RAMAYANA EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA: CRÍTICA DE CINE

 

Ramayana. El nacimiento de una leyenda está dirigida por Nitesh Tiwari compartiendo guion con Shridhar Raghavan y Shreyas Jain.

«Antes de que la historia quedara escrita, el hombre se codeaba con los dioses y el mundo se hallaba en perfecta armonía. Pero, de entre las tinieblas, surgió una fuerza del mal: Rávana (Yash), nacido del fuego y la furia, que doblegó a los dioses a su voluntad y convirtió el mundo en su trono. En estos tiempos de gran peligro, la humanidad tenía una sola esperanza: no un dios, sino un hombre elegido por el destino, Ram (Ranbir Kapoor)».

Así comienza esta primera entrega de lo que está proyectado como una trilogía. Es la historia del príncipe Ram, el legítimo heredero al reino de Ayodhya, quien, tras ser instruido por el venerado sabio Vishvamitra (Ajinkya Deo), se ve obligado a renunciar al trono. El joven emprende el camino hacia el peligroso bosque de Dandaka, acompañado por su esposa Sita (Sai Pallavi) y su leal hermano, Lakshmana (Ravi Dubey).

Como he mencionado en la sinopsis, estamos ante la primera parte de una ambiciosa trilogía cuya primera entrega tiene una duración original en el montaje del director –que es la que hemos visto en el pase de prensa– de 3 horas y 15 minutos. Considero que las productoras deberían comenzar a frenar las duraciones de algunas películas, pues no hacen ningún bien ni a la industria ni al espectador que está sentado en su butaca. Me repito una vez más: desde que el celuloide dio paso al formato digital, algunos directores se volvieron “locos” alargando innecesariamente sus obras como si no hubiera un mañana. Ya no se conforman con presentar al público un filme de tres horas; ahora nos imponen trilogías interminables que tardan cuatro o más años en culminar.

Sinceramente, salvo honrosas excepciones, no comprendo esta obsesión. A no ser que la obra sea muy buena, atractiva, dinámica y espectacular en su contenido –y no en su continente, por poner algunos adjetivos–, el público se aburre. Creo que hay que frenar un poco esta locura que cada vez se extiende más. Es el caso preciso de Ramayana, que, como os iré contando, es una propuesta cinematográfica interesante, pero del todo innecesaria en un metraje tan abrumador.

El arranque de Ramayana: El nacimiento de una leyenda es una demostración de fuerza visual. En un alarde de generosidad narrativa desmedida, Nitesh Tiwari nos somete a un prólogo que roza los treinta minutos de duración antes de dignarse a mostrar el título de la película en pantalla. Es cierto que estamos ante una obertura brutal –filmada con maestría y con una narrativa en off que resulta agradable al oído–, pero sí, tranquilamente es media hora de reloj. Sin embargo, a diferencia de lo que suele ocurrir en estos casos, este kilométrico inicio no asfixia el ritmo de la producción; al contrario, la película despliega un ritmo muy potente que se mantiene firme hasta, más o menos, la mitad del metraje (no puedo asegurarlo porque aún no había mirado el reloj por primera vez).

El verdadero problema del montaje aparece justo después de pasado ese tiempo. Es en ese ecuador de la cinta cuando la narrativa se calma para bajar a tierra y permitirnos conocer en profundidad la relación entre los personajes, sus inquietudes y lo que los mantiene vivos. El ritmo general del filme no es malo, pero toda la historia que sucede en el bosque de Dandaka –durante el exilio del príncipe Ram– resulta a todas luces excesiva. Es en este tramo donde el director parece confundir la reverencia hacia el texto sagrado con la obligación de filmar cada mota de polvo del camino o de las situaciones que suceden en él, lo que hace que las tres horas y quince minutos del pase de prensa comiencen, ahora sí, a pesar en la butaca. Os diré que el metraje estimado para salas comerciales es de 160 minutos, por lo que presiento que es en este tramo donde meterán la tijera.

A pesar de que el metraje se aletarga en el bosque, el apartado interpretativo se convierte en el verdadero pilar que sostiene la función. El trío protagonista conecta muy bien entre sí. Resultan muy creíbles en sus respectivos roles. Se respira auténtica fraternidad entre ellos, una complicidad orgánica que humaniza el relato sagrado y que solo se rompe cuando surge la magia oscura que pretende dividirlos o cuando toca arrimar el hombro para luchar contra los demonios que acechan en la espesura. Este equilibrio actoral funciona como el anclaje emocional de la película frente a la constante pirotecnia digital. Todo este viaje íntimo se mantiene firme hasta la irrupción del gran antagonista. Aunque nada os contaré al respecto, os aseguro que os esperan secuencias espectaculares.

Si en su contenido la obra sufre por los excesos del metraje, en su continente Ramayana: El nacimiento de una leyenda es un absoluto festín para los ojos y los oídos. El despliegue tecnológico a cargo de los efectos especiales nos deja estampas de una belleza plástica incuestionable. Un ejemplo bellísimo es la recreación de las criaturas míticas que pueblan el relato –como ese imponente elefante blanco celestial dotado de majestuosas alas que sobrevuela los desfiladeros nevados, la sobrecogedora aparición del águila gigante Jatayu recortada contra un cielo crepuscular o esos espectaculares tigres blancos gigantes que tiran de las carrozas reales–. Estas secuencias demuestran que, cuando el CGI se utiliza para potenciar la fantasía y el misticismo de la epopeya –como ocurre con la nave con forma de flor de loto–, la película alcanza momentos de auténtica catarsis visual.

Esta impresionante estética se traslada también al diseño de los personajes y sus entornos. La caracterización del príncipe Ram –quien luce relucientes armaduras y alza arcos ceremoniales de oro y piedras preciosas, como su compañero inseparable Kodanda, tanto en medio de suntuosos templos como en su exilio– se complementa con un diseño de vestuario de una riqueza extraordinaria. Telas de hilo de oro, majestuosos ropajes reales, colores muy vivos y ornamentos tradicionales elevan la divinidad de los protagonistas. Este derroche visual busca romper de forma radical con la austeridad de los trajes que Ram, Sita y Lakshmana visten al adentrarse en el bosque, despojados de toda opulencia. Sin embargo, este intencionado contraste conceptual flaquea debido a la propia ostentación digital de la producción. Al estar todo tan milimétricamente pulido y retocado por ordenador –incluyendo la pulcritud artificial de los propios tejidos y sus tonalidades–, se echa en falta una textura más orgánica, algo de suciedad real en ese destierro del bosque que nos permita empatizar más con el sufrimiento físico de los personajes, quienes a menudo parecen flotar en un lienzo digital impecable o sacados del cuadro más impresionista hindú.

Detrás de este gran despliegue visual que abruma a nuestros ojos en cada plano, secuencia y escena, se encuentra el trabajo de los directores de fotografía Pankaj Kumar y Mahesh Limaye. Su labor logra una iluminación viva, brillante y excelsa que potencia la plasticidad de cada encuadre, logrando que la transición entre los suntuosos palacios y los entornos del bosque se sienta deslumbrante y natural, sin que la digitalización sea perceptible más allá de los puros efectos visuales de las criaturas. A este conjunto visual se une la infatigable compañera de la fotografía: una banda sonora compuesta por A.R. Rahman y Hans Zimmer. Una partitura tan sutil y perfectamente hilada a la historia en sí que, por momentos, el espectador ni siquiera percibe su existencia, ya que se funde de manera orgánica con la narrativa para sostener la carga emocional de cada escena desde la sombra. Por el contrario, en otros instantes, nos taladra por dentro en su dramatización más elevada cuando el drama o los enfrentamientos aparecen en pantalla.

En resumen, Ramayana: El nacimiento de una leyenda se presenta como una propuesta cinematográfica de una belleza plástica incuestionable y un apartado técnico deslumbrante, pero que termina pesando en la butaca debido a los excesos de un metraje a todas luces innecesario (quizás en la versión que se verá en las salas sea más llevadera). Nitesh Tiwari regala un festín sensorial incontestable y cuenta con un trío protagonista cuya química humaniza el relato; sin embargo, la obsesión por la perfección digital merma la naturalidad. Todo está demasiado aséptico, incluso en el bosque y durante las peleas. Nadie puede dudar de que es una obra tan espectacular en su continente como fatigosa en su ritmo, la cual satisfará a los amantes de la fantasía mística pero que reabre el debate sobre la necesidad de poner freno a la desmedida duración del cine digital contemporáneo. Creo que es la primera vez que me enfrento a un coloso hindú de estas características.

Mi nota es: 7,5

Estreno en España: 6 de noviembre.

Reparto: Ranbir Kapoor, Ravii Dubey, Sai Pallavi, Sunny Deol, Yash, Arun Govil, Kajal Aggarwal, Indira Krishnan,Lara Dutta, Sheeba Chaddha y Rakul Preet Singh.

Productora: Monster Mind Creations// Prime Focus Studios.

Distribuidora en España: Sony Pictures Releasing de España.

