FESTIVAL DE CINE POR MUJERES MADRID INFORMA

 

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informan que 22 producciones de directoras españolas participarán en el Festival de Cine por Mujeres Madrid

El Festival Cine por Mujeres Madrid presenta la participación de largometrajes españoles en su IX edición. Será el mejor momento para ponerte al día del mejor cine español dirigido por mujeres, además de conocer en persona a sus creadoras, ya que todos los días de la programación contaremos con, al menos, una directora, productora o actriz protagonista para presentar las películas y dialogar con ella al final de las mismas.

La programación se completa con la proyección de los tres primeros episodios de la serie El Castillo, presentada por sus directoras, Sandra Romero y Elena Martín Gimeno. Esta serie de televisión española de género policíaco y dramático de 6 episodios, escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, está basada en el libro de no ficción “El Proxeneta” de la conocida actriz, directora y escritora Mabel Lozano, que también nos acompañará en la presentación y en el coloquio posterior al pase.

Cine español en la IX edición:

 Sala Berlanga de la Fundación SGAE:

10 largometrajes de la Competición Española en la Sección Oficial.

Proyección de los tres primeros capítulos de la esperada serie El Castillo.

Sala Secuencia de DAMA, Derechos de Autor de Medios Audiovisuales: pase especial de la película La buena hija de Júlia de Paz Solvas, puesta en valor por su directora.

Biblioteca Nacional de España: Estreno en Madrid del documental sobre la escritora Carmen Laforet Por qué no escribo nada, de Isabel Fernández, con un coloquio posterior entre su directora y Cristina Cerezales, hija de la autora.Sala Equis: Conmemoración de las mejores proyecciones de la sala, entre las que se encuentran Verano 1993 de Carla Simón y Cinco Lobitos de Alauda Ruiz de Azúa.

8madrid TV. Gracias a este canal de televisión, también podrás ver desde casa 5 películas de nuestras directoras más prestigiosas, las cuales se emitirán en horario prime time.

FILMIN. En la Biblioteca de Festivales, en la ventana correspondiente al Festival Cine por Mujeres Madrid podrás ver un total de 45 títulos de directoras españolas: dos de la actual edición y 43 de las anteriores.

Programación de películas de directoras españolas en la IX edición

SECCIÓN OFICIAL. COMPETICIÓN ESPAÑOLA Y LA SECCIÓN SERIES EN ESTRENO

Sala Berlanga de la Fundación SGAE

Calle de Andrés Mellado nº 53, Entrada: 3,50 €. Venta de entradas online www.salaberlanga.com y en taquilla: Hasta 1 minuto antes de la película. (Horario taquilla: martes a sábado de 16 a 21h)

Como cada año, gracias a la colaboración de la Fundación SGAE, en la Sala Berlanga se programará una diversa selección de 10 largometrajes de 2025-2026, seleccionados por el Comité de Programación del Festival, que competirán por el Premio a la Mejor Película Española 2026 y por el Premio a una Directora Novel española. El jurado estará compuesto por tres críticos/as cinematográficos/as, miembros de la Asociación Premios Blogos de Oro: Daniel Díaz, responsable del medio Cinedania.es desde 2008 y colaborador de Noticine.com; Vicky Carras, crítica cinematográfica y parte del grupo de amantes del cine Moviementarios; y Ylenia Cañadas, que ha sido Jurado de la Crítica, Méliès d’Or y Joven en el Festival de Sitges, así como en otros festivales nacionales.

El Premio a la Mejor Película Española 2026 consiste en 30.000 € en coproducción con EFD Studios por el alquiler de equipos cinematográficos para la próxima producción de la directora ganadora.

El Premio a una Directora Novel, al primer o segundo largometraje de una directora española consta de dos partes:

El Premio Baturu, que incluye una residencia creativa de un mes en Bangkok, por cortesía del Festival Baturu, incluyendo billetes de avión de ida y vuelta (clase turista), apartamento (30 días) y dietas (1000 baht al día)

El Premio RC Service, que supone 3.000€ en descuentos de alquiler de equipos cinematográficos, cortesía de RC Service para la próxima producción de la directora ganadora.

Programación en la Sala Berlanga:

La buena hija, Júlia de Paz Solvas, 2025. Miércoles, 28 de octubre de 2026, 17.30h. Presentación y coloquio posterior con la directora tras el pase.

Pioneras. Solo querían jugar, Marta Díaz de Lope, 2025. Miércoles, 28 de octubre de 2026, 20.10h. Presentación y coloquio posterior con la directora tras el pase.

Corredora, Laura García Alonso, 2026. Jueves, 29 de octubre de 2026, 18.00h.

Después de Kim, Ángeles González Sinde, 2026. Jueves, 29 de octubre de 2026, 20.00h. Presentación y coloquio posterior con la directora tras el pase.

Yo no moriré de amor, Marta Matute, 2026. Viernes, 30 de octubre de 2026, 18.00h. Presentación y coloquio posterior con la directora tras el pase.

Viva, Aina Clotet, 2026. Viernes, 30 de octubre de 2026, 20.30h.

Cada día nace un listo, Arantxa Echevarría, 2026. Sábado, 31 de octubre de 2026, 18.00h. Presentación y coloquio posterior con la directora tras el pase.

Frontera, Judith Colell, 2025. Sábado, 31 de octubre de 2026, 20.30h.

Forastera, Lucía Aleñar, 2025. Miércoles, 4 de noviembre de 2026, 18.00h. Presentación y coloquio posterior con Zoe Stein, actriz principal, tras el pase.

Salen las lobas, Claudia Estrada, 2025. Miércoles, 4 de noviembre de 2026, 20.00h. Presentación y coloquio posterior con la directora, la actriz principal y la productora tras el pase. Estreno en Madrid.

El Castillo, Elena Martín Gimeno y Sandra Romero, 2026 (serie). Jueves, 5 de noviembre de 2026, 18.00h y 20.30h. Presentación y coloquio posterior con las directoras y la autora del libro, tras el pase del 3er capítulo.

