EL SUSTITUTO: CRÍTICA DE CINE

 

El Sustituto, está dirigida por Óscar Aibar compartiendo guion con María Luisa Calderón. “Somos una comunidad que solo quiere pasar sus últimos días en paz”

Una periodista se acerca a Denia para entrevistar a la Doctora Eva Vidal (Susi Sanchez), sobre un policía que trabajo en aquel pueblo marítimo de Denia y con quien se hizo una fotografía. Ella le relatará cómo se conocieron.

Regresamos a la España en el año 1982. Andrés Espósito (Ricardo Gómez) es un joven policía casado con Lola (Nuria Herrero), con quien tiene una hija (Nora Arándiga). Es destinado a Denia, para sustituir a otro policía que murió en extrañas circunstancias, supuestamente un drogadicto. Cuando Andrés conoce a la doctora Eva (Vicky Luengo), se entera de que los pinchazos que tenía en el brazo el policía muerto, fueron intencionados poco antes de la muerte, además, su anterior compañero del cuerpo, Colombo (Pere Ponce), como le llaman todos, le irá descubriendo la verdad que se esconde en el pueblo. Andrés decide investigar lo que realmente provocó  la muerte de José Luis, como así se llamaba el policía y lo que el pueblo tan celosamente oculta. 

El guionista de cómics, realizador de televisión, escritor y director, Óscar Aibar, se licenció en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona en la especialidad de Imagen. Comenzó a trabajar como guionista de cómics. Se inició en la dirección de cine con el cortometraje “Chihuahua” 1991 para debutar en el largometraje con “Atolladero” 1997, “Platillos volantes” 2003, “La máquina de bailar” 2006, “El gran Vázquez” 2010, “El bosque” 2012, el cortometraje “Absurda Cenicienta” 2014 y “El sustituto” 2021. Para televisión a rodado 1 capítulo de “Ni contigo ni sin ti”, 40 capítulos de las serie “Cuéntame cómo pasó” 2001 y el telefilme “Rumors” 2006.

Empezaré por lo más destacable, aquello que vemos y escuchamos, y sin duda estos son, la gran ambientación y la música que nos ofrece la nueva película de Óscar Aibar, quien regresa a la dirección tras unos años sin ponerse detrás de las cámaras. Aibar ha logrado captar la atmósfera de la época gracias al impecable equipo técnico del que se ha rodeado, desde el tratamiento que Álex de Pablos otorga a su espléndida fotografía, pasando por los decorados de Uxua Castelló y el impecable vestuario de Rocío Pastor; así como la banda sonora compuesta por Manuel Roland, escuchando temas como “Resistiré” (Federico Campuzano, Armando de Castro, Carlos de Castro y  María de las Mercedes Sánchez), “Te estoy amando locamente” (José Luis Campuzano) y “El Vals de las mariposas” (Daniel Candón de la Campa); sin olvidar el acertado montaje de Teresa Font. Una obra en la que no faltan imágenes de aquel verano y otoño de 1982, como fueron el famoso mundial de futbol que se celebró en nuestro país o el momento histórico de Felipe González y Alfonso Guerra, asomándose a la ventana para saludar, tras ganar el partido socialistas, las elecciones, por mayoría absoluta.

Una ambientación que nos evoca un tiempo pasado en una España en plena transición, en cual la política y la sociedad, vivían una etapa convulsa, por aquellos que veían la luz tras la oscuridad que nos había dejado la dictadura y quienes deseaban que esta continuara, aunque el dictador hubiera muerto. El levantar el brazo al grito de Arriba España, aun estaba muy presente en algunos ambientes y entre todo ese mundo, otro se ocultaba en tierras del levante, entre playas, cervezas, un hotel privado y celebraciones de fiestas, difíciles de creer, por una comunidad de nazis, buscados para ser juzgados, en medio mundo y disfrutando de todos los lujos.

El sustituto es un filme que va ganando interés minuto a minuto gracias al elaborado y cuidado guion de María Luisa Calderón junto a Óscar Aibar, a la acertada dirección de Aibar y por supuesto a las interpretaciones. Para finalizar comentaros que una buena idea, como ocurre en tantas ocasiones, surge cuando uno menos se lo espera y algo así le sucedió a Óscar Aíbar, cuando vio una foto en un restaurante de playa, en la cual se divisaba un grupo de hombres vestidos con uniformes alemanes de la Segunda Guerra Mundial.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de Octubre

REPARTO: Ricardo Gómez, Vicky Luengo, Pere Ponce, Pol López, Joaquín Climent, Nuria Herrero, Bruna Cusí, Susi Sánchez, Guillermo Montesinos y Pep Cortés.

PRODUCTORA: Tornasol  Films// Voramar Films// Entre Chien et Loup// Isaba Producciones Cinematográficas// TVE

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Karma Films.

LA TETRAPLEJIA DE COR: TEATRO

NOTA DE PRENSA

Foto: ARLES FOTOGRAFÍAS

“Santi Senso es una amenaza”

Esta es una de las características de él y su lenguaje

según su “Diseño Humano”.

Santi Senso nos invita a poner ATENCIÓN para ATENDER la emoción que provoca el impacto de vivencias que siguen VIVAS al grito del mantra “NUNCA HICE NADA PARA LLAMAR LA ATENCIÓN. Y ESO ES LO QUE MÁS LLAMABA LA ATENCIÓN”. Con una puesta en escena embriagada de danza, teatro, canciones, con una temática social, visibilizando sus vivencias homófobas en su barrio, en un colegio de curas y junto a su familia. Un texto que habla del miedo que no paraliza sino que moviliza, una puesta en escena de una belleza estética muy poderosa acompañada de una música creada para la propia obra. Sin duda es uno de los “ACTOS INTIMOS” donde la morfología de las emociones de Senso junto a su elenco de actores, bailarines y cantantes, que harán trotar, galopar e incluso irán desbocados junto a los espectadores y espectadoras que asistan a una APOLOGÍA DEL AMOR aboliendo cualquier atisbo de clasismo, racismo, xenofobia y homofobia. Protegiendo los derechos de la infancia y adolescencia. Respetando la fe que habita en la diversidad de religiones, para convivir sin odio, y VIVIR con AMOR.

Senso repone en Madrid un espectáculo que pone de manifiesto la vulnerabilidad de los DERECHOS DEL MENOR. Una exposición artística donde se expresan los miedos y conflictos infantiles que pueden acompañarNOS en la VIDA adulta.

3 únicas funciones en Madrid en el Teatro “Umbral de Primavera” el 29 de octubre, y el 5 y 12 de noviembre a las 21:30 horas, antes de marcharse de gira por Latinoamérica con sus genuinas propuestas.

