NOS VEMOS ALLÁ ARRIBA: CRÍTICA DE CINE

          Nos vemos allá arriba es la nueva obra del director y actor francés Albert Dupontel, colaborando en el guion junto a Pierre Lemaitre, autor de la notable novela. Un filme que podríamos denominar como: Una tragicomedia en el gran escenario de la vida.

          Estamos en 1919, la I Guerra Mundial ha terminado y la policía detiene a un hombre por ser partícipe de una estafa sobre los monumentos a los caídos en combate. El hombre comienza a relatar su historia, volviendo sus recuerdos un año atrás, donde los soldados franceses esperan en las trincheras las órdenes del alto al fuego, al igual que los alemanes. Dicha orden llega a manos del teniente Pradelle (Laurent Lafitte) pero él se niega a cumplir lo escrito y envía a dos hombres de vigía, ambos son tiroteados y Pradelle lanza un ataque.

          Durante el enfrentamiento, Albert Maillard, el hombre que narra la historia (Albert Dupontel), descubre que los dos soldados fueron tiroteados por la espalda, disparos que provocó el teniente, para continuar con la guerra. Pradelle intenta matarlo y Maillard cae a una zanja quedando enterrado, será otro soldado, Edouard Péricourt (Nahuel Perez Biscayart) quien le rescate, con la mala fortuna que una bomba estalla cerca de él, desfigurando su rostro por debajo de la nariz. Albert desde ese instante queda unido a su compañero por vida, pues aunque regresan a casa, el destino jugará con ambos, incluyendo al teniente Pradelle.

          En ocasiones he comentado que una sola persona asuma las funciones de dirección, actor, guionista e incluso coproductor, puede ser perjudicial para la obra en sí, pero aquí no, aquí Albert Dupontel, está soberbio en cada uno de sus cometidos.

          Lo primero que destacaría de este filme, es la puesta en escena con que Dupontel dota a su nueva obra, a través de una ambientación teatral de otros tiempos, sustentada en la fascinante y barroca fotografía de Vincent Mathias, el cuidadísimo vestuario de Mimi Lempicka y la hechizante banda sonora, con aroma de antaño, compuesta por Christophe Julien.

          He hablado de hechizante, y posiblemente es como mejor de podría definir esta pieza cinematográfica, pues así se va sintiendo el espectador a medida que pasan los fotogramas ante sus ojos, las palabras llegan a su cerebro y  el corazón es capaz de percibir, el poder de lo exquisitamente narrado.

          Otra obra en la cual se nos habla de las secuelas de la guerra, sea cual sea, pues sus consecuencias siempre resultan devastadoras, pero aquí el novelista Pierre Lemaitre y también guionista, juega a que seamos detectives en un relato plagado de aventuras, crítica a la guerra, a quienes las origina y a los mandos en el frente. Una crítica social y política, entre amores correspondidos, enfrentamientos familiares y sentimiento de pérdida. Marionetas movidas por esos hilos que tantas veces desearíamos poder cortar, si fueran visibles. Pero, sorpresa, el gran drama se convierte en sátira y la sátira relaja los corazones y desentumece los músculos. El “culpable” de esta magia, de este hechizo es, Albert Dupontel.  Aunque al final las lágrimas broten, por pura necesidad.

Una vez más, nos encontramos con una narración rica en lecturas, pero con la diferencia que al director en esta ocasión le da igual cuales sean elegidas por el espectador, pues siempre acertará, ya que ha sabido cuidar que cada uno de los personajes esté perfectamente representado con la credibilidad que siempre se espera, para poder disfrutar hasta el último segundo.

          Un casting actoral perfecto donde destaco a los ya mencionados, las dos féminas Émilie Dequenne y Mélanie Thierry, y para terminar con la jovencísima, Héloïse Balster. Pero todos merecen mención especial.  

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Laurent Lafitte, Héloïse Balster, Émilie Dequenne, Mélanie Thierry, Philippe Uchan,  André Marcon, Michel Vuillermoz, Frédéric Epaud, Gilles Gaston-Dreyfus, Carole Franck,  Kyan Khojandi y Philippe Duquesne.