LEONES EN INVIERNO: CRITICA DE CINE

 

Leones en invierno está dirigida por Albert Pintó, quien comparte el guion con Juma Fodde. “No hay nada más peligroso que un padre que ya no tenga hijos a los que defender”

El prólogo nos sitúa en 1989, donde dos grupos de radicales de bandos opuestos se retan en una plaza. Al líder de una de las bandas le lanzan una botella a la cabeza y, tras el impacto, el joven cae desplomado al suelo.

En el presente, conoceremos a Alejandro (Luis Zahera), un exlíder de los Ultra Sur que vive feliz con su mujer Carlota (Inma Cuesta) y su hija. Un día, la joven sale de fiesta con su amiga y un conductor, a bordo de un coche de alta gama en color dorado y a gran velocidad, la atropella y se da a la fuga. Más tarde descubriremos que el culpable es un policía (José Manuel Poga) infiltrado en una red de narcotraficantes. Al ver que la policía parece estar ocultando algo, Alejandro decide investigar por su cuenta. Para ello, contacta con su viejo amigo y antiguo camarada ultra, que ahora ejerce como policía (Roberto Álamo), y con otro miembro del pasado, convertido hoy en un desgraciado drogadicto que no tiene dónde caerse muerto (Luis Callejo), quien también decide ayudarles. Juntos se internarán en el peligroso mundo del narcotráfico y de la corrupción policial.

Estamos ante una de esas películas que rebosa feromonas masculinas y testosterona en cada plano. Es un filme en donde las interpretaciones femeninas quedan inevitablemente en un segundo plano –aunque el director y guionista pretendan que no se note demasiado, el aporte femenino es muy reducido–, otorgando todo el peso y la importancia a esa violencia visceral, rabia desatada y furia incontrolada que brotará por cada poro de sus personajes sin dar tregua a que el espectador respire. Quizás con demasiada intensidad. Este enfoque tan marcadamente masculino se concentra, principalmente, en la figura de Alejandro. El protagonista, devorado por la tragedia, la impotencia y el ansia de justicia paternal, busca durante la gestión de su duelo sacar al león; a la fiera salvaje que lleva dentro y que ha mantenido dormida durante años, pero que bien sabía que era imposible de domesticar. Es el dolor el que actúa como detonante para resucitar a aquel joven violento, antiguo líder Ultra Sur, cuya agresividad vuelve a brotar con fuerza. Y es que, no nos engañemos, la película es pura adrenalina violenta desde el comienzo hasta el final.

Los pilares actorales de esta obra recaen sobre un elenco entregado. Luis Zahera demuestra una vez más que es una bestia escénica. El dolor que siente su personaje ante la muerte de su hija se palpa desde el inicio, con esas miradas de rabia encendida, contención muscular y deseos de venganza máxima. A un león, aunque se le domestique, se le podrán adormecer sus impulsos naturales, pero jamás desaparecen; cualquier chispa puede despertarlo y más cuando se trata de la vida de una hija a la que ama profundamente. El rugido y las garras entran en acción, mientras la mente no deja que intervenga la razón. Roberto Álamo nos muestra un personaje más racional que pretende frenar al león, hasta que es consciente de que ese dolor no se puede detener; porque él también tiene una hija adolescente y piensa en cómo actuaría, por lo que decide no abandonarlo y apoyarlo en su viacrucis. Como tercero en este trío de amigos de toda una vida se encuentra Luis Callejo, viviendo en el pozo profundo y oscuro de las drogas, consumido y perdido en el mundo, sin nada por lo que luchar, salvo por sus amigos. Aquí vemos cómo la verdadera amistad perdura en el tiempo como un tesoro que nos puede ayudar a no caer.

Y a unas leguas de distancia está José Manuel Poga, quien da vida a uno de esos personajes odiosos y rechazables. Su ego desmedido no tiene parangón y no le importa matar si con ello consigue su objetivo o callar a quien conoce sus propósitos. Es violento y ambicioso por naturaleza –un tipo repugnante e implacable que lo quiere todo–, con un corazón y una mente frías que no se compadecen ante nada ni nadie. En definitiva, estamos ante unas interpretaciones muy viscerales y de una potencia arrolladora, que por momentos descolocan al espectador.

En lo que respecta a los aspectos técnicos, la cinta destaca por no ser un simple ejercicio de acción acelerada. Cuenta con una fotografía filmada por David Acereto, cuyo principal acierto es saber saltar constantemente entre dos mundos visuales contrapuestos: por momentos nos sumerge en una estética sucia, nocturna y opresiva, para luego contrastar con la luz fría y pulcra de la opulencia y el poder. A esta fotografía se une su compañera de fatigas, la banda sonora de Raül Refree, quien aporta al metraje fuerza, energía y, sobre todo, mucho nervio, subrayando la tensión sin llegar a saturar. Coronando el apartado técnico, cabe mencionar el ritmo que nunca cesa gracias al montaje de Miguel Burgos Petisco. La edición no cae en el error del frenesí gratuito, pero tampoco en el del tedio. Sabe mantener con pulso los momentos en los que la historia precisa respirar y, por encima de todo, nos permite conectar y sentir el calvario de unos personajes y la violencia desmedida de otros.

En definitiva, Leones en invierno se presenta al espectador como un thriller modélico en sus formas, durísimo en su fondo y sumamente honesto con lo que ofrece. Albert Pintó firma una propuesta asfixiante que no busca el aplauso fácil ni la moraleja edulcorada, sino golpear al espectador a través de la crudeza y el instinto más primario. Y os aseguro que lo logra. Una bajada a los infiernos recomendable para los amantes del cine de acción más físico y visceral.

Mi nota es: 7,5

Estreno en España: 23 de octubre.

Reparto: Luis Zahera, Roberto Álamo, Luis Callejo, José Manuel Poga, Inma Cuesta, José Coronado, María Romanillos, Amaia Aberasturi, Ana Wagener, Nicolás Furtado, Jordi Mollà e Irene Escolar.

Productora: Bowfinger International Pictures// Esto También pasará.

Distribuidora en España: Sony Pictures Releasing de España.

Filmografía: El guionista, realizador audiovisual y director, Albert Pintó, se graduó en la especialidad de Dirección en la ESCAC en 2007 y en 2012 regresó a dicho centro como profesor de narrativa audiovisual. Se inició con los cortometrajes: “Leaving New York” y “A Fully Loaded” en (2008), “Lucille” (2010), “Nada S.A.” y “Aún hay tiempo” ambas en (2014), “Lo siento cariño” y “Una historia de amor” en (2015). En el largometraje debutó con “Matar a Dios” (2017), “Malasaña 32” (2020), “Nowhere” (2023), “Tierra de nadie” (2025) y este año nos llega “Leones en invierno” (2026). Cuenta con el cortometraje “RIP” (2017), capítulos para las series “Sky Rojo” y “La casa de papel” en (2021) y las miniseries “Berlín y las joyas de París” (2023) y “Berlín y la dama del armiño” (2026).

RESIDENT EVIL: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Alemania, Resident Evil está dirigida por Zach Cregger compartiendo guion con Shay Hatten.

Bryan (Austin Abrams) es el repartidor de una empresa de material médico a quien encomiendan una misión urgente: transportar un órgano a un hospital situado en la alta montaña, en mitad de una gran nevada. Sin importarle las inclemencias del tiempo, el joven recoge el paquete y emprende el viaje esa misma noche. Mientras conduce y habla con su novia por el móvil, una mujer aparece de la nada y la atropella de forma inevitable. Tras el impacto, Bryan sale del vehículo para socorrerla y sigue las huellas marcadas en la nieve que lo conducen hasta el cuerpo de la víctima, tendida en el suelo en una postura grotesca. Al darse cuenta de que sigue viva, decide subirla al coche para llevarla al hospital. Sin embargo, en el trayecto es detenido por una patrulla de policía. Tras explicarle la situación al agente, este, extrañado, acepta trasladar a la mujer a su vehículo policial con la condición de que el joven lo siga sin intentar escapar. Al poco tiempo, el coche patrulla pierde el control y se despeña por un barranco. Bryan baja del automóvil y… lo vamos a dejar aquí. Sí, sé que queréis saber más, pero os aseguro que me lo agradeceréis cuando vayáis a verla.

Lo primero que os contaré es que estamos ante un auténtico e indiscutible reinicio de la saga. Nada de marear la perdiz con historias pasadas. Aunque nunca he sido jugador de la franquicia, muchos sabéis que el cine de terror es una de mis grandes pasiones y he seguido de cerca varias de sus entregas cinematográficas. Por ello, la gran sorpresa que me he llevado con esta producción es que la reinvención sea absoluta, ofreciendo una historia completamente original y diferente a todo lo visto anteriormente en la saga.