SINOPSIS:

DANZARnos con NUESTRA PODERosa CAPACIDAD. Esto es lo que nos propone Santi Senso con su nuevo ACTO INTIMO. Somos cuerpos que bailan accionados por la PULSIÓN de nuestro CORazón (COR). El MOVIMIENTO es un hermoso impulso desbocado sin limitaciones. “La tetraplejia o cuadriplejia es un signo por el que se produce parálisis total o parcial de brazos y piernas causada por un daño en la médula espinal, específicamente en alguna de las vértebras cervicales. En raros casos, merced a una rehabilitación intensiva, se puede recuperar algo de movimiento” Pero el CORazón sigue DANzanDO AMOR. Seguir galopando es el único tratamiento siendo capaces de reconocer cada latir, respetando y aceptando que, aunque un CUERPO pueda estar INMÓVIL, el CORazón permanecerá MOVILizándoNOS cambiando de paradigma y trascendiendo a un MOVIMIENTO GLOBAL sin dejar de SER ÚNICOS, ÚNICAS. 

“LA SOLEDAD NO EXISTE” esa es la pulsión por la que Santi Senso transita para crear sin fijar, y no obtener un resultado final para que durante cada función el futuro no sea cierto, embriagado de incertidumbre, y que sea esta la que movilice y no paralice ni a los espectadores y espectadoras, ni al elenco de bestias.  Los bailarines, actores y cantantes que acompañan a Santi Senso en escena son: Nacho Casares, Eduard Peña, Alberto Rojas, Stiven Senga, Marcos Zan y Santi Senso, coreografiados por Miguel Ángel Punzano, con vestuario, escenografía y atrezzo de Fede Pouso, música original de Bruno Axel, fotografías y diseño gráfico de Abel Trujillo, audiovisuales de Alejandro Pajuelo Paredes y Felipe Trujillo Ruiz a la técnica. Y con la dramaturgia de Santi Senso.

Trailer de la obra:

https://www.youtube.com/watch?v=nMi_r_Gdgco&t=51s

 Teaser de la obra:

https://www.youtube.com/watch?v=kTau9bvSBWA

                                        Galería de fotos de la puesta en escena:

https://www.arlesfotografia.com/portfolio/la-tetraplejia-de-cor-acto-intimo-de-santi-senso/

 Venta de entradas:

https://elumbraldeprimavera.com/evento/la-tetraplejia-del-cor-2/

Cuando asistimos a uno de los ACTOS INTIMOS de Santi Senso consigue que rompamos con cualquier tipo de estereotipo teatral o técnica actoral pues él se comparte sin darle peso al adoctrinamiento emocional. Solo entrar en el espacio embriagado de palo santo nos invita a no ser racional y juzgar qué es real o ficción sobre el escenario algo que siempre se cuestiona en silencio en el patio de butacas creando lo que Senso llama “PERSONAJILIDAD”. Y es ahí donde ya empieza a trascender la obra para no llegar a un final pues es incierto y solo se culmina cuando aceptas que no existe un planteamiento, nudo, desenlace, ni conflicto, y mucho un final cerrado en las Locuras Lindas de Santi Senso.

Y es ahí cuando nos hace quebrar, modificar, mutar, romper con una doctrina; cambiando el paradigma del miedo, ese que nos paraliza, haciendo que nos llegue a movilizar y trascender a lo más puro de nuestro Cor (Corazón).

La antítesis, la antípoda, lo ambiguo, lo antagónico, el raro, el diferente. Así le definían en su infancia, en la adolescencia y ahora en su adultez; en su madurez, tanto personal como profesional. Pero él simplemente siente que es genuino, auténtico, honesto, único como cualquier persona; solo que él se acepta sin dramatismo y no sufre por ello, sino que lo disfruta.

WWW.ACTOSINTIMOS.COM

EL ÚLTIMO DUELO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, El Último Duelo está dirigida por Ridley Scott, con guion Ben Affleck, Matt Damon y Nicole Holofcener. “Estas arriesgando mi vida, para salvar tu orgullo”

Francia 1386. Va a dar comienzo un duelo a muerte y mientras asistimos a los preparativos, entre ellos el ver como se visten algunos de los personajes o como los dos duelistas se suben a sus caballos ataviados para la ocasión; escuchamos las reglas que regirán dicho duelo. Los dos se enfrentan con las lanzas y al hacer contacto, se funde a negro.

Jean de Carrouges (Matt Damon) y el escudero Jacques Le Gris (Adam Driver), son grandes amigos y soldados al servicio del Rey Carlos VI. Jean, es un joven soberbio, ambicioso y celoso, que se casa con Marguerite (Jodie Comer), con el objetivo de obtener una gran dote, que le salve de la miseria. Por determinadas circunstancias, se crea una fuerte enemistad entre Jean y Jacques, que se acrecienta cuando Marguerite acusa a Jacques de haberla violado. Tras el juicio, el Rey Carlos VI de Francia (Alex Lawther), autoriza a que el conflicto se resuelva con un duelo a muerte.

Ridley Scott, estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool Collage of Art y en el Royal Collage of Art, donde desarrolló sus dotes en la pintura, la decoración, la fotografía y el diseño gráfico. Su primer cortometraje lo rodó mientras estudiaba en la escuela de cine, “Boy on a bycicle” 1965 y un capítulo para la serie “Z Cars” de ese mismo año. Continuó en la televisión en series como “Thirty-Minute Theatre” 1966, “Adam Adamant Lives!” 1966/67, “The Infomer” 1967 y “The Troubleshooters”  1969, saltando al cine con “Los duelistas” 1977, “Alien, el octavo pasajero” 1979, “Blade Runner” 1982, “Legend” 1985,  “La sombra del testigo” 1987, Black Rain” 1989, “Thelma & Louise” 1991, “1492; La conquista del paraíso” 1992, “Tormenta blanca” 1996, “La teniente O, Neal” 1997, “Gladiator (El gladiador)” 2000, “Hannibal” y “Black Hawk derribado” 2001, “Los impostores” 2003, “El reino de los cielos” y “Todos los niños invisibles” 2005, “Un buen año” 2006, “American Gangster” 2007, “Red de mentiras” 2008, “Robin Hood” 2010, “Prometheus” 2012, “El consejo” 2013, “Exodus: Dioses y reyes” 2014,  “Marte” 2015, “Alien: Covenant”  y “Todo el dinero del mundo”2017, La Casa Gucci”  y “El último duelo” 2021. No menciono los premios que han obtenido sus obras, porque son numerosos, al igual que los videoclips, sus intervenciones en diversas series de televisión y cortometrajes.

El filme está dividido en tres capítulos. 1.- La verdad según Jean de Carrouges, 2.- La verdad según Jacques Le Gris y 3.- La verdad según la dama Marguerite. Tres puntos de vista muy similares con pequeños grandes matices en los diálogos, según quien cuenta la historia. Un ejercicio en el que Ridley Scott nos brinda la oportunidad de ser testigos y jueces, pero no poder ejercer un veredicto, pues para eso está el rey. Nuestra sentencia queda para nosotros y si somos generosos, compartirla con quienes hemos ido a ver la película, tal vez, se saquen conclusiones enriquecedoras.

El último duelo hace referencia a que este, el que se llevó a cabo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, fue el último que se celebró en Francia en donde la inocencia o culpabilidad de una persona, se resolvía en un combate a muerte. El Rey sentenciaba y Dios decidía. Ridley Scott, nos sitúa en la Baja Edad Media para narrarnos una historia en la cual predominan los egos, la ambición y la posesión. Los egos entre los machos de la época, desde perspectivas diferentes, entre los más ladinos e inteligentes, que estudiaban cada situación, sin alterarse y quienes se dejaban llevar por sus impulsos más primarios y la ferocidad, alimentada en el campo de batalla. La ambición que reinaba, incluyendo al pueblo llano, pues buscaban salir de la miseria que les rodeaba y la posesión, no solo de las tierras y casas, sino de la mujer, que tomaban como esposa. 

Hay conversaciones que hoy en día serían inconcebibles de aceptar e incluso de escuchar, pero ante todo, por favor, tranquilidad y que nadie se rasgue las vestiduras, recordad que Ridley Scott, dirigió una obra maestra y muy feminista como “Thelma & Luise” 1991 y que esta obra, en concreto, se sitúa en el comienzo del siglo XIV. Tiempos en donde el patriarcado y el machismo, no se cuestionaban. Hay momentos que duelen ser escuchados, entre ellos destaco el que transcurre durante el juicio por  la violación de Marguerite, en el cual no se consideraba que fuera una agresión violenta hacia ella, sino hacia una de las posesiones del marido o el instante en que a Marguerite la intentan coaccionar, con el sufrimiento que le espera, si muere su marido en la contienda, como el ser quemada; con el único objetivo de que se retractase de su declaración y acusación. Un juicio en el cual, a través de las tres historias, según los tres personajes involucrados, descubriremos como se vivía en aquellos tiempos, en donde alcanzar cierto status aseguraba importantes privilegios, por lo que las dotes, las herencias, los préstamos y lo peor de todo, las deudas, combatían entre ellas sin cuartel, más que ellos en el campo de batalla. Un filme en donde, LA VERDAD, alcanza el máximo protagonismo, entre la contundencia de Marguerite, frente al desprecio del pueblo, asegurando que está diciendo la verdad y con ello exigiendo justicia, hasta escuchar a Nicole de Buchard (Harriet Walter) su suegra, que la verdad no importa.

Scott nos deslumbra con su impoluta puesta en escena. Cada detalle está milimétricamente estudiado, creando una atmósfera que rezuma fidelidad a la época, entre el exquisito vestuario, las armaduras tanto en los caballeros como en los caballos, los escenarios de los campos de batalla y sus coreografías, la imagen de la Catedral de Notre Dame, los exteriores e interiores de las casas con su mobiliario y enseres, así como el recinto en el cual tendrá lugar el impresionante combate final. Un combate que no dejará indiferente a nadie, pues el maestro sabe muy bien como ejecutar e impactar, ante escenas tan importantes.

Si bien, una vez más, hay que agradecer el buen trabajo de todo el elenco actoral, son sus tres protagonistas principales, quienes alcanzan el privilegio de ser destacados y comienzo con Jodie Comer, y no por ser mujer, sino porque su personaje es el más potente de los tres, encarnando a una mujer íntegra, que no le importa enfrentarse al patriarcado reinante, a las amenazas recibidas, a los desprecios del pueblo e incluso a su suegra y marido; para demostrar su inocencia. Su verdad. La Verdad. Una interpretación sobresaliente, que se adueña de la gran pantalla, cuando hace acto de presencia. Matt Damon, quien se mete en la piel de un personaje que se debate, sin tregua, con su ego y soberbia; un gran trabajo actoral y Adam Driver, interpretando a un personaje oscuro, entre destellos de luz. Tal vez sea, el que menos luzca de los tres. Ridley Scott nos vuelve a sorprender positivamente, ofreciéndonos un espectáculo visual único y elegante, bajo la atenta mirada del director de fotografía Dariusz Wolski y coronando la obra, la espectacular, épica y dramática banda sonora de Harry Gregson-Williams

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Octubre

REPARTO: Jodie Comer, Matt Damon, Adam Driver, Ben Affleck, Harriet Walter, Caoimhe O´Malley, Alex Lawther, Nathaniel Parker, Marton Csokas, Sam Hazeldine, Clare Dunne, Michael McElhatton, Zoé Bruneau, Brian F. Mulvey, Zelijko Ivanek, Julian Firth, Clive Russell, William Houston, Florian Hutter, Ian Pirie, Bosco Hogan, Adam Nagaitis y Paul Bandey.

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Scott Free Productions// Pearl Street Films// TSG Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Pictures y Twentieth Century Studios España.

EL ESPÍA INGLÉS: CRÍTICA DE CINE

 

El espía inglés, está dirigida por Dominic Cooke, con guion de Tom O´Connor. “Quizás seamos los únicos dos, pero así es cómo se cambian las cosas”

En 1960 la guerra armamentística se había intensificado. Los E.E.U.U. y la URSS, poseían armas capaces de exterminar a la humanidad. Mientras Kruschev y sus homólogos estadounidenses intercambiaban amenazas, muchos temían que el mundo estuviera al borde de una destrucción inminente.

URSS, Moscú, 12 de Agosto de 1960. Oleg/Alex (Merab Ninidze) un ciudadano ruso, escucha atentamente un discurso político atacando a  los Estados Unidos y ensalzando la supremacía de la Unión Soviética, en armamento. Le veremos felizmente con su mujer e hija en casa, ausentarse en la noche y en medio de la calle, parar a dos turistas norteamericanos, a los que entrega un sobre, para que lleven a la embajada americana.

Cuatro meses más tarde, en la Sede del MI6, en Londres, Inglaterra,  Emily Donovan/Helen Talbott (Rachel Brosnahan) acude, en representación de la CIA, a solicitar ayuda  para espiar a un coronel del GRU. Emily propone que sea alguien que no esté involucrado con la embajada y que el KGB no sospeche de él. Un ciudadano que viaje con frecuencia a Rusia, por negocios; ese hombre será el ingeniero, Greville Wynne (Benedict Cumberbatch)

La Guerra Fría fue un enfrentamiento entre las dos grandes potencias, el bloque de Occidente con Estados Unidos a la cabeza y el bloque del Este con la Unión Soviética. Un enfrentamiento que abarcó todos los terrenos, desde el político pasando por el social, ideológico, militar, económico e informativo; cuyo inicio tuvo lugar al finalizar la Segunda Guerra Mundial.  En la primera fase, Estados Unidos crea la OTAN en 1949 y en respuesta, la Unión Soviética lo hizo con el Pacto de Varsovia, en 1955. Entre las crisis que se originaron durante esta primera etapa y que está relacionada con la historia de este filme, nos encontramos con la crisis de los misiles cubanos en 1962.

