vocalista, esa banda la conoceremos como MercyMe.

    MercyMe es una banda cristiana estadounidense de rock fundada en Edmond. Está compuesta por: el vocalista Bart Millard, los guitarristas Michael Scheuchzer y Graul Barry, el teclista James Bryson, el bajista Nathan Cochran y  el percusionista Robby Shaffer. Su manager sigue siendo el mismo al que un día Bart invitó a que  les viera en uno sus conciertos y presintió que aquel grupo tenía potencial, aunque les faltaba lo más importante: el alma.  Ese visionario fue, Scott Brickell, a cuya casa le puso el nombre de “Imagine Acres.

    La canción de mi padre, es un biopic modesto, pequeño, pero con mucha verdad, basada en hechos reales. Una historia conmovedora, en la cual tomarán partido la culpa, el perdón, la esperanza y la redención, a través de una familia, donde desgraciadamente, el marido/padre resultó ser muy violento con su mujer y su hijo, a causa de sus luchas y frustraciones por no haber logrado sus sueños. Agresividad que llevó a la mujer e hijo, a abandonarle.

    Brat no desiste en ningún momento de su sueño y arrastra a sus compañeros de banda, a no quedarse en un grupo modesto, sino intentar alcanzar la cima, algo que se le resiste en un principio, porque en su interior existen demasiadas sobras que no le dejan brillar. Será en un momento determinado de su vida, algo que descubriréis vosotros, cuando compone “I Can Only Imagine” el gran éxito de la banda, logrando un triple disco de platino y convirtiéndose en la canción nº1 en EE.UU. Fue el primer single de estudio de Almonst There.

    Un nuevo filme del denominado cine cristiano que se va abriendo un hueco en la gran pantalla año tras año, contando historias reales donde la fe y la oración, son el denominador común, entre diálogos sencillos. Cuenta con una dirección correcta al igual que sus interpretaciones, destacando la emotiva banda sonora de Brent McCorkle

Mi nota es: 6

MUSICA: Brent McCorkle

FOTOGRAFIA: Kristopher Kimlin

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril

REPATO: J. Michael Finley, Dennis Quaid, Cloris Leachman, Madeline Carroll, Trace Adkins, Priscilla Evans Shirer y Brody Rose.

PRODUCTORA: Kevin Downes// Mission Pictures International// Imagine Rights// LD Entertainment//Toy Gun Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory.