BOSQUE MALDITO: CRÍTICA DE CINE

Bosque Maldito cuenta con guion de Lee Cronin y Stephen Shields y está dirigida por Lee Cronin.

Sarah O´Neill (Seána Kerslake)  decide romper con su pasado y se traslada con su hijo Chris O`Neill (James Quinn Markey) a un caserón cerca de un gran bosque, para emprender una nueva vida. Madre e hijo se llevan muy bien aunque Chris echa de menos la ciudad y sus amigos. Un día Chris se enfada con su madre y se interna en el bosque, perdiéndose. Sarah lo busca, descubriendo como en medio de ese bosque, existe un gigantesco cráter. Regresa a casa con la esperanza de que su hijo haya regresado. Chris aparece al poco tiempo, pero algo ha cambiado en él.

La infancia, de nuevo, como hilo conductor de una película, y es que sin la menor duda, la fragilidad que ofrece un niño, tanto física como psicológicamente, siempre nos mantiene alerta y con ese instinto de protección, sea o no de nuestra propia sangre. En “Bosque maldito” que yo prefiero una vez más su título original “The Hole in the Ground” (El agujero en el suelo), Cronin nos interna en ese mundo a través de Chris y Sarah.

Lee Cronin, escritor y director irlandés, antes de ofrecernos su ópera prima “Bosque maldito” dirigió algunos cortometrajes “Through the Night” 2010, “BillyandChuck” 2011, hasta llegar su obra más premiada “Tren fantasma” 2013 ganando importantes premios entre ellos el Mélièr d`Argent al mejor cortometraje fantástico europeo. En 2016 junto a otros directores, colaboró en “Minutes Past Midnight” con una pequeña pieza, ahora nos llega con este filme de terror, como me gusta denominarlo: "familiar" y que por sí mismo, se está convirtiendo en un subgénero, pues ya va siendo habitual ver películas donde las relaciones madre e hijo, son frecuentes.

Antes de nada, comentaros que Bosque Maldito, es uno de esos filmes de bajo presupuesto y que aunque considero que es una obra para ser disfrutada y degustada por los exquisitos del género, presenta algunas carencias, como es el abuso de la oscuridad, que si bien en algunos instantes es necesaria para crear cierta atmósfera, entre esas tonalidades grisáceas, que como nubes plomizas parecen caer sobre los personajes, en otros momentos, nos obliga, en demasía, a esforzarnos por ver lo que no podemos ver y creemos necesario visualizar.

No es un filme que ofrezca una historia original en un principio, pues no desvelo nada, al decir que estamos de nuevo ante una posesión de un niño, porque ya en la propia publicidad del filme reza “Qué pasa si el mal se apodera de tu hijo” intuyendo que Bosque maldito entra en ese apartado de filmes de invasiones que los amante al cine recordarán títulos como: “La invasión de los ladrones de cuerpos” de Don Siegel 1956 o el remake de 1978, “La invasión de los ultracuerpos”  de Philip Kaufman, sin olvidarnos de “Secuestradores de cuerpos” de Abel Ferrara 1993. La diferencia entre las mencionadas y la que nos incumbe ahora, es la relación madre e hijo y este sin la menor duda es el gran fuerte de la película.

Seána Kerslake y James Quinn Markey, nos hacen olvidarnos en más de una ocasión, que estamos ante un filme de terror, porque en realidad, no es una película de miedo al uso, más bien es una obra que parece querer invadir nuestro espacio vital. Uno de esos filmes invasivos a través del cual, la vulnerabilidad queda al descubierto, como le sucede a nuestros personajes. Por un lado tenemos a la madre amorosa y protectora que intenta dejar un triste pasado tras ellos, aunque no nos lo diga con claridad y ese niño, que como cualquier infante, no comprende los cambios tan drásticos que provocan los adultos. Una perfecta relación madre e hijo que tras una discusión y ese internamiento en el bosque del joven, todo cambia para entrar en el lado más perturbador del filme.

Bosque Maldito es una película incómoda y angustiosa en la cual, desgraciadamente, Lee Cronin, aun con una excelente dirección actoral, se pierde un poco en la historia y deja algunos hilos sueltos que obliga al espectador a sacar sus propias conclusiones, más allá de lo necesario. Destaco, la magnífica banda sonora donde a través de sus notas, Stephen McKeon, nos va sumergiendo en la historia y la fotografía de Tom Comerford, pues resuelve muy bien, la carencia de presupuesto a la hora de los decorados.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Seána Kerslake, James Quinn Markey, James Cosmo, Kati Outinen, Simone Kirby, Steve Wall, Eoin Macken, Sarah Hanly, Bennett  Andrew, David Crowley y John Quinn.