El escritor y director, Dominic Cooke, se graduó en la Universidad de Warwick. Fundó su propia compañía de teatro, “Pan Optic” que dirigió durante dos años hasta que aceptó la oferta de la dirección de la Royal Shakespeare Company. Comenzó a trabajar en televisión en la miniserie “La corona vacía: Las guerras de las Dos Rosas” 2014 para continuar con los telefilmes “La corona vacía: Las Guerras de las Dos Rosas: Enrique VI, Parte 1”,  “La corona vacía: Las guerras de las Dos Rosas: Ricardo III” y “La corona vacía: Las guerras de las Dos Rosas: Enrique IV, Parte 2” todas en 2016. En cine debutó con el musical teatral “National Theatre Live: Follies” y “En la playa de Chesil” ambas en 2017 y este año nos presenta “El espía inglés” 2020

Dominic nos ofrece una obra seria, bien documentada y elegantemente narrada. Nos acerca a la gran pantalla un nuevo capítulo de nuestra historia, que ha dado y sigue dando para tantas obras literarias y cinematográficas. En esta ocasión Dominic nos presenta la vida de un hombre normal, un civil, felizmente casado, con un hijo, trabajando en un negocio próspero y que, de la noche a la mañana, tras una conversación, se convierte en uno de los espías más importantes de su tiempo. Una historia apasionante que nos mantiene en tensión durante todo el metraje, con una excepcional interpretación de Benedict Cumberbatch, muy posiblemente, la mejor de su carrera; a quien rodea un importante elenco actoral. A tener en cuenta, la intensa banda sonora, en la partitura de Abel Korzeniowski, cuyas notas navegan entre la oscuridad, austeridad, frialdad - no solo ambiental- y temida represión que se vivía en el bloque del Este (oriental-comunista) y la luz, el esplendor, la opulencia y la libertad del bloque de Occidente (occidental-capitalista)

Un thriller brillante, envuelto en una extraordinaria ambientación, cuya atmósfera ha sabido captar a la perfección, Sean Bobbitt, a través de su cuidada fotografía en tonos apagados y en donde algunos encuadres, nos traen a la mente clásicos del género, entre los que sin duda, el espectador más avizor, irá descubriendo. Una narración sobria, entorno a esa otra guerra que mantuvieron la Unión Soviética y los Estados Unidos y a través de la cual, el espionaje tomó un gran protagonismo, con hombres y mujeres, que arriesgaban sus vidas, incluso, sin ser ni políticos ni militares, simples ciudadanos que poseían ciertas cualidades, que las dos grandes potencias, supieron aprovechar. En esta ocasión conoceremos la vida de estos dos hombres, el uno desde el bloque comunista, Oleg Penkovsky, a quien se le considera el informante más valioso reclutado por Occidente y el otro, desde el bloque capitalista, Greville Wynne, a quien ya he descrito, un vendedor que el destino lo llevó a ser un importante espía; entre los dos sacaron más de 5000 documentos secretos de la URSS. No es spoiler, es historia. Ambos son interpretados por Merab Ninidze y Benedict Cumberbatch, respectivamente. Dos magníficas y creíbles actuaciones, con las que el espectador se va a sentir complacido. Dos hombres con vidas muy diferentes, la visible para todo el mundo con sus familias y sus trabajos y la secreta, cuyo  grado de “heroísmo” logró que el mundo no sufriera una gran hecatombe. Gracias a este acontecimiento, poco después de la famosa crisis de los Misiles de Cuba, se estableció el conocido teléfono rojo que une la Casa Blanca con el Kremlin, evitando que el mundo vuelva a estar tan cerca de una catástrofe nuclear.

“Hay que eliminar las armas antes de que ellas nos eliminen”

Mi nota es un 8

ESTRENO es ESPAÑA: 29 de Octubre

REPARTO: Benedict Cumberbatch, Rachel Brosnahan, Jessie Buckley, Merab Ninidze, Angus Wright, Kirill Pirogov, Elina Alminas, Joseph Balderrama, Russell Balogh, Deano Mitchison, Laurel Lefkow, Arthur Wilde y Andrey Kurganow.

PRODUCTORA: 42// SunnyMarch// Filmnation Entertainment

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

MOVISTAR+ CINE Y SERIES OCTUBRE 2021 (I)

La Resistencia llega al Movistar Centre de Barcelona con un espacio para sus fans

“La Resistencia llega” a Barcelona con la inauguración este 18 de octubre de” LA RESISTENCIA TERRITORIO (MUY) FAN”, un espacio para compartir con los seguidores del programa de David Broncano los mejores momentos de su historia. Movistar Centre (Plaza de Catalunya, 16) invita a vivir una experiencia en la que los fans podrán disfrutar e interactuar con actividades relacionadas con su programa favorito desde el 18 de octubre hasta el 13 de noviembre de 2021. En Madrid, 78.000 personas pasaron por el espacio en septiembre y octubre.

El espacio contará con el plató original del teatro Arlequín de Madrid, donde estuvo en los primeros cuatro años de vida del programa. Entre las propuestas, gratuitas, los visitantes podrán sentarse en el sillón de David Broncano, recorrer una exposición de los mejores momentos vividos en el programa, recordar los memes más virales, ver los objetos más icónicos (incluida la fuente de los perros) y vivir la experiencia de “La Resistencia” con la proyección en maratón de todas las temporadas. Incluso los seguidores podrán concursar para intentar crear un retrato a lo Jorge Ponce

Plató La Resistencia. El plató utilizado hasta la anterior temporada para que los fans puedan vivir su propia experiencia como invitados o incluso sentándose en el sillón del propio Broncano.

Los mejores momentos. Exposición con muestra de los mejores momentos vividos en el programa, sus invitados más relevantes y los memes más virales de su historia.

Expo Las Movidas de la Resistencia. Los objetos y recuerdos más icónicos estarán disponibles en el recorrido.

La Resistencia, Vida y milagros.  Proyección Maratón de todas las temporadas en el cine Movistar + disponible en el espacio.

Concurso Márcate un Ponce. Los visitantes podrán intentar crear un retrato a lo Ponce.  Los mejores diseños serán seleccionados por el programa y los ganadores se llevarán un viaje a Madrid para poder asistir a la grabación del programa esta temporada. 

* La experiencia ha sido definida según las normas de seguridad establecidas por el Ministerio de Sanidad para prevención de la COVID 19, y velando ante todo por la seguridad de nuestros visitantes. 

“La Resistencia” es una producción original de Movistar+ en colaboración con El Terrat (The Mediapro Studio).

“Supernormal”, la serie original Movistar+ protagonizada por Miren Ibarguren, tendrá una temporada 2

“Supernormal”, una comedia creada y escrita por Olatz Arroyo y Marta Sánchez, es una serie original Movistar+ en colaboración con Secuoya Studios, cuya primera temporada se estrenó el pasado mes de julio en la plataforma.  El rodaje de la segunda entrega arrancará en Madrid a comienzos de 2022, con la incorporación de Vicente Villanueva, en la dirección.

