DOCUMENTALES DE ESTRENO EN MOVISTAR PLUS+ JULIO 2026

Los nuevos casos de 'Crímenes', el ascenso y caída del bailaor Farruquito, un viaje de descubrimiento en 'Este cuerpo mío' y el nominado al Oscar®,'Cutting Throuh Rocks', documentales de estreno que llegan en julio a Movistar Plus

En julio regresa el mejor true crime de la mano de Carles Porta con la sexta temporada de 'Crímenes'; Carolina Yuste se pone detrás de la cámara para acompañar y sostener a Afioco Gnecco en su proceso transicional; el bailaor Farruquito protagoniza el documental sobre su vida, sin dejar ningún tema fuera; repasamos la historia del Apartheid y el activista y político Nelson Mandela con dos títulos de estreno; conocemos a una mujer que desafía la normas en 'Cutting Throuh Rocks', y viajamos al pasado para descubrir las mayores traiciones históricas y los monumentos más legendarios y emblemáticos del mundo.

TRUE CRIME

'Crímenes' T6 - Estreno el martes 14 de julio. Ocho episodios. Estreno semanal

Carles Porta estrena la sexta temporada de 'Crímenes' en Movistar Plus, siendo fiel a la esencia que ha convertido al programa en un referente del true crime: reconstruir con rigor, profundidad y una cuidada investigación algunos de los sucesos más impactantes de los últimos años. Esta nueva temporada aborda siete historias a lo largo de ocho episodios: desde un asesino que aprovechó las calles vacías durante la pandemia para actuar con total impunidad, hasta un caso marcado por secretos, deudas ocultas y una doble vida; un crimen de violencia de género que invita a la reflexión o una muerte anunciada que conmocionó a su entorno. 

SOCIEDAD

'Este cuerpo mío' - Estreno el sábado 4 de julio.

Cuando Afioco Gnecco decide iniciar su transición de género, toma también la decisión de documentar el proceso junto a su amiga, la actriz Carolina Yuste.

Este documental, dirigido por ellos mismos, explora la importancia de sentirse querido, acompañado y comprendido para poder entenderse y aceptarse. En este proceso, Gnecco enfrenta sus miedos para reconocerse a sí mismo. A través de un gesto honesto y generoso, 'Este cuerpo mío' reflexiona sobre la identidad, la amistad y se pregunta qué es el género y qué significa ser mujer u hombre, con todas las contradicciones que ello implica. Un viaje emocional y geográfico cuyo destino es la reconciliación con uno mismo.

'Cutting Through Rocks' - Estreno el sábado 11 de julio.

Este documental, nominado al Oscar en 2026 y ganador del Gran Premio del Jurado en Sundance, sigue a Sara Shahverdi, la primera mujer elegida en la historia para formar parte del consejo de un pueblo remoto de Irán. A pesar de la presión de un sistema profundamente patriarcal, Sara se niega a rendirse. Tras su elección, se propone frenar el matrimonio infantil, garantizar la educación de las niñas y lograr la tan esperada conexión de gas para su comunidad. Con todo en contra, y en un país donde las mujeres enfrentan una clara desventaja sistémica, la vemos ayudar a adolescentes a aprender a conducir motos, acoger en su casa a una joven para evitar un matrimonio concertado y convencer a un hombre de permitir que su esposa participe en una herencia. En definitiva, el retrato de una mujer que desafía las normas y se enfrenta a su entorno sin importar las consecuencias. 

'La historia del Apartheid' - Estreno el miércoles 15 de julio. Tres episodios. Estreno completa. 

Esta es la historia definitiva del Apartheid en Sudáfrica y de cómo su legado sigue marcando al país en la actualidad. A través de relatos íntimos y conmovedores, tanto de víctimas como de responsables, y con imágenes inéditas, esta producción revela secretos que han permanecido ocultos durante décadas. La serie analiza varios acontecimientos históricos clave para comprender el Apartheid desde distintas perspectivas, y sigue tres casos judiciales emblemáticos dando voz tanto a víctimas como a perpetradores. Desde la verdad detrás de la masacre de Sharpeville hasta la historia completa del activista Ahmed Timol, asesinado en 1971. Desde el caso de los "COSAS 4", cuyos familiares aún buscan justicia, hasta el acuerdo confidencial entre el ANC y el gobierno del Apartheid que sigue influyendo hoy. 'La historia del Apartheid' ha sido ganador del Premio Nacional de Artes y Cultura 2025 de Sudáfrica a la Mejor Serie Documental.

'Free Nelson Mandela' - Estreno el miércoles 8 de julio. Tres episodios. Estreno completa. 

La imagen de Nelson Mandela libre tras casi tres décadas entre rejas es una de las más icónicas de la historia. De activista por la libertad a presidente, desde la cárcel Mandela llevó a Sudáfrica hacia la democracia. Esta serie documental de tres episodios revive cada paso de ese recorrido, incluyendo la batalla política y cultural global para por su liberación. Con un amplio acceso a las personas en el corazón del movimiento contra el Apartheid, incluidas algunas de las mayores estrellas de la música mundial, y material de archivo nunca visto, esta es la historia completa de una de las campañas más asombrosas por la liberación de un preso político mítico. 

BIOGRAFIAS

'Serás Farruquito' - Estreno el miércoles 22 de julio. 

Ascenso, caída y redención de uno de los mejores bailaores de todos los tiempos, Juan Manuel Fernández Montoya, Farruquito, considerado "el mejor bailaor flamenco de este siglo" por The New York Times. El relato de una saga familiar, donde el peso del legado se transmite generación tras generación, desde el mítico abuelo Farruco, creador de un estilo único, hasta El Moreno, hijo de Farruquito y joven promesa de este arte centenario. Un viaje por el arte, a través de las huellas profundas de una estirpe flamenca marcada por el talento, el sacrificio y la tragedia, todo un recorrido por el espíritu mágico del baile flamenco y la cultura gitana

'Pharrell Williams: Piece by Piece' - Estreno el lunes 13 de julio. 

Innovador documental animado en formato de LEGO, que recorre la vida y música del productor, compositor y director creativo de Louis Vuitton, ganador de trece premios Grammy, el icono cultural Pharrell Williams. En esta producción, el artista muestra su proceso imaginativo y creativo utilizando piezas de Lego, a medida que construye modelos que representan su desarrollo artístico, representando con cada construcción un hito creativo diferente. Según Morgan Neville (ganador del Oscar en 2014 por '20 Feet from Stardom'), esta es "una historia sobre alguien que es único y que, al crecer, mantiene su originalidad y su visión particular del mundo, esforzándose por hacer que los demás reconozcan aquello que lo hace especial". 

'Desirée Vila, ganas de vivir' - Estreno el lunes 6 de julio.

El Langui dirige 'Desirée Vila. Ganas de vivir', un documental que narra la extraordinaria historia de Desirée Vila, una joven atleta paralímpica cuya vida cambió drásticamente tras perder una pierna por negligencia médica. A los 16 años, Desirée Vila sufrió una fractura de tibia y peroné que derivó en la amputación de su pierna derecha. Lejos de renunciar a su vocación deportiva, en 2018 comenzó a practicar atletismo y, ese mismo año, se proclamó campeona de España en los 100 metros y en salto de longitud. Desde entonces, su palmarés no ha dejado de crecer. Este documental la acompaña en su día a día tras su participación en los Juegos Paralímpicos de París 2024, donde no logró los resultados esperados. A través de este momento clave, el documental sigue de cerca a la atleta en su esfuerzo por levantarse una vez más, dentro y fuera de la pista, y nos muestra su inspiradora filosofía de vida. Un relato honesto y sin concesiones que reivindica la importancia de afrontar los desafíos y superar los propios límites.

MUSICA

'Rolling Stones: At The Max' - Estreno el viernes 31 de julio.