PRODUCTORA: SP Films// Bankside Films// Head Gear Films// Metrol Technology// Wrong Men North.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

AL AGUA GAMBAS: CRÍTICA DE CINE

Al agua gambas está dirigida y escrita por Máxime Govare y Cédric Le Gallo.

 

Matthias Le Goff (Nicolas Gob) es subcampeón del mundo de Waterpolo. En una entrevista hace un comentario homófobo y el comité le castiga teniendo que entrenar a un equipo compuesto por gays, cada uno de ellos al cual más desastroso, solo piensan en divertirse... en todo el amplio abanico de la palabra. Mientras, en sus vidas diarias, arrastran sus propios fantasmas. Son el peor equipo de los Gay Games, donde volverán a participar, tras clasificarse.

“Los gambas purpurina” como se denomina el equipo, está formado por: Jean (Alban Lenoir), Cédric (Michael Abiteboul), Alex (David Baïot), Damien (Romain Lancry),  Xavier (Geoffrey  Couët), Joël (Rolan Menou) y Bertrand (Pierre Samuel). Juntos  emprenderán un largo viaje en un autobús de dos plantas, hacia Croacia, a los Gay Games. Un viaje en el que todos aprenderán de todos, pero quizás el más enriquecido con la experiencia será, Mathias.

Una nueva comedia francesa llena de tópicos típicos, en esta ocasión, sobre el universo gay, tratados con inteligencia y astucia. Una obra con un guion sencillo, predecible y disfrutable. Casi siempre nos adelantamos a lo que va a suceder, ante la naturalidad y la credibilidad que nos ofrecen sus personajes.

La película está dirigida por Máxime Govare y Cëdric Le Gallo: Máxime es un escritor, productor y director francés de cine y televisión. Ha participado en diversas series. Su  ópera prima para la gran pantalla fue “Toute Première fois” 2015 que dirigió y escribió junto a Noémie Saglio, continuando con “Daddy Cool” 2017 compartiendo guion, una vez más, con Noémie, pero dirigiendo ya en solitario y este 2019 nos llega con “Al agua gambas” que escribe y dirige junto a Cëdric Le Gallo. Para Cëdric es su primera película, basándose en su propia historia, cuando decidió unirse a un equipo de waterpolo gay, para hacer amigos. El título de la película surgió mientras Cëdric estaba una noche en una piscina. “Shiny Shrimps”, "Camarones brillantes". Camarones, por el lado acuático, y brillantes, por la parte festiva de la obra. Un filme entre el lado desenfadado y en ocasiones exagerado y los diálogos que nos harán meditar en más de una ocasión.

En los últimos años hemos visto un cierto acercamiento entre deporte y homosexualidad pues deportistas masculinos y femeninos de élite han dicho:  Hasta aquí hemos llegado, declarándose abiertamente gays o lesbianas y en ese gesto de liberación personal, provocar una marea positiva en cientos de niños y niñas, incluyendo a sus familias, que veían en esos jóvenes deportistas de ambos sexos,  héroes  a imitar. Un buen número de armarios se han abierto en estadios de futbol, canchas de tenis, piscinas, pabellones olímpicos, etc., y los que faltan por abrirse.

Hablemos de los actores, pues el gran peso de la obra son ellos y sus extravagantes locuras. Cada frase, por estúpida que parezca, ellos la convierten en una sonrisa o carcajada o aquellas, que deben llevar a la reflexión al espectador e incluso el tocar la fibra. Todos los personajes arrastran sus propios fantasmas y en ese viaje irán liberándolos, abandonándolos en el camino, aprendiendo de la vida que aunque no siempre sea al gusto de todos, podamos sacar una sonrisa e incluso, de la adversidad. Ocho actores masculinos que si bien destaca su actor principal Nicolas Gob, el resto de sus compañeros están a la par. Todos, sin excepción, defienden sus personajes entre sus miedos, problemas y deseos de seguir adelante.

Una comedia gratificante y refrescante para esta época del año. Los dos directores saben lo que le gusta al público y se lo ofrecen, y lo que está claro, es que al salir de la película, lo que apetece, con estos calores, es un buen chapuzón en una piscina.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Nicolas Gob, Alban Lenoir, Michael Abiteboul, David Baïot, Romain Lancry, Thomas Croisière, Jonathan Louis, Romain Brau, Geoffrey  Couët, Rolan Menou, Maïa Quesemand, Pierre Samuel y Felix Martínez.

 

PRODUCTORA: Improductible// Kaly Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

GÉNESIS: CRÍTICA DE CINE

Génesis, cuenta con guion y dirección del canadiense Philippe Lesage.