Protagonizada por Miren Ibarguren, Diego Martín y Gracia Olayo, la primera temporada de “Supernormal” fue la comedia más vista entre las series de pago de Movistar+ estrenadas este año. Disponible al completo en el servicio bajo demanda de Movistar+.

La segunda temporada de Supernormal arrancará con Patricia Picón sin trabajo y dedicada por completo al cuidado de sus cuatro hijos. Aunque parece que ha encontrado por fin la tranquilidad, algo dentro de ella sigue bullendo. Y es que, no nos engañemos, Patricia Picón sigue siendo Patricia Picón, y el hogar no le basta. Pero retomar un trabajo tan competitivo y exigente como el suyo no va a ser fácil, y menos cuando el camino está lleno de víboras. Por eso luchará por recuperar a Marisol, que también ha abandonado la banca y ahora trabaja en una mercería. Y aunque al principio Alfonso teme que vuelva a las andadas, acabará ayudándole a salir de más de un atolladero.

“El Corazón del Imperio”, una nueva serie documental original Movistar+ - Estreno el jueves 25 de noviembre.

Roma tiene nombre de mujer, es la madre del imperio y la cultura que ha dominado Occidente durante más de 1.000 años. Sus hijos fueron los emperadores de medio mundo, pero sus mujeres no son tan fácilmente reconocibles. 

En “El Corazón del Imperio”, la nueva serie documental original Movistar+, ponemos nombre, cara y alma a las hijas de Roma: emperatrices, senadoras, esclavas, vírgenes vestales, gladiadoras... La inteligencia, coraje y determinación de estas mujeres merecen todo el reconocimiento que las crónicas nunca les han dado. Roma dominó medio mundo durante siglos. Es hora de que ellas cuenten su historia. 

El escritor Santiago Posteguillo (Premio Planeta 2018) nos guía por la antigua Roma asesorado y acompañado por historiadoras y expertas en el papel de la mujer en Roma: Amelia Castresana, experta en Derecho Romano; Patricia González, Doctora en Historia; María Engracia Muñoz, Doctora en Arqueología; Lidia San José, historiadora especialista en la historia de Roma y la psicóloga Mireia Darder.

Un reparto coral para las recreaciones

Aitana Sánchez-Gijón, Sandra Escacena, Erika Sanz, Alba Luna, Carolina Garrido, Inty El Meskine, Jennifer Bucovineanu, María Granada y Joana Pastrana son las encargadas de poner rostro y voz a estas grandes mujeres de la historia de la antigua Roma.

Mario de la Rosa, Anabel Béjar, Cesar Díaz, Pino Montes de Oca, Mauro Muñiz de Urquiza y Alfonso Delgado completan el reparto de esta producción que desvela la trascendencia en la historia de mujeres como Livia, Fulvia, Cleopatra o Julia Mesa. 

Esta producción original Movistar+ ha sido rodada en Madrid, en el Museo de las Villas Romanas de Valladolid y en los estudios Nu Buyana de Bulgaria, con una excelente recreación de la ciudad de Roma y un realismo visual espectacular. 

“El Corazón del Imperio” es una serie documental original Movistar+ en colaboración con Globalset, consta de 6 episodios y se estrenará el jueves 25 de noviembre a las 22:00h en #0 (dial 7). Cada episodio estará disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+. 

“Spice Girls: el precio del éxito”, estreno el jueves 28 de octubre en Movistar+

A mediados de los años 90, cinco mujeres británicas se hicieron tan famosas que ni siquiera la muerte de la princesa Diana pudo alejarlas de los principales titulares de la prensa: las Spice Girls.

Del más absoluto anonimato, estas cinco chicas pasaron a ser estrellas mundiales, se codearon con personalidades como Nelson Mandela o el príncipe Carlos, alcanzaron el número 1 en ventas en 35 países y se convirtieron en el grupo pop femenino que más discos ha vendido en la historia. Pero, todo lo que sube cae y después de su éxito y tras la salida de Geri Halliwell del grupo, cada una de ellas tuvo que averiguar cómo continuar en solitario.

25 años después de “Wannabe” esta serie documental de BBC muestra cómo les ha cambiado la vida a Victoria, Geri, Emma, Mel B y Mel C, cinco mujeres que confluyeron en un momento de la vida para arrasar, cinco versiones distintas sobre cómo madurar mientras se está bajo el gran escrutinio mediático. 

Los tres episodios de “Spice Girls: el precio del éxito” tocan temas como el feminismo, el maltrato, la cultura sensacionalista o los abusos en el mundo de la moda y de la música, además de mostrar la transformación social y política en Reino Unido. Además, la miniserie documental muestra imágenes de archivo y entrevistas a personajes como Eddie Murphy, la reina de Inglaterra, George Michael, Elton John o Donald Trump.

Episodios:

Ep. 1: Un mundo de hombres

A mediados de los 90 surgió un nuevo fenómeno. Cinco mujeres británicas formaron un grupo pop que inspiró a toda una generación. Estas cinco mujeres se convirtieron en íconos globales siendo el grupo de chicas más vendido del mundo.

Ep. 2: Divide y vencerás

Todos los titulares hablan de las Spice Girls, que se ven obligadas a defenderse después de despedir a su representante. Geri abandona el grupo y las cuatro restantes comienzan su gira mundial por Estados Unidos con equipos de cámara siguiendo sus vidas.

Ep. 3: La unión hace la fuerza

Después de vender 100 millones de discos y convertirse en el grupo pop femenino más vendido de la historia, las Spice Girls entran en el siglo XXI siguiendo caminos por separado. Están a punto de descubrir cómo es ser el centro de atención.

“Spice Girls: el precio del éxito”, estreno el jueves 28 de octubre a las 21:05h en #0 (dial 7). Cada episodio estará disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+. 

“La sangre helada”, con Colin Farrell como un asesino psicópata en mitad del Ártico - estreno el lunes 25 de octubre en Movistar+

“La sangre helada” se estrena con doble episodio el lunes 25 de octubre en Movistar+. Cada lunes un nuevo episodio hasta completar los seis de los que se compone la miniserie. También disponible bajo demanda.

La miniserie de seis episodios adapta la novela de Ian McGuire y está protagonizada por Colin Farrell y Jack O'Connell. Creada, dirigida y escrita por Andrew Haigh.

En el reparto, además, Stephen Graham como el capitán Brownlee al mando del barco; Tom Courtenay  como Baxter, el propietario del ballenero; Sam Spruell  en el papel de Cavendish, primer official de la nave; y Peter Mullan en un papel episódico en el último capítulo.

Sinopsis: Patrick Sumner (Jack O’Connell) es un joven cirujano aún marcado por los horrores de su experiencia como sargento del ejército británico en la India. Con la idea de esconderse de los fantasmas del pasado, opta por alistarse como médico a bordo del Volunteer, un ballenero a punto de zarpar desde Yorkshire en una expedición a las heladas aguas del Ártico. Durante la dura travesía, Sumner conoce al arponero oficial del barco, Henry Drax (Colin Farrell), un tipo despiadado y frío que parece haber dejado en tierra todo sentido de la moral. En medio de un entorno hostil, rodeado de hombres en lucha diaria por la supervivencia, el joven e inexperto Sumner pronto se ve atrapado en un funesto viaje bajo la amenaza latente de un sangriento psicópata, sin otra salida que la gélida vastedad del océano.

