HOPE: CRITICA DE CINE

                                       HOPE está escrita y dirigida por Na Hong-jin.

La historia nos traslada a las afueras de un recóndito pueblo llamado Hope. Allí, un grupo de cazadores alerta al jefe de policía, Bum-seok (Hwang Jung-min), tras hallar una vaca muerta con extraños cortes a lo largo del cuerpo que no parecen obra de ningún depredador común, al no presentar ninguna mordida. Mientras algunos opinan que podría ser un tigre, Sung-ki (Zo In-sung) decide liderar una partida de cacería y se interna en la espesura del bosque para dar caza a la bestia. Por su parte, Bum-seok se queda al frente de la comisaría junto a la agente Sung-ae (Jung Ho-yeon), con la firme intención de proteger a la población de una amenaza invisible y letal. Más adelante se descubrirá la auténtica naturaleza de lo que sucede en Hope, pero no seré yo quien os lo revele.

Na Hong-jin hace honor a su reputación entregándonos una obra de opresiva violencia visceral, una tensión física asfixiante y un ritmo demoledor que nos atenaza desde el primer fotograma hasta el mismísimo clímax de un largometraje que, como él mismo ha afirmado, será el inicio de una trilogía. Una clara muestra de que el realizador no ha quedado satisfecho con el despliegue de esta entrega –o sí–, y por ello busca expandir su universo. Resulta especialmente brillante cómo introduce de forma inteligente dosis de humor negro para aliviar la tensión del espectador, logrando un equilibrio tonal muy disfrutable en mitad de la crudeza, que no es poca. Para ello, en esta ocasión, fragmenta la acción en dos escenarios radicalmente opuestos que, de forma magistral, terminan por fusionarse a la perfección: la espesura indómita del bosque y las ruinas claustrofóbicas de una ciudad destruida y abandonada. El contraste visual resulta muy acertado; mientras que en el entorno rural la brutalidad se desata a pie y a caballo, en el pueblo el ritmo se transmuta en una vorágine de metal propulsada por camionetas y coches de policía.

Hope cuenta con un importante diseño de producción que nos sumerge en un pueblo devastado por una fuerza de la naturaleza desconocida, cuya magnitud intuimos a través de la desolación de sus calles, donde los vehículos son proyectados con violencia contra los habitantes que resisten. La recreación de este escenario es sobrecogedora. Aunque está ya vista en otras películas de desastres, siempre logra sorprender gracias a detalles como fachadas derruidas que dejan al descubierto el esqueleto de los hogares, avenidas sepultadas bajo escombros o coches abandonados y empotrados en las aceras. Todo ello conforma un rastro de mobiliario doméstico y urbano destrozado que evoca el paso de un huracán implacable, aunque en esta ocasión no haya sido uno de esos fenómenos, sino la extrema violencia de esos seres cuya procedencia desconocemos.

Este apocalipsis urbano contrasta vivamente con la espesura del bosque, que presenta todo su frescor natural. La fotografía de Hong Kyung-pyo sabe jugar magistralmente con esta dualidad cromática: mientras que en la vegetación nos regala un despliegue impresionante de color, destacando el verdor y las texturas de la madera, en la urbe el color resulta apagado y desprende una atmósfera sucia y decadente, tal vez al apoyarse en una iluminación natural que prescinde de artificios. No podemos olvidar el portentoso uso de la cámara anclada a los vehículos y sus dinámicos planos de seguimiento; un recurso que hace que la imagen se desplace, en ocasiones, a una velocidad de vértigo, obligando a nuestros ojos a viajar junto a ella.

Todo este abanico visual está envuelto por la incisiva y atronadora banda sonora de Michael Abels, diseñada específicamente para elevar la tensión mientras la mirada permanece pegada a la pantalla. Sus notas se funden con los sonidos del metal y la naturaleza, consiguiendo captar una atmósfera sobrecogedora que sirve de antesala para comprender la dimensión física que asola el lugar y convierte la supervivencia en una tarea casi imposible.

Resulta imposible analizar el devenir de esta historia sin detenerse en su particular propuesta interpretativa, la cual esconde un as bajo la manga que sorprenderá a más de uno. El mayor peso dramático recae sobre Hwang Jung-min, quien, a través del asustado jefe de policía Bum-seok, nos muestra su carisma al transmitir a la perfección una desesperación desbordante y una humanidad latente que ancla la película a la realidad. Sus miradas, gesticulaciones y silencios asfixian. Junto a él, su compañera de fatigas, una impecable Jung Ho-yeon como la agente Sung-ae, sostiene el tipo con nota.

Sin embargo, el verdadero golpe de efecto internacional llega con un secreto que muchos espectadores pasarán por alto durante el visionado. No voy a hacer spoiler, tranquilos. Tras la imponente y monstruosa pareja de alienígenas que lidera la función se encuentran, nada más y nada menos, Michael Fassbender y Alicia Vikander. Escondidos bajo una sofisticada tecnología de captura de movimiento y sensores faciales, no tengo dudas en que ambos realizan un trabajo actoral fantástico. Su entrega física es total, logrando dotar a las criaturas de una expresividad asombrosa mientras mantienen diálogos en ese complejo dialecto inventado con raíces de mongol antiguo que ya se deja intuir en los compases promocionales. Aunque los alienígenas son espectaculares, es una pena no disfrutar de sus rostros reales.

En definitiva, Hope se presenta como un espectáculo cinematográfico desbordante para ser vivido con las palomitas y el refresco, donde la absoluta libertad creativa de Na Hong-jin juega por momentos en contra de la cohesión de la propia historia. La cinta es una experiencia brutal, violenta y adrenalínica que merece ser disfrutada en la pantalla de cine. Una propuesta imperfecta pero fascinante que consolida el inicio de un universo al que habrá que seguir la pista de cerca.

Nota: 6,5

Estreno en España: 30 de octubre.

Reparto: Hwang Jung-min, Jo In-sung, Jung Ho-yeon, Taylor Russell, Alicia Vikander, Michael Fassbender, Eum Moon-Suk y Cameron Britton.

Productoras: Forged Films// Plus M Entertainment// Westwold.

Distribuidora en España: Mubi y Bteam Pics.

Filmografía: El guionista, productor y director, Na Hong-jin, se formó en la Universidad de Hanyang y en la prestigiosa Korea National University of Arts (KNUA). Debutó con los cortometrajes “Wanbyeoghan Domiyoli” (2005) y “Han” (2007) y en el largometraje “The Chaser (El Perseguidor)” (2008), “El Mar Amarillo” (2010), “The Wailing (El Extraño)” (2016) y este año nos ofrece “Hope” (2026), y también cuenta con el cortometraje “Fe” (2023).

LEVITICUS: CRÍTICA DE CINE

          

                      Leviticus está escrita y dirigida por Adrian Chiarella.