Charlotte (Noée Abita)  y Guillaume (Théodore Pellerin) son dos hermanastros adolescentes. A Charlotte su novio Maxime (Pier-Luc Funk) le propone ser pareja abierta, ella no está conforme y poco a poco se va alejando de él. En una fiesta conocerá a Theo (Maxime Dumontier) con quien comenzará una relación.

Guillaume, estudia en un internado, es conversador, divertido, seguro de sí mismo y popular entre sus compañeros. Tiene un gran amigo, por el que siente cierta atracción. Su homosexualidad está latente y buscará la forma de hacerla pública, aunque dicha decisión, tal vez no obtenga los resultados que él espera.

Félix (Édouard Tremblay-Grenier) conocerá a una chica durante su estancia en un campamento de estudiantes, de quien se enamorará. Los dos buscan estar el mayor tiempo posible juntos, pues saben que tras el campamento, posiblemente no se vuelvan a ver.

La juventud canadiense a través de las andanzas de esta pareja de hermanastros durante gran parte del filme, con sus personalidades tan dispares al enfrentarse a la vida y a la sexualidad, y la de Félix, en su recta final. Nos mostrarán los celos, las envidias, las separaciones, las inseguridades, los engaños, las fiestas y desfases, las relaciones abiertas en la pareja, los estudios e incluso la primera vez que dos manos se entrelazan entre miradas.  

Philippe Lesage nació en Quebec, estudiando en la Universidad McGill y en el European Film College. Comenzó su carrera como documentalista, con su ópera prima “Pourrons-nous vivre ensemble?” estrenado en 2006, continuando con “¿Cómo puedes saber si los pececitos son felices?” 2009 y en 2010 con “El corazón que late” ganaría el Premio Jutra al Mejor Documental, saltó al cine narrativo con “Los demonios” 2015, un año más tarde estrenaría “Copenhague: A Love Story” y ahora llega con su tercer largometraje “Génesis” en un nuevo filme autobiográfico.

Un filme que navega entre las etapas del amor, desde el primer embelesamiento a las decepciones tras un tiempo compartiendo. Lo que uno considera como pareja para toda la vida, la otra persona, creerá que no tiene porqué ser así. El deseo de volar a otros nidos, entre el arrepentimiento y la satisfacción. El amor presentado de forma sutil, desde la heterosexualidad a la homosexualidad y las consecuencias que provoca ese primer encuentro, ese primer choque y esa primera experiencia.

El propio director aseguraba que está basado en sus propias vivencias, que a la postre, pueden ser las de cualquier persona, pues quien más o menos, ha vivido ese despertar entre fiestas en discotecas o pub, entre charlas en los pasillos del colegio o caminando por el parque. Cuando nos llevamos el primer cigarrillo a la boca, disfrutamos de la primera cerveza, en medio de coqueteos con el sexo que más nos atrae. Los primeros besos furtivos, esas manos unidas, que muestran ante los demás, que existe algo más que una amista y las miradas, la gran importancia que el director da a las miradas sobre las palabras, como signo inequívoco de lo que está pasando o está por venir.  

Historias contadas con elegancia y sin prisas,  en las cuales el romanticismo y el dolor flotan en el ambiente desde el comienzo hasta llegar al final, en unas interpretaciones correctísimas y tan creíbles, que seguramente muchos y muchas se sentirán identificados. Una obra no exenta de guiños sociales y políticos, escuchando términos como islamofobia o terrorismo. Un filme donde las emociones  están a flor de piel y que Nicolas Canniccioni, logra plasmar a través de su cuidada fotografía.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Théodore Pellerin, Noée Abita, Brett Dier, Mylène MacKay, Marc Beaupré, Pier-Luc Funk, Maxime Dumontier, Édouard Tremblay-Grenier, Paul Ahmarani, Rose-Marie Perreault, Emilie Bierre, Vassili Schneider, Tomas Ross, Jules Roy Sicotte y Jean-Simon Leduc.

PRODUCTORA: Productions l´Unite Centrale.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

EL REY LEÓN: CRÍTICA DE CINE

El remake del año 1994, cuyos personajes fueron creados por Irene Mecchi, Linda Woolverton y Jonathan Roberts, basándose en la historia de Brenda Chapman, El REY LEÓN, cuenta en esta ocasión con guion de Jeff Nathanson y está dirigida por Jon Favreau. De la animación clásica a la animación digital fotorrealista, para el disfrute de pequeños y mayores.

En la selva están de celebración, Mufasa (James Earl Jones) el rey de las Tierras del Reino y Sarabi (Alfre Woodard) su esposa, han tenido su primogénito, Simba (J.D. McCrary/Donald Glover). Esperan la llegada del chamán, Rafiki (John Kani) el sabio mandril que debe bendecir al recién nacido y presentarlo a toda la selva, como el príncipe.