          PRODUCTORA: ADCB Films/ Manchester Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.

A LA DERIVA: CRÍTICA DE CINE

           Basándose en una historia real, el director hispano-islandés, Baltasar Kormákur dirige esta obra con guion de  Aaron Kandell, Jordan Kandell y David Branson Smith. A LA DERIVA.

          Tami Oldham (Shailene Woodley) sueña con viajar por el mundo y el mar es su pasión. Trabaja como ayudante en el puerto, cuando un buen día llega un velero al mando de Richard (Sam Claflin). Desde el primer instante, sienten atracción el uno por el otro.

          Tras unos días en tierra firme, Richard consciente del amor que le despierta Tami, la propone navegar con él y descubrir aquellos lugares con los que ella ha soñado. Tami no se lo piensa dos veces y ambos se hacen a la mar. Su sueño se está haciendo realidad, el amor entre ellos crece, hasta que una de las mayores tormentas del Pacífico,  les sorprende.

           Kormákur, nos invita a refrescarnos y viajar por el mar, lo propio para estas vacaciones veraniegas, aunque el viaje no sea de placer, precisamente. Baltarsar lleva a la gran pantalla el drama de una joven, Tami Oldham, que tuvo que navegar en un velero en mal estado tras  sufrir una gran tormenta, durante más de 1500 millas hasta las costas de Hawai, sin apenas agua y comida durante un periodo de 41 días.

          Para esta desafortunada aventura, confía en dos grandes actores: Shailene Woodley y Sam Claflin, donde la historia de amor que representan, cuaja en el espectador, pues sin la menor duda existe química entre ambos. Eso sí, quien lleva las riendas del timón durante toda la película, es Woodley.

          Shailene comienza seduciéndonos y enamorándonos,  luego nos hace vivir y disfrutar de sus aventuras junto a  Sam y termina dándonos un gran chapuzón de líquido salado, no solo el del mar que la rodea, sino el de sus lágrimas por el deseo de supervivencia, luchando, enfrentándose a los elementos y convulsionando todo su ser, mientras desde lo más hondo de su interior grita por el ansia de vivir y continuar descubriendo el mundo. Una interpretación que nos mantiene con el alma encogida.

         Por su parte Baltasar se encarga que nada falle, pues el guion está en buenas manos y así se demuestra a lo largo del filme, por lo tanto tomará con mano firme las riendas de otro timón, el del otro lado de la  cámara para ofrecernos una dirección fresca, natural y con un buen ritmo, el cual logra ingeniosamente con los constantes flashback de lo vivido entre la pareja antes de quedar el barco a la deriva, suavizando con ello la tensión dramática que se origina en alta mar; muy bien acompañado de un maestro en la fotografía como es Robert Richardson, entre encuadres espectaculares, maravillosamente iluminados.

        La banda sonora deliciosa por momentos y sobrecogedora cuando debe serlo, a cargo de Volker Bertelmann y no olvidemos en esta ocasión los efectos visuales, vistosos y creíbles durante la tormenta.

“No puedes dormir, estás mareado y después de unos días comienzas a tener alucinaciones”

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Shailene Woodley, Sam Claflin, Jeffrey Thomas, Elizabeth Hawthorne, Grace Palmer, Tami Ashcraft, Siale Tunoka, Zac Beresford, Luna Campbell.

          PRODUCTORA: RVK Studios/ STX Entertainment.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España

CASI 40: CRÍTICA DE CINE

          Comedia y romanticismo en el filme Casi 40,  con guion y dirección de David Trueba (Vivir es fácil con los ojos cerrados)

          Un joven vendedor de cosmética ecológica, Fernando Ramallo, prepara una serie de conciertos a su mejor amiga y antiguo amor, Lucía Jiménez. Lucía, está a punto de cumplir los cuarenta años,  fue una cantante de éxito retirada y ahora está felizmente  casada, con dos  hijos.