El gran acierto de esta nueva propuesta recae sobre los hombros de Austin Abrams, quien ofrece una interpretación impresionante cargando con el peso absoluto de la función. Con él reímos, con él caemos y con él nos volvemos precavidos. Bryan no es el clásico héroe de acción imbatible al que Hollywood nos tiene acostumbrados; es un joven común y abrumado por una situación apocalíptica que le viene no grande, sino gigantesca. Al principio, se mueve desde el recelo, el pánico y la incomprensión más absoluta: huye de una anciana infectada que le persigue, sobrevive de milagro a una descarga eléctrica, al brutal ataque de un perro infectado en un granero y sufre una emboscada en el interior de una vivienda donde intentaba pedir refugio. Pero esto son solo cuatro pinceladas. Sin embargo, en lugar de rendirse, su desesperación se transforma en una determinación de hierro: sobrevivir y entregar el maldito paquete. Abrams clava esa evolución psicológica y física, pasando de esquivar los peligros con verdadero pánico a terminar empuñando un arma y disparando con total normalidad cuando la noche se vuelve una auténtica y sanguinaria carrera de obstáculos. Pero os aseguro que lo mencionado aquí es solo el primer tramo hasta llegar a la meta. ¿Existe meta?

Para responder a esa pregunta, la película nos sumerge en una extenuante carrera de dificultades donde el diseño de los peligros es tan aterrador como original. Al llegar a un pueblo aparentemente desierto y con los coches cubiertos de nieve, Bryan se topa con una estampa dantesca: decenas de personas agazapadas en los tejados que, de repente, comienzan a lanzarse al vacío sobre él, estrellándose contra el suelo y tiñendo la nieve de sangre –no descubro nada que el tráiler no muestre–. Una lluvia de infectados que sirve como recurso visual impactante que dinamita cualquier cliché del género. En medio de esta locura, Cregger se permite introducir valiosas píldoras de humor y complicidad. Hay un momento glorioso –tranquilos, no voy a decir cuál– en el que Bryan, tras superarlo, suelta toda la tensión que lleva acumulada con el grito de “¡Videojuegos, sí!” Es un guiño que despierta carcajadas y un homenaje explícito al lenguaje de la saga de Capcom, recordándonos que estamos atrapados en una partida en tiempo real donde cada esquina superada es un logro desbloqueado.

Y si Bryan es el rey indiscutible de esta función, el resto del reparto opera exactamente como lo que son: simples peones y comodines, de lujo, en un tablero de ajedrez mortal. Al adentrarse en el epicentro de la pesadilla, los científicos de la Corporación Umbrella –interpretados por Paul Walter Hauser y Zach Cherry –reciben a nuestro protagonista con la esperanza de que el paquete médico que transporta contenga la clave para frenar el brote. En este tramo, Zach Cregger demuestra un colmillo afilado al utilizar a estos secundarios de excepción para inyectar unas muy necesarias dosis de humor negro.

En este punto me voy a detener, porque no deseo descubrir nada importante, pues os aseguro que el filme merece la pena verlo desde la perspectiva del suspense más terrorífico y desde la comedia irónica que se produce. Sin duda, esta vez sí felicito a los guionistas, que logran con nota su objetivo, como también lo hace Dariusz Wolski ofreciendo una fotografía clara, potente y directa, y por supuesto el acompañamiento musical de los hermanos Holladay, que ya colaboraron con él en la impactante Weapons. Para terminar, solo deciros que la he disfrutado de principio a fin y que tú, amante del cine de suspense, no te la puedes perder.

Mi nota es: 9

Estreno en España: 18 de septiembre.

Reparto: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser, Hohnno Wilson, Juan Wilson, Devon Stewart y Shaun W. Loeser.

Productora: Vertigo Entertainment// Constantin Film// PlayStation Productions.

Distribuidora en España: Sony Pictures Releasing de España.

Filmografía: El productor, guionista, actor y director, Zach Cregger estudió en The Field School y se graduó en el School of Visual Arts de Nueva York y fundó la compañía teatral The Whitest Kids U`Know. Ha trabajado como actor en un buen número de producciones y debutó en la dirección junto a Trevor Moore con “Miss Marzo” (2009), con quien también dirigió “The Civil War on Drugs” (2011), “Barbarian” (2022), “Weapons” (2025) y este año nos presenta “Resident Evil” (2026). Para televisión dirigió capítulos para series como “The Whitest Kids U`Know” (2007/2011), “WKUK Talk About Sketches” (2020/2021), “Self Suck Saturday” y “Newsboyz” ambas en (2020).

SPIDER-MAN: BRAND NEW DAY: CRÍTICA DE CINE

Spider-Man: Brand New Day está dirigida por Destin Cretton, con un guion de Chris McKenna y Erik Sommers.

Han pasado cuatro años desde los últimos acontecimientos vividos por el superhéroe, y ahora Peter Parker / Spider-Man (Tom Holland) sigue protegiendo a la ciudad de Nueva York del crimen callejero desde el anonimato. En su soledad, recuerda a su tía May —a quien lleva flores a su tumba— y, sobre todo, a su novia MJ (Zendaya). Al mismo tiempo, tendrá que lidiar con el duro paso de su juventud a la madurez, ya que sus poderes arácnidos comienzan a sufrir una serie de mutaciones. Estas alteraciones provocan cambios tanto en su carácter como en su cuerpo; por ejemplo, la pérdida de la capacidad de lanzar telarañas de forma orgánica desde sus muñecas, lo que le obliga a crear artilugios para generarlas. Y sí, como es costumbre en toda película de Marvel, cuenta con sus villanos —algunos ya los conocéis, pero otros…— lo dejamos aquí.

Se habla de que este nuevo Spider-Man es la cuarta parte de la saga que se inició con “Spider-Man: Homecoming” (2017), continuó con “Spider-Man: Lejos de casa” (2019) y siguió con “Spider-Man: No Way Home” (2021), donde conocimos a otros Spider-Man de diferentes dimensiones. En cambio, algunos creen que es el reinicio y el comienzo de una nueva saga mucho más ambiciosa, pero sin perder la continuidad del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). Por mi parte no pienso sacaros de dudas; es mejor que veáis esta nueva entrega que, os aseguro, la vais a disfrutar en sus dos horas y media de metraje.

Comenzaré con la interpretación de Tom Holland, que en esta entrega resulta sencillamente perfecta y creíble. Deja de ser el jovencito ansioso por perseguir el mal y que cometía errores de principiante, para proyectar al espectador de forma innata un torrente de sentimientos y emociones complejas. Gran parte de este mérito se debe al enfoque de Destin Cretton, quien se olvida por completo de las distracciones de los multiversos para centrar la cámara en la pura humanidad de sus personajes, sin omitir, por supuesto, las escenas de acción, de las que ya hablaré.

Nos encontramos ante un Spider-Man profundamente terrenal que se debate en un conflicto interno devastador: la necesidad de seguir haciendo el bien desde el anonimato absoluto contra el peso de una vida en soledad que, evidentemente, no le agrada. El dolor de añorar a su chica y la carga de protegerla desde las sombras marcan su día a día. Para colmo, Peter arrastra el desconcierto de no entender los alarmantes cambios que sufre su propio organismo, manifestados en fuertes dolores de cabeza y en la pérdida de facultades tan vitales como el lanzamiento de telarañas desde sus muñecas, como ya he comentado. En este punto, el director y los guionistas introducen un acierto de guion con cierta carga didáctica: en medio de una escena cotidiana, vemos en un televisor un fragmento de un documental que habla sobre los cambios biológicos que experimentan las arañas al convertirse en adultas, sirviendo como el espejo perfecto de lo que está pasando nuestro protagonista.

Es innegable la química entre Zendaya y Tom Holland, un magnetismo que ya se disfrutaba en las anteriores entregas. Su conexión natural aporta la luz necesaria a una historia ensombrecida por los demonios internos del Bruce Banner de Mark Ruffalo. La obsesión de Banner por contener a “la bestia” fracasa inevitablemente y, tras la emergencia de Hulk, la trama introduce a Frank Castle (Jon Bernthal). A diferencia del resto de los personajes, cuyo lado humano conocemos a fondo, la perspectiva de Castle siempre ha sido oscura. Sin embargo, aquí acude al rescate del Hombre Araña cuando este le pide ayuda, convirtiéndose así en su sombra protectora a lo largo del metraje; un aliado tan implacable como necesario al que Peter no duda en recurrir.

Este impecable manejo de las dinámicas nos lleva a una conclusión clara: nos encontramos ante una obra que es mucho más un film de personajes que de actores, priorizando la evolución dramática por encima del mero lucimiento de las estrellas de Hollywood. Todo el reparto cumple sobradamente y con nota en sus respectivos papeles, sumergiéndose en las aguas de un auténtico thriller psicológico donde el enemigo no es solo físico, sino emocional. El guion explora con una madurez y naturalidad asombrosa cómo el dolor, el rencor y la necesidad de venganza pueden corromper a cualquiera, sirviendo como un espejo oscuro para el propio Parker. En lugar de resolver los conflictos a base de batallas físicas, la narrativa se atreve a hurgar con cierta sutileza en las heridas del pasado, tocando de cerca traumas tan profundos como la pérdida de los seres queridos. Es ahí donde la película recupera la esencia más pura del cómic: recordar que “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, pero enfocándolo esta vez desde la dolorosa necesidad de tener la valentía de mirar hacia adelante. Su misión en la vida es más grande que el dolor que arrastran, aunque como humanos, sufran.