La historia arranca con un asfixiante prólogo nocturno en una piscina municipal tras cerrar sus puertas al público. Una joven trabajadora es asesinada por una fuerza invisible –o al menos que no se nos muestra– entre las paredes de una ducha. Tras este inicio que nos deja en suspense, la acción se traslada a una fanática comunidad rural en Australia. Allí conoceremos a los adolescentes Naim (Joe Bird) y Ryan (Stacy Clausen) que entre juegos inocentes exploran su atracción mutua en secreto, resguardados por las paredes de una nave abandonada. Al ser descubiertos, ambos son sometidos a una terapia de conversión que más bien parece un exorcismo, con la intención de “curar” su homosexualidad. Sin embargo, el fanatismo de la ceremonia, a través de la llama de un mechero, termina por invocar a una entidad demoníaca que adopta una forma tan perturbadora como real: la de la persona que cada uno más desea. Un ser implacable que, de manera angustiosa, solo pueden ver ellos. A partir de ese instante y sin saber lo que está pasando, Naim y Ryan deberán enfrentarse y luchar por sobrevivir tanto al monstruo que los acecha como a la implacable homofobia del pueblo.

Sin duda, este año está siendo prolífico en cuanto a cine de terror con ese toque contemporáneo muy interesante, llenando las pantallas de las salas con obras que destilan una fuerte crítica social. Leviticus combina drama de identidad, horror sobrenatural y thriller psicológico, lo que eleva la obra a una tensión emocional muy potente que mantiene al espectador en vilo durante toda la función. El interés crece exponencialmente al examinar el devastador impacto que este extremismo religioso provoca sobre los lazos afectivos de los protagonistas en el seno de sus propias familias.

La película no se anda por las ramas; desde los primeros minutos retrata el horror sistémico que envuelve a esa comunidad alienada contra quienes su forma de amar es “diferente”. Chiarella construye una atmósfera asfixiante donde el pecado, la redención ficticia, la culpa y el fanatismo religioso no solo se visualizan de forma alarmante en la figura del pastor local –un hombre cruel y despiadado–, sino que se palpa y respira en cada esquina. Lo verdaderamente terrorífico de esta obra no reside únicamente en los elementos sobrenaturales, sino en el drama humano: ver cómo el fanatismo es capaz de pudrir los lazos más sagrados y la inocencia que de ellos se desprende, llevando a los propios padres a asediar y traicionar a sus hijos en nombre de una fe desvirtuada. La cinta profundiza con acierto en la culpa y en esa devastadora sensación de estar haciendo algo prohibido; algo malo que se inocula en los jóvenes desde la infancia, utilizando la hipnosis psicológica de la llama del mechero en mitad de la terapia como el resorte definitivo para desatar al monstruo.

Creo que quienes me seguís conocéis mi debilidad por la psicología humana y ese romanticismo que a veces me sobrepasa. Tras finalizar la proyección y reflexionar sobre esa entidad invisible, llegué a mi propia conclusión: narrativamente, el diseño de la criatura es el mayor acierto del guion. Al hacerla invisible, se convierte en una dolorosa alegoría de la soledad, el aislamiento y la culpa. El director utiliza las reglas del cine fantástico de forma tan sencilla como brillante: no hace falta exponer monstruos físicos cuando el verdadero monstruo habita dentro de uno mismo. Así logra que el tormento psicológico y la homofobia interiorizada traspasen la pantalla para transformarse en dolor físico real. Es una crítica feroz, escalofriante y muy necesaria contra las dañinas terapias de conversión, donde Chiarella se guarda un gran as bajo la manga: demostrar que la unidad y el amor es capaz de vencer los peores males de esta sociedad. Si existe comunión en la pareja, si el amor que se profesan y la verdad los abraza, nada ni nadie puede derrotarles… aunque, como en la vida misma, no siempre se toma la decisión correcta.

En cuanto a las interpretaciones, el filme se apoya sobre sus dos grandes pilares que componen la pareja protagonista. Tanto Joe Bird como Stacy Clausen no solo defienden esta pesadilla, sino que la hacen propia hasta provocar que nos la creamos. Los vemos sentir y sufrir, transmitiendo el dolor, el vacío, la pérdida y la desesperación de una manera tan real y visceral que estremece y eleva por completo el terror emocional de la película. Sus miradas, sus caricias furtivas, sus peleas amistosas buscando el contacto físico y su química en pantalla traspasan el todo y logran que esa atmósfera sombría que Chiarella dibuja no se quede en un mero ejercicio de estilo, sino que duela en el espectador; y vaya si lo consigue. Por supuesto, no me olvido del resto del elenco, cuyas presencias aterran al más osado. Entre ellos destacaría a Mia Wasikowska y Ewen Leslie, y ya sabréis por qué les menciono. Esto es cine de terror sin mostrar monstruos, sin hacer alardes de efectos visuales o sonoros, sin llenar la pantalla de oscuridad. El peor de los terrores lo provocan seres que parecen normales.

En resumen, Leviticus se consolida como una obra tan imprescindible como incómoda dentro del panorama del terror actual; una cinta con la que he disfrutado o, mejor dicho, que me ha mantenido con una constante angustia. Y es que la obra toca un tema que espero que algún día deje de ser noticia por el bien de todos aquellos que sufren la condena indiscriminada de la homofobia. Adrian firma una inteligente ópera prima que huye del susto fácil para sumergirse en el verdadero horror que se esconde tras el fanatismo. Una película nacida para remover conciencias y que nos recuerda, en definitiva, que las mayores pesadillas no surgen del más allá, sino de la intolerancia humana.

Mi nota es: 8

Estreno en España: 30 de octubre.

Reparto: Joe Bird, Stacy Clausen, Mia Wasikowska, Jeremy Blewitt, Ewen Leslie, Davida McKenzie, Edwina Wren, Nicholas Hope, Julia Grace, Rose Flanagan y Tyallah Bullock.

Productora: Causeway Films// SalmiraProductions.

Distribuidora en España: YouPlanet Pictures.

Filmografía: El guionista y director Adrian Chiarella, estudió en la Escuela Australiana de Cine, Televisión y Radio (AFTRS). Debutó con el cortometraje “Tocar” (2014) al que siguieron “Labios negros” (2018) y “Planeta enano” (2020) hasta dirigir su primer largometraje “Leviticus” (2026). También ha dirigido capítulos para series como “Totalmente bien” y “Cinco habitaciones” ambas en (2023).

WICKER: CRITICA DE CINE

 

Wicker está dirigida y escrita por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson. “Mi caballero de madera, mi buey ingenioso.”