          Entre los viajes por las diferentes ciudades que recorrerán en el monovolumen de Fernando, recordarán su amistad, de casi treinta años,  junto a las canciones interpretadas por Lucía.

          David nos trae a la gran pantalla una obra al más puro estilo Road Movie, en un viaje entre canciones y revelaciones, entre la nostalgia del pasado y la realidad del presente, entre dos amigos que se conocieron de muy pequeños, que mantuvieron escarceos amorosos y jamás han perdido el contacto, ni el cariño que se profesan.

          En este viaje entre ciudades, paisajes y librerías, David nos invita a una ruta turística muy particular con localizaciones entre Burgos, Madrid, Segovia, Valladolid, Plasencia o Salamanca. Municipios emblemáticos en los cuales las librerías se convierten en escenarios improvisados, para la voz y la música de la cantautora. Filme bellamente fotografiado por Julio César Tortuero.

          Una narración no exenta de crítica social, con claros referentes a la crisis, revelando como los comercios deben adaptarse y vender otros productos que no son propios del mismo u ofrecer alternativas, para que el público acuda a él y no verse obligados a cerrar. Mostrará de forma sutil la importancia de los productos ecológicos e incluso referencias al paro y la búsqueda de trabajos alternativos.

          En cuanto a las interpretaciones, David se ha vuelto a rodear de la pareja protagonistas de “La buena vida” 1996. La complicidad entre los tres queda palpable, desprendiendo naturalidad y corrección en las interpretaciones  de sus personajes. Lucía seduce con su aura especial, además de regalarnos temas musicales que acunan esta obra filmada en planos largos, principalmente durante las canciones, pues mantiene la cámara quieta desde el inicio de las melodías hasta el final de las mismas. Planos que bien podríamos catalogar como subjetivos, siendo los ojos del personaje que aún suspira por ella (Fernando) o involucrando al mismo espectador en ese lugar concreto. Fernando por su parte, se presenta como un chico tranquilo, enamorado, aunque piense que el amor ha desparecido  y seguro, dentro de su inseguridad.

         Una obra fresca, sencilla, con diálogos de conversaciones que de una forma u otra, se  mantienen entre amigos cuando están juntos, cuando van en coche, cuando toman una copa o simplemente cuando pasean por cualquier calle de la ciudad.

          Mi nota es: 6,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Lucía Jiménez, Fernando Ramallo, Carolina África y Vito Sanz.

          PRODUCTORA: Buenavida Producciones/ Perdidos G.C.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

EN LA PLAYA DE CHESIL: CRÍTICA DE CINE

          En la playa de Chesil, es el debut en el cine de Dominic Cooke, contando con guion de Ian McEwan creador de la novela. Una época distinta, un amor diferente.

          Florence Ponting (Saoirse Ronan) pertenece a la clase media alta inglesa, forma parte de un cuarteto de cuerda tocando el violín. Durante una manifestación, conocerá a Edward Mayhew (Billy Howle), de clase baja. Los dos son inocentes, vírgenes y enamorados.

     

        Tras unos años, deciden casarse y pasar la luna de miel en un hotel junto a la famosa playa de Chesil, en Dorset al sur de Inglaterra. Lo que sucede tras las puertas de aquella habitación o en la playa, cambiará radicalmente la vida de ambos.

         
      

       Una narración cuidada, con una puesta en escena elegante y una magnífica fotografía de Sean Bobbitt, perfectamente acompañada por la banda sonora de Dan Jones; es lo primero que se podría decir sobre este filme, muy británico y con ese aire de teatro que respiran la gran mayoría de sus series y algunos filmes.

          Cooke ha estado siempre relacionado con el teatro y la televisión, conocido por la serie televisiva “The Hollow Crown”, ahora aborda su primer largometraje con este drama en los años 60, en medio de la convulsión política en dicha década, pero donde aún la revolución sexual no había llegado a Inglaterra y otros países europeos; resultando además tema tabú en determinadas clases sociales y como siempre, las peores paradas salían las mujeres. No estaba bien visto que a la mujer se le hablara de sexo incluso que ellas mismas experimentaran y lo descubrieran, algo que puede sorprender y chocar a día de hoy, pero no en aquellos años, como recientemente hemos podido  ver en otro filme “El orden divino” de Petra Biondina Volpe, en una escena donde a las mujeres suizas se les enseña a descubrir  su sexo, algo que ni siquiera se habían atrevido a mirar, en la década de los 70.

