@BUELOS: CRÍTICA DE CINE

@buelos está dirigida por Santiago Requejo y comparte guion con Javier Lorenzo.

Isidro (Carlos Iglesias) está felizmente casado con Amalia (Ana Fernández), aunque ella siempre está preocupada por la relación de su hermana y su cuñado. Isidro tiene dos amigos: Arturo (Roberto Álvarez) un afamado escritor de novelas románticas, separado y con una hija, Violeta (Clara Alonso), que un buen día aparece en su casa, para presentarle a su nieta; y Desiderio (Ramón Barea), viudo, cuyo hijo, Bruno (Raúl Fernández de Pablo) es un músico en paro y casado con Lola (Eva Santolaria). Desiderio conocerá a la directora de una guardería, Teresa (Mercedes Sampietro), con quien comenzará una relación.

 

Isidro  se desahoga con sus amigos, Arturo y Desiderio, sobre la desesperación de no encontrar trabajo a sus 59 años y aunque en realidad no lo necesita, él quiere sentirse útil. Será entonces cuando Arturo le propone que monte su propio negocio. Tras algunas ideas locas, se le ocurre una aún más extraña: crear una guardería.

@buelos es un filme que sorprende muy positivamente, por el tratamiento de sus personajes y el respeto, la humildad  y la delicadeza, con la que narra cada una de las historias, deteniéndose el tiempo justo, siempre bien equilibrado, para que el espectador vaya descubriendo a cada uno de los personajes, por secundario que parezca.

Sobre Santiago Requejo comentaros que nació en Plasencia y que desde muy joven deseaba hacer cine. Comenzó con pequeños vídeos y cortos, el primero de ellos lo rodó con tan solo 12 años. Tras sus estudios universitarios, se desplaza a Los Ángeles a trabajar. Allí aprendería el desarrollo de creación que rodea al mundo del cine. Fundó su productora “2:59 films” en el año 2010, ejerciendo las funciones de: Director creativo, Productor audiovisual y Realizador. Una productora especializada en la innovación de vídeos virales para internet, algunos de ellos de tal impacto para los internautas, que han llegado a los 200 millones de visitas.  Ha dirigido 12 cortometrajes de ficción entre ellos: “Rhodéa” 2010 o “Noche de Paz” 2018 y se ha sumergido en el mundo del documental, “May Feelings: El documental” 2013

@abuelos es ante todo un filme de crítica social, en el cual se despliega un amplio abanico de sucesos, entre el drama y la comedia. El drama visto a través de la exclusión de los mayores de 50 años del mundo laboral, los hijos viendo a los padres como los cuidadores de los nietos, quienes solventen sus problemas económicos o no comprendiendo que a sus años, también se pueden enamorar, soñar con crear un negocio y la necesidad de sentirse útiles ante la sociedad.  El poder del dinero y el "maquillaje" que cubre a determinadas empresas y negocios. El haber olvidado los valores que en el día a día, se han perdido con las prisas que evitan las conversaciones tan necesarias en la familia o simplemente, aquellos gestos y momentos sencillos, que nos recuerdan que somos humanos y no máquinas programadas. Un filme en el cual se muestra a los verdaderos olvidados de la crisis, pues si por un lado fueron muchos los jóvenes que abandonaron el país buscando un futuro, pocos recuerdan a los mayores de 50 años que fueron barridos de las empresas, sin posibilidad de retornar. Hombre y mujeres, que en incontables ocasiones han sido y son los salvavidas de sus hijos y de los nietos, cuando las cosas se complican.

Santiago, desde ese lado del drama, también nos invita a esbozar una sonrisa y algunas carcajadas. La comedia a través del absurdo de estar utilizando constantemente anglicismos, sobre todo en el lenguaje empresarial. El alquilar mesas de trabajo, el rostro de nuestros personajes al enfrentarse a las nuevas tecnologías y el cómo afrontan cada problema con gallardía, apoyándose los unos en los otros. Algunos instantes resultan verdaderamente hilarantes y otros altamente emotivos. Es fácil derramar alguna lágrima, cuando surge el amor y el compañerismo en ese ambiente entrañable, que los años provocan.

Para su ópera prima, ha logrado rodearse de caras conocidas y de actores veteranos, primando los tres abuelos: Carlos Iglesias, Ramón Barea y Roberto Álvarez, interpretando sus personajes con una exquisita naturalidad, a los que seguimos muy de cerca para ver cuál puede ser la siguiente idea descabellada que se les ocurre o cómo afrontar determinados problemas domésticos. Sus partner femeninas son: Ana Fernández, Mercedes Sampietro y Clara Alonso.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Octubre

REPARTO: Carlos Iglesias, Roberto Álvarez, Ramón Barea, Ana Fernández, Lara Corrochano, Clara Alonso, Raúl Fernández, Eva Santolaria, Mercedes Sampietro, Claudia Molina, Óscar Lara, Román Rymar, Flora López y Joema Pichardo.