En un pequeño pueblo medieval y patriarcal, conocemos a una pescadora (Olivia Colman) que vive marginada y sola en su cabaña. Sobrevive con lo que pesca y se toma la vida con naturalidad. Durante la celebración de una boda local, las mujeres del pueblo la rechazan explícitamente y la excluyen del reparto de unos misteriosos huevos destinados a las solteras. Sin embargo, uno de ellos cae por accidente a los pies de la pescadora. Al abrirse, de todos los demás brota un humo amarillo, pero del suyo sale un humo morado: el color que augura un matrimonio o noviazgo inminente. Enfurecidas y llenas de rabia, las mujeres y hombres la insultan cruelmente asegurando que jamás se casará. Humillada pero decidida, la pescadora acude al cestero (Peter Dinklage) para que le fabrique un marido de mimbre. Él acepta el encargo y la cita para dentro de un mes en la iglesia. Allí, se une en matrimonio con una criatura de mimbre (Alexander Skarsgård) que tiene las mismas cualidades que un hombre; un hombre exquisitamente educado y que se muestra como el esposo ideal. Sin embargo, la paz dura poco. Los celos y las envidias vecinales estallan al comprobar que el hombre de mimbre se desvive en cuerpo y alma por su esposa, creando un entorno de absoluta comodidad, limpieza y armonía, mientras mantiene con ella un sexo apasionado y desenfrenado que llega a oídos de todos.

Va siendo costumbre que, cada determinado tiempo, visite la gran pantalla una nueva fábula para disfrute del público en general. Son propuestas que se reciben con agrado: historias resguardadas bajo el cobijo de ese cine amable, de ritmo pausado, pero no lento, y con moralejas universales que nunca pasan de moda. Sin embargo, detrás de esa aparente calidez que los directores Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson manejan con tanto pulso, se esconde una afilada hoja moral. Y es que, por más que cambien los ropajes, el lugar donde se viva o la época, la sociedad parece estar eternamente enfadada y estancada en torno a las mismas miserias de siempre: el odio, el rencor, la codicia o la envidia; un lastre que les impide vivir sus vidas y valorar lo que tienen.

Wicker funciona a la perfección porque utiliza el absurdo de su premisa para desnudarnos. La película nos demuestra con una ironía aplastante cómo una comunidad supuestamente civilizada y en armonía es incapaz de tolerar la felicidad ajena, especialmente si esa felicidad nace de alguien a quien ya habían condenado a la marginalidad. Al final, este primer tramo de la cinta –lo expuesto en la sinopsis– ya nos deja una temprana e impecable reflexión: lo verdaderamente terrorífico y monstruoso de la historia no es el hombre hecho de ramas de madera que cobra vida, sino la podredumbre espiritual de unos vecinos de carne y hueso que prefieren destruir lo que no pueden comprender.

Wicker se despliega como una ironía fina, perversa y divertida que juega con los roles tradicionales y los códigos del drama de época. Un ejemplo lo vemos en las dos bodas: la primera, en la que el hombre impone a su esposa un collar cepo de metal –sin duda un perturbador símbolo de posesión y sumisión patriarcal–, un momento tan divertido a la vez que sumamente grotesco; mientras que en el enlace de la pescadora con el hombre de mimbre, el metal es sustituido por flores y ternura. Los directores juegan magistralmente con este contraste para incomodar a una comunidad cuya rutina es la monotonía, incluso en una vida íntima gris que palidece ante el matrimonio fogoso, apasionado y rebosante de una sexualidad natural que mantiene la protagonista con su esposo de madera.

A nivel formal, la labor de Alex y Eleanor en la dirección general y actoral es de sobresaliente. Destaca un uso inteligente del diseño de producción y de los elementos de la naturaleza para pautar el ritmo de la historia, ofreciéndonos el paso del tiempo de una manera bellísima a través de los cambios de los ciclos lunares o de la salida y entrada de la misma. Pero si hay una secuencia que sintetiza el comportamiento rudo de los personajes secundarios, es la escena del baile. Los músicos tocan y los jóvenes del pueblo se reúnen al terminar sus faenas o en su día de descanso; un momento de ocio que la coreografía aprovecha para mostrar esa tosquedad de la comunidad. Los gestos de los vecinos son duros, con fuertes pisotones en el suelo y gestos como el de abofetear a sus parejas de baile o agarrarlas con rudeza. Por otro lado, cuando el hombre de mimbre saca a bailar a la pescadora, su mujer, el contraste es absoluto: todo en ellos son movimientos suaves, delicados y llenos de amor, de verdadero amor y complicidad. Sus giros y posiciones adoptan una sutil finura; es la pureza y la educación exquisita bailando frente a la brutalidad de una sociedad atrapada en su propia amargura, quizás por haber olvidado lo fundamental del ser. Es en esta escena donde el espectador se da cuenta de lo que uno se aporta al otro, sin precisar de enseñanzas, pues es la propia vida, como maestra, quien les pone frente a frente como educadores silenciosos cuya pizarra es el propio amor.

Este choque de realidades se sostiene gracias a un elenco en estado de gracia. Olivia Colman derrocha una dignidad apabullante como esa mujer marginada por su aspecto y su olor a mugre y mar, pero que se toma la vida con una envidiable naturalidad. Ella es feliz con lo que la vida le ha dado, aunque como todos, desearía algo más, pero no lo envidia, lo sueña, que es muy diferente. Alexander Skarsgård realiza un trabajo corporal exquisito; es el marido de ensueño, educado, atento y servicial, cuya devoción pone en entredicho las vergüenzas de los hombres del lugar. Sin embargo, la mecha que hace estallar el conflicto la prende una sensacional y perversa Elizabeth Debicki como la esposa del sastre. Ella representa la infelicidad crónica que, incapaz de soportar la felicidad ajena, infecta a la comunidad con el virus de los celos, las mentiras y la envidia, convirtiéndose en el motor antagónico de una función donde los monstruos tienen piel, carne y huesos. Por su parte, el resto del elenco actoral no solo cumple con sus personajes, sino que potencia la fuerza y la credibilidad de esta insólita historia.

En definitiva y para ir cerrando, Wicker se consolida como una de las sorpresas más estimulantes, perversamente divertidas y reconfortante de la temporada. Más allá de su soberbio guion, la película no alcanzaría semejante calado emocional sin la magnética y vibrante partitura en la batuta de Anna Meredith, cuya música insufla un ritmo efervescente y audaz a la fábula, ni sin la bellísima fotografía de Lol Crawley, quien logra captar con una textura orgánica y una iluminación precisa esa atmósfera mágica y artesanal que envuelve a todo el relato.

Es un romance impregnado de una honestidad –dentro de la fantasía que lo rodea– que se echa de menos en las fórmulas habituales de Hollywood, pero que no duda en golpear nuestro propio presente con verdades tan dolorosas como la que sentencia uno de sus diálogos: “Es más fácil creer lo malo que lo bueno”. Una alegoría sobrenatural de inesperada actualidad que nos recuerda que los hilos del prejuicio ajeno son siempre más rígidos y secos que el más humilde de los mimbres –aunque este cruja en cada uno de sus movimientos–. Una obra totalmente recomendable.

Mi nota es: 8,5

Estreno en España: 30 de octubre.