          Mucho ha llovido desde entonces, pero Dominic se atreve a llevar a la gran pantalla una parte de ese tema, poco habitual de ser escuchado y mucho menos visto en el cine. Denuncia la falta de conocimiento y educación sobre la sexualidad entre los jóvenes de ambos sexos y los tabús relacionados con ello, cuestionando preguntas como ¿Hasta qué punto son importantes las relaciones sexuales en la pareja antes del matrimonio? ¿Es lícito aceptar que la mujer proponga al hombre tener sexo con otras mujeres mientras a ella no la toquen? Aunque nos parezca extraño y la frase publicitaria diga: “Una época distinta, un amor diferente” Hoy en día, casos similares aún se siguen dando.  Un filme de reflexión  para que la juventud tenga una sexualidad plena, sana, libre y sin tabús, al igual que las relaciones de afecto y amor, logrará  con ello, adultos menos retraídos.  

          Interpretaciones correctísimas por parte de la pareja protagonista, Edward Mayhew totalmente creíble, pero su partner Saoirse Ronan, roba cada plano en el que sale. Los secundarios, como suele suceder en el cine británico, todos en sus papeles.

          El romanticismo no está reñido con la sexualidad, sino todo lo contrario, la comunión entre ambos, logra la complicidad en la pareja.

          Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Saoírse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Anne-Marie Duff, Samuel West, Adrian Scarborough, Bebe Cave, David Olawale Ayinde, Philip Labey, Christopher Bowen, Ty Hurley, Bernardo Santos, Christian Wolf-La´Moy, Oliver Johnstone, Mike Ray, Jonjo O´Neil, Simon North, Claire Ashton.

          PRODUCTORA: BBC Films/ Number 9 Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

FORMENTERA LADY: CRÍTICA DE CINE

          Soberbia interpretación de José Sacristán en Formentera Lady,  la ópera prima de Pau Durà. Los viejos hippies nunca mueren.

          Samuel (José Sacritán) es un hippie que llegó a la isla de Formentera en los años 70 cuando dicho movimiento se instaló allí, para quedarse para siempre. Su vida es tranquila y monótona, su único trabajo es tocar el banjo en un garito. Nada altera ya a su ser, ni pretende que lo haga.

    

      Un día, al llegar a su vieja cabaña, se encuentra con la visita de su hija Anna (Nora Novas) junto a su nieto Marc (Sandro Ballesteros). Anna le explica que precisa trabajar, que lleva demasiado tiempo sin encontrar nada y que le han ofrecido un trabajo en Francia, trabajo al que debe acudir sola. Tras una breve discusión entre padre e hija, Samuel acepta que Marc se quede con él, por un tiempo.

          Pau recuerda que  mientras pasaba unos días con su mujer embarazada de gemelos en la isla de Formentera, en Agosto de 2009, pensó en el conflicto que podría surgir entre la responsabilidad familiar y la libertad propia del hipismo.

          Nos presenta bajo esta idea, una visión del paso del tiempo para unos y la detención del mismo para otros. El cómo los viejos hippies, los románticos y soñadores, aún sobreviven en la isla, como sucede en otros puntos de nuestra geografía, sin mayores preocupaciones. Una vida sencilla y bohemia, exenta de modernidades del Continente, como Samuel llama a la Península. 