Localizaciones reales

La serie se ha rodado en la ciudad inglesa de Hull y en el archipiélago helado de Svalbard, en el Ártico. La unidad de rodaje se desplazó durante tres semanas a 81 grados al norte, hasta el que se considera el punto más septentrional al que nunca antes se había llevado un rodaje. El barco también es una recreación real llevada físicamente al Ártico para rodar.

“Raphaelismo”, la serie documental original Movistar+ sobre la vida de Raphael, se estrenará en enero de 2022.

“Raphaelismo”, una serie documental original Movistar+, llegará a la plataforma en enero de 2022. La increíble historia de Raphael, contada en primera persona. Sesenta años de carrera en cuatro intensos episodios.   

Raphael fue trending topic antes de que existiera el concepto, creador de la primera canción protesta con “Digan lo que digan”, un artista siempre avanzado a su época que, con un estilo único e irrepetible, ha resistido el paso del tiempo por encima de modas y generaciones: de abuelos a nietos, de clásicos a rockeros… Con 335 Discos de Oro y 50 Discos de Platino a sus espaldas, así como un Disco de Uranio por las ventas de más de 50 millones de discos en todo el mundo, Raphael es hoy leyenda viva de la música y, al mismo tiempo, icono de la modernidad.

Al cumplir sesenta años de carrera, Raphael rememora, al lado de los suyos, su increíble historia, esa que le ha convertido en un artista irrepetible, con casi 80 discos a sus espaldas y una legión de fans por todo el mundo.

Raphaelismo es el documental definitivo sobre Raphael, el legado en cuatro episodios que el artista deja a las futuras generaciones mientras él sigue mirando incansable al mañana.

GRAN ACOGIDA EN EL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN

El pasado 19 de septiembre, uno de los cuatro episodios que componen “Raphaelismo” se presentó en primicia en la 69ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con gran acogida por parte de la crítica y ovación del público.

Algo que, sin duda, fue muy emocionante para el propio Raphael: “Estoy muy feliz de compartir con el público la serie documental “Raphaelismo” y más aún tras comprobar la buena acogida que tuvo su estreno en el Festival de San Sebastián. Sin duda, este es uno de los proyectos más importantes de mi carrera y representa el broche de oro a este 2021, año en el que celebro seis décadas sobre los escenarios. Creo que el público va a disfrutar mucho de esta serie en la que, al final, todos somos coprotagonistas de un fascinante viaje que emprendimos juntos sesenta años atrás, que se dice pronto... y eso que, para mí, la aventura no ha hecho más que empezar”.

Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, de Dadá Films & Entertainment -nominados al Goya por “Anatomía de un Dandy” (2020)- son  los creadores de esta serie documental que también dirigen y producen. Para ellos: “El estreno de “Raphaelismo” en el Festival de Cine de San Sebastián “no hizo más que evidenciar el poder de atracción que despierta cualquier cosa que hace Raphael. Contar con la repercusión de tantos medios de comunicación, fans que se habían desplazado de diferentes partes del mundo e incluso contar con el apoyo de la familia del propio artista en una ocasión así, hizo que nos sintiéramos muy arropados. Después de tantos meses de duro trabajo, la larga ovación cerrada con la que el público recibió el primer episodio que presentamos nos hizo ver que vamos en la dirección correcta. Estamos seguros de que San Sebastián fue solo el comienzo de todo lo que está por venir”.

LAS CLAVES DE “RAPHAELISMO”

Lo que hace diferente a este proyecto de cuatro episodios es la implicación del propio Raphael y el acceso a un ingente archivo fotográfico y audiovisual inédito, cedido por la propia familia. El único documental sobre el artista que cuenta no solo con su participación, sino con la de su mujer, Natalia Figueroa, y sus tres hijos, Jacobo, Alejandra y Manuel Martos, aportando una visión mucho más íntima y humana del mito que todos conocemos.

Rodado entre Madrid, Barcelona, Linares (Jaén), Tamajón y El Cubillo de Uceda (Guadalajara), Benidorm (Alicante), México, Miami y Los Ángeles, llegará a Movistar+ en enero de 2022.

“Raphaelismo” es una serie documental original Movistar+ en colaboración con Dadá Films & Entertainment y Universal Music Spain.

Adictiva e inesperada, así es “Grace” nueva miniserie policiaca de estreno en Movistar+

El viernes 5 de noviembre llega “Grace” a Movistar+, una miniserie británica de dos episodios basada en las exitosas novelas del escritor Peter James, que ha sido uno de los éxitos de audiencia este año en Reino Unido. 

El actor británico John Simm  encarna a Roy Grace, un detective que no está pasando por su mejor momento. Sin lograr superar la misteriosa desaparición de su esposa seis años atrás y cuestionado por sus jefes por sus métodos poco ortodoxos, Grace debe conformarse con resolver antiguos casos todavía sin cerrar. Su destino como detective cambiará cuando su colega Glenn Branson -interpretado por Richie Campbell- le pide consejo sobre un caso: Grace se ve envuelto en dos investigaciones que podría cambiar su situación. Su instinto y tenacidad serán sus mejores armas. 

El guionista Russell Lewis ha sido el encargado de adaptar los dos primeros libros de la colección de Peter James, “Condenadamente fácil” y “Muerte prevista”, en dos episodios de 90 minutos cada uno para la primera temporada. “Grace” es una producción de ITV. 

Sobre la interpretación de John Simm en el papel del detective Roy Grace, “The Guardian” ha dicho: “Para los espectadores, él aparece y tú simplemente... le crees. Sabes que es un actor, lo has visto interpretar un montón de papeles diferentes, con la misma cara y todo, pero lo aceptas en lo nuevo sin dudarlo un momento. Es brujería, en realidad.”

“Grace”, los viernes 5 y 12 de noviembre a las 22:00h en #0 (dial 7) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+. 

“Dexter: New Blood”, que llega a Movistar+ el 8 de noviembre, presenta nuevos vídeos y posados de personajes.

“Dexter: New Blood”, la esperada serie evento de Showtime, llega a Movistar+ el 8 de noviembre. La producción, que constará de 10 episodios, cuenta con el showrunner de la serie original, Clyde Phillips, y el mismo protagonista, Michael C. Hall. La distribución global de “Dexter: New Blood” corre a cargo de ViacomCBS Global Distribution Group.