Reparto: Olivia Colman, Alexander Skarsgård, Elizabeth Debicki, Nabhaan Rizwan, Peter Dinklage, Anders Olof Grundberg y Marli Siu.

Productoras: Escape Plan Productions// Lobo Films// South of the River Pictures// Tango Pictures// The Royal Budapest Film Co // First Look// Votiv Films// Yoki.

Distribuidora en España: Vértice Cine.

Filmografía: La actriz, productora comercial y directora de cine Eleanor Wilson se graduó en la escuela de actuación Neighborhood Playhouse School of the Theatre en Nueva York, mientras que su marido Alex Huston Fischer, se formó de manera práctica en el ámbito audiovisual en Nueva York, desarrollando una carrera orientada a la dirección, el guion y la edición. Antes de comenzar a trabajar juntos Eleanor debutó con el cortometraje “Possum” (2013) y continuó con “Two Lanes” (2014), “Everything All at Once” (2015) y “Low Road” (2018) por su parte, Alex ha dirigido un gran número de videos musicales y comerciales hasta debutar también en el cortometraje con “For Maya” (2016) y “Snowy Bing Bongs Across the North Star Combat Zone” (2017) y ambos han dirigido dos largometrajes juntos: “¡Desconectados!” (2020) y este año nos ofrecen “Wicker” (2026).

NOTICIAS MOVISTAR PLUS+ OCTUBRE 2026

Leo Harlem ajusta cuentas con la vida moderna en la séptima temporada de 'Leo Talks' de Movistar Plus

Tras seis temporadas llevando el humor a los aspectos más cotidianos de nuestra vida, Leo Harlem regresa a Movistar Plus con una nueva entrega de 'Leo Talks', la producción Original Movistar Plus, en colaboración con Globomedia, que estrena su séptima temporada el próximo 12 de octubre.

Con su estilo cercano, irónico e inconfundible, el humorista vuelve a convertir lo cotidiano en materia prima para la comedia. En estos ocho nuevos monólogos reflexiona sobre algunos de los grandes absurdos de la vida moderna: las ciudades, la música, el consumo, el sexo, las supersticiones o incluso el aburrimiento, entre otros, demostrando una vez más que cualquier tema puede convertirse en una excusa perfecta para reírnos de nosotros mismos.

Cada lunes llegará un nuevo episodio con un tema diferente, siempre desde la mirada personal de Leo Harlem y su capacidad para encontrar el humor donde menos lo esperamos.

Crimen desorganizado - 12 de octubre

Un viaje por la evolución del crimen, desde los quinquis y los grandes robos hasta las estafas online, la seguridad en el hogar y el miedo a que nos roben la identidad.

Expediente Harlem - 19 de octubre

Brujas, fantasmas, vampiros, hombres lobo o el Yeti protagonizan un recorrido por los monstruos y leyendas que el ser humano ha inventado... y sigue creyendo.

Infierno urbano - 26 de octubre

Una mirada al caos de las ciudades actuales: cafeterías de especialidad, patinetes, transporte público, suciedad, estrés y nuevas formas de vida urbana.

Master Sex - 2 de noviembre

Un repaso a las locuras que hacemos por el sexo: filias, juguetes, posturas imposibles, supuestos afrodisíacos y otras extravagancias muy humanas.

Minicadena perpetua - 9 de noviembre

La música como banda sonora de nuestras vidas: las nuevas estrellas, montar un grupo, el fenómeno fan o el éxito del reguetón.

Muermos de risa - 16 de noviembre

Una divertida reivindicación del aburrimiento y de esos momentos en los que no pasa nada... aunque también tengan su encanto.

Quemando tarjeta - 23 de noviembre

Una reflexión sobre nuestra obsesión por comprar y acumular: trastos inútiles, ropa que nunca usamos, coleccionismo y consumo sin freno.

Sayonara, humanidad - 30 de noviembre

Una mirada al empeño del ser humano por complicarse la existencia y a las muchas razones que invitan a pensar que, sorprendentemente, seguimos aquí.

Todas las temporadas de 'Leo Talks', disponibles solo en Movistar Plus.
Puedes ver Leo Talks con el Plan Gratuito de Movistar Plus.

Movistar Plus estrena el documental 'Lamine Yamal. Revolución 304': de las calles de Rocafonda a la cima del fútbol mundial

Con apenas 19 años, Lamine Yamal se ha consagrado como uno de los futbolistas más determinantes y desequilibrantes del panorama internacional. Flamante campeón de Europa y del mundo con la Selección Española, candidato de primer orden al Balón de Oro y pieza angular de un FC Barcelona con el que ya suma en su palmarés tres Ligas, dos Supercopas de España y una Copa del Rey, su impacto va mucho más allá de los terrenos de juego. Movistar Plus estrena el próximo lunes 12 de octubre 'Lamine Yamal. Revolución 304', un documental de marcada vocación social que examina la convivencia, la inmigración y las aspiraciones de futuro de una juventud plural que reclama su propio espacio.

El símbolo de un barrio humilde: el 304 de Rocafonda

Cada vez que anota un gol, Lamine Yamal dibuja con los dedos de sus manos el número 304: los tres dígitos finales del código postal de Rocafonda, el barrio obrero de Mataró donde creció, donde todavía reside su abuela Fátima y en cuyos campos municipales comenzó a forjarse su talento. Ese gesto, imitado por miles de niños en todo el país, trasciende la mera celebración deportiva para convertirse en una reivindicación del orgullo de pertenencia y de la dignidad de los barrios trabajadores.

El documental halla su origen en una iniciativa escolar encabezada por Bernat Muñoz, un estudiante de Rocafonda. Su tutor y profesor, Ignasi Mangue, impulsó el contacto con el FC Barcelona para que el joven pudiera acceder a la Ciudad Deportiva Joan Gamper, conocer a su referente y entrevistarlo en persona. Aquel encuentro fue la chispa que encendió un proyecto documental centrado en explorar las vivencias y barreras cotidianas a las que se enfrentan los jóvenes catalanes hijos de familias migrantes.

Junto a Lamine Yamal, el documental cuenta con las vivencias de otras figuras públicas y profesionales que comparten orígenes familiares africanos y una misma determinación por romper barreras y lograr la verdadera inclusión: la actriz y cantante Yolanda Sey; la intérprete Tamara Ndong, galardonada con el Premio Gaudí; el profesor de lengua catalana Amine Toumi; y el humorista y creador de contenido Mohamed Lamine, conocido como Wiz Problema. Todos ellos muestran cómo el idioma y la cultura compartida vertebran su día a día, al tiempo que reclaman un cambio estructural que garantice una verdadera igualdad de condiciones para quienes crecen en la periferia.

Una reflexión necesaria que culmina con una declaración de principios del propio futbolista azulgrana que sintetiza el espíritu de la obra: "Solo pido que la gente de Rocafonda tenga las mismas oportunidades que tuve yo".