SESIONES ESPECIALES

Este festival es una gran oportunidad para reivindicar y homenajear el desempeño de todas aquellas profesionales españolas que han contribuido a la construcción del imaginario audiovisual de este país, más allá de los recientes largometrajes de la competición.

“Autora destacada” / Sala Secuencia DAMA, Derechos de Autor de Medios Audiovisuales

Gran Vía de San Francisco, 8. Reserva de plaza en www.damautor.es. Entrada libre hasta completar aforo.

La buena hija, Júlia de Paz Solvas, 2025. Jueves, 29 de octubre de 2026, 18.30 h. Charla posterior con la directora tras el pase.

“Escritora destacada” / Biblioteca Nacional de España

Salón de Actos. Paseo de Recoletos nº22. Entrada libre hasta completar aforo. https://www.bne.es/es

Por qué no escribo nada, Isabel Fernández, 2025, documental sobre la escritora Carmen Laforet. Martes, 3 de noviembre de 2026 18:30 h. Presentación y coloquio posterior tras el pase con la directora y con Cristina Cerezales, hija de Carmen Laforet. Estreno en Madrid.

SESIONES PARALELAS

Best of Sala Equis

Calle Duque de Alba, 4 Madrid 28012. Entrada: 7,50 €. Venta de entradas online https://salaequis.es/taquilla/ y en la taquilla.

Desde la Sala Equis conmemoran algunas de las proyecciones que han tenido mayor acogida en la historia de la sala, entre las que se encuentran dos magníficas películas de directoras españolas:

Verano 1993, Carla Simón, 2017.

Cinco Lobitos, Alauda Ruiz de Azúa, 2022.

EL FESTIVAL EN CASA: 50 largometrajes

8madrid TV: 5 largometrajes

La cadena local de televisión 8madrid TV se suma una edición más al festival programando un ciclo especial compuesto por 5 largometrajes de directoras españolas de décadas y temáticas diversas.

El palo, Eva Lesmes, 2000. Viernes, 30 de octubre de 2026, 22:00h.

El crimen de Cuenca, Pilar Miró, 1979. Sábado, 31 de octubre de 2026, 22:00h.

Sé quién eres, Patricia Ferreira, 1999. Domingo, 1 de noviembre de 2026. 22:00h.

Atlas de geografía humana, Azucena Rodríguez, 2007. Viernes, 6 de noviembre de 2026 22:00h.

Vera, un cuento cruel, Josefina Molina, 1973. Sábado, 7 de noviembre de 2026, 22:00h.

FILMIN: 46 largometrajes en el canal de nuestro festival

En la Biblioteca de Festivales en FILMIN, en la ventana dedicada a nuestro festival, estarán disponibles 46 películas de directoras españolas: 3 de la actual edición y 43 de las 8 anteriores.

STREET FIGHTER: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Japón, Street Fighter, está dirigida por Kitao Sakurai, quien comparte el guion con Dalan Musson y T.J. Fixman.

Conoceremos a los amigos y rivales de artes marciales desde la infancia, Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo), siendo entrenados por el maestro Gouken (Don Lee). Ryu viaja por el mundo buscando perfeccionar su técnica. Por otra parte, Chun-Li (Callina Liang) contratada por el villano M. Bison (David Dastmalchian), está reclutando a los mejores guerreros para un nuevo Torneo Mundial. Pero detrás de este brutal torneo se encuentran fuerzas del mal con propósitos destructivos.

Tengo que reconocer, como siempre he hecho cuando me enfrento a una película que se basa en un videojuego, que yo no soy jugador por lo que mis críticas se enfocan directamente desde el plano cinematográfico. Precisamente, charlando durante los títulos de crédito con un colega de butaca que sí es videojugador, me comentaba que el gran talón de Aquiles de esta franquicia siempre ha sido su salto a la gran pantalla. Y no le falta razón. El cine lleva décadas tropezando al intentar traducir la adrenalina bidimensional del arcade a un lenguaje narrativo con alma. Sin embargo, lo que para muchos parecía una maldición insalvable, en manos de Sakurai se convierte en una audaz virtud. El ritmo es trepidante, la violencia excesiva, las escenas de combates son cortas pero demoledoras, la unión de imagen real con animación es prodigiosa, la puesta en escena me pareció soberbia y el espectáculo brillante, con sus dosis de comedia. Y como os he dicho, hablo desde el plano cinematográfico. No he necesitado conocer los códigos del juego, pues lo que nos presenta Sakurai en pantalla es más que suficiente para estar en tensión y entretenido casi dos horas que dura el metraje. Eso sí, amantes de la violencia, el gore y las artes marciales llevadas al límite, estáis de enhorabuena.

Comentaros que la química entre Ryu y Ken, o lo que es lo mismo, Andrew Koji y Noah Centineo, es absoluta. Se palpa esa complicidad de amistad y, a la vez, de feroz rivalidad. Los dos son machos alfas que desean ser los mejores, pero los dos son amigos desde la niñez porque han crecido bajo el ala de un gran maestro –un maestro de luz que siempre ha luchado contra la oscuridad–. Lo que verdaderamente enriquece la función es ese fascinante contraste entre ambos y la amistad que se profesan. En cuanto a sus personalidades, Ken es un joven desbordante de seguridad, con una alta autoestima, noble, leal, de corazón puro y un espíritu indomable que despierta simpatías. Un guerrero de raza que jamás abandona por muy destruido que esté. En el lado opuesto nos encontramos con Ryu, un luchador marcado por la disciplina, la humildad, la bondad y ese carácter silencioso propio de un monje en su estado de meditación. Su único objetivo es alcanzar la perfección en las artes marciales, mientras le consume un oscuro secreto, que llegaremos a conocer.

Los personajes que les rodean en la narración les arropan muy bien en la trama, bien para intentarles llevar hacia el lado oscuro o para ayudarles a conseguir el objetivo del maestro. Que la oscuridad nunca venza. Todo el elenco en general cumple su objetivo destilando credibilidad, sabiendo y asumiendo que estamos ante una obra totalmente ficcionada con personajes irreales.