SINOPSIS: Ambientada 10 años después de que Dexter Morgan (Michael C. Hall) desapareciera en el ojo del huracán Laura, el otrora asesino en serie está viviendo con el nombre falso de Jim Lindsay –un homenaje al autor de los libros, Jeff Lindsay– en la pequeña ciudad de Iron Lake, Nueva York. Dexter puede estar abrazando su nueva vida, pero a raíz de eventos inesperados en esta comunidad, su Pasajero Oscuro volverá a llamarlo…

EL REPARTO

El reparto incluye a Julia Jones, Alano Miller, Johnny Sequoyah y Jack Alcott. Clancy Brown interpretará a la nueva némesis del asesino, un tipo que se ha hecho con el control del pueblo. También regresa Jennifer Carpenter (Debra, la hermana de Dexter).

EL FENÓMENO “DEXTER” (2006-2008)

En otoño de 2006 se estrenaba “Dexter”, una serie que causó un gran impacto entre público y crítica al contar como protagonista con un peculiar forense del departamento de policía de Miami, que en sus ratos libres se transformaba en un serial killer. La serie duró ocho temporadas con Michael C. Hall  encarnando al asesino en serie favorito de EE UU.

La producción se convirtió en una de las más aclamadas de la televisión. Consiguió múltiples nominaciones a los Emmy como mejor drama, así como un prestigioso premio Peabody en 2008. También fue nombrada en dos ocasiones una de las 10 mejores series de televisión del Instituto Estadounidense del Cine (AFI).

ENTRE ROSAS: CRÍTICA DE CINE

 

Entre Rosas está dirigida por Pierre Pinaud, compartiendo guion con Fadette Drouard y Philippe Le Guay. “¿Qué es más importante, que una abeja polinice una flor o el ocuparse de ellas hasta que florecen?”

Eve Vernet (Catherine Frot), acude al Concurso Internacional de Rosas de Bagatelle, cuando se entera, por su asistenta Véra (Olivia Côte), de que no pueden concursar porque no han pagado la inscripción, al no tener dinero, suficiente. Sin pensárselo se cuela y coloca sus rosas entre el resto de los aspirantes, para que el jurado las pueda ver, pero un año más gana, Lamarzelle (Vincent Dedienne).

Cuando Eve se da por derrotada, a Véra se le ocurre una idea; contrata a tres personas que están en un programa de inserción. Fred (Melan Omerta), Samir (Fatsah Bouyahmed) y Nadège (Marie Petiot), para que les ayude a sacar adelante el invernadero  y poder pagar las deudas.

El guionista y director, Pierre Pinaud, estudió en la Escuela Nacional Louis-Lumière 1990/92. Obtuvo la maestría de Letras Modernas, en la Universidad Paris VII, además de ser becario y asistente en numerosos cortometrajes y largometrajes. Entre sus cortometrajes, como director, encontramos “Conte sans fée” 1997, “Gelée Précoce” 1999, “Domaine interdit” 2001, “Fonctions annexes” 2003, “Submersible” 2004 y “Les Miettes” 2008, saltando al largometraje con “Hábleme de usted” 2012 y el pasado año, estrenando “Entre rosas”.

Entre Rosas, es una película amable, que si bien comienza como comedia, a medida que transcurre la acción, se va tiñendo de cierto drama emocional y sensitivo, hasta lograr robar el corazón de los más sensibles. Las pretensiones que tiene el filme, son claras y  consigue alcanzar su objetivo con buena nota, llegando a empatizar con una gran mayoría de los personajes. Un historia en donde, como suele suceder en la vida real, la honestidad compite con la soberbia y el despotismo claudica ante la unidad y humildad.

El filme nos inicia en el mundo de la ornamentación presentado de forma didáctica y sencilla, desde la creación de un híbrido en un invernadero, la polinización entre sus variedades y especies, hasta llegar a conseguir las, en este caso, rosas más espectaculares y únicas. Se nos mostrará una visión de los creadores y coleccionistas, compitiendo entre ellos, junto a los jueces que determinan que flor o como sucede aquí, que rosa, es la más bella, la más duradera y la que mejor perfume desprende, hasta llegar al lenguaje, ya no tan secreto, de las flores.

Una historia contada con delicadeza en la cual el amor a la profesión promueve la dedicación plena, el sacrificio y el no tirar la toalla, cuando todo parece perdido. El amor a las rosas, también sirve a Pinaud, de ventana y metáfora para exponer otras realidades sociales, entre ellas el abandono a una temprana edad de los hijos y sus consecuencias, los miedos y los necesitados de ser escuchados, ofreciéndoles además, una sonrisa amable o algo tan natural, como el afecto y la comprensión, sobre todo, el lograr que se sientan necesarios. Existen momentos muy interesantes a lo largo del metraje, pero personalmente me quedo con la escena en la que Fred visita a sus padres, con un ramo de flores en las manos. Les habla sobre la polinización y  quiénes son los creadores, que alimentan, cuidan y ayudan a florecer a las diferentes especies.

La columna vertebral de “Entre Rosas”, son sin duda las magníficas interpretaciones, entre las que destaco a una excepcional Catherine Front y un conmovedor Melan Omerta, encarnando a dos personajes muy diferentes, con fuertes ideales y luchadores por alcanzar sus sueños. A ellos se les une un pequeño, pero atractivo elenco actoral. Así mismo cuenta con una cuidada fotografía en la mirada de Guillaume Deffontaines, retratando con sutileza, el mundo de las rosas y su entorno.

En definitiva, una buena dirección, creíbles interpretaciones y un guion más que interesante, para entretener y hasta hace reflexionar al espectador.

“Campanilla. Pensamiento azul. Nomeolvides”

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 22 de Octubre

REPARTO: Catherine Front, Melan Omerta, Fatsah Bouyahmed, Olivia Côte, Olivier Breitman, Vincent Dedienne y Marie Petiot.

PRODUCTORA: Auvergne Rhône-Alpes Cinéma// Estrella Productions// France 3 cinéma.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTEAM Pictures.

CRÓNICO: OBRA TEATRAL

Desde Doble Sentido Producciones, María Domingo nos informa que su última producción “Crónico” una comedia escrita por Mariano Rochman y dirigida por José Maya, se está representando en el teatro Fernán Gómez, Centro Cultural de la Villa, dese el 14 de Octubre.

“Crónico” es una comedia donde se pone en cuestión hasta dónde uno es capaz de llegar para sentirse bien.

SINOPSIS: Tras romper con su pareja, Daniel decide pedir ayuda a una terapeuta con técnicas innovadoras para superar su problema crónico con el desamor. Sesión tras sesión él irá metiéndose en una terapia desconcertante donde tendrá que entregarse al ciento por ciento a las extravagantes propuestas y pedidos de la terapeuta, quien a su vez oculta una extraña actividad que impregnará la terapia de situaciones absurdas y disparatadas. Crónico es una comedia donde se pone en cuestión hasta donde uno es capaz de llegar para sentirse bien. Habla acerca del amor después de amor. Esa nada llamada desamor. Un estado donde uno no sabe sí está viviendo o soñando una pesadilla; sintiendo que poco aire queda por respirar y que sin esa persona amada la vida no tiene sentido. Parafraseando a Daniel, nuestro personaje: “sí, se puede ser adicto al amor o a una mujer. No sólo al alcohol o las drogas, te diría que se puede ser adicto a casi cualquier cosa… Y siento que no lo puedo controlar…” Al repetirse esta sensación con cada ruptura se puede afirmar que puede ser, o creer que es, algo crónico. Y sí se cae en manos de una terapeuta con técnicas de dudosa seriedad y que encima tiene como objetivo personal transmutar en Chavela Vargas, la situación se vuelve absurdamente cómica.