'5 minutos más', la película Original Movistar Plus escrita por Berto Romero y dirigida por Javier Ruiz Caldera, se ha presentado en el Festival de Cine de Sitges 

A la presentación de la película en Sitges han asistido los actores Berto Romero (responsable también del guion) y Javier Cámara (Concha de Plata al mejor actor de reparto en el Festival de San Sebastián), el director de la película Javier Ruiz Caldera, María Rubín (Responsable de Cine Original en Movistar Plus), Agustí Esteve (El Terrat) y Edmon Roch (Ikiru Films).

'5 minutos más' es una película Original Movistar Plus dirigida por Javier Ruiz Caldera, escrita por Berto Romero y protagonizada por Javier Cámara, el propio Berto Romero y Belén Cuesta. Producida por El Terrat e Ikiru Films. Filmax se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales. Tras su paso por salas (estreno 22 de enero), la película se podrá ver en exclusiva para todos los clientes de Movistar Plus. 

'5 minutos más' colgó el cartel de sold out en las proyecciones del festival de cine fantástico a las pocas horas de que las entradas salieran a la venta, un éxito que viene precedido por el Premio de Público en el Festival de Cine Fantástico Europeo de Estrasburgo y por la Concha de Plata a Javier Cámara como Mejor actor de reparto en el pasado Festival de Cine de San Sebastián.

Berto Romero, guionista y actor: "Yo siempre me he expresado a través de la comedia y creo que es un vehículo maravilloso para expresar cualquier cosa. Cuando escribí el guion, a mí no me pareció para nada una comedia, me pareció una cosa oscura, desagradable, triste y me pareció una película muy negra. Siento que hay un prejuicio hacia la comedia y hacia lo fantástico también. Son géneros que, como son divertidos y son entretenidos parece que no pueden hablar de temas importantes". 

"En toda mi experiencia como espectador, las películas que mejor me han explicado el mundo son las de género fantástico. A través de sus metáforas he entendido todo mejor. Creo que esta película es muy contemporánea porque retrata mucho el mundo en el que vivimos, es tener la sensación de que no puedes hacer otra cosa que reaccionar, que no se puede reflexionar".

Javier Ruiz Caldera, director: "Hace 35 años que vengo a Sitges y he ido haciendo comedias, pero siempre he pensado que tenía que hacer algo para venir aquí, que es casa". "Creíamos que habíamos hecho una película oscura, triste, cruel, que a los personajes les pasan cosas horribles y que se comportan de manera horrible, y lo que vemos es que la gente se parte de risa. Estamos descubriendo la película que hemos hecho a medida que estamos viajando con ella en los festivales".

Javier Cámara, actor: "Yo estaba de vacaciones cuando Berto me mandó el guion y cuando lo leí, le llamé y le dije: lo voy a hacer. Eran tres personajes desesperados en una situación complicada. Esta película me la bebí, me la disfruté, me reí y me emocionó. No sabía que estaba haciendo una película tan redonda". "Es una película que va a ir genial porque está hecha para el público, para que se la goce, para que se asuste y para que se ría". 

Sinopsis: '5 minutos más' narra la historia de una pareja inmersa en constantes discusiones que decide pasar un fin de semana en una casa rural aislada en medio del campo. Al llegar, los recibe un representante de la agencia de alquiler, que les enseña la casa y les entrega las llaves.

Pero lo que comienza como una simple escapada de fin de semana pronto da un giro extraordinario, obligando a la pareja a enfrentarse a una serie de circunstancias excepcionales y a tomar decisiones igualmente extraordinarias.

Reparto

Javier Cámara, Berto Romero y Belén Cuesta encabezan el reparto. Los actores Carlos Bernardino ('Mano de hierro'), Marc Soler ('UPA Next'), Clàudia Melo ('En los márgenes'), Puchi Lagarde ('Galgos'), Tian Tosas ('La última noche en Tremor') y Nia Tosas ('El mal invisible'), completan el elenco.

Tras su paso por salas, podrá verse en exclusiva para los clientes de Movistar Plus.

'American Hostage', el absorbente thriller psicológico protagonizado por Jon Hamm, se estrena el 5 de noviembre en Movistar Plus

Ambientada en los años setenta, 'American Hostage' sigue el enfrentamiento entre un prestigioso periodista radiofónico y un secuestrador que exige contar su versión de los hechos en directo.

A medio camino entre el true crime, el drama periodístico y el thriller psicológico, convierte una negociación policial en una partida psicológica sobre la verdad, la ética y el poder de los medios de comunicación. Es la adaptación de un podcast en el que participó el propio Jon Hamm.

La serie competirá en la Sección Oficial Ficción del South International Series Festival de Cádiz. Su primer episodio se proyectará en la Gala inaugural el 30 de octubre. 

'American Hostage' se estrenará completa (ocho episodios) el jueves 5 de noviembre en Movistar Plus, días después de la emisión de su episodio final en EE UU. 

Sinopsis: Indianápolis, febrero de 1977. Un hombre desesperado secuestra al director de una empresa hipotecaria y le coloca alrededor del cuello una escopeta conectada a un mecanismo letal. Su única exigencia es hablar en directo con Fred Heckman, el periodista radiofónico más respetado de la ciudad. Lo que comienza como un suceso local acaba convirtiéndose en un fenómeno mediático nacional, uno de los primeros acontecimientos retransmitidos en tiempo real que atrapó a todo un país. Mientras millones de personas siguen cada giro de la historia, Fred se enfrenta a un dilema imposible: informar o convertirse en parte de la noticia. A medida que la opinión pública empieza a simpatizar con el secuestrador, la frontera entre víctima y verdugo, verdad y espectáculo, periodismo y entretenimiento comienza a desdibujarse.

Creada por Shawn Ryan ('The Shield') y Eileen Myers ('El agente nocturno'), la serie está protagonizada por Jon Hamm ('Mad Men', 'Vicios ocultos'), como Fred Heckman. El actor, que ya participó en el podcast original, se implicó en la adaptación televisiva además como productor ejecutivo, atraído por la complejidad moral del personaje y por el conflicto entre responsabilidad profesional y humanidad. 

Completan el reparto, Giovanni Ribisi ('Sneaky Pete', 'La oferta'), como el secuestrador Tony Kiritsis; Mireille Enos ('The Killing', 'Para toda la humanidad'), como Barbara, la mujer de Fred, y William Jackson Harper ('The Good Place', 'The Morning Show'), como Ben Hairston, el protegido de Fred en la emisora. La serie está dirigida por Adam Arkin ('El agente nocturno'), que también aparece en la serie, y Nina Lopez-Corrado ('La casa del dragón').