 

Mufasa cuenta con Zazú (John Oliver) un cálao de pico rojo, quien trae las noticias de lo que sucede en cada rincón del reino. Mufasa tiene un hermano, Scar (Chiwetel  Ejiofor) un traidor y amargado, que vive entre las hienas.

Un clásico del cine de animación, unas canciones inolvidables, entornos mágicos y unos personajes muy familiares, que pasados 25 años vuelven a la gran pantalla, en animación digital fotorrealista, para el deleite de pequeños y mayores.

Jon Favreau, es actor, director, productor y guionista norteamericano. El público familiarizado con el universo Marvel, le reconocerá en su personaje de  Happy Hogan, el chofer y asistente personal de Tony Stark (Iron Man), además de dirigir  “Iron Man” 2008 y “Iron Man 2” 2010, sin olvidar las producciones de la saga como “Vengadores”. En la interpretación saltó a la gran pantalla con “Rudy” de David Anspaugh 1993 y como director, con su ópera prima “Crimen desorganizado” 2001, a la que siguieron otros títulos, además de los ya mencionados: “Elf” 2003, “Zathura: una aventura espacial” 2005, “Cowboys y Aliens” 2014 y “El libro de la selva” 2016, ahora acomete de nuevo, con la factoría Disney, el remake de uno de sus grandes éxitos. “El Rey León”

Desde que El Rey León irrumpió en la gran pantalla en 1994, no ha dejado de emocionar a pequeños y mayores. Uno de esos filmes que desgató miles de cintas VHS y posteriormente pasaría al DVD y Blue-Ray. En 1997 se convirtió en musical, representándose en Broadway donde continúa con un gran éxito. En Londres se representa desde 1999 en el Lyceum Theatre del West End y en Madrid  en el Teatro Lope de Vega, en la Gran Vía desde marzo de 2011. Se ha estrenado en más de 13 países y traducido a 7 idiomas y es que Disney supo combinar con gran acierto la maravillosa animación, unas extraordinarias canciones que muchos tarareamos cuando suenan y un guion para el cual empleó en su trama, elementos dramáticos de la obra del dramaturgo William Shakespeare “Hamlet”

Muchas de las obras de Disney están marcadas por la tragedia y la muerte. Nadie olvida la de la mamá de Bambi (por un cazador)  o la de Blanca Nieves (por la madrastra, aunque luego volvería a la vida), pero posiblemente de todas las muertes vistas en sus películas, la que más impactó, fue la de Mufasa por su hermano Scar, en el Rey León. No solo por ofrecerse al público de una forma tan clara y cruda, escuchando las palabras llenas de odio de Scar y viendo como Mufasa se precipitaba al vacío, sino que nos enfrentó a un fratricidio, y aunque fueran leones, el ver como un hermano mataba a otro, impactó de forma dramática en la psique del público, sobremanera, adulto. Disney se atrevió a ir más allá y los resultados demostraron que fue un gran acierto.

El éxito del Rey León radica en primer lugar en la forma en que está narrada la historia, no es una película solo para un público infantil. Ofrecer los elementos clásicos que Disney incorpora con gran maestría a todas sus obras y en esta de forma más explícita, a lo largo de todo el metraje: la importancia de la familia y su unidad, la amistad, el despertar del primer amor, los juegos inocentes, el canto a la naturaleza, la atención a la infancia y su desarrollo o los mensajes tan claros para pequeños y mayores que como sutiles pinceladas, va dejando por todo el gran lienzo que compone el filme.

No, no me he olvidado del gran atractivo que presentan todas sus obras: Sus canciones. Recientemente hemos podido regocijarnos de la versión en imágenes reales de “Aladdin” de Guy Ritchie, en un despliegue de música, coreografías y color sin precedentes; ahora le ha tocado al Rey León y aunque su estructura es totalmente diferente, sus temas musicales se han hecho inolvidables, partiendo de su obertura "El ciclo de la vida"  que nos prepara  para la historia que nos va a contar. Canciones que se tararean desde la butaca y se disfrutan, como quienes  tuvimos la suerte de estar en el estreno de animación hace 25 años. Hay nuevos temas como, "Spirit" interpretado por Beyoncé tema escrito junto a Ilya Salmanzadh y Timothy   McKencie. Han colaborado artistas de la talla de: Pharrel, Billy Eichner, John Oliver, Lebo M., Donal Glover, Seth Roger, JD McCrary, Chiwetel Ejiofor, Shahadi Wright Joseph, Lindiwe Mkhize …  Una banda sonora con temas de  Elton John y Tim Rice,  cuyo compositor vuelve a ser Hans Zimmer, como en la versión de 1994.