Toca hablar de la puesta en escena, pues en este tipo de películas cada vez tiene mayor importancia. En esta ocasión el filme despliega un poderío visual que entra directamente por los ojos, donde la eterna lucha entre el bien y el mal, la luz y la oscuridad, se plasman a través de una iluminación magistral, aunque ya conocida. Destaca de forma asombrosa el uso cromático de los tonos azules y rojos, que inundan la pantalla acompañados por el destello de los neones. En este sentido, Kitao Sakurai logra momentos de una belleza plástica incontestable, regalándonos unas espectaculares coreografías bajo la lluvia que le confieren a la acción un carácter hipnótico y casi onírico. Todo este envoltorio estético se ve potenciado por atmósferas texturizadas y elegantes, bien sea por el humo denso que se provoca tras los brutales choques contra paredes que son reventadas, o por el vaho asfixiante de una sauna que envuelve a los contendientes. Un auténtico derroche técnico que eleva los combates a una categoría artística superior y aunque repito, ya va siendo difícil sorprender al espectador con este tipo de efectos, aquí resultan muy disfrutables.

Esta soberbia puesta en escena está magistralmente captada por la mirada del director de fotografía Ken Seng, quien envuelve el metraje en una hipnótica paleta de colores, luces y sombras que potencian cada rincón de la pantalla. A este derroche visual contribuye de forma decisiva la gran compañera de la fotografía, como casi siempre comento, la banda sonora de Leo Birenberg y Zach Robinson. Los compositores, célebres por su trabajo en Cobra Kai, inyectan una energía arrolladora a la cinta combinando su partitura original con temas muy conocidos y hits nostálgicos de los noventa. Resulta un auténtico deleite escuchar cómo la música abraza la acción mediante una brutal propuesta cargada de guitarras eléctricas y una épica orquesta arrolladora. Todo un torrente sonoro y visual que sabe cómo atrapar el ritmo del espectador y elevar las secuencias de combate a una categoría artística superior. Estamos ante una película de dos horas de pura adrenalina, de una brutalidad extrema y tan hipnótica que no te permite despegar la mirada de la pantalla.

Para finalizar, soy consciente de que nos encontramos ante una propuesta cuya única y gran misión es el entretenimiento más visceral. Street Fighter no busca dobles lecturas existenciales ni profundidades intelectuales –aunque algún mensaje que otro sí que nos deja entre puñetazos y patadas–; y precisamente en esa honestidad radica su triunfo. El gran acierto de Kitao Sakurai es haber construido un engranaje técnico impecable que no decae en ningún momento, logrando que un espectador completamente ajeno al videojuego, como soy yo, disfrute de la experiencia cinematográfica de principio a fin. Si os gustan las películas de acción y artes marciales, aquí se os presenta un viaje violento, vibrante y tremendamente disfrutable y casi me atrevería a decir, adictivo.

Mi nota es: 8

Estreno en España:16 de octubre.

Reparto: Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang, Joe Anoa`i, David Dastmalchian, Cody Rhodes, Andrew Schulz, Orville Peck, Curtis “50 Cent” Jackson, Jason Momoa, Vidyut Jamwal, Olivier Richters, Rayna Vallandingham, Mel Jarnson, Hirooki Goto, Eric André, Kyle Mooney, Alex Volkanovski, Yaz Haddad, Kristy Best, Tim Robards, Justin Wong, Maximilian Dood y IFC Yipes.

Productoras: Legendary Pictures// Capcom// Paramount Pictures.

Distribuidora en España: Paramount Pictures España.

Filmografía: El director de fotografía, productor, guionista y director, Kitao Sakurai abandonó la escuela durante su adolescencia para mudarse a Nueva York. Ya en Nueva York se educó directamente en el terreno práctico sumergiéndose en el mundo de la ópera y el teatro experimental y posteriormente formándose de manera práctica como director de fotografía. Se inició en el corto con “Joseph & Julia” (2002) para continuar con “Coda” (2003), “Wake the Fuck Up” y “Free Mammograms with Eric Andre” ambos en (2012), “The Passage” (2018) y “GoPuff: Lil Dicky Quartertime Show” (2022). Cuenta con los largometrajes: “El samurai ciego” (2010), “Un mal viaje” (2021) y este año nos ofrece “Street Fighter” (2026), los telefilmes: “The Eric Andre New Year`s Eve Spooktacular” (2012), “Unemployable” (2015), “Dave” (2021/23), los videoclips: “Julia Haltigan & the Hooligans: I Don`t Want to Fall in Love” (2008), “Health: Stonefist” (2015), los capítulos para las series: “Voices of Learning” (2013), “Portraits with Yung Jake” (2018); “Premisa” (2021), “The Eric Andre Show” (2012/23), “Twisted Metal” (2023), “Butterfly” (2025), “Bronca” (2026) y el especial para televisión  “Dave FX and Cardi B with GoPuff” (2022).

LA BOLA NEGRA: CRÍTICA DE CINE

La bola negra, una ambiciosa coproducción entre España y Francia, está dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) quienes comparten el guion con Alberto Conejero. “La bola negra es un canto a la vida, al amor, a la memoria, al sentir de un pueblo, al llanto y a la pérdida.

Las primeras imágenes nos sitúan en 1937 para mostrarnos la vida cotidiana en un pueblo. Una mujer bañando a un niño en un barreño, unos ancianos bebiendo alrededor de una mesa, un monaguillo hurgándose la nariz, músicos ensayando y preparados para tocar y el resto de los habitantes en sus rutinas. De repente, alguien grita: “¡Ya llegan!”. Todo el pueblo entra en júbilo esperando a los italianos. Y como no me apetece desvelar nada más, prefiero dejarlo aquí.