SOBRE LA OBRA: Su autor, Mariano Rochman, nos comenta. “Al atravesar una ruptura nos enfrentamos al miedo a la soledad, generalmente, ese temor va acompañado de la idea de sentirnos rechazados. Cuando ese sentimiento de desamor se vuelve obsesivo podemos decir que tenemos un problema; y en la mayoría de los casos precisamos un punto de vista exterior que nos ayude a canalizar lo que ha pasado de ser un obstáculo en nuestras vidas a un agujero del que no sabemos salir y nos mantiene en la desesperación. La confianza en alguien que nos ayude a encauzar la angustia se vuelve fundamental. La necesidad que nos coloquen un espejo delante, aunque a primera vista pueda parecer un espejo distorsionado, es un menester vital. Por eso, a veces, nos embarcamos en terapias de dudoso rigor dispuestos a pagar cualquier precio por librarnos del dolor que nos ahoga. Crónico es una comedia que nos invita a presenciar una extraña relación terapéutica que desemboca en una disparatada experiencia vital. Cuestiona hasta donde somos capaces de llegar en la búsqueda de la sanación emocional.”

INTERPRETADA POR: Gloria Albalate y Mariano Rochman y cuenta con música en directo a cargo de Álex Tatnell. Por su parte, Gloria Albalate, cantará boleros y rancheras.

La obra se está representando desde el 14 de octubre y finalizará el 31 de este mismo mes. De Martes a Domingo en la Sala Jardiel Poncela.  Pl. de Colón 4, 28.001 Madrid  - Metro Colón L-4

FICHA ARTÍSTICA

ELENCO: Gloria Albalate y Mariano Rochman MÚSICO: Álex Tatnell VESTUARIO: Guadalupe Valero ESCENOGRAFÍA: Fer Muratori ILUMINACIÓN: José Espigares FOTOGRAFÍA: Carmen Prieto Remón VÍDEO: Joppe De Bernardi DISEÑO GRÁFICO: María D. Alba ASESORA MOVIMIENTO: Carmen Vélez AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Iñigo Elorriaga DIRECCIÓN: José Maya DISTRIBUCIÓN: Mara Bonilla Distribución PRODUCCIÓN: Doble Sentido Producciones

SOBRE LA PRODUCTORA.

LA PRODUCTORA DOBLE SENTIDO PRODUCCIONES Doble Sentido Producciones es un proyecto artístico puesto en marcha en 2007 con la intención puesta en la creación y producción de obras teatrales de autores contemporáneos. Cada año nos proponemos producir un nuevo espectáculo eligiendo cuidadosamente el texto y el equipo artístico para poder desarrollar lo mejor posible el proceso que nos lleve al estreno de un nuevo montaje. Contamos con un equipo de profesionales que suelen estar vinculados en forma permanente con nosotros en cada producción. Nos interesa la creación de obras que cuenten una buena historia y nos permita reflexionar sobre temas vinculados a la condición humana. Creemos que el teatro es un medio para conmoverse, reflexionar y ser sacudido emocionalmente. Pensamos que el teatro es una de las mejores maneras que tenemos para relacionarnos y sentirnos vivos. La primera producción de Doble Sentido Producciones fue Agujeros Negros, estrenada en 2007 en la sala Lagrada y participó en la XVIII Muestra de Teatro Iberoamericano de León. En 2009, después de llevar 9 meses investigando, estrenamos Pieza Inconclusa Para Sofá y Dos Cuerpos en la Sala La Usina haciendo 3 temporadas, siendo nominada a los premios Notodo 2010 como mejor montaje teatral del año y programada en el ciclo Distrito Arte y en la IV Muestra de Teatro de La Fundación Progreso y Cultura 2011, donde Mariano Rochman ganó el premio a la mejor dirección. En 2011 estrenamos Creo en ELVIS en la sala Cuarta Pared, logrando una muy buena afluencia de público y una gira por diferentes teatros de España. En 2012 estrenamos Miserias Domésticas en el Teatro Lagrada y teatro Garaje Lumiére, participando del Festival Iberoamericano de teatro Contemporáneo de Almagro y de La Muestra de Teatro Latinoamericano de León. En 2013 se estrenó Las Hermanas Rivas en la sala Cuarta Pared, continuando luego una segunda temporada en El Teatro del Arte (TDA), participando del Festival Iberoamericano de teatro Contemporáneo de Almagro en 2013 y realizando una gira por la Red de Teatros de La Comunidad de Madrid en 2014. En 2015 realizamos una temporada de 2 meses en el Teatro Lara y participado de La XXVII Muestra de Teatro Latinoamericano de León. Entre 2016 y 2018 Las hermanas Rivas estuvo girando por diferentes teatros de toda España realizando más de 70 representaciones.

En 2014 nos embarcamos en una nueva puesta de Pieza Inconclusa Para Sofá y Dos Cuerpos, protagonizada por los prestigiosos actores Blanca Oteyza y Patxi Freytez, la cual ha sido estrenada en octubre de 2014 en el Teatro El Castillo, en Villafranca del Castillo y luego realizó una gira nacional. En 2015 producimos Sin Anestesia, una comedia escrita por Mariano Rochman, bajo la direcciónde Aitana Galán y protagonizada por Sergio Otegui y Carles Moreu. Se estrenó en el Teatro del Arte, de Madrid, en noviembre del 2015. En 2016 nos adentramos en el mundo de Sed, de Alejandro Butrón. Un texto que nos atravesó desde la primera lectura y para el que hemos reunido un elenco que Mariano Rochman protagoniza junto a Sauce Ena, ambos dirigidos por César Barló. Estrenada en el Centro Niemeyer de Avilés y luego realizó una gira nacional después de haber hacho temporada en el Teatro Lara de Madrid. En 2018 apostamos por la producción de Animales Heridos Esta pieza fue protagonizada por MartaCuenca y Víctor Anciones, texto y dirección de Mariano Rochman. Para este proyecto estuvimos como compañía residente en el prestigioso Espacio Guindalera donde hemos verificado con el público nuestro trabajo realizado tres ensayos generales para luego estrenar nuestro montaje en el Teatro Lara en Febrero de 2018. En 2019 estrenamos Noches de Hotel escrita y dirigida por Mariano Rochman, obra protagonizada por Jose Bustos, Sauce Ena, Xoel Fernández, María Pastor y Elena Rey. La obra estuvo en cartel en Los Teatros Luchana de Madrid y tiene programada una gira nacional para el 2021.