Una presentación de "la mejor banda de rock and roll del mundo" como nunca ha sido vista: Mick Jagger, Keith Richards, Ronnie Wood y Charlie Watts llegan a la gran pantalla en un electrizante concierto. El documental, filmado con cámaras IMAX durante la gira 'Urban Jungle Tour' de 1990, incluye actuaciones de la etapa europea, y éxitos como 'Satisfaction', 'Brown Sugar', 'Start Me Up' y más, situando a los espectadores y en medio del público, donde cada riff, cada paso y cada grito se amplifican gracias al incomparable sonido y la pantalla de IMAX. Una experiencia inmersiva en primera fila de la historia del rock: más grande, más potente e intensa que nunca.

MODA

'El vestido de novia de Diana' - Estreno el martes 28 de julio.

El vestido de novia de Lady Di, diseñado por Elizabeth y David Emanuel, es un hito de la moda nupcial. A través de testimonios exclusivos, material de archivo y el análisis de expertos en moda y realeza, el documental explora los secretos de su diseño, su confección y el impacto cultural que convirtió el vestido de Diana en un símbolo eterno de elegancia, misterio y tradición. Una mirada íntima a la creación de una pieza única que marcó para siempre la historia de la moda y la monarquía británica.

NATURALEZA

'La isla de los tigres' - Estreno el martes 7 de julio. Dos episodios. Estreno completa.

Cerca del Himalaya se encuentra el secreto mejor guardado del mundo natural: una de las mayores concentraciones de tigres del planeta. Un extraordinario esfuerzo de conservación en Nepal ha hecho que el número de tigres haya aumentado hasta seis veces. Los tigres suelen vivir de forma solitaria, algunos recorriendo territorios de más de 100 kilómetros cuadrados. Pero en esta isla los tigres, incluidas madres con sus crías, comparten apenas unos pocos kilómetros cuadrados de espacio. En un hecho sin precedentes, la tecnología de drones capta sus vidas íntimas: cazas, peleas, juegos y muchos otros comportamientos memorables salen a la luz.

HISTORIA

'Traiciones históricas' - Estreno el domingo 5 de julio. Seis episodios. Doble estreno semanal.

A lo largo de los siglos y las distintas civilizaciones, la traición ha sido una fuerza decisiva: ha derribado imperios, acabado con dinastías y redefinido el equilibrio de poder. Desde la traición que condenó a los espartanos en las Termópilas hasta las intrigas palaciegas en torno al emperador Calígula y el rey Herodes, pasando por la controvertida figura de La Malinche, cada episodio explora una apasionante historia real. A través de estos relatos, la serie revela cómo el engaño y la ambición desempeñaron un papel clave en momentos que cambiaron el curso de la historia, conspiraciones, asesinatos y traiciones que marcaron el mundo antiguo. 

'Monumentos de la antigüedad' (T3) - Estreno el jueves 16 de julio. Seis episodios. Doble estreno semanal.

Esta serie documental explora algunos de los monumentos más legendarios del mundo, que aún hoy nos impresionan por su escala y su extraordinaria arquitectura, con el objetivo de desentrañar sus secretos. A lo largo de la historia, la humanidad ha levantado estructuras míticas y enigmáticas en distintos rincones del planeta. Esta serie recorre lugares como Tikal, en Guatemala; el Santo Sepulcro, en Israel; Chichén Itzá, en México; la Esfinge de Egipto; Notre Dame de París y el castillo de Chambord. A través de espectaculares imágenes aéreas y tecnología satélite, la serie analiza cada estructura en detalle, revelando los materiales empleados y los desafíos que plantean factores como el terreno, el paso del tiempo y su conservación.

SPIDER-NOIR: CRÍTICA DE SERIE

Spider-Noir es una miniserie creada por Oren Uziel y Steve Lightfoot y dirigida por Harry Bradbeer.

Nos situamos en la Nueva York de los años 30. Allí conoceremos a Ben Reilly (Nicolas Cage), un investigador privado mayor y taciturno. Tiempo atrás, Ben decidió abandonar para siempre su identidad de superhéroe cuando su novia Ruby murió en un trágico accidente del que no pudo salvarla. Sin embargo, en una ciudad asfixiada bajo el yugo de Silvermane (Brendan Gleeson) –el líder de la organización criminal más poderosa–, la tranquilidad y el anonimato son un lujo imposible. Un determinado acontecimiento y el ser contratado para una nueva misión obligarán a Reilly a desempolvar su extravagante máscara. “La Araña” se verá forzada a regresar para enfrentarse a los fantasmas que creía haber dejado atrás. Para ello, contará con la inestimable ayuda de su secretaria Janet (Karen Rodríguez), el periodista Robbie Robertson (Lamorne Morris) y la femme fatale Cat Hardy (Li Jun Li).

Os he hablado en otras ocasiones del cine de superhéroes antes de ofreceros alguna reseña de alguno o de varios de sus personajes y, aunque ya han desfilado algunas producciones por la pequeña pantalla, sin duda los fans pedíamos a gritos un riesgo formal de este calibre. Esta miniserie se aleja de las saturadas fórmulas modernas para entregarnos un emocionante thriller criminal ambientado en la Gran Depresión. La producción no solo destaca por la solidez de su guion, sino por erigirse como una auténtica delicia visual que rinde pleitesía al cine negro clásico y algunas obras que nos vienen a la memoria. Su cuidada puesta en escena y su fotografía nos cautivan por completo. Una fotografía en la mirada de Darran Tiernan y Peter Deming, quienes utilizan con maestría los icónicos planos inclinados tan propios del género noir, desestabilizando la mirada del espectador para sumergirnos en una atmósfera de constante sospecha urbana. A esto se suma el fascinante juego cromático, con colores en el vestuario llevados al límite del contraste, que chocan con fuerza contra las profundas sombras de la ciudad. En definitiva, un delicioso ejercicio estético digno de disfrutar en pantalla grande, con la gran ventaja de que podemos ver la obra tanto en “Authentic Black &White” como en “True-Hue Full Color”. Color o Blanco y Negro: cada una se creó de forma separada para ofrecer una experiencia distinta.

La obra sin duda cuenta con un magnífico elenco actoral, posiblemente su mayor baza. Nicolas Cage está sencillamente magnífico; solo por verlo a él en pantalla ya merece la pena devorar toda la serie. Cage demuestra una vez más ser un actor camaleónico, capaz de equilibrar la excentricidad con el drama más puro. Consigue que detalles que en cualquier otro intérprete resultarían ridículos, en él adquieran una credibilidad asombrosa; como esa genialidad de mostrar a Ben Reilly durmiendo bocarriba, con los brazos y piernas encogidos emulando a una araña muerta, acompañándolo de pequeños e inquietantes espasmos en sus articulaciones. Cage nos regala a un detective cansado y envuelto en una densa capa de nostalgia.

Por otra parte, el resto del reparto no se queda atrás: calcan sus personajes con una precisión milimétrica que nos retrotrae de inmediato a las décadas de los 30 y 40 del siglo pasado. Destaca Li Jun Li, una magnética femme fatale que devora la pantalla encarnando a Cat Hardy. Sin olvidar, por supuesto, a su secretaria Janet, inmortalizada por Karen Rodríguez, fiel reflejo de esas secretarias del cine clásico que van mucho más allá de su deber profesional; ella cuida de su jefe y se convierte en su ancla emocional, tratándolo como a uno más de la familia en un mundo hostil.

Como es habitual en el universo arácnido, los enemigos brotan como champiñones en todos los rincones de la ciudad. El ecosistema criminal está impecablemente liderado por un imponente Brendan Gleeson como el veterano gángster Finbar Byrne/Silvermane. Junto a él, destaca un trágico Flint Marko/Sandman, interpretado magistralmente por Jack Huston como el antihéroe consumido por sus propios poderes; la oscura amenaza urbana de Lonnie Lincoln/Tombstone, encarnado por Abraham Popoola, y los impactantes rostros de la delincuencia que representan James “Jimmy” Addison al que da vida Jack Mikesell y el electrizante y altivo Dirk Layton/Megawatt en la presencia de Andrew Lewis Caldwell. Un reparto de villanos de lujo que asfixia y enriquece las calles de Nueva York.