Comentaros que la bola negra es una película dramática que se ha inspirado libremente en la obra inacabada homónima de Federico García Lorca y en la pieza teatral La piedra oscura de Alberto Conejero. Su ambiciosa estructura se desarrolla a través de tres periodos distintos: Nos retrotraen hasta 1932 con Carlos (Milo Quifes) como personaje principal, un joven gay adinerado que desea formar parte de la élite del casino; saltamos a 1937, a mi gusto el auténtico corazón de la película, sustentado con maestría por Sebastián (Guitarricadelafuente) y Rafael Rodríguez Rapún (Miguel Bernardeau); y finalizamos en 2017 con Alberto (Carlos González). Si bien el año 1937 lo considero el corazón, las arterias principales que oxigenan todo el filme, serán los otros dos periodos.

Las primeras palabras que se me ocurrieron tras llegar al final y sosegar mi mente y alma, fueron que la bola negra, como ya he comentado, es un canto a la vida, al amor, a la memoria, al sentir de un pueblo, al llanto y a la pérdida. Son historias entrelazadas entre sí de forma minuciosa gracias al extraordinario montaje de Alberto Gutiérrez, creando estampas de un pasado oscuro que los Javis logran bañar con su innata personalidad.

Hay mucha tela que cortar en esta película, pero merece ser destacado en primer lugar el gran y extraordinario elenco actoral. Los Javis han logrado rodearse de un equipo al que han sabido insuflar la verdad de cada uno de los personajes, haciéndolos creíbles al espectador. Un alarde de maestría en la dirección actoral que, si bien se sustenta sobre un sólido cuarteto principal –donde Milo Quifes, Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau y Carlos González rozan la perfección a través de sus respectivos viajes temporales–, la propuesta no sería la misma sin sus deslumbrantes aportaciones femeninas. Destaca una inmensa Lola Dueñas en la piel de Teresa y una deslumbrante Penélope Cruz encarnando con su aura y magnetismo a Nené Romero, para ofrecernos dos de las actuaciones más impactantes del guion. A este despliegue de talento se le suma, por supuesto, la magnífica Glenn Close, quien puso una condición a los Javis para interpretar a la historiadora Isabelle Durand: que parte de sus diálogos fueran en español, como así ha sido. Pero todos y cada uno de ellos y ellas se merecen un gran premio de conjunto. Resulta impensable, finalizado el visionado, eliminar a uno solo de ellos de la historia.

Ahora, si nos detenemos en los rostros de este éxito –además de por supuesto la dirección, el guion y el equipo técnico del que hablaré en breve–, la entrega del grupo es absoluta. Los cuatro protagonistas clavan el arco de sus personajes logrando que la química, la contención y el calvario que sufren en pantalla se transformen en el verdadero motor que mueve los sentimientos del espectador. La frescura de los tramos contemporáneos aligera la trama de forma inteligentísima, mientras que el dolor silencioso e íntimo de las escenas más dramáticas funciona como el reverso perfecto del poderío y la intensidad escénica que despliega el resto del reparto. Cada uno aporta una pieza única a este puzle sobre los recuerdos dolorosos y los silencios de nuestro pasado.

Ya de por sí, sin ver la película, la canción principal impacta y a mí personalmente me atrapa, pero escuchada en pantalla, sonando en medio de la nieve mientras uno de los personajes queda perdido en el inmenso manto blanco para siempre, estremece. Logra alcanzar un cénit tan poderoso que la lágrima se queda contenida para seguir devorándote por dentro hasta alcanzar los títulos de crédito, pero para eso, todavía queda; un triunfo compartido con la sobrecogedora composición musical de Raül Refree. A este torrente de emociones contribuye de forma decisiva el diseño de producción, un auténtico alarde visual donde no se ha escatimado en absoluto para trasladarnos con total naturalidad y fidelidad a los años 30 y traernos de vuelta al presente. Todo ello envuelto bajo la mirada de Gris Jordana, quien firma una fotografía de una elegancia sobresaliente mimando cada encuadre, consiguiendo con ello una atmósfera arrolladora e hipnótica, capaz de sumergir al espectador en el corazón de la historia, gracias a este derroche técnico y artístico.

Para finalizar, soy consciente de que nos encontramos ante una propuesta de ritmo pausado y que, tal vez, para algunos su metraje pueda resultar excesivo. Sin embargo, este reposo es el que permite que la historia cale en los huesos y en la mente. La bola negra no busca ni la prisa ni la acción; necesita cada uno de sus minutos para edificar un monumento a la memoria histórica y a la herencia queer de nuestro país. Los Javis confirman aquí una madurez cinematográfica indiscutible, firmando una obra monumental que no solo huele a Goya, sino que tiene pie y medio en la carrera hacia los Óscar y posiblemente en más de una nominación. Desde estas líneas os invito a que dejéis los prejuicios en casa, os dejéis atrapar por cada una de sus escenas y disfrutéis de un viaje tan doloroso como necesario; pocas veces el cine patrio nos había regalado un canto tan hermoso a la vida, al amor y al reverso de nuestros propios fantasmas y silencios. Déjate llevar y siente lo que padecen estos personajes.

Mi nota es: 10

Estreno en España: 25 de septiembre.

Reparto: Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Penélope Cruz, Glenn Close, Lola Dueñas, Antonio de la Torre, Alberto Cortés, Albert Pla, Antonio Dechent, Hugo Welzel, Julio Torres, Yenesi, Lorenzo Zurzolo, Nuria Mencía, Natalia de Molina, Daniel Ibañez, Mona Martínez, Mateo Medina, Javier Butler, Francesco Migliori, Gio Torino, Manuel Gareno, Teo Lucadamo, Mohamed Ben Aissa, David Pérez Camacho, Mico Quares. Joaquín Ruíz, Valentín Martínez, Joaquín Núñez y Judeline.

Productora: Suma Content// Movistar Plus+// El Deseo// Le Pacte//Atresmedia Cine.

Distribuidora en España: Elástica Films y Movistar Plus+

Filmografía:  Javier Calvo estudió interpretación de forma privada y con diversos profesionales de la actuación. Es conocido principalmente por su formación actoral y su trayectoria como director junto a Javier Ambrossi, en cuanto a Ambrossi estudio periodismo en la Universidad Complutense de Madrid y Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Debutaron con el largometraje “La llamada” (2017) y en televisión con la serie “Paquita Salas” (2016/19), la miniserie “Veneno” (2020) y “La Mesías” (2023) y este año nos ofrecen “La bola negra” (2026) y el videoclip “Leiva: La llamada” (2017).