25 años han sido necesarios para poder contemplar esta extraordinaria historia, que hoy, como entonces, muchos padres podrán disfrutar junto a sus hijos en familia. Una producción realizada en los estudios croma de los Ángeles, en California, ofreciendo la excelencia de la animación digital fotorrealista, entre la flora y la espectacular fauna de la gran sabana africana. Los elementos de la naturaleza, están más vivos que nunca. Se percibe el calor del gran astro sol, el viento entre la vegetación o el pelaje de los animales, el agua en sus múltiples representaciones y la madre tierra, polvorienta, árida y protectora.

El filme ha contado con un extraordinario elenco de actores de doblaje, nombres muy conocidos como los que menciono en la sinopsis, pero sin olvidarnos de Beyoncé (Nala), Seth Rogen (Pumba), Billy Eichner (Timón), Florence Kasumba (Shenzi, la hiena) Eric André (Azizi, la hiena) o Keegan-Michael Key (Kamari, la hiena)

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Julio.

PRODUCTORA: Walt Disney Pictures // Fairview Entertainment

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

APOLO 11: CRÍTICA DE CINE

Con motivo del 50 aniversario de la llegada del hombre a la Luna y por un tiempo limitado, se estrenará en las salas de cine, este magnífico documental, Apolo 11, dirigido por Todd Miller.

Voy a valorar dicho filme desde dos puntos de vista, el primero, el que interesa a casi todo el mundo, el lado puramente cinematográfico. Espectacular recreación de las imágenes reales, intercalando fotografías del acontecimiento. Todo ello tratado con los medios más avanzados, para ofrecer la máxima calidad en la gran pantalla. Un acontecimiento que marcó toda una Era. Un documental sobresaliente, así como la gran idea de que dicha historia no tenga un narrador propio, como es lo habitual, sino que serán los archivos de audio que conserva la NASA, los que  nos irán acompañando.

 

Una hazaña que tuvo lugar el 16 de Julio de 1969, desde el complejo de la NASA en Cabo Kennedy, Florida. Despegando a las 9:32 hora local e impulsado por el cohete Saturno V. A bordo iban tres hombres: El comandante Neil Armstrong de 38 años, El piloto del LEM (módulo lunar) Edwin E. Aldrin Jr de 39 años y Michael Collins, piloto del módulo de mando, que contaba con 38 años. Tras 8 días en el espacio, los tres llegaron sanos y salvos el 24 de Julio, cuando la nave cayó en el Océano Pacífico, el lugar exacto, para dicho amerizaje.

Es curioso, que aun sabiendo lo que va a suceder, porque forma parte de la historia, logra mantener al espectador en tensión y expectante con cada imagen que nos ofrecen, muchas de ellas inéditas hasta la fecha. Todo ello gracias a la gran labor del más que extraordinario montaje.

Un filme muy recomendable  para soñadores, románticos y sobre todo amantes de la Era espacial, pues hay imágenes, audios y documentos, verdaderamente impactantes e interesantes, se crea o no, que el hombre llegó a pisar la Luna en ese viaje.

Y aquí llegamos al punto polémico de dicho viaje. Hoy en día todavía son muchas las personas que no creen que en ese año 1969, el hombre pudo pisar la Luna, entre ellos el 20% de los norteamericanos. Hay incluso películas que se han inspirado en dichas teorías, como es el caso de “Capricornio Uno” de Peter Hyams (1978) y el famoso programa que la Fox Televisión emitió en febrero de 2001, con el título de “Teoría de la conspiración: ¿Aterrizamos en la Luna?”, a quienes se unieron  Bill Kaysing, analista e ingeniero de Rocketdyne, la empresa que proyectó los cohetes del Apolo. Él afirmo que "La posibilidad de llegar a la luna y regresar intactos era de un 0,0017%, es decir, virtualmente imposible". Bill mantenía la teoría que ya muchos conocen, que el lanzamiento en efecto tuvo lugar propulsado por el cohete Saturno V, que los astronautas permanecieron 8 días  en la órbita terrestre, mientras en el conocido Área 51, tuvieron lugar todas las grabaciones del alunizaje, una vez terminado dicho montaje, regresaron a la Tierra, tal y como pudimos ver. Pero Bill no es el único que se suma a este supuesto engaño, ya que Jan Lundberg, el diseñador de la cámara fotográfica que llevaban los astronautas, ante las imágenes que la NASA ofreció, comentó “Las cámaras no disponían de visor y los astronautas grababan moviendo el cuerpo, ya que no podían bajar la cabeza porque se caerían”

 

Creía justo comentaros todo esto y como siempre, seremos nosotros, de forma individual,  los que tomamos partido en el tema y decir: sí o no.  Es cierto que en dicho documental, intentan justificar todas estas críticas y muchas más, sobre la misión, como por ejemplo que la bandera ondeara una vez clavada en la Luna, la justificación, que además en imágenes veremos más de una vez, resulta muy torpe.