Con los aproximadamente 50 minutos de los que goza cada capítulo, la serie no se hace para nada pesada, todo lo contrario, posee un ritmo tan adictivo que, al finalizar cada entrega, te quedas con ganas de devorar la siguiente. Lo más destacable de la producción, además de su espectacular fotografía, su cuidado vestuario y su sobria ambientación musical, es el brillante equilibrio de sus interpretaciones, que mantienen la compostura incluso en sus descarnadas escenas de violencia. Queda claro que el producto final está destinado a un público general que busca una buena historia, madura a la vez que accesible.

En conclusión, nos encontramos ante un título sumamente recomendable. Consigue salirse por completo de los saturados arquetipos del cine de superhéroes tradicional para mostrarnos a una Araña humana, un ser de carne y hueso que sufre con cada golpe, caída y a quien le cuesta horrores volver a la batalla. Reilly arrastra un pasado doloroso y sobrevive a duras penas en un mundo cruel en el que, inevitablemente, se ve obligado a intervenir; no puede desligarse de su versión de superhéroe. Una obra redonda que demuestra que se pueden hacer cosas diferentes y con mucha clase dentro del género.

Mi nota es: 9

REPARTO: Nicolas Cage, Brendan Gleeson, Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Jack Huston, Abraham Popoola, Andrew Caldwell, Randy Oglesby, Whitney Rice, Richard Robichaux, Treisa Gary, John Patric Jordan, Albert Malafronte, Brooke McCormick, Cameron Britton, George Todd McLachlan, Ydaiber Orozco, Michael McCusker, Hugh B. Holub, Amanda Schull, Lukas Haas, Andrew Robinson, Cary Christopher, Amy Aquino, Scott MacArthur, Joe Massingill y Michael Kostroff.

PRODUCTORAS: Sony Pictures Televisión// Pascal Pictures//Amazon MGM Studios// Lord Miller// Marvel Entertainment.

HALF MAN: CRÍTICA DE SERIE

Half Man, creada por Richard Gadd y dirigida por Alexandra Brodski y Eshref ReyBrouck.

Hay ficciones que no se ven con comodidad; se sufren en la piel, se graban en la memoria y atraviesan el alma, sin olvidar que nuestro sistema nervioso permanecerá siempre alerta. Tras el arrollador e histórico éxito de la también miniserie Mi reno de peluche —que logró una importante cosecha de premios en 2025, entre ellos 2 Globos de Oro y 4 Emmy—, el creador escocés Richard Gadd regresa con Half Man, un demoledor y nuevo fenómeno que eleva la apuesta dramática hacia terrenos verdaderamente devastadores en una coproducción de la BBC y HBO.

La historia nos traslada a un pequeño y aislado pueblo escocés. Allí seguimos las vidas de Lori (Neve McIntosh) y Maura (Marianne McIvor), una pareja de mujeres que han criado juntas a sus respectivos hijos varones de matrimonios anteriores. El hijo de Lori es Niall (Jamie Bell), un joven profundamente reprimido, sensible y marcado por un complejo de victimismo que deviene en una sutil masculinidad tóxica pasiva. En el polo opuesto se encuentra Ruben (Richard Gadd), el hijo de Maura: un torbellino impulsivo, violento y dominado por una imperiosa necesidad de control y codependencia absoluta.

La mecha narrativa no tarda en encenderse, pues lo hace al poco de iniciarse la trama, cuando Ruben irrumpe de forma inesperada y no deseada en la boda de su “hermano” Niall. A partir de ese estallido inicial, donde vemos como las respiraciones se detienen y las miradas fusilan al recién llegado, la trama se fragmenta de manera formidable a través de potentes flashbacks que nos retrotraen hasta cuatro décadas atrás. Nos adentramos así en algo más de seis horas de pura angustia cinematográfica, pero sin duda muy adictivas. Es como un ejercicio de puro masoquismo televisivo. Una inmersión implacable en una toxicidad de un calibre inimaginable, donde el espectador es testigo de una verdad incómoda y autodestructiva: si su anterior propuesta nos dejó un sabor agridulce, esta nueva obra directamente nos rompe por dentro capítulo a capítulo.

El verdadero corazón de Half Man reside en el brutal duelo interpretativo entre Jamie y Richard. Lo que impacta desde el primer instante es la tremenda naturalidad y la absoluta entrega física y emocional de ambos actores. A través de un magnífico guion, el espectador va descubriendo poco a poco sus complejas personalidades, sus profundas contradicciones, sus complejos y sus rivalidades soterradas. En sus miradas se puede leer, de forma nítida en esos primeros planos, el miedo, el odio, el rencor e incluso un retorcido amor. ¿Fraternal o algo más? Sus palabras no son simples diálogos; son puñales diseñados para causar el mayor dolor posible, penetrar en el alma del otro y demolerla por completo. Es un juego del gato y ratón tan retorcido que nos deja sin aliento ante la pantalla. Es inevitable odiarlos cuando muestran su peor afán de destrucción, pero también amarlos cuando se vuelven vulnerables, mostrando su realidad. Sin embargo, esa humanidad es un espejismo: su vulnerabilidad dura apenas lo mismo que el batir de alas de una mariposa frente a un torbellino.

La miniserie realiza una radiografía perfecta de la masculinidad tóxica y, me atrevería a decir que sobrepasando muchos límites. Son dos vertientes opuestas que se retroalimentan. Por un lado, la pasividad maquiavélica de Niall. Su toxicidad nace de la envidia pura y de una profunda codicia; se autopercibe como un pobre infeliz y está convencido de que su “hermano” tiene, injustificadamente, todo lo que él merece. Niall utiliza su inteligencia de forma retorcida para crear situaciones incómodas y aterradoras, buscando dañar y traicionar a Ruben, e incluso aprovechándose de la situación familiar cuando surgen deudas económicas. Por otro lado, Ruben es la fuerza bruta. Un hombre de físico imponente que traspira testosterona por cada poro de su piel, pero cuyo machismo recalcitrante esconde una profunda frustración interna. Ruben descarga su violencia para camuflar sus propios complejos e inseguridades como hombre, sintiéndose desarmado ante la realidad de su hermano. Entre ambos personajes flota una tensión constante y una sexualidad latente muy perturbadora. Son dos polos opuestos atrapados en una atracción destructiva, dolorosa y oscura; una oscuridad tan abrasadora que hasta la propia noche temblaría; un vínculo enfermizo donde el amor y el odio se confunden en un juego donde la única salida posible parece ser la autodestrucción mutua. ¿Llegarán a tal estado o la cordura les frenará?

Mención aparte merecen las madres de ambos, Lori y Maura, que también tienen mucha tela que cortar en este relato. La ficción no se conforma con la toxicidad de los hijos; la madre de Niall demuestra ser una figura de una pasividad dañina, mientras la madre de Ruben arrastra su propia dosis de conflicto, aunque el guion logra de forma brillante que te apiades de ellas, aunque luego, te haga reflexionar si merecen o no el perdón.

A nivel técnico, la dirección de Alexandra Brodski y Eshref ReyBrouck es impecable. Logran mantener una atmósfera asfixiante y un ritmo milimetrado a lo largo de sus seis episodios, estructurados de tal forma que cada final de capítulo te deja con una necesidad imperiosa de más. En este apartado estético, resulta de justicia alabar la sobriedad de la fotografía de Carlos Catalán y Frederic Van Zandycke, junto a la perfecta elección de sus planos, cuyas luces, sombras y encuadres envuelven al espectador en el aislamiento claustrofóbico de ese pequeño pueblo escocés.