PRODUCTORA: 2:59 Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain

MOVISTAR+ PRESENTA SUS SEIS NUEVOS PROYECTOS DE NO FICCIÓN

Ayer jueves 10 de Octubre, Movistar+ convocó a la prensa en Madrid para presentar sus nuevos proyectos. Seis nuevas producciones originales, de las cuales tres de ellas se estrenarán en el transcurso de lo que queda de año: “Otros mundos: El misterio de los faraones”, “ETA, el final del silencio” y “Bajo escucha. El acusado”. Los otros tres, llegarán en 2020: “Espías”, “El corazón del Imperio” y El palmar de Troya”

A las 10:15 comenzaba el acto en  el Espacio de la Fundación Telefónica en Gran Vía a cargo de la Gerente de Contenidos de #0 y de Producción Propia, María José Rodríguez Pérez, quien fue presentando uno a uno a los creadores de las diferentes propuestas de No Ficción.

El primero en intervenir fue Santiago Posteguillo, “EL CORAZÓN DEL IMPERIO”. Una serie de Movistar+ en  colaboración de Global Set. Como Santiago comentó, todos hemos conocido a los hombres más importantes de aquellos tiempos como: Julio César, Plutarco, Marco Antonio o Plinio el viejo, pero no a las mujeres que les rodearon. Junto a Global Set y Movistar+, decidieron contar la historia de Roma, desde el punto de vista de las mujeres. En un tiempo que se habla de igualdad, es bueno mirar atrás y darnos cuenta que las mujeres no es que no fueran importantes en el pasado, sino que simplemente no se ha contado, ese espacio es lo que va a relatar, El corazón del imperio. Una obra documental ficcionada, compuesta por seis capítulos dirigidos por Santiago Posteguillo, actual Premio Planeta y un gran estudioso del mundo clásico.

Isaki Lacuesta, nos habló de su propuesta, filmada en dos episodios, “BAJO ESCUCHA. EL ACUSADO”. Una serie de Movistar+ en colaboración con Bambú Producciones. La miniserie cuenta la historia del asesinato a cuchilladas en 2013, de Miguel Ángel Domínguez y de su hija María, en su casa de Almonte (Huelva). Asesinato que sigue sin resolverse. La serie cuenta con la producción ejecutiva de Ramón Campos y David Miralles. Una obra que sigue la investigación policial y el proceso judicial contra el único acusado, Francisco Medina.

“EL PALMAR DE TROYA” está dirigida por Israel del Santo. Una serie de Movistar+  en colaboración con 100 Balas y 93 metros.

El Palmar de Troya nos narra la historia de cuatro niñas en edades comprendidas entre los 12 y 13 años, que el 30 de marzo de 1968 afirmaron que se les aparecía la Virgen María en la finca de la Alcaparrosa, a un kilómetro de la aldea de El Palmar de Troya (Sevilla) y tras la afirmación por parte de otros vecinos, decidieron construir un altar que sería la primera piedra de la  iglesia cristiana palmariana, con su propio Papa. En junio de 2018, el último Papa de El Palmar, Ginés, junto a su mujer, asaltaron las instalaciones de la “congregación”. Cinco décadas que han dado para todo tipo de escándalos, junto a la sombra de abusos sexuales, en esta secta. En sus cuatro capítulos, seremos testigos de testimonios reales de personas que estuvieron vinculadas con la secta, a través de archivos de imágenes inéditas y recreaciones ficcionadas. Una historia nunca contada de esta “congregación” que nace como fruto de una investigación realizada, durante tres años.

“OTROS MUNDOS: EL MISTERIO DE LOS FARAONES”, es el regreso a Movistar+ de Javier Sierra. Una serie en colaboración con La Caña Brothers. En esta ocasión, Javier Sierra nos lleva al antiguo Egipto para relatarnos dos historias, una de ellas la de  la gran Pirámide de Keops, pasando una noche, en su interior, como lo hizo Napoleón, donde la historia dice que entró como un comandante y salió como un emperador. En otros capítulos tocará los temas que siempre han inquietado a Javier.

La quinta serie, es “ESPÍAS”. Serie de Movistar+ en colaboración con 93 Metros y como dice su propio creador, David Beriain, no se puede contar nada. Una serie de cuatro episodios, en los cuales se hablará de espías internacionales, inteligencia militar real, operaciones encubiertas,  desertores, traiciones, secretos, mentiras, agentes dobles y un largo etc. Una serie documental que nos acerca al mundo del espionaje de una manera nunca vista en televisión.

Y para finalizar, una serie que tal vez es el momento para recordar y para hablar de un tema que durante décadas, ensombreció nuestro país. “ETA. EL FINAL DEL SILENCIO” dirigida por Jon Sistiaga y Alfonso Cortés –Cavanillas. Es una serie de Movistar+ en colaboración con La Caña Brothers, que consta de 6 episodios  y un documental.