En palabras del equipo…

"Nos interesaba explorar el momento exacto en el que las noticias dejaron de ser únicamente información para convertirse también en espectáculo (…) Dramáticamente, siempre resulta muy interesante ver a alguien hacer algo equivocado por la razón correcta" - Shawn Ryan

"Hay muchos elementos que, cincuenta años después, siguen resonando con fuerza en el panorama mediático y cultural actual" - Jon Hamm

'La bola negra', la película Original Movistar Plus de Javier Calvo y Javier Ambrossi, publica su banda sonora original

La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi competirá en la categoría de Mejor Película Internacional de los Premios Oscar® y ya se puede ver en los cines. Tras su paso por salas, se podrá ver en exclusiva para los clientes de Movistar Plus.

Ya está disponible el álbum digital con la banda sonora original de la 'La bola negra', la película Original Movistar Plus de Javier Calvo y Javier Ambrossi con la música de Raül Refree y canciones adicionales que forman parte de ‘La bola negra’. 

Editado por Lakeshore Records, el álbum incluye 24 temas entre los que se encuentran ‘La nieve’, que interpreta Guitarricadelafuente, ‘Seguiriya de los valientes’, que interpreta María Terremoto así como ‘Las tardes del Ritz’ y ‘Batallón de modistillas’, que interpreta Penélope Cruz. 

Track List

01. Se han equivocado - Raül Refree

02. El río - Raül Refree

03. Las Tres - Raül Refree

04. Las Cinco - Raül Refree

05. Votación - Raül Refree

06. Sonata del corazón sordo - Raül Refree

07. Polca de los Desamparados - Raül Refree

08. Que se disculpen - Raül Refree

09. Enfermería - Raül Refree

10. Seguiriya de los valientes - Raül Refree featuring María Terremoto

11. Calle Santos - Raül Refree

12. ¡Que escapa! - Raül Refree

13. Tren e incendio - Raül Refree

14. Las tardes del Ritz - Raül Refree featuring Penélope Cruz

15. Los zapatos - Raül Refree

16. Batallón de modistillas - Raül Refree featuring Penélope Cruz

17. Fuegos y bengalas - Raül Refree

18. Mis padres se llaman Lucio y María - Raül Refree

19. El pueblo quiere sangre - Raül Refree

20. En España empieza a amanecer - Raül Refree

21. Minuet del llanto - Raül Refree

22. La Nieve – Guitarricadelafuente

23. Mira que nos acechan - Raül Refree

24. Mira que nos acechan (Piano solo) - Raül Refree

Más adelante se publicará la versión de Raül Refree de ‘Soldadito español’ interpretada por Judeline. 

ÉXITO EN TAQUILLA Y FESTIVALES INTERNACIONALES

‘La bola negra’ se ha convertido en un fenómeno en España. Casi 4 millones de espectadores han acudido ya a las salas de cine para ver la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, que ha superado hasta el momento los 25 millones de euros de recaudación en taquilla.

Ganadora del premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, ‘La bola negra’ acaba ser reconocida en el Festival Internacional de Cine de Busan con el Flash Forward Audience Award. Tras los premios del público en los festivales de Toronto, San Sebastián y Sydney, la película suma en Busan, festival de clase A, un nuevo reconocimiento de los espectadores y las espectadoras. 

'La bola negra', una película Original Movistar Plus y Suma Content Films en coproducción con El Deseo y Le Pacte y con la participación de Atresmedia, se ha estrenado en los cines españoles de la mano de la distribuidora Elastica. Tras su paso por salas se podrá ver en España solo en Movistar Plus.

'Matar a un oso', serie Original Movistar Plus creada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, llegará a la plataforma el 10 de diciembre

'Matar a un oso', la nueva serie Original Movistar Plus creada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, se estrenará en exclusiva en la plataforma el 10 de diciembre.

Protagonizada por Eduard Fernández, Maria Rodríguez Soto, Miki Esparbé, Pol López, Nora Navas y Àlex Monner, es un thriller policial de seis episodios inspirado en el caso real de la muerte del oso Cachou en el Valle de Arán.

La serie Original Movistar Plus tendrá su estreno mundial el viernes 23 de octubre en la jornada inaugural de la 71ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), con la proyección de sus tres primeros episodios. Además, competirá en la Sección Oficial Nacional del Festival Serielizados, donde también se proyectarán sus tres primeros episodios el martes 27 de octubre.

Inspirada en hechos reales, 'Matar a un oso' arranca con la misteriosa muerte del oso Cachou en el Valle de Arán durante el confinamiento por la pandemia. El caso dio lugar a una investigación judicial sin precedentes en España, en la que la muerte del animal fue tratada como un asesinato, y sacó a la luz un conflicto que iba mucho más allá. A través de esta insólita investigación, la serie aborda el choque entre lo local y lo global, entre tradición y modernidad, y las distintas formas de entender nuestra relación con la naturaleza.

Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo conocieron la historia de Cachou a través de un artículo publicado en Le Monde y viajaron al Pirineo para conocer de primera mano a algunas de las personas implicadas. Sus testimonios les permitieron descubrir que, más allá de la investigación, el caso contenía el retrato de una comunidad, sus contradicciones y los conflictos que atraviesan su forma de vida. Esta mirada se traslada a la estructura de 'Matar a un oso', en la que en cada episodio se cuenta la historia desde el punto de vista de un personaje diferente.

El reparto está encabezado por Eduard Fernández, ganador de cuatro premios Goya (como actor protagonista por 'Marco' y 'Fausto 5.0' y como actor de reparto por 'Mientras dure la guerra' y 'En la ciudad') y de la Concha de Plata al Mejor Actor por 'El hombre de las mil caras'; Maria Rodríguez Soto, ganadora de la Biznaga de Plata del Festival de Málaga y del Premio Gaudí a la Mejor Actriz Protagonista por 'Els dies que vindran'; Miki Esparbé, nominado a los Premios de la Unión de Actores y Actrices como Mejor Actor de Reparto de Televisión por 'Anatomía de un instante'; Pol López, ganador del Premio Feroz al Mejor Actor de Reparto por 'Nos vemos en otra vida' y del Premio Gaudí al Mejor Actor Protagonista por 'Suro'; Nora Navas, ganadora de los premios Goya a la Mejor Actriz Protagonista por 'Pa negre' y a la Mejor Actriz de Reparto por 'Libertad', así como de dos premios Gaudí por 'Pa negre' y 'Tots volem el millor per a ella'; y Àlex Monner, ganador del Premio Gaudí al Mejor Actor Protagonista por 'Els nens salvatges'.

Creadores de series como 'Crematorio', Premio Ondas a la Mejor Serie Española, y 'La Zona', Premio Feroz a la Mejor Serie Dramática, Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo vuelven a colaborar con los guionistas Daniel Remón y Pablo Remón con quienes ya trabajaron en 'Nos vemos en otra vida'. Además, también participan en el guion Roberto Martín Maiztegui (también guionista de 'Nos vemos en otra vida') y Clara Botas (guionista de 'La Ruta'). Jorge Sánchez-Cabezudo dirige cuatro de los seis episodios y Borja Soler (creador de 'La Ruta') firma los otros dos.