Pero si hay un elemento que termina por redondear esta experiencia sensorial es, sin duda, su impactante banda sonora. La música de Evgueni Galperine y Sacha Galperine. La música en Half Man duele tanto como las propias interpretaciones. No es un simple adorno de fondo; es una composición atronadora que acrecienta el drama, el sentir de los latidos de los corazones o la obnubilación de las mentes; elevando la tensión a niveles insoportables y dejando al desnudo las miserias de sus personajes. En ocasiones, la melodía se adelanta de forma sutil a los acontecimientos, preparándote para el golpe, y luego te taladra el cerebro y los sentidos cuando estalla el momento, ya sea esperado o completamente inesperado. Una genialidad técnica que se complementa con unos giros argumentales potentes de los que es mejor no hablar para no arruinar la experiencia al espectador.

En definitiva, Half Man no busca agradar al público, sino confrontarlo. Es una miniserie cruda, implacable en su violencia psicológica, redonda en su ejecución y abrasadora en sus interpretaciones. Gadd demuestra que lo suyo no fue un éxito puntual, entregándonos una de las ficciones más desgarradoras, potentes y dolorosamente adictivas de la televisión actual. Un viaje turbio que te mantiene con las pulsaciones al límite y del que es imposible salir ileso. Preparen su sistema nervioso, cuando le den clip a esta serie.

Mi nota es: 8,5

REPARTO: Richard Gadd, Jamie Bell, Mitchell Robertson, Stuart Campbell, Neve Mclntosh, Charlie de Melo, Tim Downie, Anjli Mohindra, Tom Andrews, Marianne Mclvor, Amy Manson, Sandy Matchelor, Kal Sabir, Kate Robson-Stuart, Ruchika Jain, Russ Bain, Bilal Hasna, Julie Cullen, Paul Antony-Barber, John Scougall, Adam McNamara, Simon Chandler, Stuart McQuarrie, Euan Macnaughton, Colin McCredie, Gordon Brown, George Anton, Jason Alan Staines, Paul Tinto, Rowan Mclntosh, Carol Ann Crawford, Anthony Strachan, Cara Kelly, Ewan Black, Nebli Basani, Brian Alexander, Andrew Watson, Martin Docherty, Piers Ewart,  Paul Giddings, Gemma Laurie, Craig McDonald-Kelly, Lucas Kelly y Martin Donaghy.

PRODUCTORA: BBC Studios// HBO // Mam Tor Productions// Screen Scotland// The Forge Entertainment// Thistledown Pictures.

TEATRO LARA INFORMA JULIO 2026 (I)

Teatro en bolas

Un actor sin texto, un músico sin partitura, una obra sin dirección. Este show es vertiginosamente imprevisible. La participación del público es crucial para que el actor, y el músico se inspiren, cuenten y canten historias creadas espontáneamente.

Con estos mimbres, la frescura, la sorpresa y la carcajada están aseguradas.

Y sí, la gente repite porque no se cree que cada pase sea único e irrepetible.

A mí me gustan mayores

Noemí y Andrea se conocieron con siete y nueve años, respectivamente. Esa edad en la que alguien que nos saca dos cursos nos parece súper maduro y súper adulto, ¿verdad? Con el paso del tiempo, esa diferencia se hace minúscula, y Noemí comienza a salir con hombres cada vez mayores, plasmando en ellos la admiración que antes sentía por su amiga. Algo que Andrea gestiona como puede: con sarcasmo y poca paciencia.

La noche de la Filomena, uno de estos hombres –a las tantas de la madrugada y justo después de acostarse con Noemí– sale corriendo de la casa de las chicas con una excusa más que cuestionable, lo que provoca que ambas tengan esa conversación que llevan años evitando.

Toda persona vista de cerca es un monstruo

Dos parejas, cuatro personas. En crisis cada una consigo misma y cada pareja en consecuencia. Se juntan a cenar y los otros a modo de espejo ponen de relieve los modos más monstruosos e íntimos de cada uno.

Lo que aparentan, lo que son y lo que desean se debate en un encuentro que los conducirá a revelar verdades, y a rebelarse ante definiciones ancestrales y universales. Esta noche la situación los llevará a un paroxismo inesperado.

Mujeres feroces

Una comedia donde los personajes femeninos demuestran determinación y energía para alcanzar sus metas. Esas mujeres son feroces con todo lo que se opone a la concreción de sus sueños. Los personajes masculinos de la obra resisten, pero les falta esas ganas salvajes que tienen las mujeres por exprimir el presente. La obra pasa revista a personajes femeninos, donde hay hijas, esposas, médicas, pacientes, vecinas, divorciadas, que convocan las sonrisas por la audacia con la que libran cada batalla cotidiana. 

Una comedia de cara al público, como los personajes femeninos, sin medias tintas, con una mezcla de fiereza y emoción.

Vocal Express

Cinco amigos se preparan para emprender el viaje de sus vidas con una misión aparentemente sencilla: llegar a tiempo a una cita muy importante. Sin embargo, una ristra inacabable de contratiempos se suceden sin parar: retrasos, turbulencias, controles de seguridad descabellados... Alguien muy importante les espera al otro lado del mundo, pero la vida parece haberse empeñado en ponérselo muy, pero que muy difícil. ¿Conseguirán llegar a tiempo ¿Sobrevivirán a la aventura? Y lo más importante: ¿Serán capaces de aguantarse unos a otros? No lo sabemos. Solo sabemos que no ha existido jamás un viaje en avión tan complicado. Pero tampoco tan divertido.

NOTICIAS MOVISTAR PLUS+ JULIO (I)

MOVISTAR PLUS+ nos informa que María Rubín, nueva responsable de cine español en Movistar Plus

María Rubín asume el puesto de responsable de cine español en Movistar Plus tras una sólida trayectoria profesional vinculada al audiovisual y al cine. Con este nombramiento, Movistar Plus reafirma su compromiso con el desarrollo, impulso y difusión del talento cinematográfico español, consolidando una línea editorial caracterizada por la diversidad creativa, la excelencia artística y el apoyo tanto a cineastas consagrados como a nuevas voces emergentes. 

En palabras de María Rubín "La vida te da sorpresas. Cuando menos lo esperaba, me ha regalado esta oportunidad que recibo con una enorme ilusión. Sé que es un gran reto, especialmente después de los éxitos y alegrías que nos ha dado el cine de Movistar Plus durante este último año. Sé que el listón está muy alto, pero también sé que cuento con algo que me ha acompañado siempre: una profunda pasión por el cine español. Llevo muchos años trabajando junto al talento y la industria. Hoy afronto esta nueva etapa con entusiasmo, convencida de que la experiencia acumulada y el amor por nuestro cine serán la mejor ayuda para seguir creando historias, apoyando el talento y construyendo éxitos".

Con la incorporación de María Rubín al frente del departamento, la compañía inicia una nueva etapa con el objetivo de seguir impulsando historias, creadores y proyectos que reflejen la riqueza y pluralidad del cine español contemporáneo. 

Sobre María Rubín, una trayectoria vinculada al audiovisual y al cine 

Licenciada en Ciencias de la Información y con un Máster en The Business of Television por la New York University, MR ha desarrollado su carrera profesional en Movistar Plus y antes en Canal+. 

A lo largo de su trayectoria ha desempeñado diferentes funciones dentro de la compañía como productora de informativos o directora del departamento de Cortometrajes. Asimismo, ha dirigido programas como 'La Noche + Corta', 'Madonna: Pop & Clips', '3D Plus', 'Las mil una galaxias', 'El sonido de la velocidad', 'Opina, vota y disfruta' y 'La Palma rueda'. 

También ha participado en la producción internacional de programas especiales como 'Imagina', junto a Canal+ Francia, y 'Le Grand Mix' para el canal francés Canal Jimmy. 

Fuera de la compañía, ha desarrollado una destacada actividad vinculada al impulso de la cultura y la industria audiovisual. En 2008 ejerció labores de comisariado en el proyecto Culturas, organizado por el Ministerio de Cultura con motivo del Año Europeo del Diálogo Intercultural. En 2015 formó parte del comité evaluador de la Convocatoria de Animación del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico de Colombia, en las modalidades de Desarrollo y Producción de largometrajes. Además, ha participado en cuatro ediciones del laboratorio internacional Next Gen Film FinLab.