Sabéis que soy un auténtico romántico y soñador y por tanto, pisara o no el hombre la Luna, recuerdo aquel año 69, siendo un niño, cuando la televisión era en Blanco y Negro y donde aún no se tenía en todas las casas, el revuelo de vecinos, familiares y amigos, alrededor de una de aquellas televisiones, viendo las imágenes de como dos hombres, primero Neil Armstrong y luego Edwin W. Aldrin Jr, pisaban ese satélite que cada noche vemos desde la Tierra. Un satélite que  ha suscitado a escritores, poetas y románticos a soñar, por lo tanto, sigamos soñando.

Recordad que el tiempo que estará este documental, de momento en salas, es muy reducido: Del 16 al 20 de Julio.  

“It´s one small step for man, one giant leap for mankind”

“Un pequeño paso para el hombre, un gran salto para la humanidad”

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de julio

PRODUCTORA: CNN Films// Statement Pictures

 

DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

MOVISTAR+ SERIES (JULIO 2019)

AVANCE DE DESTACADOS DE SERIES JULIO 2019 Y OTROS

Este julio llega a Movistar Series “La voz más alta (The Loudest Voice)”, la serie protagonizada por Russell Crowe, y regresa “Animal Kingdom” (T4). Y en Seriesmanía, el estreno exclusivo de la temporada final de “Orange Is The New Black”.

LA VOZ MÁS ALTA (THE LOUDEST VOICE)

Estreno simultáneo a EE UU la madrugada del 30 de junio al 1 de julio (en dual) en Movistar Series dial 11). Cada lunes, un nuevo episodio disponible. También bajo demanda.

“La voz más alta” (The Loudest Voice) es una miniserie de siete episodios centrada en la figura del influyente director ejecutivo de Fox News, Roger Ailes. Protagonizada por el ganador del Oscar Russell Crowe. “The Loudest Voice” es una coproducción de Showtime y Blumhouse Televisión. 

Tom McCarthy –guionista y director de la oscarizada “Spotlight”– y Gabriel Sherman –autor del best seller “The Loudest Voice in the Room” que cuenta con más de 600 entrevistas y en el cual está inspirado la serie– son los productores ejecutivos y coescriben el primer episodio. 

Completan el reparto: Naomi Watts es Gretchen Carlson, presentadora de Fox & Friends que inició la batalla legal contra los abusos de Ailes; Seth MacFarlane, el cómico, actor y creador de la serie “Padre de Familia”, es Brian Lewis, ex jefe de relaciones públicas de Fox News; Sienna Miller es Elizabeth Ailes, productora de NBC News y mujer de Ailes; Josh Charles como Casey Close, marido de Gretchen; Simon McBurney como Rupert Murdoch, jefe de 21th Century Fox / News Corp; Annabelle Wallis es Laurie Luhn, empleada de Fox News, y Aleksa Palladino como la asistente de Ailes, Judy Laterza.También Josh Stamberg como el ejecutivo de Fox, Bill Shine.

SINOPSIS: En el politizado panorama de los medios de comunicación no existe una figura tan omnipresente como la suya, incluso después de ser borrado de la escena mediática. Roger Ailes, uno de los grandes cerebros de la televisión y la política estadounidenses, fue clave para los gobiernos conservadores de Nixon, Reagan y Bush, y moldeó Fox News para convertirlo en el altavoz definitivo de una nueva manera de contar la política. Para entender los hechos que han llevado al resurgir del Partido Republicano, uno debe entender a Roger Ailes.

“La voz más alta” (The Loudest Voice) asume precisamente este reto, centrándose en los años de la pasada década durante la cual se podría decir que Ailes se erigió como líder de facto del Partido Republicano. Por entonces, varios hechos marcarían la trayectoria personal y profesional de Ailes: desde las experiencias con líderes internacionales que definieron su carrera como asesor político hasta las acusaciones por acoso sexual que supondrían el fin de su reinado como director ejecutivo de Fox News. La serie de Showtime pone el foco en el polémico personaje: las inquietudes, la psique y la ambición que marcan el rumbo de cualquier proceso de poder. Desde el cénit a la implacable caída.

Además del propio Russell Crowe, McCarthy ejerce como productor ejecutivo junto con Alex Metcalf y el ganador del Emmy Jason Blum, así como Marci Wiseman y Jeremy Gold para Blumhouse Television, Liza Chasin de 3dot Productions, y Kari Skogland y Padraic “Pat” McKinley.