Jon Sistiaga nos comentó que se trata de un proyecto en el que lleva años involucrado y ganándose la confianza de víctimas y terroristas, demostrándoles que lo que deseaba realizar era un trabajo honesto, sincero y respetuoso, ya que se juega con las emociones. El título: El final del silencio, es debido a que cree que ahora es cuando se puede hablar, sobre todo en Euskadi, de lo que ha pasado en los últimos 50 años, pues se ha perdido en gran parte el miedo a poder hablar con libertad, al  no existe la sensación de amenaza. Lo que busca con la serie, es un canto a la reconciliación, hablando de las víctimas invisibles, las víctimas de ETA nunca reconocidas, las extorsionadas, las que se les exigió el impuesto revolucionario y algo importante, descubrir qué sabe nuestra sociedad de ETA, entre los jóvenes de 15 años o de los universitarios. Jon Sistiaga nos sitúa cara a cara ante el cambio político y social que ha tenido lugar en el medio siglo de existencia de ETA, sin olvidar el homenaje a las diferentes víctimas del terrorismo, que azotó nuestro país.

Todas estas series se irán estrenando en #0 de Movistar+ (dial 7)

 

CORRILLO CON JON SISTIAGA

 Seguidamente hubo dos corrillos sobre las dos primeras series que se estrenarán. Por una parte “El Palmar de Troya” y por otra, esta última mencionada “ETA. EL FINAL DEL SILENCIO”, a cuyo corrillo me sumé, para conocer más sobre dicha serie y su autor; de la que os puedo contar que promete y mucho.

Se preguntó sobre lo arriesgado del proyecto, a lo que Sistiaga confesó que lleva 30 años cubriendo guerras y conflictos por todo el mundo, para traer la información al espectador español, por lo que nunca ha tenido el menor problema por hablar con un victimario, terrorista, miliciano, asesino o violador, aunque considera que sí es arriesgado, en parte, porque a día de hoy, todavía existen opiniones diferentes.

 La pregunta que pude realizarle fue: ¿Cómo conseguiste que las víctimas y etarras confiaran en ti, exponiéndose delante de la cámara? Porque una cosa es una entrevista escrita y otra muy diferente, mostrar el rostro ante la gran audiencia; a lo que respondió: “Lo más importante es generar la confianza de que no les vas a traicionar, ni les vas a maltratar, ni a manipular; y eso ya es la hostia en este país. Es una labor de muchas semanas, durante muchos meses, múltiples encuentros y sobre todo, la trayectoria de uno mismo, como periodista. Resulta complicado hablar con alguien que lleva 18 años en prisión, porque sus referencias temporales y espaciales son otras”.

Nos resumió lo que veremos en los diferentes episodios, en especial en el primero, que está dedicado a Juan Mari Jáurgui. Un documental en el cual su viuda, Maixabel, un ser lleno de bondad, se reúne de vez en cuando con el asesino de su marido, para comer. Echezarreta recuerda, en un momento determinado, una frase que le dijo Maixabel “Prefiero ser  la viuda de Juan Mari, que la madre de Ibón Echezarreta”. Una serie en la cual Sistiaga, ha experimentado toda clase de emociones y sentimientos, escuchando a familiares  y amigos de las víctimas.

NOCHE DE BODAS: CRÍTICA DE CINE

Noche de bodas está dirigida por Tyler Gillett y  Matt Bettinelli-Olpin con guion de Guy Busick y Ryan Murphy. ¡¿Jugamos al escondite?!

Tras un prólogo un tanto macabro, nos encontramos con Grace (Samara Weaving), vestida de novia y pensando lo extravagantes que son la familia de su prometido, Alex Le Domas (Mark O´Brien); quien entra en la habitación y escucha las últimas palabras que en alto, está pronunciando. Él afirma que en efecto, su familia es un poco especial y que por esa misma razón, se irán al día siguiente.

La madre de Alex, Becky (Andie MacDowell) está encantada de tener a Grace en la familia y le comenta, que esa noche, jugarán a un juego, como es tradición en la familia, desde hace generaciones. El padre de Alex, Tony (Henry Czerny) explicará en qué consiste el juego: Grace deberá sacar una carta del interior de una caja y leer de que juego se trata. Grace así lo hace y en la carta está escrito: “El escondite”

Una noche de bodas muy especial, al igual que la familia en la que desea ser aceptada Grace. Las mentes retorcidas de los guionistas, Guy Busick y Ryan Murphy, así como la magnífica ejecución de sus realizadores,   Tyler Gillett y  Matt Bettinelli-Olpin, nos someten a una comedia negra, donde nunca el juego del escondite, ha resultado tan sangriento y surrealista.

Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin son los directores de este esperpéntico y entretenido filme. El director, Tyler Gillett, se graduó con el título de producción cinematográfica y fotografía, por la Universidad de Arizona. Sus primeros trabajos fueron de operador de cámara y más tarde como director de fotografía para algunas series, entre ellas: “Funny in Love” o “Locator”. En 2011 funda junto a Matt Bettinelli-Olpin y Chad Villella, “Radio Silence”, con quienes un año antes rodaría  el cortometraje,  “The Teleporter: A Chad, Matt y Rob Interactive Adventure”, en ese mismo año realizará la serie “Books”, además de dirigir “The Treasure Hunt: A Chad, Matt y Rob Interactive Adventure” 2011 junto a Matt Bettinelli-Olpin, V/H/S 2012 con otros compañeros, “El heredero del diablo” 2014, hasta llegar a “Noche de bodas”. Con respecto a Matt Bettinelli-Olpin, comentaros que es director, escritor, actor y músico, además de lo ya comentado, se graduó en la Universidad de California en Santa Cruz, es guitarrista fundador de la banda Punk Link 80 y co-creador de los colectivos cinematográficos de las ya mencionadas “Chad, Matt y Rob” y “Radio Silence”. Dirigió el primer video musical en 1999 y como actor participó en los primeros cortos de “The Lonely Island”

De nuevo una obra teatralizada, sirviendo como escenarios,  el interior de una gran mansión y los jardines de la misma, a través de los cuales, una vez más, la fotografía se convierte en una de los grandes protagonistas. Brett Jutkiewicz, es el encargado de mostrarnos las estancias y los rincones por donde los personajes se moverán durante toda la obra, entre velas y candiles.  Espacios que según su cometido, recibirán un tratamiento, en cuanto a la iluminación y el color, personales y especiales; así como en el juego de planos que irán componiendo cada una de las situaciones.

La australiana, Samara Weaving, como Grace, es sin la menor duda, la gran estrella de la función. Desde los primeros planos, sentada cómodamente con su vestido de novia y dándonos las primeras pistas sobre lo extravagantes que son la familia ricachona de su novio,  intuimos que se lo está pasando en grande y tras asumir su condición de liebre a abatir en la cacería nocturna, aun más. Toma las riendas de su vida y decide enfrentarse a todos ellos. Grace es uno de esos “caramelos” que cualquier actriz desearía interpretar y Samara, lo hace de forma extraordinaria a lo largo del metraje, pero principalmente, en esos momentos finales, que no tienen desperdicio.

Un filme con aire gótico para un reparto compuesto por actores australianos, estadounidenses, finlandeses y la gran mayoría, canadienses; que no solo defienden sus personajes con arrojo, sino que convencen al espectador con sus brillantes interpretaciones y gélidas expresiones. Una comedia negra ingeniosa, para el divertimento absoluto, entre lo caótico y el gore más explosivo.  

La banda sonora está compuesta por Brian Tyler, en la cual, como si se tratara de un mantra, escucharemos repetidamente el coro nupcial enlazado con el “Love me tender” de Elvis Presley, entre otros temas como “Sinfonía nº9 en re menor OP. 125: Molto vivace” o  “Sonata nº7, en re mayor OP. 10, nº 3: III. Menuetto Alegro, ambas de Beethoven. “Obertura, del año 1812” de Tchaikovsky, “El coro  nupcial” de Vagner, “The hide and Seek Song” interpretada por Headquarters Music,  “Nº1 Kile U BB” por The Soft White Sixties o “Bossa Noches” compuesta por Bill le Sage. Temas, que enriquecen la acción de esta deliciosa comedia macabra,  gótica, surrealistas y canalla.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Octubre

REPARTO: Samara Weaving, Andie MacDowell, Mark O´Brien, Adam Brody, Henry Czerny, Nicky Guadagni, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Elyse Levesque y John Ralston.

PRODUCTORA: Vinson Films// Mythology Entertainment

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

GÉMINIS: CRÍTICA DE CINE

Ang Lee dirige, Géminis, con guion: de David Benioff, Darren Lemke, Stephen J., Christopher Wilkinson, Andrew Niccol y Billy Ray. Basándose en una historia de Darren Lemke y David Benioff. Tres íes pueden describir este filme: Intrigante, inquietante e intenso.

Henry Brogan (Will Smith) es un asesino a sueldo por el gobierno estadounidense, quien decide retirarse tras finalizar su último trabajo: Matar a un hombre que viaja en un tren de alta velocidad, desde el exterior, escondido tras una colina. Quiere vivir la vida que no ha podido vivir, debido a su dura profesión, pero Clay Verris (Clive Owen)no está dispuesto a ello, pensando que sabe demasiados secretos de estado. Para darle caza, envía a Junior (Will Smith), un clon 30 años más joven que él.

Brogan, al ser consciente del parecido con Junior, no solo intentará librarse de su persecución, sino que buscará la forma de descubrir quién es y  por qué se parecen, pues con respecto a quien le envía, lo sabe. En el camino se encontrará con Danny (Mary Elizabeth Winstead) y un gran amigo, Baron (Benedict Wong.

Un nuevo filme de espionaje y acción llega a la gran pantalla, pero estando dirigido por Ang Lee, podemos imaginarnos que nos ofrecerá algo muy diferente y en efecto, así es. Ang crea un perfecto cóctel entre la acción, el espionaje y el lado más humano de los personajes.