Lejos de romper el ritmo de la narración, los constantes flashbacks que rememoran el pasado de Spider-Man junto a su tía May, a MJ y a su amigo inseparable Ned no interrumpen en absoluto el metraje; al contrario, lo enriquecen. Cretton utiliza con gran acierto una fotografía nostálgica en la mirada de Brett Pawlak para retratar estos recuerdos, contrastando con la realidad del héroe. Este despliegue visual es el complemento perfecto para potenciar las escenas de acción que no pueden faltar en un film del MCU, que se ven reforzadas por la banda sonora de Michael Giacchino.

En definitiva, Spider-Man: Brand New Day triunfa allí donde otras producciones flaquean: nos devuelve la humanidad tantas veces perdida entre batallas innecesarias, al enfrentarse a los dilemas y al corazón del héroe callejero. Para esta crítica, me he cuidado de no desvelar nada de lo más importante, pues quiero que al igual que me pasó a mí, os sorprendáis. Una obra que no se priva de diálogos para reflexionar y de situaciones de tensión. Os aseguro que esta nueva entrega, a los amantes del Universo Marvel y de Spider-Man, os va a sorprender.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de julio de 2026.

REPARTO: Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Sadie Sink, Jon Bernthal, Mark Ruffalo, Michael Mando, Tramell Tillman, Eman Esfandi, Liza Colón-Zayas, Marvin Jones III, Florence Pugh, Jamaal Burcher e Ian Chance.

PRODUCTORA: Marvel Studios // Pascal Pictures // Columbia Pictures // Sony Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR: El productor, editor, guionista y director, Destin Cretton, fue educado en casa por su madre cristiana. Se mudó a San Diego, donde inició sus estudios en la Universidad Nazarena de Point Loma, especializándose en comunicación. Mientras estudiaba realizó diversos cortometrajes entre los que encontramos “Longbranch: A Suburban Parable” (2002), “Bartholomew's Song” y “Drakmar: A Vassal's Journey” (2006), “Deacon's Mondays” (2007) y “Short Term 12” (2008). Saltó al largometraje con “I Am Not A Hipster” (2012), “Las vidas de Grace” (2013), “El castillo de cristal” (2017), “Cuestión de justicia” (2019), “Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos” (2021) y este año nos ofrece “Spider-Man: Brand New Day” (2026). Además de los capítulos para las series “Chino americano, la serie” (2023) y “Wonder Man” (2026).

HE-MAN y los MASTERS del UNIVERSO

HE-MAN y los masters del universo está dirigida por Travis Knight con un afinado guion de Chris Butler. “Caerse es una oportunidad para levantarse”

El joven príncipe Adam (Artie Wilkinson-Hunt)  tiene 10 años y vive en un maravillo reino que es símbolo de armonía y paz, regentado por su padre el rey Randor (James Purefoy), y su madre, la reina Marlena (Charlotte Riley). Como él mismo nos narra, de niño era uno de los más bajitos y debiluchos de todos sus compañeros. Mientras los demás se burlaban de él, Adam contaba con una amiga fiel: Teela (Eire Farrell) hija adoptiva de Man-At-Arms (Idris Elba), quien ejerce como consejero militar, estratega y maestro instructor del pequeño príncipe.

Un buen día, el reino se ve envuelto por las sombras de Skeletor (Jared Leto), un tirano implacable que gobierna entre ruinas, miedo y magia negra. En medio de la desesperada batalla, la hechicera del castillo Grayskull (Morena Baccarin) – madre biológica de Teela – le entrega la espada mágica a Adam y, tras abrir un portal dimensional, le dice que salte a él. Adam duda, pero finalmente lo hace…

Y aquí viene el primer giro de este magnífico guion: Esta épica historia que os acabo de contar se la está narrando, en realidad, un Adam veinteañero  a una chica en una cafetería actual en la Tierra. Ella, como es de esperar, duda de su cordura y se marcha dejándolo plantado. Y es que han pasado 15 años y Adam (Nicholas Galitzine), atrapado en nuestro planeta, busca desesperadamente la espada del poder que perdió en aquel viaje de la infancia con la única esperanza de regresar a su hogar, Eternia. Sin embargo, en plena trifulca en medio de una autopista provocada por un ser enviado por Skeletor, Adam recibe la inesperada visita de su amiga de la infancia, convertida ahora en toda una guerrera: Teela (Camila Mendes).

Y… se acabó. No os cuento más. Si queréis pasar casi dos horas y media de puro divertimento echando unas buenas carcajadas mientras os atiborráis a palomitas y refresco, no os la podéis perder. Pero para entender por qué funciona tan bien este regreso, vayamos por partes.

Para comprender el éxito de esta propuesta hay que mirar obligatoriamente hacia la silla de dirección, con el máximo respeto. Travis Knight nos vuelve a demostrar que posee una sensibilidad prodigiosa para las grandes producciones. En su filmografía ya nos habíamos enamorado de la honestidad, la humanidad, el buen hacer y la ternura con la que dota a sus personajes; lo logró de forma artesanal con la bellísima Kubo y las dos cuerdas mágicas y lo repitió al rescatar con maestría una saga en Bumblebee. En cierta manera, este príncipe Adam comparte el mismo ADN emocional que aquel entrañable escarabajo amarillo de los Transformers: ambos son “extraterrestres” enviados a nuestro planeta, jóvenes guerreros perdidos con una enorme carga de vulnerabilidad a sus espaldas, aun percibiendo su fortaleza.

Haciendo un divertido juego de palabras con su propio nombre, podríamos decir que en esta película Travis se comporta como un auténtico “niño travieso”. Knight recupera ese espíritu juguetón, divertido y directo de los blockbusters clásicos, logrando que el espectador se crea lo imposible con una naturalidad pasmosa. Visualmente la película es un espectáculo descomunal, pero el director nunca olvida que el corazón de la historia son sus personajes.

Ese toque gamberro se palpa sobre todo en el guion. Lejos de la aburrida solemnidad de otros héroes actuales, la película brilla gracias a una maravillosa camaradería repleta de diálogos ágiles, pullas constantes y frases con un doble sentido finísimo. Es un humor con un punto ácido pero deliciosamente blanco, donde los personajes se miden tanto por sus golpes físicos como por sus réplicas verbales. Knight consigue lo que parecía imposible: que cuando sus héroes tienen que demostrar su poder lo den absolutamente todo en pantalla, pero que cuando bajan la espada, nos conquistan por su arrolladora personalidad, pues no solo hay humor fino y sarcástico sino momentos para  la introspección del yo y de la misión que la vida les ha reservado.

Otro de los grandes aciertos, sin duda, es la elección de los actores que encarnan la mitología de Eternia aportando capas de realismo y cercanía muy de agradecer. El peso principal recae sobre un divertidísimo Nicholas Galitzine, que convence en su papel. Durante gran parte del metraje, su príncipe Adam huye del estereotipo hipermusculado; nos regala a un chico que se mimetiza con la gran urbe vistiendo una ropa casual, moderna y sin olvidar el toque elegante para las ocasiones; la que cualquier veinteañero llevaría hoy en día para ir a trabajar o tomarse una cerveza. Sin embargo, el genial contraste cómico surge de que Adam jamás reniega de su identidad ni de su destino: él sabe perfectamente que su misión es recuperar la espada del poder para regresar a Eternia. El problema, si es que se puede definir así, es que lo lleva con una naturalidad tan pasmosa que nadie lo toma en serio, cuando les cuenta su historia, salvo un colega. Adam es un chico corriente, con una gran humanidad y sinceridad; un veinteañero con los pies en la tierra y la mente en las estrellas esperando el glorioso instante en que empuñe el acero y pronuncie las palabras mágicas.

A su lado, Camila Mendes brilla como una Teela formidable. La química entre ambos funciona desde que eran niños. Es un amor de siempre donde él se muestra más receptivo y vulnerable, mientras ella intenta contener sus sentimientos con madurez, tal vez consciente del abismo entre sus posiciones: él es el heredero al trono y ella la hija del guerrero más importante del reino.

Y aunque el Skeletor de Jared Leto cumple con creces entregándonos un villano disfrutable, será Idris Elba, con su Man-At-Arms, la auténtica ancla moral de la historia, con una excelente interpretación. Elba no se limita a ser un soldado de acción; construye un protector profundo, un mentor cuya severidad militar esconde un inmenso cariño y respeto hacia Adam. En cuanto al resto del elenco arropa la función con solvencia, respetando la esencia de los personajes clásicos que todos conocemos, pero es este cuarteto protagonista el que eleva el espectáculo palomitero hacia algo mucho más memorable.

En conclusión, He-Man y los Masters del Universo es un soplo de aire fresco que se agradece. Travis nos demuestra que la nostalgia no tiene por qué ser un simple recurso comercial, sino una oportunidad maravillosa para reconectar con el disfrute puro y la  inocencia. Salir del cine dejando en la sala flotando las carcajadas y el buen rollo que respira la obra, comentando cada escena y con una sonrisa de oreja a oreja, es el mejor indicador de que Eternia ha regresado por la puerta grande. Es cine de aventuras honesto, vibrante y endiabladamente divertido que ya nos hace presagiar nuevas entregas. Todo ello se potencia con la brillante fotografía de Fabian Wagner y una espectacular banda sonora a cargo de Daniel Pemberton, la cual brilla con fuerza gracias a la mítica guitarra de Brian May (Queen) y la energía de bandas como The Darkness.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN CINES: 5 de junio.