Por su parte, la nominada al Emmy Kari Skogland  dirige varios episodios.

Y ADEMÁS... “DIVIDE Y TRIUNFARÁS. LA HISTORIA DE ROGER AILES”

Junto al estreno de “La voz más alta” (The Loudest Voice), el documental “Divide y triunfarás. La historia de Roger Aile”, de Alexis Bloom, está disponible en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y también bajo demanda.

Roger Ailes ha sido uno de los hombres más poderosos de Estados Unidos: fue fundador de Fox News, el canal de ideología ultraconservadora que ha servido como soporte y apoyo a los presidentes Nixon, Reagan o Trump, entre otros. Roger Ailes es uno de los grandes actores políticos de la historia norteamericana y con el apoyo financiero de Rupert Murdoch, cambió el modo de dar las noticias dando paso a un estilo más sensacionalista en el que el miedo, la exageración, los bulos y la ira ganaron terreno en detrimento del análisis pausado. En 2016 fue acusado de abuso sexual y se vio obligado a dejar su puesto en Fox. “Divide y triunfarás. La historia de Roger Ailes” (Alexis Bloom, 2018) es un documental que narra el auge y caída de un hombre que, durante años, tuvo el poder.

ORANGE IS THE NEW BLACK (TEMPORADA FINAL)

Toda la temporada completa disponible desde el 27 de julio, en exclusiva en Movistar+. Con maratón de todos los episodios en lineal (Movistar Seriesmanía, dial 12), pegado a su estreno en EE UU.

SIETE AÑOS DESPUÉS, TOCA SALIR DE LA CÁRCEL Y DECIR ADIÓS A NUESTRAS RECLUSAS.

El destino de las reclusas de Litchfield vuelve a estar dividido. Tras cumplir su tiempo en prisión, Piper y Sophia tratan de adaptarse a la realidad de la vida fuera de la cárcel. Otras no tuvieron tanta suerte: Taystee sigue cumpliendo cadena perpetua tras ser condenada injustamente al final de la temporada anterior, Blanca ha sido enviada a un centro de deportación, Morello se ponía de parto y debe lidiar con sus primeras semanas de maternidad, y Gloria y el equipo de la cocina deben asumir nuevos cambios.

La dramedia creada por Jenji Kohan y basada en la autobiografía de Piper Kerman, sigue siendo una de las series más esperadas de la temporada veraniega. “Orange Is The New Black” sigue contando con el reparto femenino más coral y numeroso de la televisión, encabezado por Taylor Schilling, nominada al Globo de Oro por su papel.

Completan el reparto las habituales Uzo Aduba (Suzanne “Ojos Locos”), ganadora de un premio Emmy a mejor actriz de reparto, Kate Mulgrew  (Galina “Red” Reznikov), Danielle Brooks (“Taystee”), Natasha Lyonne (Nicky Nichols), Taryn Manning (“Pennsatucky”), Laverne Cox (Sophia Bursett), Yael Stone (Lorna Morello), Jackie Cruz (“Flaca”), Adrienne C. Moore (Cindy), Dascha Polanco (Dayanara Diaz), Lea DeLaria (“Big Boo”), Constance Shulman (Yoga Jones), Kimiko Glenn (Brook Soso) y Nick Sandow (Joe Caputo).

ANIMAL KINGDOM (T4)

Estreno de la cuarta temporada de 'Animal Kingdom' el lunes 1 de julio en Movistar Series (dial 11). Todas las temporadas anteriores disponibles bajo demanda en Movistar+.

NUEVAS REGLAS, UN NUEVO ORDEN. ¿QUIÉN ES EL JEFE AHORA?

Vuelve el clan de los Cody. Cuarta temporada de la serie protagonizada por la ganadora de un Emmy Ellen Barkin, Shawn Hatosy y el joven Finn Cole.

Una adrenalítica mezcla de drama familiar con el thriller de criminales en el exótico entorno de la costa californiana. Se une esta temporada al reparto la actriz de “Bones”, Emily Deschanel.

“Animal Kingdom” está creada por Jonathan Lisco y John Wells  (creador y productor de “Shameless”, “Southland” y “Urgencias”).

“MADRES HACIENDO PORNO”, UNA NUEVA SERIE  DOCUMENTAL QUE REFLEXIONA SOBRE PORNOGRAFÍA Y LA EDUCACIÓN SEXUAL DE LOS ADOLESCENTES

Cinco madres protagonizan este experimento sociológico que reflexiona sobre el poder que ejerce la pornografía en la educación sexual de los jóvenes

“Madres haciendo porno” es una serie documental de tres episodios y se estrena el viernes 26 de julio en #0 de Movistar+ (dial 7)

“MERLÍ: SAPERE AUDE”: María Pujalte se incorpora al spin-off de la serie protagonizada por Carlos Cuevas.