El guionista y director chino, Ang Lee, estudio y se graduó en la National Taiwan Collage of Arts en 1975, luego decidió trasladarse a Estados Unidos estudiando teatro en la Universidad de Illinois, donde se licenció en Teatro y Dirección Teatral, pasando a la Universidad de Nueva York para realizar un máster en la Escuela de Arte Tisch, en Producción de Cine. En dicha Universidad dirigió “Fine Line” como tesis. No será hasta 1992, cuando dirige su ópera prima “Manos que empujan” Un drama sobre las diferencias generacionales y culturales. Al año siguiente rodará “El banquete de boda” abordando dos temas importantes: Los matrimonios de conveniencia y la homosexualidad. “Comer, beber, amar” 1994, para continuar con: “Sentido y Sensibilidad” 1995 donde obtiene un gran número de premios, entre ellos el Oscar a mejor guion, los Globos de Oro a mejor película dramática y guion adaptado o los 3 BAFTA como mejor película, actriz principal y actriz secundaria. En 1997 llegaría “La tormenta de hielo” cosechando nuevos premios. “Cabalga con el diablo” 1999, “Tigre y Dragón” 2000, uno de sus grandes éxitos de crítica, público y premios, ganando 4 Óscar, 2 Globos de Oro,  4 premios BAFTA… En el año 2003, nos trajo al superhéroe “Hulk” y en 2005 llegaría su mayor éxito “Brokeback Mountain” Un drama romántico homosexual. Una obra que impactó a todo el mundo en todo el mundo y que además de reventar la taquilla y volcarse la crítica, obtuvo grandes premios: 3 Oscar, 4 Globos de Oro, 4 Premios BAFTA, El León de Oro  en Venecia y un largo etcétera. “Deseo Peligro” 2007, “La vida de Pi” 2012, “Billy Lynn” 2016 y ahora regresa a la gran pantalla con este drama de ficción “Géminis”. Un director moderno, brillante y despertando en todas sus obras, el lado más humano y sensible.

Lo primero que llama poderosamente la atención en esta nueva obra de Lee, son los efectos visuales. Ang Lee ha arriesgado y lo ha logrado. Aun conservo en mi mente los espectaculares efectos visuales y coreográficos, para aquel tiempo, de “Tigre y Dragón” o de la más reciente “La Vida de Pi”, ahora rueda a 120 fotogramas por segundo, cuando el ojo humano recibe 24, con la tecnología 3D HFR, para conseguir al clon perfecto de Will Smith, 30 años más joven y que se pueda pelear con él, golpearlo en la cara y todo lo que podamos imaginar, estando frente a frente, cara a cara. No confundir, en esta ocasión, con el efecto de rejuvenecimiento a través de retoques digitales, no, aquí el director crea a un nuevo Will, totalmente digital. La realidad, dentro de la ficción, es simplemente impresionante, sin olvidarnos de las 3D, que ofrecen una gran calidad en cada uno de sus planos, a través de las diferentes capas y su iluminación.

Continuando con los aspectos técnicos, que es lo más destacable, sin la menor duda, nos encontramos con la fotografía de Dion Beebe, con  un uso excepcional de la luz y algunos encuadres verdaderamente virtuosos. La banda sonora a cargo de Lorne Balfe, eleva la tensión, la intriga y el drama que la obra requiere y por supuesto, el correctísimo montaje en las manos de Tim Squyres, pues el filme no pierde el ritmo en ningún instante. Un ritmo potenciado por las espectaculares coreografías y puesta en escena, entre escenarios naturales rodados en: Cartagena (Colombia), Baños Széchenyi (Budapest) o Glennville (Georgia)

Ang Lee, como ya es propio en él, ahonda en el lado más humano de sus personajes y en esta ocasión, el título ofrece esa posibilidad: La dualidad. La lucha entre el bien y el mal, innata en el ser humano. Ese lado oscuro enfrentándose a la luz; aunque tal vez, el guion podría haber profundizado más en el personaje de ese asesino a sueldo que desea jubilarse, pues a media que pasa el tiempo, más le pesa su trabajo. Esa lucha con el yo interno, que en esta ocasión también se manifiesta físicamente, como su clon, a través de una más que acertada interpretación de Will Smith. No solo busca redimirse a sí mismo, sino que luchará por salvar a su clon de la tiranía de su creador.

Por todo lo expuesto y aquello que dejo para que descubra el espectador, estamos ante un filme de acción, innovador, inquietante y con el sello indiscutible de su creador, Ang Lee.  

Brindis: “Por la próxima guerra que es la no guerra”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Octubre

REPARTO: Will Smith, Clive Owen, Mary Elizabeth Winstead, Benedict Wong, Linda Emond, Kenny Sheard, Ralph Brown, Theodora Miranne, David Shae, Björn Freiberg, Alexandra Szucs, Daniel Salyers, Ashton Tatum, Douglas Hodge, Andrea Sooch, Tim Connolly, Ilona McCrea, Christopher T. Elliott, Ilia Volok, Justin James Boykin y Shiquita James.