REPARTO: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlote Riley, Kristen Wiig, Jared Leto, Sasheer Zamata, Jon Xue Zhang, Idris Elba y Christian Vunipola.

PRODUCTORAS: Escape Artists// Laika Entertainment//Mattel.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: El director, animador y productor, Travis Knight, es el animador principal de los Estudios de Animación Stop-motion, Laika Entertainment, quien además de debutar en el largometraje con “Kubo y las dos cuerdas mágicas” (2016), ha supervisado la animación de todo el catálogo del estudio. Tras Kubo, dirigió “Bumblebee” (2018) y este año nos ofrece “He-Man y los masters del universo” (2026)

He-Man y los masters del universo

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA: CRÍTICA DE CINE

Bajo la dirección y guion de Bill Condon, esta nueva adaptación de la novela de Manuel Puig (basada en su exitoso musical) nos traslada a la Argentina de 1983. En el complejo tránsito entre la dictadura y la democracia, la celda de una prisión une a dos hombres muy opuestos: el activista político Valentín Arregui Paz (Diego Luna) y el gay soñador Luis Molina (Tonatiuh). Para evadirse de la crudeza del encierro, Molina narra a su compañero una fascinante historia de cine titulada El beso de la mujer araña, donde el glamour de Aurora (Jennifer Lopez) se entrelaza con su realidad en un juego de espejos donde los propios presos se convierten en protagonistas de la fantasía.

Hay películas de las que, aunque se hayan visto hace unas cuantas décadas, algunas secuencias permanecen intactas en nuestra retina – quizás por la sensibilidad que alberga la juventud – ante la dureza de una historia que navega entre la política y la sexualidad. Recuerdo la versión de Héctor Babenco como un drama psicológico potente, puro y descarnado, con escenas impactantes donde la relación entre los personajes resultaba más intimista.

En cambio, esta nueva entrega en las manos de Bill Condon se aleja de esa sobriedad para centrarse en el musical de Broadway de 1992. Es una propuesta arriesgada que transforma no solo la estructura original de la obra de Manuel Puig, sino también la intensidad del drama y la oscuridad de la cinta de 1985, dándole un matiz completamente distinto, sobre el que profundizaré a lo largo de esta reseña.

En primer lugar, lo que cautiva poderosamente es la simbiosis entre la fotografía y la música. Tobias A. Schliessler – quien ya demostró su maestría visual junto a Condon en Dreamgirls y La Bella y la Bestia – firma aquí una propuesta impresionante. Cada plano y el uso cromático actúan como narradores, separando con nitidez las dos realidades de la historia. Por un lado, la puesta en escena de la cárcel de los años 80 nos sumerge en la angustia y la opresión de la época; por otro, la fantasía cinematográfica de Molina nos transporta al glamour de los años 40. Es ahí donde el uso de un Technicolor vibrante y saturado aporta sofisticación e intensidad, creando un juego de espejos que invita al divertimento y la evasión, mientras el dolor se cuece a fuego lento en la celda.

Acompañando a esa potencia visual, la banda sonora se convierte en el latido del corazón del filme. La partitura original de John Kander y Fred Ebb – los artífices de Cabaret y Chicago – junto al libreto de Terrence McNally, eleva la obra a una dimensión distinta. La música no solo acompaña y decora la fantasía de Molina, sino que sirve de contrapunto dramático a la sordidez del encierro. A través de melodías que evocan el bolero, el tango y el esplendor del Broadway clásico, las canciones funcionan como el oxígeno que permite a los protagonistas sobrevivir. Es una música que sabe ser grandilocuente en los números que interpreta con brillantez Jennifer Lopez, pero que a la vez se vuelve íntima y desgarradora cuando el silencio de la celda se rompe por una confesión emocional o por los sonidos que les rodean.

Este despliegue técnico, que por momentos resulta chocante, no tendría alma sin el duelo interpretativo de sus protagonistas, donde la política y la piel se funden. Tonatiuh realiza un trabajo extraordinario al encarnar a un Molina que utiliza su fantasía como un acto de resistencia. Frente a él, un Diego Luna soberbio y visceral da vida a un Valentín cuyas convicciones se ven sacudidas no por la tortura, sino por la inesperada humanidad de su compañero.

La película proyecta su mayor luz en los detalles más crudos. Cuando Valentín enferma y, angustiado por la pérdida de control de su cuerpo, confiesa su humillación, es Molina quien, haciendo de tripas corazón frente al asco y al olor, lo adecenta y lo cuida con una dignidad conmovedora. Esa entrega se confirma cuando Molina manipula al alcaide para conseguir pollos asados y comida, asegurándole a Valentín que es un envío de su madre y a este que sacará de compañero la información que precisa.

Es en el despacho del alcaide donde se produce un diálogo revelador: ante la sospecha de que Molina se está enamorando, él responde con una lucidez aplastante: “No es amor, es compañerismo”. Es en ese gesto de solidaridad donde Condon logra demostrarnos que, incluso cuando la guerra exterior bloquea la empatía, la humanidad de Molina encuentra una grieta para redimirlos. En tiempos de represión, este compañerismo, esta amistad, acaba siendo el acto más revolucionario de todos.

En resumen, esta nueva incursión de Bill Condon es una actualización vibrante que conecta la represión de los 80 con la sensibilidad de hoy. Sin embargo, un consejo para quien se acerque a esta nueva adaptación: debe saber que Condon se toma licencias creativas y estructurales que alejan esta versión de la sobriedad y dramaturgia de Babenco para ofrecer algo más operístico y simbólico. Si se abraza como algo nuevo, aceptando su propia identidad, se descubrirá una obra imprescindible donde el compromiso humano sigue siendo el acto más revolucionario de todos. Una película que, sin duda, les dejará pensando.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Jennifer Lopez, Diego Luna, Tonatiuh Elizarraraz, Bruno Bichir, Josefina Scaglione, Lynn Favin, Aline Mayagoitia, Will Fitz, Driton “Tony” Dovolani, Kevin Michael Brennan, Thomas Canestraro, Christian Galvis, Odain Watson, David Turner, Debra Cardona, Vin Scialla y Maile Makaafi.

PRODUCTORA: 1000 Eyes// Artists Equity// Josephson Entertainment// Nuyorican Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:  El guionista, director y productor, Bill Condon, estudió filosofía en la Universidad de Columbia. Su primer contacto con el mundo del cine fue al trabajar como periodista para una revista cinematográfica, decidiéndose un día a probar suerte y debutar como director. Esa primera obra fue “Sister, sister” (1987) otras películas para la gran pantalla han sido “Candyman 2” (1995), “Dioses y monstruos” (1998), “Kinsey” (2004), “Dreamgirls” (2006), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte1” (2011), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte 2” (2012), “El quinto poder” (2013), “Mr. Holmes” (2015), “La bella y la bestia” (2017), “La gran mentira” (2019) y este año nos ofrece “El beso de la mujer araña” (2025). Para televisión ha dirigido los telefilmes “Asesinato”, “Mentiras blancas”  y “Muerte bajo el agua” las tres en (1991), “Relaciones peligrosas” (1993), “El inmortal” (1994), Capítulos para series como “Al otro lado” (2000), “Con C mayúscula” (2010) y “Tilda” (2011) y también cuenta con el videoclip “The Jonas Brothers: Fly with Me” (2009).

LAS OVEJAS DETECTIVES: CRÍTICA DE CINE

Las ovejas detectives, una coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, está dirigida por Kyle Balda bajo un guion adaptado por Craig Mazin. “La necesidad de recordar para no olvidar a quienes se fueron”

George Hardy (Hugh Jackman) es un pastor que vive por y para su rebaño, a cuyas integrantes las ha ido nombrado según lo que sus ojos le transmitían. Al caer la tarde, George se sienta frente a su caravana para relatarles novelas policiacas; está convencido de que no le entienden, pero ellas son lo que más ama junto a su hija Rebecca (Molly Gordon), a quien escribe cartas soñando con su pronto regreso. Mientras tanto, el joven periodista Elliot (Nicholas Galitzine) llega al pueblo para cubrir la feria local.

Una noche de tormenta, George aparece muerto en extrañas circunstancias. Ante la inoperancia del policía local, Tim Derry (Nicholas Braun), la oveja Lily (Voz de Julia Louis-Dreyfus), quien siempre lograba descubrir al asesino en los relatos de George, decide tomar las riendas. Con valentía e ingenio, Lily anima al rebaño a iniciar su propia investigación para resolver el misterio de la muerte de su pastor.

No estamos ante una comedia más, ni una inusual obra detectivesca de personajes variopintos que conforman el paisaje humano. Tampoco ante un drama, aunque las sombras que lo recorren den pie a ello. Estamos ante una encantadora historia rural para grandes y pequeños, con un guion aparentemente tan blanco como las suaves nubes en una tarde de verano y mensajes tan directos, que calan sin esfuerzo. En este pueblo la naturalidad es tal, que aceptamos de inmediato el pacto mágico: que las ovejas hablen entre ellas y que decidan ser ellas quienes busquen justicia ante la torpeza policial.