Del Festival de Cannes a Movistar Plus: 'Amarga Navidad', de Pedro Almodóvar, se estrena en exclusiva en la plataforma el 10 de julio

Además del estreno de la última película de Almodóvar, que cuenta con la participación destacada de Movistar Plus, los fans del cineasta podrán disfrutar de algunos de los títulos más representativos del cineasta, y también de los documentales 'Pedro x Javis' y 'Almodóvar en La habitación de al lado'.

Movistar Plus dedica una programación especial a Pedro Almodóvar con motivo del estreno en exclusiva en la plataforma de 'Amarga Navidad', su última película, el próximo viernes 10 de julio. La acción especial estará disponible en la plataforma entre el 7 y el 26 de julio y ofrecerá un recorrido por algunas de las obras más representativas de uno de los cineastas españoles más influyentes y reconocidos del mundo. 

'Amarga Navidad’, que cuenta con la participación destacada de Movistar Plus, llega a la plataforma después de su destacado paso por el Festival de Cannes, donde participó en la Sección Oficial a Concurso y fue recibida con una gran acogida por parte de la crítica y el público. La película supone un nuevo capítulo en la trayectoria de Pedro Almodóvar y reúne a un reparto encabezado por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Milena Smit, Patrick Criado, Quim Gutiérrez y Rossy de Palma.

Con esta acción especial, Movistar Plus propone revisitar el universo creativo de Almodóvar, un cineasta que ha convertido el melodrama, la comedia, el deseo y las relaciones humanas en un lenguaje propio e inconfundible, colocando en el centro de sus historias a personajes complejos, especialmente mujeres, y explorando identidades y afectos al margen de las convenciones.

La programación reúne títulos fundamentales de su filmografía como 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', 'Todo sobre mi madre', 'Hable con ella', 'Volver' o '¡Átame!', junto a algunas de sus obras más recientes como 'La habitación de al lado', 'Extraña forma de vida' y la propia 'Amarga Navidad'. La propuesta se completa con contenidos documentales que permiten profundizar en la figura y el legado del director, como la miniserie documental 'Pedro x Javis' y el especial 'Almodóvar en La habitación de al lado'. 

TODOS LOS TÍTULOS EN MOVISTAR PLUS 

'Amarga Navidad'

'Volver' 

'La habitación de al lado' 

'Todo sobre mi madre' 

'Hable con ella' 

'Pedro x Javis' 

'Mujeres al borde de un ataque de nervios'

'¡Átame!' 

'Extraña forma de vida' 

'Matador' 

'Julieta' 

'Los abrazos rotos' 

'Los amantes pasajeros' 

'Entre tinieblas' 

'¿Qué he hecho yo para merecer esto?' 

'Tacones lejanos' 

'La ley del deseo' 

'La piel que habito' 

'Kika' 

'Carne trémula' 

'La flor de mi secreto' 

'La mala educación' 

'Almodóvar en La habitación de al lado' 

'Iruña 97', así es la nueva serie de Movistar Plus con Clara Galle y Álvaro Cervantes

Movistar Plus anuncia un nuevo proyecto, 'Iruña 97' cuyo rodaje comenzará el 7 de julio en Pamplona y continuará a lo largo de 15 semanas en Vizcaya y Pamplona.

Esta producción de Buendía Estudios Bizkaia con la participación de Movistar Plus parte de una idea original de Natxo López ('Perdida', 'Entrevías'), coescrita con Marina Parés y David Pérez Sañudo (ambos, Premio Goya a Mejor Guion Adaptado por 'Ane'). Pérez Sañudo ('Ane', 'Los últimos románticos') se encarga de la dirección.

La serie, ambientada en 1997, es un thriller lleno de acción que recrea la investigación criminal llevada a cabo por Amaia, una policía municipal interpretada por Clara Galle ('Olympo', 'Ni una más') y Julio, un inspector de Policía Nacional (Álvaro Cervantes, Premio Goya a Mejor Actor de Reparto por 'Sorda') en plenas fiestas de San Fermín.

La pareja representa a dos Pamplonas enfrentadas que, sin embargo, deberá unir fuerzas para resolver un caso más complejo de lo que esperaban.

Junto a Clara Galle y Álvaro Cervantes, completan el reparto Pablo Gómez-Pando, Karra Elejalde, María Pujalte, Patxi Freytez, Josu Iriarte, Josean Bengoetxea, Itsaso Arana, Fernando Albizu, Ainhoa Santamaría, Miriam Rubio y Paula Usero, entre otros.

Sinopsis: Sanfermines 1997. Un cadáver sin identificar aparece a los pies de las murallas. Las autoridades lo despachan como el típico accidente en fiestas, pero Amaia (Clara Galle), una joven policía municipal, cree que se trata de un asesinato. Desoyendo a sus superiores, involucra a Julio (Álvaro Cervantes), un policía nacional de homicidios que acaba de regresar a Pamplona. Pese a sus diferencias –ella, 'munipa' y euskaldún; él, de 'familia bien'– ambos unirán fuerzas para investigar un caso que resultará mucho más complicado de lo que nadie esperaba. Lo harán en una ciudad fracturada, donde la euforia de las fiestas convive con la amenaza del terrorismo, en el año en el que el secuestro de Miguel Ángel Blanco cambió la sociedad española para siempre.

CINE Y FESTIVALES (CCXIV)

 

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informan que “BENIGNO” de David Baute formará parte de la Premiere Mundial en el Festival de Shangay.

David Baute ha presentado en el Festival de Shangay (SIFF) su nuevo trabajo, el documental “BENIGNO”, del que es director y guionista, siendo uno de los 3 únicos trabajos españoles que se han presentado en este festival de categoría A.

La premiere de “Benigno” en Shangay, proyectado dentro de la sección de documentales da el pistoletazo de salida para este delicado trabajo que cuenta como un anciano decide pasar sus últimos momentos en soledad, despidiéndose del mundo, rodeado de las montañas y el mar de su tierra natal y en la casa que le vio nacer. La película fue rodada íntegramente en Super 8 mm.

Mauro Herce es el director de fotografía Y del montaje se encarga Raúl Barreras.

SINOPSIS: Hay personas que pasan toda su vida en la misma casa, la casa natal donde descansa el pasado familiar. Benigno, a sus ochenta y ocho años aún duerme, come y sueña en el hogar que le vio nacer, el hogar que se enraíza a la tierra para elevarse al cielo. La casa se tiene sola, junto a Benigno y su tortuga Totó, entre el limbo de los recuerdos, el ritual de lo cotidiano y la espera del día final. Contiguo a la casa, su huerto, al que acude diariamente para acompañar a sus gallinas, y trajinar en la tierra con las semillas heredadas de sus antepasados, que cataloga y conserva ceremoniosamente. Benigno disfruta y sufre en soledad, pero está perdiendo su visión y se apresura en inventariar todos sus bienes y registrar los recuerdos familiares. En un diálogo consigo mismo, medita su testamento y le angustia el final de su casa. Ante este escenario, Benigno se da a la música como a un talismán, que lo transporta a un estado de conciencia y preparación ante lo que será el mayor de sus silencios, la imagen de su propia y última desaparición.

SIDERAL CINEMA nos informa que “LIONEL” de Carlos Saiz, estará en la competición en el Atlántida Film Fest.

Tras conquistar hace apenas unas semanas el Transilvania Trophy, el premio a la Mejor Película del Festival Internacional de Cine de Transilvania (TIFF), 'LIONEL', la ópera prima de Carlos Saiz, suma una nueva cita clave en su recorrido por festivales en la Sección Oficial a Competición de la 16º edición del Atlántida Mallorca Film Fest (AMFF) que tendrá lugar del 24 de julio al 2 de agosto.