PRODUCTORA: Skydance Productions// Jerry Bruckheimer Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

CEREMONIA ENTREGA DE LOS PREMIOS ICON

DYP COMUNICACIÓN nos informa sobre la “Ceremonia de entrega de los Premios ICON”

ICON, la revista masculina de El País, celebra su entrega anual de premios hoy miércoles 9 de octubre en La Real Fábrica de Tapices.

Los premios del año, en sus distintas categorías, abarcan todos los ámbitos de la sociedad y responden al alma de la publicación: destinada a hombres con carácter, ingenio y carisma; cultos, cosmopolitas e interesados en las tendencias contemporáneas.

Los Premios ICON se dividen en las siguientes categorías:

PREMIO ICONO DEL AÑO – Marisa Paredes

Entrega el Premio Juan Cruz

PREMIO ICON DE LITERATURA – Paul B. Preciado

Entrega el Premio Chenta Tsai (Putochinomaricón)

PREMIO ICON A LA AGITACIÓN CULTURAL – Bob Pop

Entrega el Premio Mikel L. Iturriaga

PREMIO ICON DE CINE – Greta Fernández

Entrega el Premio Maxi Iglesias

PREMIO ICON DE MÚSICA – C. Tangana

Entrega el Premio Carolina Durante

PREMIO ICON DE MODA – Oriol Elcacho

Entrega el Premio Andrés Velencoso

PREMIO ICON MUJER DEL AÑO - Anna Castillo

Entrega el Premio Jorge Suquet

PREMIO ICON DE TELEVISIÓN – Darío Madron, Diego Betancor y Dani de la Orden

Entregan el Premio Danna Paola, Minna El Hammami, Ester Expósito, Omar Ayuso, Georgina Amorós, Jorge López.

El presentador y escritor Boris Izaguirre será el maestro de ceremonias de esta edición de los Premios ICON. Además de entregadores y premiados, han confirmado asistencia: Juan Betancourt,  Elena Ballesteros, Daniel Grao, Fele Martínez, Fran Perea, Juan Vidal, Félix Sabroso, Pascua Ortega, Juan José Oliva, Daniel Muriel, Candela Serrat, Fernando Martínez de Irujo, Mónica Regueiro, Diego Martín, María Escoté, Fernando Guillén-Cuervo, Jose Lamuño, Omar Ayyashi y Cayetana Guillén Cuervo, entre otros

El evento está patrocinado por Hyundai,  Armani Code, Mar de Frades y Johnnie Walker, y cuenta con la colaboración de Cervezas Alhambra.

 

DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK: CRÍTICA DE CINE

Día de lluvia en Nueva York cuenta con guion y dirección de Woody Allen. No es su mejor película, pero es  un filme a tener en cuenta.

Gatsby Welles (Timothée Chalamet) es un joven soñador, jugador de póker y enamorado de Ashleigh (Elle Fanning) una joven que está terminando periodismo, enamorada también de Gatsby y algo ingenua. Le han ofrecido entrevistar a un gran director, su director favorito, Roland Pollard (Liev Schreiber) y Gatsby decide acompañarla a Nueva York, durante ese fin de semana.

Gatsby sueña con pasar el mayor tiempo con Ashleigh, pero ella, desde el momento en que conoce a Roland, se ve envuelta en su mundo, deseando saber más de él, pues está pasando por una depresión. Conocerá a Ted Davidoff (Jude Law) el guionista de la película que está atravesando por un divorcio y a Francisco Vega (Diego Luna) el actor latino de moda, a cuyos pies cae rendida hasta que Francisco… Por su parte Gatsby se encontrará con la hermana pequeña de quien fue su primer amor, Chan (Selena Gómez) con quien recordará tiempos pasados y a una prostituta, que contratará sus servicios para llevarla a la fiesta que ha preparado su madre  (Cherry Jones) reemplazando a su novia, pues no puede contactar con ella.

Día de lluvia en Nueva York, resulta un filme más interesante de lo que aparenta a primera vista. Es al salir de la sala y pensar en lo visto, cuando te reencuentras con el Woody soñador, nostálgico y romántico. Un director que parece recuperar la ilusión entre sus tormentos, al igual que cae la lluvia incesante, durante ese fin de semana. Una obra fresca y joven, cuyas tramas reconocemos.