El filme despliega un ingenioso abanico de situaciones cómicas que rodea a este extraño equipo de detectives lanudos. Como si de una obra de Agatha Christie se tratara, las ovejas observarán y escucharán cada conversación o los interrogatorios que el inexperto Tim realiza al carnicero, la posadera, el reverendo, el vecino granjero o la propia hija del fallecido, buscando razones oscuras tras un acto tan vil. Sin embargo, la verdadera genialidad del filme no reside únicamente en este drama humano, sino en el complejo microcosmos del rebaño.

Lejos de ser un grupo uniforme, las ovejas viven marcadas por un sistema de castas implacable: las nacidas en “verano” y las nacidas en “invierno”, siendo estas últimas las rechazadas, parias condenadas a la soledad. Esa exclusión se personifica en dos figuras claves: El carnero proscrito que protege al grupo desde la montaña y un entrañable corderito al que todos ignoran. Es aquí donde el guion de Mazin se convierte en un dardo afilado que se clava en la diana de los prejuicios. Es en esta subtrama animal donde reside el mayor peso emocional, recordándonos que el desprecio puede nacer incluso en los lugares más inesperados.

Otro de los grandes aciertos de la cinta es la inteligente puesta en escena de Kyle Balda, con ese toque teatralizado que se sustenta en la impecable fotografía de George Steel. La cámara juega constantemente con el foco narrativo: la película no se limita a dejar a las ovejas en un segundo plano, sino que a menudo el encuadre subvierte las prioridades. Un claro ejemplo de ello sucede cuando, mientras los humanos discuten en el interior de una estancia o realizan determinadas actividades, la atención se traslada hacia el exterior, donde el rebaño despliega una coreografía casi militar. Momentos como el espionaje a través de las ventanas, con las ovejas ingeniándoselas para lograr su objetivo, despiertan carcajadas. Esta dualidad visual convierte al espectador en un cómplice activo, otorgando mayor peso a la acción silenciosa y bien estudiada de las ovejas que a la verborrea de unos sospechosos que ignoran que están siendo vigilados por el propio paisaje.

Si bien las ovejas son el corazón y el alma de toda la película, el elenco humano dota de una veracidad sorprendente al relato. Hugh Jackman realiza un trabajo excepcional: su voz en off durante la primera media hora establece una conexión íntima con el espectador al explicar cómo el nombre de cada oveja nació de lo que sus ojos le transmitían. El revelar que Lily es su favorita, construye un vínculo sagrado que trasciende la muerte a través de los flashbacks, mientras las cartas de su hija nos hacen cómplices de su esperanza. Emma Thompson está maravillosamente divertida, con ese toque de sobriedad que su personaje exige y Nicholas Braun aporta el contrapunto cómico ideal como el policía inexperto, mientras que el resto del reparto se integra con naturalidad en sus personajes. A todo ello se suma la juguetona banda sonora de Heitor Pereira, cuya partitura combina temas conocidos con ritmos que subrayan perfectamente la intriga y la comicidad de esta aventura lanuda. En definitiva, un reparto y una producción técnica que cumple sobradamente dándonos una pequeña joya que supera todas las expectativas.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de mayo.

REPARTO: Hugh Jackman, Emma Thompson, Nicholas Braun, Nicholas Galitzine, Molly Gordon, Hong Chau, Kobna Holdbrook-Smith, Tosin Cole, Conleth Hill y Mandeep Dhillon. Las voces de: Bryan Cranston, Julia Louis-Dreyfus, Chris O`Dowd, Regina Hall, Patrick Stewart, Bella Ramsey, Rhys Darby y Brett Goldstein.

PRODUCTORA: Working Title Films// Lord Miller// Amazon MGM Studios// Three Strange Angels.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: SONY PICTURES RELEASING de ESPAÑA.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: El animador y director de cine, Kyle Balda, se graduó en 1993 en el Instituto de las Artes de California (CalArts). Debutó con los cortometrajes “Día de orientación”,  “Remodelación del hogar” y “Banana” todas en (2010). En el largometraje debutó  junto a Chris Renaud con “El Lórax en busca de la trúfula perdida” (2012) y en solitario con “Minions” (2015), “Mi villano favorito 3” (2017), “Minions: Nace un villano” (2022) y “Las ovejas detectives (2026). Cuenta también con los videos: “Mi villano favorito: Las locuras de los Minions” (2010), “¡Vagón Ho!, “Serenata”, “Fuerzas de la naturaleza” en (2012),  “Competencia” (2015), “Weenie” (2016)

BLUE MOON: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos e Irlanda, Blue Moon, está dirigida por Richard Linklater con guion de Robert Kaplow.

En medio de una noche lluviosa un hombre camina por un solitario callejón y empapado de agua, cae al suelo, mientras escuchamos una voz en off que nos anuncia que ese personaje llamado Lorenz Hart (Ethan Hawke), ha fallecido en dicho callejón.

La historia se retrotrae al 31 de marzo de 1943 a un teatro en donde  desde un palco Lorenz Hart y su madre, están viendo el estreno de “Oklahoma!” del compositor Richard Rodgers (Andrew Scott), con quien Hart colaboró en el pasado y al que parece envidiar por sus éxitos. Inquieto, por la brillantez de la obra que está viendo, decide irse al bar Sardi`s, regentado por Eddie (Bobby Cannavale), lugar en el que comenzará su caída a los infiernos a la vez que Andrew, acompañado de los suyos, hará acto de presencia para celebrar el éxito del estreno.

El guionista, productor y director, Richard Linklater, estudió en la Escuela Preparatoria Bellaire Austin Community College y en la Universidad Estatal Sam Houston. Debutó en el cortometraje con “Woodshock” 1985 y en el largometraje con “It`s imposible to learn to Plow by Reading Books” 1988, “Slacker” 1990, “Movida del 76” 1993, “Antes de amanecer” 1995, “SubUrbia” 1996, “Los Newton Boys” 1998, “Despertando a la vida” y “Tape (La cinta)” en 2001,“Escuela de rock” 2003, “Antes del atardecer” 2004, “Una pandilla de pelotas” 2005, “Fast Food Nation” y “A Scanner Sarkly” ambas en 2006, “Inning by Inning: A Portrait of a Coach” y “Me and Orson Welles” ambas en 2008, “Bernie” 2011, “Antes del anochecer” 2013, “Boyhood. Momentos de una vida” 2014, “Todos queremos algo” 2016, “La última bandera” 2017, “Dónde estás, Bernadette” 2019, “Apolo 10 1/2: Una infancia espacial” 2022, “Hit Man. Asesino por casualidad” 2023, “Blue Moon”  y “Nouvelle Vague” en este año 2025. También ha dirigido los cortos “Live from Shiva`s Floor” 2003, “Another Day At the Office “2019; el telefilme “$5.15/Hr.” 2004; El video “Heads I Win/Tails You Lose” 1991y capítulos para series como ”Up to Speed” 2012, “That Animal Rescue Show” 2020 y “Dios salve a Texas” 2024.

Como triste balada de trompeta, aunque aquí sea el piano el instrumento protagonista, junto a los recuerdos de otros tiempos, se nos presenta este Blue Moon, tras un breve pero dramático prólogo taciturno. Una exquisita obra teatral filmada con esmero, elegancia y narrada en tiempo real, por la que desfilan, entre otros, Lorenz Hart y Richard Rodgers, letrista y compositor respectivamente, de esta balada escrita en 1934, imperecedera en la memoria y que da nombre al filme. La cámara nos irá mostrando, con suma serenidad, los pesares de un apesadumbrado Hart. Un filme cargado de nostalgia.

Si algo o mejor dicho alguien, destaca por encima de todo y todos en esta gran función, es sin la menor duda Ethan Hawke dando vida a Lorenz Hart. Su verborrea resulta frenética y por momentos abrumadora, no dando tiempo al respiro. Hasta el propio espectador inconscientemente le solicita que se tome su tiempo, para que quien lo está escuchando, pueda procesar los apasionados monólogos que se marca uno detrás de otro. A través de ellos, se nos revela la historia de un perdedor sin serlo, pero martirizado por lo que fueron y son otros, en medio de los fantasmas a los que ha alimentado en su desesperación como la envidia, la idealización del amor, la arrogancia, la soledad y la baja autoestima. Hawke está descomunal, hasta el punto que su trabajo le puede llevar a una nominación al Oscar.

Como dice una de las estrofas de la canción, “Sabías sólo para qué estaba allí”, esa noche, en ese local, Hart, además de a su excompañero el compositor Rodgers que estrena su sobresaliente “Oklahoma!” junto al letrista Hammerstein; a quien espera es a ella, a la mujer de sus sueños, a Elizabeth Weiland (Margaret Qualley) y cuando esta aparece, surge, a mi modo de ver, la mejor escena de toda la película, en la que apartados del ruido y de las miradas incómodas, mantienen una conversación templada entre confidencias colmadas de emociones y sentimientos. Por lo poco que he leído sobre el tema, Elizabeth personifica a una vendedora de libros que era amiga y cómplice de Lorenz.  Margaret nos ofrece un personaje sensual, lleno de encanto y de picardía y bondad natural. Está magnífica, como también lo está Bobby Cannavale en el papel del camarero; aunque todos cumplen sobradamente con sus personajes.