         Pau Durà nos sumerge en un viaje especial a través de la figura de Samuel, vagando por un espacio prácticamente virgen entre la tierra y el mar, acompañado del sonido de su viejo banjo, junto a otros compañeros como, Greta (Pepa Juan), Toni (Jordi Sánchez) o Juan (Ferran Rañé). Isleños que disfrutan de lo que tienen, sin buscar mayores riquezas. Pero Pau también nos somete a un drama familiar, al desempleo y la búsqueda de trabajo más allá de lo deseado, dejando atrás a seres queridos. El engaño y desengaño. A quienes sin tener culpa de nada, padecen el sufrimiento de los mayores, como son los niños y sobre todo, en ese viaje, comprender que refugiarse en el pasado en ocasiones, está bien, pero siempre teniendo la mirada en el futuro. El futuro siempre nos trae sorpresas agradables, aunque pueda costar adaptarse a ellas. 

        Una narración sencilla, modesta y ante todo honesta. Entre los rincones de una isla y los sentimientos de sus habitantes.

        Muestra con naturalidad cada espacio y cada corazón de sus habitantes. Sus alegrías, sus tristezas, sus miserias, los recuerdos y hasta la forma en que se resignan ante lo evidente. Un pasado en contraste con el futuro que  representa Marc, extrañado de que no haya luz en la casa o que se tenga que duchar con agua fría, mientras en sus manos sostiene su máquina de videojuegos.

          Correctísimas interpretaciones, como ya comenté en el comienzo, con un impecable José Sacristán acompañado de la magnífica interpretación del joven Sandro Ballestero. Un montaje muy adecuado apoyado en la estupenda fotografía de Miguel Llorens.

“Abrigarse en ocasiones con el espíritu del viejo hippie, beneficia al alma”
          Mi nota es: 7
         ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: José Sacristán, Jordi Sánchez, Nora Navas, Ferran Rañé, Sandro Ballestero.

          PRODUCTORA: FoscaFilms/ Sunrise Picture/ Good Machine Films/ La Perifèrica Producciones

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.

78/52 LA ESCENA QUE CAMBIÓ EL CINE: CRÍTICA DE CINE

         78/52 la Escena que Cambió el Cine, es el magnífico documental dirigido por Alexandre O. Philippe, quien no sólo homenajea a la escena mítica de Psicosis, sino también al maestro.

          Corría el año 1961 cuando el genio del suspense, Alfred Hichcock, decidió que su protagonista principal muriese pasados apenas cuarenta minutos de los casi 100 que duraba su nueva película, Psicosis.

          Alexandre nos narra un documental muy especial, bajo la mirada y las palabras de un nutrido grupo de profesionales como: Guillermo del Toro, Elijah Wood, Jamie Lee Curtis, Danny Elfman o Leigh Whannell, por citar algunos de ellos.

          Todo un análisis sobre una de las escenas más emblemáticas de la historia del cine, como fue la ducha que convirtió en víctima a Janet Leigh, su protagonista principal. 52 planos que supusieron una nueva forma de narración cinematográfica y que desmontó algunos de los preceptos hasta entonces intocables, en el séptimo arte.   

          Escucharemos a Hichcock en varias ocasiones, con su característico sentido del humor, con su ironía fina y con sus palabras siempre cargadas con balas de suspense. En uno de esos momentos, tras el estreno de Psicosis, le preguntaron por qué Janet Leigh moría a media película, a lo que contestó sin titubear: “Así me dejaban de preguntar, cuando volvería a salir en escena”

          El documental cuenta con una duración de 91 minutos, rodado prácticamente en blanco y negro, con fotografía de Robert Muratore y música del compositor Jon Hegel. Una obra esencial en la cual seremos testigos de la gran capacidad que Alfred poseía como publicista, además de las referencias a otras de sus obras maestras.

          El filme fue uno de los más esperados, visto y aplaudido en el Certamen Nocturna Madrid 2017. Una película imprescindible para todos los amantes del 7º Arte, para los fans del gran maestro Alfred Hichcock y de manera especial, para los estudiantes de cine.

          ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Documental en el cual participan: Jamie Lee Curtis, Elijah Wood, Guillermo del Toro, Danny Elfman, Peter Bogdanovich, Leigh Whannell, Oz Perkins, Neil Marshall, Karyn Kusama, Bret Easton Ellis, Richard Stanley, Walter Murch, Mick Garris, Daniel Noah, Mali Elfman, Scott Spiegel.