'Matar a un oso' es una serie Original Movistar Plus, coproducida con ARTE France y en colaboración con Kubik Films (STUDIO TF1). Las ventas internacionales corren a cargo de Movistar Plus International.

Sinopsis: La muerte del oso Cachou en el Valle de Arán desencadena una investigación criminal nunca vista por la muerte de un animal. Los sospechosos son los habitantes del valle, que se convertirá en el escenario del choque entre lo global y lo ancestral y donde solo unos pocos lucharán por evitar que el conflicto estalle con consecuencias irreparables.

'Néstor', un documental Original Movistar Plus en el que J. A. Bayona, Javier Bardem y el director Laurent Bouzereau se unen para reivindicar el legado de Néstor Almendros

Esta semana se inicia el rodaje de 'Néstor', película documental sobre la extraordinaria vida y el legado de Néstor Almendros, uno de los directores de fotografía más influyentes de la historia del cine y el primer español en ganar el Oscar® de Hollywood, que recibió por 'Días del cielo', de Terrence Malick.

Laurent Bouzereau, director de los documentales 'Natalie Wood: What Remains Behind', 'JAWS@50: The Definitive Inside Story', 'Faye' y ganador de un premio Grammy por 'Music by John Williams', dirige el documental escrito por Esteve Riambau y Josep Maria Civit, quien firma también la fotografía del film. El ganador de un Oscar® Javier Bardem será quien acompañe al espectador a través del relato, prestando su voz e imagen a las palabras que Néstor Almendros dejó escritas a lo largo de su vida.

Para Bouzereau: "Néstor Almendros se encuentra en la encrucijada entre la política, el cine y la identidad. Como director, es un honor para mí contar la historia atemporal e inspiradora de un artista humanista que lo hizo todo con una cámara".

Para J. A. Bayona: "Néstor Almendros ha sido una profunda fuente de inspiración para muchos cineastas de nuestra generación. Detrás de su personalidad discreta había un artista excepcional que cambió nuestra manera de entender la luz, pero también un hombre de una enorme valentía, comprometido políticamente y con la defensa de los derechos LGTBI+".

Para Leticia Pérez Rico, responsable de Originales de No Ficción en Movistar Plus: "Para Movistar Plus, recuperar y reivindicar figuras esenciales de nuestra cultura es un pilar esencial en la oferta de contenidos de no ficción. 'Néstor' nos permite acercar su legado a nuevas generaciones y poner en valor a un creador español que dejó una huella indeleble en la historia del cine mundial. Además, hacerlo junto a un equipo creativo de este nivel, con Laurent Bouzereau, J. A. Bayona y Javier Bardem, encaja plenamente con nuestra apuesta por impulsar proyectos con ambición internacional, relevancia cultural y una mirada propia".

Mucho más que la historia de un cineasta

'Néstor' recupera la figura de un artista que transformó para siempre el lenguaje de la luz en el cine, pero descubre también una vida extraordinaria atravesada por algunos de los grandes acontecimientos políticos y culturales del siglo XX.

Nacido en Barcelona en 1930, Almendros conoció las consecuencias de la Guerra Civil española y la dictadura militar de Franco que provocó el exilio familiar. En Cuba vivió la Revolución y posteriormente fue víctima de la persecución de los homosexuales por el régimen castrista. En Francia encontró la libertad artística y se convirtió en uno de los grandes directores de fotografía de la Nouvelle Vague, mientras París vivía la convulsión de mayo del 68.

Su búsqueda de la libertad —artística, política y personal— lo acompañaría toda su vida.

La mirada de Néstor Almendros dejó una huella imborrable en el cine de Éric Rohmer, François Truffaut, Terrence Malick, Robert Benton y Alan J. Pakula, entre otros. Además de ganar el Oscar® a la mejor fotografía por 'Días del cielo' en 1979, fue nominado en otras tres ocasiones por 'Kramer contra Kramer', 'El lago azul' y 'La decisión de Sophie', y obtuvo el César de la Academia Francesa por 'El último metro'. A lo largo de su carrera fotografió a algunos de los grandes intérpretes de su tiempo, entre ellos Richard Gere, Meryl Streep, Dustin Hoffman y Jack Nicholson.

Almendros falleció en Nueva York en 1992, a causa del sida, en uno de los momentos más devastadores de la epidemia. Su muerte y el silencio que todavía rodeaba entonces a la enfermedad contribuyeron a que, con el paso de los años, su figura fuera alejándose de la memoria del gran público.

'Néstor' reivindica tanto al artista que contribuyó a transformar el lenguaje cinematográfico como al hombre que defendió la libertad frente a las formas de represión de su tiempo. 

El rodaje de 'Néstor' se desarrollará durante varios meses entre Barcelona, París, Londres, Nueva York y Cuba, escenarios fundamentales en la vida de Almendros.

'Néstor' es una coproducción entre España y Estados Unidos. El largometraje documental está producido por J. A. Bayona, Laurent Bouzereau, Belén Atienza, Markus Keith y Óscar Romagosa; y cuenta con el apoyo del ICAA y la participación de Movistar Plus. A Contracorriente se encarga de la distribución en salas españolas.

'Sicarios': crimen organizado en la Costa del Sol en el nuevo caso de Carles Porta en Movistar Plus

Carles Porta regresa a Movistar Plus con un nuevo caso de true crime que se adentra en el mundo de los sicarios y el narcotráfico en la Costa del Sol. 'Sicarios', nueva serie documental Original Movistar Plus, reconstruye una investigación policial que comenzó con dos homicidios aparentemente independientes y acabó destapando una peligrosa organización criminal especializada en asesinatos por encargo.

Compuesta por tres episodios, la serie sigue el trabajo de los investigadores para esclarecer unos crímenes que revelaron la existencia de una red de sicarios nórdicos asentada en la Costa del Sol, con conexiones internacionales y un sofisticado modo de operar.

A través de la investigación policial, el análisis de las pruebas y el relato de quienes vivieron el caso de primera mano, Carles Porta reconstruye una historia marcada por la violencia, el narcotráfico y el funcionamiento interno de una red de sicarios.

Sinopsis: Marbella no es solo una ciudad. Es un estilo de vida identificado con lujo, aristocracia y fiestas. Muchas fiestas. Es un lugar para ver y ser visto. Pero en la Costa del Sol también hay crimen organizado, narcotráfico, blanqueo de dinero, ajustes de cuentas y sicarios. Esta historia estalla el día de una primera comunión, pero venía de lejos.  

Con este nuevo título, Carles Porta consolida su posición como una de las voces imprescindibles del género, fiel a una mirada marcada por el rigor periodístico y el máximo respeto a las víctimas, señas de identidad presentes también en éxitos que se pueden ver en Movistar Plus como 'Crímenes', 'El crimen de la Guardia Urbana', 'Luz en la oscuridad', 'Missing in Murcia', 'Muerte en el hotel','Crimen por encargo', 'Peregrina', 'Mátalo ya' y 'El plan de las gemelas', que refuerzan la apuesta de la plataforma por el true crime de calidad.