Linklater, dota a Blue Moon de una atmósfera especialmente nostálgica e íntima, bajo el velo de una humanidad que en instantes se desborda. La genialidad del genio nublada por la vulnerabilidad del mismo y que Shane F. Kelly logra captar en su elegante fotografía con estampas que seducen y abrazan al filme, a la vez que es coronada por la plácida banda sonora de Graham Reynols.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre.

REPARTO:  Ethan Hawke, Margaret Qualley, Bobby Cannavale, Andrew Scott, Patrick Kennedy, Simon Delaney, Cillian Sullivan, Elaine O`Dwyer y Ian Dillon.

PRODUCTORA: Detour Pictures// Cinetic Media// Renovo Media Group// Sony Pictures Classics// Under the influence Productions// Wild Atlantic Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

UN GRAN VIAJE ATREVIDO Y MARAVILLOSO: CRÍTICA DE CINE

Un gran viaje atrevido y maravilloso está dirigida por Kogonada con guion de Seth Reiss. “La vida es mejor, cuando abres tu corazón”

Bajo una intensa lluvia David (Colin Farrell) alquila un coche para acudir a la boda de unos amigos. En la ceremonia conocerá a Sarah (Margot Robbie) de quien se enamora a primera vista. Durante el evento mantienen algunas conversaciones hasta que él decide irse, porque no se encuentra muy cómodo. Ya en el coche el GPS (Voz de Jodie Turner-Smith) no solo le indicará el camino sino que le hablará directamente y tras los primeros instantes de extrañeza de David, el GPS le insiste en que repita que quiere vivir un gran viaje atrevido y maravilloso, pero que lo haga con firmeza. David lo hace y el GPS  le pide que salga en la siguiente salida y entre en el bar a tomar una cheeseburger. David accede a regañadientes y en dicho establecimiento se encuentra con Sarah. Salen juntos bajo la lluvia y en el aparcamiento solo están sus dos coches. El GPS sugiere a David que invite a subir al auto a Sarah porque el de ella no arranca. Sarah acepta. Desde ese instante ambos emprenderán un viaje que marcará sus vidas.

Influido por la vida suburbana y el cine moderno estadounidense, el autodidacta, cineasta, guionista y director, Kogonada, comenzó su carrera creando ensayos en video que analizaban la forma, el contenido y la estructura de las películas que veía de maestros del cine. Su primer largometraje llegó en 2017 con “Columbus” a la que han seguido  “Despidiendo a Yang” 2021 y ahora nos ofrece “Un gran viaje atrevido y maravilloso” 2025. Cuenta con diversos cortometrajes documentales sobre cine y la participación en algunas series dirigiendo algunos capítulos “Pachinko” 2022 y “Star Wars: The Acolyte” 2024.

La comedia romántica regresa a la gran pantalla de la mano de Kogonada junto a sus dos actores principales, Margot Robbie y Colin Farrell y de esta manera hacernos partícipes de su road movie personal y no apta para diabéticos. A lo largo de ese viaje en el tiempo, el GPS les acerca a diversas puertas, todas ellas de un tono de color diferente o bajo grafitis, tomando como escenarios bosques, parques o campos. Tras cada una de ellas se esconde una escena del pasado de uno de los dos personajes, lo que ayudará a comprender lo que forjó, en gran parte, sus personalidades.

Kogonada nos brinda ese cine que ya no se hace, aunque este año he visto dos obras que se le acercan. Me refiero a esas películas blancas, tremendamente blancas, ingenuas en gran parte, frescas y chispeantes por momentos, disparatadas en otros, relajantes a modo de fábula que logra que el espectador no se altere. En su deseo busca que el espectador permanezca en su butaca distendido e incluso que se lleve con lentitud las palomitas a la boca. En definitiva, nos invita a dejarnos llevar por la historia, la de estos dos desconocidos que sabemos muy bien, desde el principio, cuál será el final que les depara; pero nos da igual, porque nos están entreteniendo. Eso sí, no da en la diana plenamente, pues no ha sabido medir muy bien el porcentaje de azúcar que debería contener el conjunto de su producto. El drama, la comedia, la realidad y la fantasía, no siempre casan.

Margot Robbie está maravillosa, bellísima y encantadora; es impensable que alguien pueda dejar de mirar la pantalla cuando está ella, la llena con su sonrisa, su presencia y esas miradas tan candorosas y pícaras, cuando suelta sus frases bien medidas e intencionadas. Juguetona con su sensualidad, divertida con su sagacidad y sentida con su vulnerabilidad, cuando así se precisa. En cuanto a Colin Farrell me ha dado la sensación de que le ha faltado duende para convencer con su interpretación. Aunque el personaje lo pueda exigir, está demasiado tensionado y artificial, en escenas que no lo requiere. Solo hay una, cuando regresa a su colegio, que deja ver su vulnerabilidad. Aun así, forman una fantástica pareja para el entretenimiento del personal.

Como todo film romántico que se precie cuenta con una banda sonora suave y relajante, en esta ocasión en la partitura de Joe Hisaishi, que por instantes parece mecernos y su compañera fiel, la fotografía de Benjamin Loeb, suave, sutil, con tonalidades relajantes y planos bien ajustados a la trama.

Por todo ello, “Un gran viaje atrevido y maravilloso”, tiene como destino a los románticos, soñadores y a quienes junto a la pareja se dejan encandilar en la butaca, mientras desfilan los temas que el guionista Seth Reiss trata sin profundizar como las inseguridades, los sueños extraviados, el duelo, la soledad o los miedos, recordándonos que somos humanos, vulnerables y que debemos aprovechar cuanto nos aporta el viaje que cada uno tenemos reservado.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de septiembre.

REPARTO: Margot Robbie, Colin Farrell, Phoebe Waller-Bridge, Hamish Linklater, Lily Rabe, Billy Magnussen, Yuvi Hecht, Shelby Simmons, Sarah Gadon, Jodie Turner-Smith, Brandon Perea y Lucy Thomas.

PRODUCTORA: Imperative Entertainment// 30West// Original Films// Chapel Place Productions// TriStar Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

NOTICIAS BREVES (CCLXXII)

 

SONY PICTURES nos informa que la venta de entradas de “GUARDIANES DE LA NOCHE: KIMETSU NO YAIBA LA FORTALEZA INFINITA”, comenzará el 15 de agosto.

Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita, el primer largometraje de la trilogía cinematográfica, se estrenará en España el 12 de septiembre de 2025, distribuida por Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment, y también estará disponible en catalán bajo el título Guardians de la Nit: La Fortalesa Infinita.

Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita se ha estrenado en Japón el pasado fin de semana rompiendo tres récords en la taquilla nipona: fin de semana más taquillero, primer día de estreno más taquillero y día más taquillero. La película, distribuida en Japón por Toho y Aniplex, ha generado 7.31 billones de yenes (43.4 millones de euros) de taquilla en sus cuatro primeros días de estreno. Para más información, visita Crunchyroll News.

Director: Haruo Sotozaki - Historia original: Koyoharu Gotoge (JUMP COMICS / SHUEISHA)

Sinopsis de la película: Tanjiro Kamado es un joven que se unió a una organización dedicada a cazar demonios, el Cuerpo de Matademonios, después de que su hermana menor, Nezuko, fuera transformada en uno.

A medida que se fortalecía y forjaba amistad con sus compañeros del Cuerpo de Matademonios, Tanjiro ha combatido contra numerosos demonios junto a Zenitsu Agatsuma e Inosuke Hashibira. En su viaje, ha luchado codo a codo con los espadachines de mayor rango del Cuerpo de Matademonios, los Pilares, incluyendo al Pilar de las Llamas, Kyojuro Rengoku, a bordo del Tren Infinito; al Pilar del Sonido, Tengen Uzui, en el Barrio del Placer; así como al Pilar de la Niebla, Muichiro Tokito, y al Pilar del Amor, Mitsuri Kanroji, en la Aldea de los Herreros.

Mientras los miembros del Cuerpo de Matademonios y los Pilares llevan a cabo un riguroso entrenamiento grupal para fortalecer sus habilidades, el Entrenamiento de los Pilares, en preparación para la inminente batalla contra los demonios, Muzan Kibutsuji aparece en la Mansión Ubuyashiki. Con el líder del Cuerpo de Matademonios en peligro, Tanjiro y los Pilares se apresuran hacia el cuartel general, pero son arrastrados a las profundidades de un misterioso lugar por obra de Muzan Kibutsuji.

El lugar donde han caído Tanjiro y el Cuerpo de Matademonios es la fortaleza de los demonios: la Fortaleza Infinita. Así, el campo de batalla queda dispuesto, y la batalla final entre el Cuerpo de Matademonios y los demonios está a punto de comenzar.