BIXAGU ENTERTAINMENT ADQUIERE LOS DERECHOS DE LA SAGA DE ANE CESTERO

NUEVE CARTAS nos informa que Bixagu Entertainment adquiere los derechos de la saga de Ane Cestero de Ibon Martín para su adaptación audiovisual

La productora vasca Bixagu Entertainment ha adquirido los derechos de adaptación audiovisual de las cuatro novelas que integran la saga de Ane Cestero, creada por el escritor donostiarra Ibon Martín. El acuerdo comprende «La danza de los tulipanes», «La hora de las gaviotas», «El ladrón de rostros» y «Alma negra», y abre el camino para trasladar a la pantalla el universo de suspense del autor.

Con esta adquisición, Bixagu Entertainment apuesta por una obra que combina investigación policial, crímenes inquietantes y una estrecha vinculación con el territorio vasco. La fuerza de sus escenarios, la continuidad de sus personajes y los conflictos que atraviesan las investigaciones constituyen los principales elementos de una saga que ha conectado con lectores dentro y fuera de España.

Ane Cestero: cuatro investigaciones en el corazón del suspense vasco

Ane Cestero, investigadora de la Ertzaintza, es el hilo conductor de cuatro historias en las que la belleza del paisaje convive con la violencia y los secretos de quienes lo habitan. Junto a su equipo, se enfrenta a casos que combinan la búsqueda del asesino con la exploración de las comunidades donde suceden los crímenes.

La serie comenzó con «La danza de los tulipanes» (2019), situada en Urdaibai, donde el asesinato de una periodista, atada a las vías del tren junto a un tulipán, desencadena la investigación. «La hora de las gaviotas» (2021) trasladó la acción a Hondarribia; «El ladrón de rostros» (2023), al entorno de Oñati; y «Alma negra» (2025) llevó a Cestero hasta la zona minera de Bizkaia. A lo largo de las cuatro novelas, Martín convierte el territorio en parte esencial de la intriga: sus paisajes, su memoria y sus contrastes contribuyen a construir la atmósfera de cada caso.

Ibon Martín, una voz propia de la novela negra

Nacido en Donostia en 1976, Ibon Martín inició su trayectoria literaria con la escritura de viajes y las guías de senderismo. Ese conocimiento del territorio dejó una huella decisiva en su narrativa, en la que los paisajes vascos tienen un protagonismo singular. Tras su primera novela, «El valle sin nombre», desarrolló la tetralogía «Los crímenes del faro», inspirada en el suspense nórdico.

Con «La danza de los tulipanes» alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas y amplió su presencia internacional. «La hora de las gaviotas» recibió el Premio Paco Camarasa a la mejor novela negra del año, consolidando una trayectoria caracterizada por la combinación de investigación policial, tensión narrativa y conflictos sociales. Su escritura encuentra en el contraste entre entornos de gran belleza y la oscuridad de los crímenes una de sus señas de identidad.

El anuncio de la adquisición de derechos coincide con la llegada a las librerías de «Bajamar», publicada por Plaza & Janés el 1 de octubre. La nueva novela abre otra historia de suspense en una localidad costera del Cantábrico, donde la muerte de una creadora de contenido vinculada al turismo sostenible se cruza con la presión inmobiliaria y los intereses que condicionan la vida del municipio.

Bixagu Entertainment: experiencia audiovisual y vocación internacional

Bixagu Entertainment fue fundada en 2020 por Iñaki Gómez y Pablo Echart, con el objetivo de producir largometrajes, miniseries y series que combinen una mirada autoral con vocación comercial internacional. Afincada en Euskadi y Londres, la compañía trabaja en la creación de contenidos y en la colaboración con otras productoras para desarrollar proyectos audiovisuales.

Iñaki Gómez aporta más de treinta años de experiencia como productor y productor ejecutivo en Irusoin, con una trayectoria vinculada a títulos como «Loreak», «Handia» y «La trinchera infinita». Pablo Echart cuenta con más de veinticinco años de experiencia en consultoría de gestión, servicios financieros y planificación estratégica. La adquisición de la saga de Ane Cestero incorpora al catálogo de la compañía un universo literario de fuerte identidad vasca y proyección internacional.

SKYLINE BENIDORM FILMS FESTIVAL INFORMA

Skyline Benidorm Film Festival nos informa: Del guion a la pantalla, y de ahí a festivales de todo el mundo: Skyline abre su Concurso de Guion 2027

El certamen abre el 5 de octubre una nueva convocatoria, con un Premio DAMA de 1.500 euros y el objetivo de que los proyectos finalistas encuentren recorrido más allá del concurso.

Antes de llegar a la pantalla, todo empieza sobre el papel. Skyline Benidorm Film Festival abre este lunes la convocatoria de su Concurso de Guion de Cortometraje 2027, una iniciativa que nació en 2018 y por la que han pasado historias que, tiempo después, han llegado a grandes festivales internacionales, como Cannes o Warsaw Film Festival, e incluso han estado en la Shortlist de los Oscar y ganado un Premio Goya.

El concurso vuelve a contar con el apoyo de DAMA y el mejor guion recibirá un premio de 1.500 euros y trofeo, que se entregará durante la gala final de la 11.ª edición de Skyline Benidorm Film Festival, que se celebrará del 10 al 17 de abril de 2027.

La convocatoria permanecerá abierta desde el 5 de octubre hasta el 8 de diciembre de 2026 y admite guiones de cortometraje de ficción, animación y documental, escritos en castellano o valenciano. La temática es libre y pueden presentarse tanto trabajos originales como adaptaciones literarias, con una extensión máxima de 20 páginas.