Con motivo de su participación en el certamen mallorquín, presentamos el tráiler oficial de la película, un primer adelanto de esta emotiva road movie inspirada en la historia real de la familia Corral Bernal, que llegará a los cines el próximo 11 de septiembre.

“LIONEL” sigue a un joven que recibe una noticia capaz de cambiar su vida: al cumplir los 26 años perderá la pensión de orfandad con la que ha vivido desde la muerte de su madre. Cuando su padre reaparece inesperadamente con una propuesta de viajar juntos hasta Francia para visitar a su hermana, ambos emprenden un recorrido que les obligará a enfrentarse a años de ausencia, reproches y afectos nunca expresados.

Con un estilo de gran naturalismo y una puesta en escena cercana a la observación documental, Carlos Saiz convierte este viaje en una reflexión sobre la familia, la identidad y la posibilidad de reconstruir los vínculos cuando parece demasiado tarde.

“LIONEL” está producida por Mario Forniés y Nabil Ejey de Blur Media (Hasta que me quede sin voz), José Nolla de Icónica (Por donde pasa el Silencio, Pájaros, Nina) y Samuel Chauvin de Promenades Films (Lo invisible, Ceniza negra), y llegará a las salas de cine españolas el 11 de septiembre de la mano de Sideral.

ATALANTE nos informa que la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias “FORASTERA”, inaugurará el 16º Atlántida Mallorca Film Fest. Llegará a los cines el 4 de septiembre.

'FORASTERA', la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias protagonizada por Zoe Stein y Lluís Homar, se estrenará el 4 de septiembre en cines distribuida por Atalante. Antes, inaugurará la 16ª edición del Atlántida Mallorca Film Fest que arranca el próximo 24 de julio. Hoy os presentamos el cartel oficial de la película.

La película tuvo su estreno mundial en la Sección Discovery del Toronto International Film Festival, donde se hizo con el Premio FIPRESCI de la Federación Internacional de Críticos de Cine. Es la primera vez que una película catalana recibe este premio en Toronto, y la segunda vez que una producción española lo consigue, tras 'La Zona', coproducción mexicana que se alzó con el reconocimiento en 2007.

Además 'FORASTERA' se pudo ver en la Semana Internacional de Cine de Valladolid - SEMINCI, donde se alzó con el PREMIO PILAR MIRÓ A LA MEJOR NUEVA DIRECCIÓN ESPAÑOLA en la 70º edición.

Aleñar, cuyo cortometraje homónimo fue seleccionado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes en 2020, cuenta para su debut en el largo con  Zoe Stein (Mantícora, 2022; La chica invisible, 2023) – quien también protagonizó el cortometraje – y Lluís Homar (Los abrazos rotos, 2009; La mala educación, 2004) como protagonistas. Completan el reparto de esta historia sobre duelo e identidad las actrices Núria Prims (Incerta Glòria, 2017), Marta Angelat (Polseres Vermelles, 2011-2013), el actor sueco Nonni Ardal (Evil, 2023) y la debutante Martina García.

Sinopsis: Cata verá cómo sus vacaciones de verano se ven alteradas por la absurda y repentina muerte de su abuela, que solo ella presencia. Su duelo da un giro inesperado cuando, casi sin proponérselo, empieza a hacerse pasar por ella. Lo que comienza como un simple juego de disfraces acabará desdibujando los límites entre la realidad y los roles familiares.

"FORASTERA", que cuenta con un equipo técnico en el que encontramos a la directora de fotografía Agnès Piqué (La imatge permanent), la montadora italiana Paola Freddi (Reinas, Monica), los compositores suecos Anna Von Hausswolff i Filip Leyman (The Most Beautiful Boy in the World), la directora de arte Gala Seguí (The Human Hibernation), el jefe de vestuario Pau Aulí (Polvo Serán), la jefa de sonido Nora Haddad (Una quinta portuquesa), las diseñadoras de sonido Ulrika Akander (Bridgerton, Transformers One), Therese Gylfe, Tove Lidman (The Dog), el ayudante de dirección Dani Torrejón (Quest) y la directora de producción Bàrbara Ferrer (El ventre del mar).

Rodada en catalán, la película ha participado en el programa Residencias de Cannes (Cinéfondation) y en dos ediciones del laboratorio Next Step impulsado por la Semana de la Crítica del Festival de Cannes.

"FORASTERA" es una coproducción entre España, Italia y Suecia, donde participan las productoras catalanas Lastor Media, Vilaüt Films (Tono Folguera), Presenta (Marta Cruañas), Deliris (Ariadna Dot), las productoras baleares La Perifèrica Produccions (Cesc Mulet, Montse Rodríguez) y Bastera Films (Bàrbara Ferrer), la productora italiana Kino Produzioni (Giovanni Pompili, Lara Costa) y la productora sueca Fox in the Snow (Olivier Guerpillon, Marta Reguera).

'FORASTERA' cuenta con la participación de 3CAT, RTVE, IB3, Filmin y el apoyo de ICAA, ICEC, Creative Media Europe, Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura, Swedish Film Fund, Fundació Mallorca Turisme, Consell de Mallorca, Mallorca Film Commission, Artekino, Göteborgs Stad.

YOUPLANET participa con tres películas en el Atlàntida Mallorca Film Fest.

Youplanet estará muy presente en la 16ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, que tendrá lugar del 24 de julio al 2 de agosto. El festival contará con la participación de tres títulos que forman parte de los próximos estrenos de la distribuidora: MARSUPILAMI, LA BATALLA DE GAULLE y NIRVANNA THE SHOW THE BAND THE MOVIE.

Las tres películas, de géneros muy distintos, consolidan la apuesta de la compañía por un cine diverso, de vocación internacional y con propuestas que abarcan desde la ficción para toda la familia, hasta el drama histórico de gran presupuesto o el humor e ingenio del falso documental.

En el marco de la Sección Premiere, el sábado 1 de agosto se podrá disfrutar de MARSUPILAMI, de Philippe Lacheau, un icónico divertimento para toda la familia que llega a España tras superar los seis millones de espectadores en Francia y convertirse en el film más taquillero del año en el país vecino. Humor y aventuras en un crucero con una caótica criatura a bordo. La película llegará a las salas de cine españolas el próximo 12 de agosto.

En la Sección Politics se presentará, el viernes 31 de julio en premiere nacional, la monumental LA BATALLA DE GAULLE, de Antonin Baudry, una de las mayores superproducciones de la historia del cine europeo con 75 millones de presupuesto, que fue aplaudida unánimemente en el Festival de Cannes. La película narra la lucha del general Charles de Gaulle durante la Segunda Guerra Mundial, desde su exilio en Londres en 1940 hasta la posterior liberación del país.

Otro de los títulos más esperados es NIRVANNA THE BAND THE SHOW THE MOVIE, de Matt Johnson, uno de los grandes fenómenos de la temporada cuya premiere se podrá disfrutar también en Palma, el miércoles 29 de julio. Se trata de una hilarante comedia de viajes temporales que fue merecedora del Premio del Público en el Festival de Toronto y que es, también, una absoluta sensación en redes sociales. Un homenaje a los primeros creadores de internet y a la cultura basura en forma de mockumentary.

Las entradas para las proyecciones ya se encuentran disponibles aquí

NUEVE CARTAS nos informa que “SUCIA” de Bárbara Mestanza, competirá en Atlantida Mallorca Film Fest.

El largometraje documental SUCIA. PER QUÈ NO VAS FER RES? protagonizado y codirigido por Bàrbara Mestanza, junto con Marc Pujolar, competirá en Atlántida Mallorca Film Fest (AMFF) que tiene lugar del 24 de julio al 2 de agosto en Mallorca. La película formará parte de la Sección Trends, una nueva sección competitiva destinada a propuestas cuya estética, lenguaje o narrativa abrazan las nuevas y diferentes tendencias que marcan y rigen nuestra vida contemporánea en la era digital.