Con 'Sicarios', Movistar Plus refuerza su catálogo de historias sobre el crimen organizado, el narcotráfico y las organizaciones criminales. Coincidiendo con el estreno del nuevo true crime, la plataforma reunirá una colección de títulos relacionados encabezada por la serie Original Movistar Plus 'Marbella', inspirada en el mismo caso real que reconstruye 'Sicarios' y ambientada en el ecosistema del crimen organizado de la Costa del Sol. También forman parte de esta selección otras producciones Originales Movistar Plus como 'El Inmortal', 'Gigantes' y 'Nasdrovia', junto a la serie 'Los amos de la ciudad'. La oferta se completa con películas como 'Uno de los nuestros', 'Donnie Brasco' y 'Promesas del este', además de documentales como 'La guerra del hachís', 'Narcogallegos' y 'Narcogallegos 2', que exploran diferentes dimensiones del narcotráfico y el crimen organizado.

TEATRO LARA INFORMA OCTUBRE 2026 (IV)

 

Historia de España

Una divertidísima comedia en la que la historia vuela sin pausa y a toda máquina desde Atapuerca hasta nuestros días, en un tono lúdico, objetivo y didáctico. Fruto de una impecable labor de documentación, el espectáculo ofrece una comicidad autocrítica que consigue hacer reír (y reflexionar) a todo tipo de público.

Tan solo una actriz y dos actores ponen en pie la obra, interpretando a más de setenta personajes con un elaborado trabajo físico y vocal, arropado por vertiginosos cambios en el vestuario y escenografía y con una serie de proyecciones que ayudan a dar contexto a cada instante de la comedia, con incesantes golpes de humor y rigor histórico.

El secuestro

"El secuestro” nace de la necesidad de reírse de uno mismo, del vecino y de la adversidad. Cuando los que tienen que velar por nuestro bienestar nos roban y nos “ningunean” no queda más remedio que tomar cartas en el asunto.

Una obra de gente de la calle y políticos, de familia que se quiere como se quieren las familias y que nos recuerda que con humor y una escopeta de cartuchos las penas se llevan mucho mejor.

“El secuestro” es una visión optimista del ser humano en un entorno de lo más pesimista. El secuestro se ha representado en México, Argentina, Uruguay, Panamá, Perú, Polonia e Italia. Tanta gente no puede estar equivocada.

Clase Turista.

Con el humor absurdo de Juanma Pina al mando, subiremos a bordo de la aerolínea más disparatada: una compañía donde los vuelos se retrasan, las maletas desaparecen, las excursiones acaban en terapia de grupo y los auxiliares de vuelo intentan mantener la cordura mientras todo a su alrededor vuela por los aires.

El autor confiesa: “No es una obra de teatro al uso. Es más un show de crucero, un concurso con sorteo incluido, la primera temporada de una serie condensada en ochenta minutos, un desfile de modelos primavera-invierno, un álbum de personajes absurdos que todos nos llevaríamos a casa”.

No todos los cuadros tienen la misma luz.

A Pedro la vida le da un revés en tan solo un día y se encuentra en el museo en el que trabaja de seguridad con un arma en sus manos a punto de hacer una locura. De repente aparece Laura, que se había quedado encerrada en el baño antes de cerrar el museo, y al ver que Pedro se quiere hacer daño, empieza una conversación para intentar que no lo haga. Poco a poco irán viendo que son más parecidos de lo que creían y comienzan una relación de “amistad” que hace que Pedro se relaje. ¿Podrá Laura parar a Pedro y salvarle la vida?

Última planta.

En la antesala del Cielo, Herminia, una mujer que ha dedicado su vida a Dios, aguarda con impaciencia el momento de encontrarse cara a cara con el Creador. Muy pronto descubrirá que no es la única en espera: Margot, una travesti deslenguada y vital, aparece para hacer tambalear su idea de la eternidad. Pero no estarán solas. Poco a poco, el ascensor celestial irá dando paso a otros peculiares pasajeros: Carmen, una mujer fallecida en extrañas circunstancias; Paquito, un joven despistado que aún no entiende cómo ha llegado hasta allí; y Gabriel, un ángel maniático y torpe que oculta un deseo inconfesable mientras trata, con poca eficacia, de guiarlos en su ascensión.

Entre confesiones, anhelos y cuentas pendientes, todos deberán enfrentarse a la prueba definitiva: alcanzar su propio cielo particular, donde la eternidad será su recompensa… o su condena.

Con 5 temporadas de éxito en Madrid, esta comedia celestial ya ha triunfado en Bulgaria y próximamente llegará a México, Puerto Rico y Panamá, consolidándose como un espectáculo tan hilarante como conmovedor.

Madres

Madres es una comedia desesperada en la que cinco mujeres se quedan encerradas en la sala de espera de un colegio.

El aislamiento desbordará en una terapia de límites insospechados, sacando a relucir las sombras y las luces de la maternidad.

Alicia en el país de las maravillas

Alicia es una joven inquieta e imaginativa, que sueña con vivir en un mundo mágico y maravilloso…¿Quién podrá negarle ese deseo?

De la mano del Sr. Conejo, se embarcará en un fascinante viaje a ese lugar donde los sueños se hacen realidad. Vivirá mil aventuras con característicos personajes como la Oruga Azul o la Gatita de Cheshire. Disfrutará celebrando su NO CUMPLEAÑOS con el Sombrerero Loco y su amiga Humpty Dumpty.

Edipo

Edipo (en una obra de teatro de falso documento situada en un set de rodaje diseñado para parecer el salón de una casa) parte de la fascinación del autor Mattis G. de la Fuente para con la explotación de la nostalgia en los medios para entrar en una investigación más personal sobre la culpa y el perdón. Protagonizada por Tony Galán, bajo la dirección del propio Mattis G. de la Fuente, el espectáculo cuenta con música en directo sobre el escenario y con tres invitadxs que participan en la función sin haber visto la obra anteriormente ni haber ensayado.

Un viaje en forma de especial televisivo sobre la búsqueda de la redención y la propia identidad. La historia de un mito griego reconvertido en actor de televisión que intenta sanar las heridas de su trágico pasado mientras plató y realidad se confunden.

Gris de ausencia.

La obra maestra de Tito Cossa, Gris de Ausencia, pinta con la exactitud propia del teatro, todo aquello que atraviesa a quien tiene más de un pueblo caminado en sus piernas: atraviesa el corazón de la experiencia migratoria.

Con una mezcla de humor, emoción y crítica social, Gris de Ausencia… ¿Cómo sería? se convierte en un espejo donde se reflejan las heridas del pasado y las esperanzas del presente. Es una celebración de la memoria colectiva y una invitación a reconstruir, juntos, lo que alguna vez se perdió.

Os recuerdo que algunas de estas obras disfrutan de descuentos especiales. Consultar en taquilla.