Guardianes de la Noche: Kimetsu no Yaiba está actualmente disponible en Crunchyroll. Cuatro álbumes de la serie y cuatro conciertos orquestales están actualmente disponibles en plataformas musicales globales.

Sobre Crunchyroll

Crunchyroll, LLC es una empresa conjunta entre la estadounidense Sony Pictures Entertainment y la japonesa Aniplex Inc., filial de Sony Music Entertainment (Japan) Inc., ambas filiales de la tokiota Sony Group. Las películas distribuidas y promocionadas por Crunchyroll, en el mercado doméstico e internacional, tienen un historial de éxito tanto en taquilla como en la crítica. El equipo de cine de Crunchyroll ha estado detrás de 10 de las 20 películas de anime con mejor rendimiento en taquilla de la historia de Estados Unidos, incluyendo Guardianes de la Noche -Kimetsu no Yaiba- Tren Infinito, Suzume, Jujutsu Kaisen 0: La Película, Dragon Ball Super: SUPER HERO, One Piece Film: Red y más. Las películas de Crunchyroll no solo se han convertido en éxitos de taquilla, sino que también han sido reconocidas con numerosos galardones y han sido proyectadas en festivales de cine internacionales en todo el mundo.

WARNER BROS. PICTURES nos informa que “EXPEDIENTE WARREN: EL ÚLTIMO RITO” llegará a los cines el 5 de septiembre.

SOBRE “EXPEDIENTE WARREN: EL ÚLTIMO RITO”

New Line Cinema presenta Expediente Warren: El último rito, la novena entrega del universo cinematográfico de Expediente Warren, que ha recaudado más de 2.000 millones de dólares. La película está dirigida por el veterano de la franquicia Michael Chaves y producida por James Wan y Peter Safran, artífices de la franquicia.

Expediente Warren: El último rito es otro emocionante capítulo del emblemático universo cinematográfico de Expediente Warren, basado en hechos reales. Vera Farmiga y Patrick Wilson se reúnen para un último caso dando vida a los famosos investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren, en una nueva y escalofriante entrega de la franquicia que ha batido récords de taquilla en todo el mundo.

Farmiga y Wilson son los protagonistas junto a Mia Tomlinson y Ben Hardy, que interpretan a Judy Warren, la hija de Ed y Lorraine, y a su novio, Tony Spera. El reparto también cuenta con Steve Coulter, que vuelve a dar vida al padre Gordon, Rebecca Calder, Elliot Cowan, Kíla Lord Cassidy, Beau Gadsdon, John Brotherton y Shannon Kook.

Chaves dirige a partir de un guion de Ian Goldberg, Richard Naing y David Leslie Johnson-McGoldrick, con historia de David Leslie Johnson-McGoldrick y James Wan, basada en los personajes creados por Chad Hayes y Carey W. Hayes. Los productores ejecutivos son Michael Clear, Judson Scott, Natalia Safran, John Rickard, Hans Ritter y David Leslie Johnson-McGoldrick.

Chaves cuenta con un equipo creativo que incluye al director de fotografía Eli Born, al diseñador de producción John Frankish, a los montadores Elliot Greenberg y Gregory Plotkin, al supervisor de efectos visuales Scott Edelstein, al productor de efectos visuales Eric Bruneau y al diseñador de vestuario Graham Churchyard, con casting de Rose Wicksteed y Sophie Kingston-Smith. El supervisor musical es Ian Broucek y la música es obra del compositor Benjamin Wallfisch.

New Line Cinema presenta Expediente Warren: El último rito, una producción de Safran Company / Atomic Monster.

“EXPEDIENTE WARREN: EL ÚLTIMO RITO” se estrena en España el 5 de septiembre de 2025 solo en cines.

KARMA FILMS nos informa que “AQUEL VERANO EN PARÍS de Valentine Cadic, llegará a los cines el 8 de agosto.

Este viernes 8 de agosto se estrena en cines AQUEL VERANO EN PARÍS, ópera prima de la directora, guionista y actriz francesa Valentine Cadic. La película ganó el premio Luna de Valencia al Mejor Largometraje en el Festival Cinema Jove “por su honestidad emocional y su capacidad para encontrar poesía en lo cotidiano” en palabras del jurado de la 40ª edición del certamen valenciano celebrado el pasado mes de junio.

“Aquel verano en París” está protagonizada por Blandine Madec (Les grandes vacances, 2022), India Hair (Mandíbulas, 2020) y Arcadi Radeff y nos sitúa en Francia en plena fiebre olímpica de 2024. Blandine llega desde Normandía para ver las competiciones de natación, reencontrarse con su hermanastra Julie después de diez años sin verse y conocer a su pequeña sobrina Alma. Acostumbrada a la tranquilidad, el ritmo frenético de la ciudad la desorienta, pero entre reencuentros, dudas y descubrimientos, el viaje se convierte en una oportunidad inesperada para reconectar consigo misma.

Tras su corto Les grandes vacances, protagonizado también por la actriz Blandine Madec, la cineasta francesa debuta en el largometraje con un delicado retrato de vínculos familiares, reencuentros y segundas oportunidades que combina la ficción con el cine documental de la vida en el París de los Juegos Olímpicos de agosto de 2024. “Partí de un guion que se tuvo que adaptar totalmente a la ciudad y a los cambios que nos pedía el contexto que estábamos viviendo, pero manteniendo y siendo fiel a la historia que quería contar de Blandine en todo momento”, declara la directora y guionista Valentine Cadic.

“Aquel verano en París”  tuvo su premiere mundial en la 75ª Berlinale (premio Perspectives a la Mejor Ópera Prima) y ha participado en numerosos festivales como el BAFICI (premio a la Mejor Película Internacional), el Festival Cinema Jove de Valencia (premio al Mejor Largometraje) y el Atlántida Mallorca Film Festival entre otros.

Los medios interesados en ver la película podéis escribirnos al mail prensa@karmafilms.es indicándonos nombre, medio y fecha de publicación.

NIEVES PEÑUELAS nos informa que “SÚPER AGENTE HITPIG!”, llegará a los cines el 12 de septiembre.

“SÚPER AGENTE HITPIG!” partió del universo visual y del humor del libro superventas de New York Times, Pete and Pepinillos, creado por Berkeley Breathed, ganador del Premio Pulitzer.

“Súper Agente Hitpig!” partió del universo visual y del humor del libro superventas de New York Times, Pete and Pepinillos, creado por Berkeley Breathed, ganador del Premio Pulitzer.

La productora Aniventure confió en el estudio de animación de primer nivel y socio de producción Cinesite para dar vida al maravilloso mundo de Hitpig.

Crear la fantástica variedad de animales protagonistas fue una experiencia emocionante para el equipo de Cinesite: desde el emblemático Hitpig, pasando por la bailarina Pepinillos, la koala respondona, el turón descarado, un cocodrilo hambriento o una langosta ingeniosa

A esta aventura se unieron los directores Cinzia Angelini (Cinzia ha trabajado en grandes estudios de animación como Amblimation, DreamWorks, Sony Imageworks, Walt Disney Animation, Warner Bros e Illumination Entertainment) y David Feiss (ha trabajado en películas como “Hotel Transylvania”, “Rango”, “Gru: Mi villano favorito”, “Minions” entre otras.)

Según comenta la directora Cinzia Angelini “El choque entre una elefanta ingenua y desbordantemente optimista, y un cerdo altamente entrenado, pero algo cínico, me pareció la combinación perfecta para una aventura familiar inolvidable y con trasfondo, capaz de alternar momentos de comedia trepidante con otros de tensión dramática.”

Lo que más atrajo al director David Feiss de esta historia fueron los diseños de personajes de Berkeley Breathed “son un auténtico soplo de aire fresco. Son únicos, alejados por completo de las sensibilidades de diseño que suelen verse en la mayoría de las películas de animación”. Y continúa diciendo, “otra de las cosas que más me entusiasma de esta película es su historia central: una reflexión sobre los derechos de los animales, presentada de forma natural, sin caer en sermones”.

DIAMOND FILMS nos informa que “LA CHICA NO MURIÓ” La pesadilla solo acaba de empezar. Prepárate para la segunda parte de Strangers.

Maya (Madelaine Petsch) y Ryan (Froy Gutierrez) vivieron una auténtica pesadilla en la primera entrega de esta trilogía. Lo que debía ser un viaje romántico en pareja, se acabó convirtiendo en el juego cruel y enfermizo de tres enmascarados dispuestos a hacer cualquier cosa para su entretenimiento.

La cosa no acabó bien para Ryan. Sin embargo, y contra todo pronóstico, Maya sobrevivió, pero su pesadilla no ha terminado. Se ve que nuestros enmascarados son muy concienzudos y les gusta terminar lo que han empezado.

Sinopsis: Vuelven los Extraños, más brutales e implacables que nunca. 

Cuando se enteran de que su última víctima, Maya (Madelaine Petsch), sigue viva, regresan para acabar lo que habían empezado. Sin ningún lugar al que huir, ni nadie en quien confiar, Maya debe sobrevivir a otro horrible capítulo de terror, mientras los tres enmascarados la persiguen, dispuestos a matar a cualquiera que se interponga en su camino.