SUCIA sigue su recorrido por festivales nacionales e internacionales. La película obtuvo el Grand Jury Award de la Competición Internacional en Sheffield DocFest 2026, galardón con acreditación para los Premios Oscar®, además del Premio del Público en el Festival de Málaga y en el Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián, así como la Mención Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. También ha formado parte de la programación del D'A - Festival de Cinema de Barcelona y del FIC-CAT.

Coproducida por Indiana Films y TV3 con el apoyo de Filmin, SUCIA parte de la obra teatral y el libro homónimo que la propia Mestanza creó con la voluntad de mostrar la realidad de un cuerpo agredido. Además, el film ha recibido el Premio E-28 y Río Bravo, que otorga MAFIZ a los proyectos Work in progress (WIP), y el Premio Filmin en Abycine Lanza que concede el Festival Internacional de Cine de Albacete Abycine.

SINOPSIS: Tras sufrir una agresión sexual durante un masaje, la actriz Bàrbara Mestanza transforma su trauma en una obra de teatro para confrontar la pregunta que todos le hacen: «¿Por qué no hiciste nada?».

KARMA FILMS nos informa que “IRON BOY” gana el Premio del Jurado y el Premio del Público en el Festival de Cine de Animación de ANNECY.

IRON BOY, el largometraje de animación dirigido por Louis Clichy, acaba de ganar en el prestigioso Festival de Annecy tres de los principales premios de la sección oficial. Además del Premio del Jurado y el Premio del Público al Mejor Largometraje, la película ha recibido el Premio Fundación Gan a la distribución que, junto con el Premio Especial del Jurado “Un certain regard” recibido en Cannes, augura una exitosa temporada de festivales para la ópera prima del animador francés.

Louis Clichy comenzó en el mundo de la animación en Pixar, trabajando en “Wall-E” y “Up” entre otras. Codirigió después importantes títulos del cine galo como “Astérix: la residencia de los dioses” y “Astérix: el secreto de la poción mágica”. Pero es en 2026 cuando el cineasta se lanza a la dirección de su primer largometraje en solitario con esta deliciosa obra de arte en acuarela animada que ha cautivado en Annecy convirtiéndose en una de las favoritas de la edición de este año.

La historia acompaña a Christophe, un chico de 11 años que intenta seguir los pasos de su padre ayudando en la granja familiar en la que viven. Pero todo cambia el día que debe llevar un corsé metálico por prescripción médica. Esto hace que Christophe no pueda seguir atendiendo las tareas cotidianas de la granja. Sin embargo, este cambio repentino le dará la oportunidad de descubrir nuevas pasiones como la natación o la música y hacer amistades que marcarán su vida para siempre.

Karma Films estrenará en cines en España IRON BOY próximamente.

DIAMOND FILMS nos informa que EN LA ZONA GRIS de Carlos Bardem, se presentará en el Atlàntida Mallorca Film Fest.

Carlos Bardem presentará En la Zona Gris, la nueva película de Guy Ritchie, que protagoniza junto a Jake Gyllenhaal y Henry Cavill, en la 16ª edición del Atlàntida Mallorca Film Fest. El reparto lo completan Eiza González, Rosamund Pike y Fisher Stevens. La película formará parte de la sección Atlàntida Premiere y contará con la presencia del actor español como gran reclamo de la producción.

Este trepidante thriller narra la historia de dos agentes de élite que operan en las sombras, expertos tanto en manipular poder e influencia como en el manejo de armas. Cuando un tirano implacable (Bardem) se apropia de una fortuna de mil millones de dólares, el equipo recibe la orden de recuperarla en una misión que para cualquiera sería un suicidio. Lo que comienza como un atraco imposible, pronto se descontrola, convirtiéndose en una guerra abierta de estrategia, engaños y pura supervivencia.

Rodada en la isla de Tenerife, es historia con mucha influencia y estética española. Un film de acción con toques de comedia al más puro estilo del director. Dos especialistas en extracción que tienen que diseñar una ruta de escape para una negociadora de alto rango que opera al margen de la ley. La historia se construye entre la ambigüedad moral de todos los personajes y sus verdaderas intenciones.

En la Zona Gris se estrena el próximo 18 de septiembre, solo en cines. 

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa que “CAMIONERO” de Francisco Marise, tendrá su Premiere Mundial en el Festival de Karlovy Vary.

Dirigido por Francisco Marise, y con guion de él mismo junto a Javier Rebollo, Camionero se presentará mundialmente en el Festival de Karlovy Vary, que se celebra del 3 al 11 de julio y que cumple 80 años siendo el festival más importante de Europa Central. Esta coproducción España/Argentina, se proyectará dentro de la sección Proxima Competition, que aborda nuevas perspectivas narrativas.

Camionero se rodó en Argentina, el octavo país más grande del mundo. Un país que cuenta con más de 40.000 kilómetros de carreteras y una red ferroviaria desmantelada en los años 90. Desde entonces, son los camioneros y las camioneras quienes abastecen a la nación.

Camionero se enmarca dentro del cine de lo real para dar cuenta de la realidad socioeconómica y cultural actual Argentina. Lo hace con una mirada honesta, poética y tierna, con humor y humanismo.

Francisco Marise comenta sobre Camionero:

"Creo que decir Cine de lo real es lo más adecuado para nombrar el tipo de cine que hago. Un cine en donde los personajes se interpretan a sí mismos, realizando las mismas actividades que en su vida cotidiana, conversando a su manera, y yo como director, guio esas acciones y esas conversaciones; un cine en donde las fronteras entre lo documental y la ficción se difuminan".

Marise emprende esta película porque, desde hace 6 años, su vida transcurre entre maletas, mudanzas y viajes, recorriendo distintas casas, provincias y países. También porque su abuelo era camionero hasta el día en que nació su padre. Porque pasó toda su adolescencia en un pueblo sin cines y en un hogar sin biblioteca; pero encontró diversión y entretenimiento en las historias de aventuras contadas por los camioneros que pasaban por allí”.

Camionero es una película que retrata la soledad de los camioneros y camioneras en los lugares de paso y pausa, al costado de la carretera, mientras esperan para seguir viajando o volver a sus hogares. Personas que viven en dos lugares a la vez: el camión y su otra casa, en donde vive su familia.

Gabriela, Walter, Hugo, Patricia y Alejandro son algunos de los personajes que nos acompañan en este viaje.

SINOPSIS: Cuando apagan sus motores, los camioneros y las camioneras, pescan, charlan, hacen el amor, buscan, bailan, rezan... Pero sobre todo esperan, detenidos al costado de las rutas argentinas, suspendidos en una extraña dimensión del tiempo, mientras todo alrededor sigue moviéndose. Conversaciones fugaces, interferencias radiofónicas, paisajes dislocados, estaciones de servicio, paradores, gomerías y moteles se acumulan como en un sueño crepuscular.

Camionero es un viaje melancólico por un mundo que está a punto de desaparecer.

COSAS QUE NO OLVIDARÉ: CRÍTICA DE CINE

Hay gestos cotidianos que encierran la inmensidad de una vida entera. Un padre que se desliza la maquinilla por la barba cubierta de jabón, mientras su hijo de 11años, imberbe también tiene jabón en la cara y lo imita con una cuchara frente al espejo; en apariencia es una estampa rutinaria más. Sin embargo, en Cosas que no olvidaré (Per te), el director Alessandro Aronadio – quien firma el guion junto a Ivano Fachin y Renato Sannio – convierte esa complicidad padre/hijo en el prólogo de una dolorosa cuenta atrás.