Woody Allen es uno de esos creadores que nunca ha dejado indiferente a nadie y cuyos temas han estado siempre relacionados con la familia, el amor, el sexo, su condición de judío y arrastrando los fantasmas que ha ido acumulando a lo largo de los años, que no son pocos. Es director, actor, humorista y escritor y a sus 83 años, continúa ofreciéndonos todo su saber. Después de la escuela secundaria, entró en la Universidad de Nueva York, donde estudiaría Comunicación y Cine en 1953, un año más tarde abandonó la universidad y se matriculó en el City College de Nueva York, pero no llegó a terminar ni el primer semestre. Decidió aprender por sí mismo, un autodidacta que enseñaría en el The New School y estudiaría con el maestro de escritura Lajos Egri. En sus seis largas décadas como artista, destaca por sus ingeniosos y elaborados guiones y por una filmografía muy rica donde ha tocado la comedia y el drama, por igual. Su primera aparición en público fue en televisión en el programa “Tonight Show” donde fue descubierto por Charles Feldman, quien le encargó el guion de ¿Qué tal, Pussycat? 1965 de Clive Donner. En 1969 rodó un cortometraje para TV “Cupid´s Shaft” y  debutaría en el largometraje con la comedia “Toma el dinero y corre” a la que le siguieron “Bananas” 1971,  “Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar” 1972, “El dormilón” 1973 y “La última noche de Boris Grushenko” 1975. Comedias de gran éxito, con su sello personal, que no ha perdido a través de los años.  En cada una de ellas, también era el actor principal, pero hubo una película en 1972, que marcaría un antes y un después en su vida, “Sueños de un seductor” de Herbert Ross, en la cual, además de una gran interpretación, conocería a la que sería su musa y mujer: Diane Keaton, con quien rodaría varias de sus películas: “Annie Hall” 1977, obteniendo los grandes premios del año, entre ellos 4 Oscar (Película, director, guion y actriz para Keaton) El globo de oro a la mejor actriz comedia. 5 BAFTA o los 4 premios del Círculo de Críticos de Nueva York.  “Interiores” 1978 y posiblemente su obra maestra, “Manhattan” 1979. En 1982 Diane Keaton, fue sustituida por otra de sus musas:  Mia Farrow con quien filmó obras como “La comedia sexual de una noche de verano” 1982,  “Zelig” 1983, “La rosa púrpura del Cairo” 1985, “Hannah y sus hermanas” 1986 o “Maridos y Mujeres” 1992 y terminaremos, porque si no la lista es larga, con “Desmontando a Harry” 1997, “La maldición del escorpión de jade” 2001, “Irrational Men” 2015 y  “Wonder Wheel” de 2017.

A la película le cuesta arrancar un poco, pero  antes de que se llegue a pensar que Allen se ha perdido entre las calles, la lluvia y los personajes, comienza su ascenso hasta llegar a una parte final, brillante e impecable, quedando patente su magia. Una magia  que aún no ha perdido, tras los avatares que la vida le ha ido poniendo en el camino. Woody, nuestro querido Woody, se siente mayor, pero no vencido y en esta obra, nos lo demuestra. Es un genio y la genialidad nunca muere, sino que se “metamorfosea” de alguna manera. Descarga parte del peso de su mochila, en dos personajes jóvenes, quienes aportan vitalidad a la película. Timothée Chalamet encarnando a un personaje inolvidable, cálido y reflexivo, cuyo fin de semana será decisivo para conocerse a sí mismo, y Elle Fanning, por su parte,  nos obliga a sonreír a través de esa  inocencia y  felicidad que irradia su personaje.

Dos seres que el destino les hace tomar caminos diferentes, durante ese fin de semana en Nueva York. El de Gatsby entre la aparente normalidad y el de Ashleigh, hipnotizada por la falsa realidad que rodea al mundo del cine, entre sus engaños, apariencias e identidades tan cínicamente camufladas. Dos caminos en los que ambos chocarán con la verdad, sin esperársela. Por parte de Gatsby, entre otros,  en el encuentro con su madre, interpretado de forma magistral por Cherry Jones, descubriendo a su hijo una realidad que no se espera, en un monólogo cargado de sinceridad, y en cuanto a Ashleigh, aprendiendo la lección de que la inocencia, es una mala consejera.

Al igual que en los días de lluvia, de nubes grises y  calles medio desiertas por el temporal, nos sumimos en la nostalgia; así Woody parece que regresa a otro tiempo vagando con sus miedos, traumas y fantasmas, encarnados en los diversos personajes, liberándose de la carga, para recrearse en una historia de amor fresca, juvenil, alocada y en la cual, él y ella, que bien podrían representar una parte de la dualidad del ser humano, vivirán sus propias aventuras y desventuras en ese Nueva York siempre sorprendente e inmutable, hasta llegar a la calesa de caballos.

Ya he mencionado a algunos de sus actores, pero en general todo el elenco actoral del que se ha rodeado Woody, está magistral en sus personajes, por pequeños que sean. Allen tiene mente de escultor y esculpe a sus actores transformándolos en los personajes que ha escrito, sobre el papel. Contenidos entre el drama y la ironía. Entre los referentes literarios y cinematográficos. Caminando entre calles húmedas, bajo el gran cielo encapotado de la ciudad, mientras se arropa, una vez más, en ese gran maestro de la fotografía que es, Vittorio Storaro, con planos tan hermosos que bien podría formar parte de un libro,  de rincones de Nueva York.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Octubre

REPARTO: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez, Jude Law, Annaleigh Ashford, Rebecca Hall, Diego Luna, Live Schreiber, Cherry Jones, Will Rogers, Taylor Black, Kathryn Leigh Scott, Kelly Rohrbach, Edward James Hyland, Natasha Romanova, Suki Waterhouse, Griffin Newman, Claudette Lalí, Jacob Berger, Elijah Boothe, Dylan Prince, Olivia Boreham-Wing, Liz Celeste, Catherine LeFrere, Tyler Weaks, Chris Banks, Gurdeep Singh, Suzanne Smith, Geoff Schuppert, Deniz Demirer, George Aloi, Cole Matson, Marko Caka y Shannone Holt.