El rodaje del spin-off titulado 'Merlí: Sapere Aude', que arrancó el 20 de mayo, tendrá lugar en localizaciones como la Universidad de Barcelona, el Barrio Gótico, el Raval o la playa de Barcelona, y durará unas 10 semanas.

'Merlí: Sapere Aude' es la primera producción original Movistar+ en catalán. Héctor Lozano, creador de la serie original, está al frente del proyecto.

El esperado spin-off de 'Merlí' arrancó su rodaje el pasado 20 de mayo. El personaje de Pol Rubio (Carlos Cuevas) vuelve a las aulas e inicia sus estudios en la facultad de Filosofía, meses después de la muerte de Merlí, momento en el que terminaba la serie original. El rodaje de 'Merlí: Sapere Aude', dirigido por Menna Fité, durará unas 10 semanas y contará con distintos escenarios como la Universidad de Barcelona, el Barrio Gótico, el Raval y la playa de Barcelona.

A un reparto encabezado por Carlos Cuevas, que vuelve a dar vida a Pol, se incorporan caras nuevas. Destaca la participación de la actriz María Pujalte, que encarnará a Bolaño, nueva mentora del protagonista.

LA PRIMERA SERIE ORIGINAL MOVISTAR+ RODADA EN CATALÁN

Hace unos meses, Movistar+ anunció el acuerdo con TV3 que permitía la continuidad ‘Merlí’, garantizando así una nueva vida para la exitosa serie, que se podrá seguir en exclusiva en Movistar+ a partir de finales del 2019. TV3 la ofrecerá un año después de su estreno. Como todas las series de producción original, 'Merlí: Sapere Aude' estará disponible completa bajo demanda en Movistar+. 

"Merlí" fue producida por la productora Veranda TV. Sus tres temporadas fueron emitidas con gran éxito por la cadena catalana TV3 en prime time, con cuotas de pantalla de más del 22%. Ahora llega 'Merlí: Sapere Aude’, una apuesta de producción de Movistar+ con la colaboración de TV3 que mantendrá la esencia de la serie.

La ficción creada por Héctor Lozano continuará siendo escrita por él mismo, y producida por Veranda TV, por el mismo equipo creativo y técnico de las temporadas anteriores, garantizando el sello Merlí que tanto gustó a los seguidores de la serie original.

“BAJO LA SUPERFICIE” (T2). Estreno el jueves 27 de junio. Todos nos vemos como buenas personas hasta que nos ponen entre la espada y la pared. De los creadores de “The Killing” y “Borgen”, las dos series danesas por excelencia.

Estreno el jueves 27 de junio en Movistar Seriesmanía (dial 12). Cada jueves, estreno de dos nuevos episodios. También bajo demanda. Primera temporada ya disponible.

Tras el intenso trabajo para aplacar el secuestro del tren en la primera temporada, Philip Norgaard (Johannes Lassen) disfruta de un período de receso. Pero su aparente calma se ve interrumpida por la visita de una vieja amiga que decide compartir con él cierta información confidencial. Entre otros datos, un testimonio en vídeo donde algunos soldados de tropas norteamericanas aparecen vulnerando la integridad de varios soldados noruegos. Esto lleva a Philip a involucrarse personalmente en una trama que le toca de manera directa más de lo que le gustaría y que despierta miedos del pasado que creía tener bajo llave.

De los creadores de 'The Killing' y 'Borgen', las dos series danesas por excelencia. Soren Sveistrup ('The Killing') y Adam Price ('Borgen') mezclan los dos géneros que mejor manejan, lo mejor del thriller junto con el retrato político y social.

“Bajo la superficie (Gidseltagningen (Below the Surface))” es un intenso thriller policíaco que en realidad esconde un crítico retrato político y social de tremenda actualidad.    Una serie en la que no hay buenos ni malos, sólo intereses en conflicto que salen a la luz en una situación compleja y decisiones que chocan con esos intereses.

En la primera temporada La acción transcurría a día por episodio y asistimos a la experiencia desde varios puntos de vista, representados en los personajes: policía, medios de comunicación, rehenes, terroristas, políticos y fuerzas especiales. A través de flashbacks llegamos a conocer la historia de los rehenes.

Bajo la superficie es una serie de de rabiosa actualidad que trata temas como  el terrorismo, nacionalismo, repercusión mediática, democracias occidentales en crisis… El título  hace alusión a la localización física de los rehenes, pero también es metáfora de las acciones de los secuestradores  y de los secuestrados, cuyo pasado esconde algunas sombras.