El concurso vuelve a contar con el apoyo de DAMA y el mejor guion recibirá un premio de 1.500 euros y trofeo, que se entregará durante la gala final de la 11.ª edición de Skyline Benidorm Film Festival, que se celebrará del 10 al 17 de abril de 2027.

La nueva convocatoria llega después del importante crecimiento registrado en la pasada edición, en la que Skyline recibió 760 guiones, frente a los 492 del año anterior. Una participación que consolida el concurso como una de las puertas de entrada al festival y, sobre todo, como un espacio desde el que descubrir historias cuando todavía están en una de las primeras fases del proceso audiovisual: la escritura.

De la página a la industria

Pero Skyline quiere que esa posibilidad no dependa únicamente de lo que ocurra después de la entrega del premio.

Las propias bases del concurso contemplan que los guiones finalistas puedan publicarse, previa autorización de sus autores, en la web del festival para facilitar que productoras y profesionales interesados en nuevas historias puedan descubrirlos y contactar con sus autores.

“El premio es importante, pero no queremos que todo termine ahí”, explica Beatriz Hernández, directora de Skyline Benidorm Film Festival. “Un guion está escrito para que alguien lo lea. Por eso nos interesa especialmente que los finalistas tengan visibilidad y que una productora que esté buscando una historia pueda encontrarse con ellos. Skyline puede ser ese punto de conexión”.

Los guiones finalistas de ediciones anteriores continúan disponibles para su consulta en la web del festival, manteniendo abierta esa ventana más allá de cada convocatoria.

“Al final hablamos de poner en contacto a personas que se necesitan mutuamente: quien tiene una buena historia y quien está buscando una buena historia. Si de ahí nace una conversación, un proyecto o algún día un cortometraje, el concurso habrá cumplido una parte muy importante de su función”, añade la directora. 

Historias que siguieron su camino

Desde que el Concurso de Guion comenzó su andadura en 2018, varios de los proyectos que han pasado por Skyline han demostrado que una historia seleccionada puede tener mucha vida después del certamen.

En 2020, Nach Solís ganó el concurso con Papá está de viaje, el germen de lo que posteriormente se convertiría en París 70. El cortometraje ha superado los 150 premios y las 180 selecciones nacionales e internacionales, fue nominado a los Premios Goya y a los Forqué y llegó a formar parte de la shortlist de 15 cortometrajes de ficción candidatos al Oscar en 2025.

Un año después, Eva Saiz ganó con El pensamiento mágico. El proyecto fue posteriormente uno de los seleccionados para participar en Focus SCRIPT del Short Film Corner del Festival de Cannes, un programa dirigido a impulsar guiones en una fase temprana de desarrollo y facilitar su encuentro con posibles socios y coproductores.

También en la edición de 2021 pasó por el concurso Esto no es Noruega, de Paco Cavero, que posteriormente se convirtió en un cortometraje codirigido y escrito junto a Alicia Albares. La película ha acumulado más de un centenar de selecciones en festivales internacionales y fue candidata a los Premios Goya.

Y en 2022 llegó Semillas de Kivu, de Néstor López y Teresa Bellón. El proyecto acabaría convirtiéndose en el documental dirigido por Néstor López y Carlos Valle que en 2025 consiguió el Premio Goya al Mejor Cortometraje Documental. Ese mismo año regresó a Skyline, ya convertido en película en formato corto, y obtuvo los premios a Mejor Documental y Mejor Diseño de Producción en la 9.ª edición del festival.

Para Beatriz Hernández, directora de Skyline Benidorm Film Festival, estos recorridos explican buena parte del sentido del concurso:

“Cuando recibimos un guion nunca sabemos hasta dónde puede llegar. Algunos de los proyectos que hemos leído aquí, cuando todavía eran unas páginas, han terminado recorriendo festivales, llegando a Cannes o ganando un Goya. Ver esa evolución con los años es probablemente una de las mayores satisfacciones que nos ha dado este concurso”.

Convocatoria abierta hasta el 8 de diciembre

Los autores y autoras podrán presentar guiones de ficción, animación o documental, de temática libre, originales o adaptados y con una extensión máxima de 20 páginas, incluida la portada. Cada participante podrá inscribir hasta tres proyectos.

La inscripción tiene un coste de 13 euros para el primer guion, 10 euros para el segundo y 8 euros para el tercero.

Un jurado compuesto por profesionales del sector cinematográfico seleccionará los trabajos finalistas y decidirá el guion ganador, que recibirá el Premio DAMA de 1.500 euros y trofeo.

Las bases completas y el formulario de inscripción pueden consultarse en la web de Skyline Benidorm Film Festival.

Skyline Benidorm Film Festival celebrará su 11.ª edición del 10 al 17 de abril de 2027 en Benidorm. El festival trabaja desde la exhibición, la creación y la industria para impulsar y poner en valor el cine en formato corto y es calificador para los Premios Goya en las categorías de ficción, documental y animación.

MÁS INFORMACIÓN Y BASES

Concurso de Guion Skyline 2027

LA INVITACIÓN: CRÍTICA DE CINE

La invitación está dirigida por Olivia Wilde con guion Rashida Jones y Will McCormack.

Angela (Olivia Wilde) se apresura a realizar las últimas compras antes de regresar a casa y preparar todo para una cena especial. Joe (Seth Rogen), su marido, trabaja como profesor de música en un conservatorio. Es un hombre un tanto amargado, siempre quejándose de sus dolores de espalda, antisocial y molesto con sus vecinos, a los que Angela ha invitado a cenar: Piña (Penélope Cruz) y su marido Hawk (Edward Norton), debido a los ruidos y gemidos que provocan cada noche mientras realizan sus actos sexuales. Angela intenta convencerlo de no sacar determinados temas durante la cena, en particular los mencionados, pero Joe no está dispuesto a ello. La tensión comienza a florecer cuando Piña y Hawk entran en la casa y Hawk, que no tiene filtro, les dice abiertamente que les ha estado escuchando discutir. ¿Cómo terminará la velada?