PRODUCTORA: Gravier Productions// Perdido Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

LA LUZ DE MI VIDA: CRÍTICA DE CINE

Desde un futuro apocalíptico, llega, La luz de mi vida, escrita, dirigida e interpretada por Casey Affleck.

Dentro de una tienda de campaña, Dad (Casey Affleck) está contando una historia a su hija pequeña, Rag (Anna Pniowsky), antes de dormir. Poco a poco iremos descubriendo que una pandemia letal, mató a todas las mujeres, en el mundo en el que viven, salvo a Rag, que era muy pequeña; desde entonces Dad la ha estado protegiendo, haciéndola pasar por un niño. Rag es una niña muy inteligente y su padre no solo la está cuidando y preparando ante cualquier ataque, sino que no tiene reparos en contestar a las preguntas que le hace su hija. Viajan por los bosques, camino a la casa de los padres de Dad, pero el camino, como tantas veces ocurre,  no será fácil.

Casey debuta en la dirección de largometraje con un filme de ficción apocalíptico, en el que prácticamente durante el 90% del filme, solo veremos a estos dos personajes, el interpretado por él mismo y el de la pequeña Anna Pniowsky. Un claro ejercicio de "ego" personal, en el cual Casey cubre todos los campos, desde actor, director, guionista y hasta productor.

Casey Affleck, trabajó delante de las cámaras como actor infantil en televisión. En 1995 saltó a la gran pantalla con “Todo por un sueño” de Gus Van Sant, al que siguieron títulos como “Persiguiendo a Amy” 1997 de Kevin Smith, “200 cigarrillos” 1999 de  Risa Bramon García o “Hamlet” 2000 de Michael Almereyda. En 2001 intervino en la trilogía: “Ocean´s Eleven” 2001, “Ocean´s Twelve” 2004 y “Ocean´s Thirteen” 2007, las tres de Steven Soderbergh. El primer personaje principal lo obtuvo en 2005 con “Lonesome Jim” de Steve Buscemi y tras otros papeles, llegó el momento más dulce de su vida, pues ganó el Óscar, el Globo de Oro, Premio Independent Spirit y el BAFTA al mejor actor interpretando a Lee Chandley en “Manchester frente al mar” 2016 de Kenneth Lonergan. Como director, se inició con el falso documental “I`m Still Here” 2010 y en este 2019, nos presenta su ópera prima, “La luz de mi vida.

Lo más destacable, sin la menor duda, son las interpretaciones de los dos protagonistas. Casey ha escrito un personaje a su medida, que defiende con entereza y dignidad y Anna, simplemente, resulta encantadora, en sus gestos, movimientos y miradas, que otorga a su personaje, entre frases bien equilibradas para una niña de 11 años, pero con la madurez adquirida por las enseñanzas de  su padre, a lo largo de los años.  Un ejercicio interpretativo arriesgado, donde la originalidad del filme, radica en la  combinación: padre, hija, entorno y supervivencia; destacando la seguridad, firmeza y a la vez delicadeza, con la que trata cada una de las escenas, entre lo íntimo y lo violento.

Lo mejor del filme, son los momentos de intimidad entre el padre y la hija. Entiéndase intimidad como las  situaciones en que ambos están solos en la noche, frente a frente, abrigados con sus ropajes y  hablando antes de dormir. Entre conversaciones, historias que continúan en el tiempo, la complicidad padre e hija, los instantes en que el paternalismo aflora y crea esa atmósfera mágica que traspasa la pantalla o cuando le habla de la vida, del cambio que sufrirá su cuerpo al hacerse adolescente y que todo cambio, aunque se sorprenda o duela, lo debe tomar como algo natural. Lo ya  expuesto y algunos detalles que omito, es lo más loable de la obra, pero la moneda tiene su cruz y en la cruz nos encontramos con un guion débil que provoca cierto tedio, por la falta de ritmo y escenarios muy repetitivos, aunque cuente con algunas situaciones inquietantes.

En ese viaje a pie, paso a paso, les acompañan Adam Arkapaw con la cuidada fotografía naturalista en planos generales  o la intimista en planos medios o cortos, siempre con la iluminación precisa;  y la banda sonora a cargo de Daniel Hart, cuyas notas se filtran entre la vegetación y el caminar de los dos protagonistas.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Octubre

REPARTO: Casey Affleck, Anna Pniowsky, Tom Bower, Elisabeth Moss, Hrothgar Mathews, Timothy Webber, Patrick Keating, Monk Serrell Freed, Lloyd Cunnington

PRODUCTORA: Black Bear Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTEAM Pictures.