En esta escena inicial vemos como un padre, Paolo (Edoardo Leo) enseña a su hijo a afeitarse, cuando a pelo y cuando a contrapelo. Mientras él lo hace con la maquinilla, su hijo Mattia (Javier Francesco Leoni), lo reproduce con una cuchara. Paolo tiene 40 años, está casado con Michela (Teresa Saponangelo) a la que ama con todas sus fuerzas, al igual que a su hijo. Lo son todo en la vida para él. Nos explica que nunca había olvidado nada, pero que ahora no recuerda cosas tan normales como el lugar donde ha dejado el coche aparcado, dejar las llaves puestas por dentro de la cerradura – un despiste tan habitual en cualquier hogar – e incluso la dirección de su trabajo; y que ahora, frente a su especialista recibe la noticia de que padece una variante rara de Alzhéimer precoz y que en unos meses es posible que no recuerde nada. Tras muchas lágrimas después…

El verdadero triunfo de Cosas que no olvidaré no radica en la búsqueda de la lágrima fácil – aunque desde que conocemos la noticia el corazón y el alma empiezan a encogerse –, sino en el diamante en bruto que se irá puliendo a través de la autenticidad con la que se construyen las rutinas familiares y el estudio de sus personajes. La película acierta de pleno al proponer un tierno e inteligente juego de contrastes psicológicos y emocionales entre sus tres protagonistas principales. Frente a un Paolo innatamente soñador, que se resiste a sepultar su sentido del humor bajo el peso implacable del diagnóstico médico, el guion opone el realismo inquebrantable de su entorno más cercano: su esposa Michela y su hijo Mattia. Es ella quien ejerce de brújula moral y pragmática en el relato; lejos de amparar el escapismo de su marido, le exige con firmeza que deje de camuflar la realidad y asuma el peso definitivo de compartir la verdad con su hermano, con quien lleva años enfadado, y su propio hijo.

Las situaciones cotidianas del trío esquivan con elegancia el melodrama en el que tantas cintas caen gracias a la solidez de sus pequeños detalles cotidianos y las chispas de humor tan bien gestionadas entre los diálogos. Aunque en alguna ocasión se escapa una carcajada, fruto en parte de la tensión emocional, enseguida queda velada. Una escena que serviría de ejemplo es cuando Michela lamenta con amargura no recordar la última vez que salieron a cenar juntos, la réplica de Paolo es una mirada impregnada de amor absoluto acompañada de un rotundo «yo sí». Un destello de lucidez tan sutil como trágico que funciona como una síntesis de la propia enfermedad: el dolor silencioso de saberse el único guardián de un pasado compartido que ya se ha evaporado para su compañera de vida.

Aronadio maneja el montaje con destreza para hacernos viajar por las imágenes de lo que un día se dijeron siendo novios, fundiendo las promesas del ayer con el presente. Sin embargo, la realización introduce un recurso visual devastador en su intimidad: esos instantes en los que la fotografía emborrona el rostro de Michela ante los ojos de Paolo. Es ahí donde el protagonista despliega uno de sus mayores actos de amor protector, disimulando para no inquietarla ni hacer que lo note, transformando su terror privado en un secreto tan humano que raya la heroicidad. Esta entrega total alcanza su cota máxima cuando Paolo, queriendo evitarles un sufrimiento futuro, le pide en la cama del hotel que lo interne en un hospital cuando llegue el momento crítico para que ella y el pequeño Mattia vivan sus vidas en libertad. La respuesta de Michela, la dejo para que la descubráis. Solo puedo suscribir que el amor en este film no es una opción voluble, sino un compromiso inquebrantable ante la peor de las tormentas. Un amor nada dulzón al igual que el drama. Ambos interactúan con la delicadeza que provoca el batir de las alas de una mariposa.

La obra va colocando cada pieza con precisión, sin prisas, confeccionando un puzle de vida, sabiendo que alguna de esas piezas no las volverá a recordar jamás, por eso lo más importante lo anota en una libreta. Uno de esos momentos es cuando toma la drástica resolución de aparcar sus obligaciones profesionales para entregarse por completo a los suyos, dividiendo sus jornadas en un pacto sagrado donde su menguante tiempo se oxigena a través de dos pulmones bien diferenciados. Por un lado, el pulmón diurno es su hijo Mattia, con quien comparte un tierno viaje de aprendizaje mutuo en plena naturaleza, accidentadas clases de conducción y confidencias en la antigua habitación infantil que compartía con su hermano. Es allí donde, bajo el influjo nostálgico de Rocky (1976), Paolo verbaliza su realidad mediante una potente metáfora: que no importa cuántas veces caigamos, lo verdaderamente crucial es levantarse ante la adversidad.

Por otro lado, el pulmón nocturno es su esposa Michela, con quien Paolo se desvive por mantener viva esa chispa de amor que nunca ha dejado de arder. Esta resistencia romántica se traduce en sofisticadas escapadas, íntimas conversaciones en la habitación de un hotel, cenas de enamorados y una desgarradora salida a la ópera. Allí, bajo los acordes del demoledor aria “E lucevan le stelle” de Tosca de Puccini, la música funciona como un hermoso espejo de su propia realidad. En paralelo, el film gana enteros gracias a la visita de Paolo a su hermano, un secundario imprescindible que inyecta la dosis precisa de realismo a una historia que necesita ser cerrada entre ambos. Entre aquellas paredes se habla del miedo y el hijo, en la intimidad de la habitación tras ver la película ya mencionada, le dice al padre «una vez me dijiste que lo importante no es tener miedo, porque a los demás les pasa, sino qué haces con ese miedo»

Vamos a ir finalizando y para ello comentaros que sostener un largometraje de estas características sin caer en la caricatura lacrimógena y el tedio, requiere de un actor en estado de gracia, y Edoardo Leo firma aquí el papel quizás más complejo y maduro de su carrera. Su interpretación es un recital de contención y verdad física; Leo expresa a la perfección el doloroso calvario de las transiciones de la enfermedad. El espectador asiste impotente a su frustración rabiosa entre sus miradas lánguidas, tristes y esperanzadoras a la vez que sus silencios atronadores, al verse incapaz de controlar la disolución de su propia mente y, finalmente, a una conmovida resignación. Su mirada refleja con una lucidez trágica cómo las páginas de su identidad se van borrando irremediablemente. A su lado, Teresa Saponangelo y el joven Javier Francesco Leoni sostienen la réplica con una naturalidad que desarma y duele, huyendo de los vicios del melodrama pastiche.

En el apartado técnico, la película se beneficia notablemente de una sobria fotografía de Andrea Reitano, captando la luz de la existencia y aquellos planos que retratan la cotidianidad pasando a nuestro lado, complementada por una partitura musical de Santi Pulvirenti, que sabe abrazar el silencio en los momentos más punzantes y pasar de puntillas para no alterar el ecosistema que se ha formado a lo largo de la narración. Fotografía y partitura maduras y profundamente humanistas, que celebran el compromiso de la familia. Una obra que araña el corazón pero que, lejos de hundir al espectador, lo saca de la sala entre nubes al reconectarlo con el valor del tiempo presente y de saber vivirlo con intensidad, pues nunca sabemos cuándo la oscuridad de una forma u otra, aparecerá.

MI NOTA ES: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de julio.

REPARTO: Edoardo Leo, Teresa Saponangelo, Javier Francesco Leoni, Eleonora Giovanardi, Giorgio Montanini, Guia Jelo, Daniele Parisi y Alessandro Giallocosta.

PRODUCTORA: Lungta Film

DISTRIBUIDORAS EN ESPAÑA: Bteam Pictures y Bosco Films.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: Alessandro Aronadio, estudió en la Universidad de Palermo, graduándose en Psicología y continuó especializándose en dirección en la Escuela de Cine de Los Ángeles a finales de 2002. Se inició con los cortometrajes: “The Story of Adam & Eve”, “Hollywood Stories” ambas en (2002), “Glorybox” y “Lost D.” en (2003) y “Roman Holiday” (2008). En el largometraje debutó con: “Due vite per caso” (2010), “Orecchie” (2016), “Io c´è (2018), “Ya era hora” (2022) y este año llega a las pantallas españolas “Cosas que no olvidaré” (2025). Cuenta también con el video musical “Brain” (2007).