La invitación – tercer nombre que recibe esta obra – fue escrita y dirigida originalmente por Cesc Gay. Primero nació en el teatro bajo el título Los vecinos de arriba (2016) y más tarde fue llevada al cine como Sentimental (2020), obteniendo un gran éxito; ahora, de la mano de Olivia Wilde, la incómoda cena se traslada a la gran pantalla estadounidense con el título La invitación (2026).

Tomando como referencia el recuerdo de la obra original estrenada en 2020, resulta una grata sorpresa comprobar que Hollywood ha respetado con creces el esqueleto del texto, la fina ironía y la mordacidad tan características de nuestro querido Cesc Gay. ¿Les habrá asesorado? Lejos de edulcorar la función para el mercado norteamericano, la adaptación cinematográfica se atreve a mantener el pulso notablemente picante y desvergonzado. La propuesta camina con inteligencia sobre el filo de la navaja: es una comedia decididamente subidita de tono, pero medida al milímetro para no rebasar los límites permitidos, logrando así una clasificación idónea para conquistar al gran público sin perder su esencia gamberra. Por momentos me parecía estar viendo a Cesc tras la cámara, por lo que de entrada felicito a Wilde.

En este tablero de juego a cuatro, Penélope Cruz se convierte en el auténtico torbellino de la función con una clase indiscutible. Cuando nuestra Pe se pone seductora, no hay quien le baje la mirada; la actriz derrocha esa fuerza, raza y temperamento tan genuinamente españoles que desarman por completo a sus compañeros de reparto. Sus palabras remarcan, pero sus miradas fulminan. Asimismo, el guion introduce ciertos cambios muy acertados respecto al film original. Mientras que en la cinta de 2020 arrancaba directamente entre las cuatro paredes del hogar, al más puro estilo teatralizado, aquí la dirección de Olivia Wilde acierta de lleno al regalarnos un inicio en exteriores con las secuencias de las compras y la búsqueda de la alfombra perfecta; unos minutos que aportan un dinamismo visual magnífico y sirven para rebajar la tensión teatral antes de que se cierren las puertas del apartamento.

El verdadero triunfo dramático de la función reside principalmente en la genialidad del guion, que sabe contrastar la psique que define a ambas parejas, dibujadas como las dos caras de una misma moneda. Por un lado están los invitados – Hawk y Piña –, quienes se muestran espontáneos, positivos, sin filtros y despreocupados ante la situación, porque en realidad ellos tienen un objetivo claro; por otro, los anfitriones, quienes arrastran una constante estela de tensión, fragilidad, negatividad e inhibición, pues su objetivo es muy diferente al de los invitados. Es como si la primera pareja caminara arropada por el sol, la luz y el calor, mientras la segunda arrastrara sobre sus cabezas un gran nubarrón.

Estos diálogos mordaces y cautivadores, algunos como puñales afilados, ofrecen a este cuarteto de excelentes actores la posibilidad de lucimiento tanto en el conjunto como de forma individual, no desaprovechando ninguna ocasión. Seth Rogen lo borda interpretando al quejica por excelencia, ese tipo huraño que uno reza por no tener al lado en ninguna situación; es un hombre ajeno a todo que no se avergüenza de lo que dice, para sufrimiento de quien lo tiene que padecer. Por su parte, la interpretación de Olivia Wilde como la esposa exasperada intenta disimular la frustración que siente hacia su marido, sus responsabilidades y hacia un matrimonio en crisis que naufraga. Este comportamiento divierte y a la vez atrae a Piña y Hawk, como un entretenimiento de una noche.

En cuanto a la pareja formada por Edward Norton y Penélope Cruz funciona con la precisión de un reloj suizo. Él despliega una ironía brillante a través de una “alarmante” falta de filtros, mientras ella derrocha magnetismo y seducción al hablar con absoluto desparpajo sobre su sexualidad y los encuentros compartidos con terceras personas, dejando por momentos intrigados y noqueados a sus anfitriones. Lo más gratificante de la función es no desvelar más detalles de la velada, ya que el arriesgado juego psicológico al que se someten los cuatro personajes termina por revelar sus propias y valiosas moralejas.

Para ir terminando, Olivia Wilde mantiene con pulso firme las riendas de la narración, abrazando con orgullo el tono teatralizado de la propuesta y logrando que el ritmo no decaiga en ningún instante. La realizadora recurre con inteligencia al uso del plano-contraplano o a planos generales, como una elección formal e idónea para no perderse un solo detalle de las interpretaciones ocultas en las miradas, el peso de los diálogos y la expresividad gestual de los cuatro. A este triunfo interpretativo se le suma la correcta labor tras las cámaras del director de fotografía Adam Newport-Berra, quien opta por una iluminación y unos encuadres funcionales que, lejos de buscar un protagonismo innecesario, pasan desapercibidos de forma muy elegante para cederle todo el escenario al verdadero tesoro del film: las monumentales actuaciones de su cuarteto protagonista.

Para concluir, la invitación demuestra que, incluso en una era donde Hollywood abusa de las fórmulas prestadas, un buen guion y un reparto en estado de gracia pueden convertir un remake en un ejercicio brillante. Olivia sale airosa del desafío de trasladar el universo de Cesc Gay a las colinas de San Francisco, firmando una obra tan incómoda como magnética. Una inteligentísima comedia de salón que, tras sus puñales afilados, sus deseos a flor de piel y sus provocaciones modernas y moderadas, nos obliga a mirarnos en el espejo de nuestras propias rutinas conyugales. Pasen, pónganse cómodos y disfruten de la velada; pocas veces un naufragio matrimonial ajeno resultó tan sumamente divertido.

Mi nota es: 8,5

Estreno en España: 16 de octubre.

Reparto: Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton.

Productoras: Filmnation Entertainment// Annapurna Pictures// Permut Productiones.

Distribuidora en España: Diamond Films España.

Filmografía: La actriz, productora y directora, Olivia Wilde, estudió interpretación en la Academia Phillips en Andover (Massachusetts), se trasladó a Dublín matriculándose en la Gaiety School of Acting y de nuevo regresó a los Ángeles para trabajar en una agencia de casting.  Además de su larga trayectoria como actriz, Wilde ha dirigido los cortometrajes: “Free Hugs” (2011), “Wake Up” (2020); los videoclips “Edward Sharpe and the Magnetic Zeros: No love Like Yours” y “Red Hot Chili Peppers: Dark Necessities” ambos en (2016) y debutando en el largometraje con “Súperempollonas” (2019) para continuar con “No te preocupes, querida” (2022) y este año nos ofrece “La invitación” (2026).

MANTENER FUERA DEL ALCANCE DE LOS NIÑOS

 

Teatro de La Abadía y Pecado de Hybris (Ana Carrera y María Velasco) presenta: MANTENER FUERA DEL ALCANCE DE LOS NIÑOS que se podrá disfrutar del 29 de octubre al 22 de noviembre.

«Mantener fuera del alcance de los niños» (subtitulada Quejío sobre la infancia y lo que sigue) es una obra escrita y dirigida por María Velasco (Premio Nacional de Literatura Dramática 2024 (VENDRÁN LOS ALIENÍGENAS Y TENDRÁN TUS OJOS). Se presenta en el Teatro de la Abadía (Madrid) del 29 de octubre al 22 de noviembre de 2026.

Es un monólogo autoficcional (contado en primera persona) que celebra la minoría, las infancias raras, friquis y clasemedieras. Velasco reflexiona sobre la infancia, la familia, la rareza y lo que viene después, con un tono entre el quejío, la ironía y la ternura. Es una pieza íntima, poética y valiente que explora la vulnerabilidad y la construcción de la identidad.

María Velasco (Premio Nacional de Literatura Dramática 2024) narra en primera persona sus años escolares en el aula de necesidades educativas especiales. Los «tormentos de no pertenecer» se entrecruzan con fantasías: como la de convertirse en Carrie de Stephen King, para ejecutar su gran venganza, no en el baile de graduación, sino en una cena aniversario de antiguos alumnos. La venganza adquiere la forma de una performance, en la que el quejido por las infancias no normativas se amista con el quejío flamenco. Mantener fuera del alcance de los niños es una celebración de la minoría y de lo diferente, esta obra está dedicada a los que no se integran.

Esta obra está dedicada a quienes no se integran. Celebra la minoría y lo diferente.  María Velasco, una de las voces más destacadas del teatro español actual, se sube al escenario en Mantener fuera del alcance de los niños, para narrar, en primera persona -como dice María Fernanda Ampuero, “el terror es el trauma”-, su experiencia de infancia en el aula de educación especial. Para ello, María Velasco vuelve a acompañarse de música en directo y performance, como ya hizo en Amadora (en colaboración con Miren Iza -Tulsa-) y Vendrán los alienígenas y tendrán tus ojos (en colaboración con el cantante Carlos Beluga).

En esta ocasión, se une en escena al cantaor flamenco Al-Blanco y al performer Mario Patrón, en un híbrido de teatro de texto, música en vivo y danza contemporánea a medio camino entre lo confesional y lo fantástico, que tiene también algo de conferencia performativa, y que la propia María dirige y cuyo texto ha escrito. La propuesta estará en cartel en la Sala Juan de la Cruz de Teatro de La Abadía, que la coproduce junto con Pecado de Hybris (productora de la propia dramaturga y Ana Carrera) entre el 29 de octubre y el 22 de noviembre. Es la primera vez de María Velasco en este teatro.

En Mantener fuera del alcance de los niños, el quejido de las infancias no normativas se da la mano con el quejío flamenco. Los “tormentos de no pertenecer”, según los expresa María, se entrecruzan con fantasías, inspirándose en maestras del terror como Mariana Enríquez o evocando la idea de convertirse en Carrie de Stephen King, para ejecutar una gran venganza, también relacionada con la sangre de la regla ahora que María se acerca a la perimenopausia. Pero no en el baile de graduación, como hacía aquel personaje que interpretaba Sissy Spacek en la adaptación cinematográfica de Brian De Palma, de la que este año se celebran cinco décadas. Sino en una cena aniversario de antiguos alumnos y alumnas.

Así, la venganza adquiere forma de arte, de performance, en esta obra que habla del privilegio de la norma, y de la tiranía de la normatividad y la meritocracia. Del apego ansioso, del yugo de la necesidad de encajar. Del dolor de que te excluyan de pandillas y fiestas. Del escarnio público y la crueldad en manada. De hacer sentir como un monstruo y de la seducción de lo monstruoso. De madres conservadoras y religiosas, que cultivan la vergüenza. De la infancia como espacio de libertad que puede truncarse, y de la relación de las artistas con infancias difíciles. De la discriminación de las personas no blancas, del capacitismo y de niñes que, en los 90, no podían salir del armario. De cuando ir al colegio se convierte en un trauma. De aulas de educación especial y guetos educativos.

Como dice Antoine de Saint-Exupéry, “todos los mayores han sido primero niños”, y Mantener fuera del alcance de los niños explora las repercusiones que tienen en la vida adulta los roles que adoptamos en nuestros primeros años como víctimas o victimarios, pero también como cómplices en la sombra (como animales gregarios, las criaturas no quieren perder su lugar en la manada o el grupo). Además, recorre el poder transformador de la fantasía para inventar un futuro que nos guste, donde el trauma no haga a la persona, o incluso haga personas mejores.

EQUIPO ARTÍSTICO

Texto y dirección: María Velasco

Reparto: María Velasco, Al-Blanco (cantaor) y Mario Patrón (performer y bailarín)

Coreografía: Josefina Gorostiza

Diseño de iluminación: Jorge Colomer

Diseño de Espacio Escénico: José Novoa

Diseño de sonido y composición de música original: Tagore González

Diseño de videoescena: Elvira Ruiz Zurita

Asesoría artística: Marina Otero

Ayudante de dirección: Ruth Rubio

Producción: Teatro de La Abadía y Pecado de Hybris (Ana Carrera y María Velasco)

Producción ejecutiva: Teatro de La Abadía | Ana Carrera

Distribución: Proversus