          PRODUCTORA: ARTE/ Exhibit A Pictures/ Milkhaus.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films.

NOTICIAS BREVES XV

KORE-EDA Y SU PELÍCULA “UN ASUNTO DE FAMILIA” LE OTORGAN A GOLEM SU SÉPTIMA PALMA DE ORO.

El director iraní Jafar Panahi obtiene, con “3 Faces”, película distribuida también por Golem, el premio al Mejor Guion.

El pasado festival de Cannes ha sido, sin lugar a dudas,  la edición más relevante en toda nuestra historia. Además de contar con la participación de seis largometrajes en la Sección Oficial, cuatro de ellas en Competición, la clausura del certamen no pudo hacernos más felices. En Golem atesoramos un año más la Palma de Oro gracias al director japonés Hirokazu Kore-eda con “Un asunto de familia” y un nuevo Premio al Mejor Guion de la mano del realizador iraní Jafar Panahi con su película “3 Faces”

De esta manera, Golem Distribución se convierte con sus siete galardones de Cannes en este siglo XXI (Bailar en la oscuridad, 4 meses, 3 semanas y 2 días, La clase, La cinta blanca, Amor, Sueño de invierno y Un asunto de familia) en la distribuidora de cine española con más Palmas de Oro en su currículo, todo un reconocimiento a la exquisita labor de sus fundadores Josetxo Moreno y Otilio García.

UN ASUNTO DE FAMILIA- PALMA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

“Un asunto de familia” representa para el director japonés Hirokazu Kore-eda su primera  Palma de Oro en el Festival de Cannes, certamen al que el director ha visitado con gran asiduidad en los últimos años. Allí presentó sus títulos Nadie sabe (Premio al Mejor Actor en 2004), Air Doll, Nuestra hermana pequeña y De tal padre, tal hijo (Premio al Mejor Guion en 2013), todas ellas distribuidas por Golem.

Desde que fue presentada el primer fin de semana en la Sección Oficial del certamen, "Un asunto de familia" - protagonizada por dos de sus principales colaboradores Lily Franky y Kiki Kilin- se convirtió desde el principio en una de las firmes candidatas a obtener el galardón a la mejor película. Kore-eda regresa a su estilo calmado y humanista para contarnos otra historia sobre una peculiar familia de ladronzuelos cuya vida se verá trastocada tras acoger a una niña perdida.

Sinopsis: Después de uno de sus habituales hurtos, Osamu y su hijo encuentran a una niña en la calle aterida de frío. Al principio, la esposa de Osamu no quiere que se quede con ellos, pero acabará apiadándose de ella. A pesar de sobrevivir con dificultades gracias a pequeños robos, la familia es feliz, hasta que un incidente imprevisto revela un secreto que pone a prueba los lazos que les unen

3 FACES- PREMIO AL MEJOR GUION

3 Faces, del director iraní Jafar Panahi, uno de los realizadores más influyentes de la llamada nueva ola iraní (Taxi Teherán, Fuera de juego, El círculo), obtuvo el Premio al Mejor Guion para esta valiente road movie que el cineasta ha filmado a pesar de las restricciones fílmicas que sufre, junto con la prohibición de salir de su país. Es también un homenaje a su maestro y amigo, el fallecido Abbas Kiarostami.

3 Faces sigue el recorrido de tres actrices iraníes: una trabajaba en los días anteriores a la Revolución y tuvo que dejar su profesión; la segunda es muy popular en todo el país, y la tercera es una joven desesperada por estudiar en el Conservatorio. Pasado, presente y futuro. La fuerza y determinación de las mujeres iraníes, el arte de contar en cualquier nivel de la sociedad, y la fuerza de las imágenes están entre los temas favoritos de Panahi. El cineasta los explora en esta nueva película con su habitual toque de humor irónico y de misterio. Es la primera vez que Panahi, ganador de diversos premios internacionales como el Oso de Oro de la Berlinale, competía en la Selección Oficial del Festival de Cannes.

Sinopsis: La conocida actriz Behnaz Jafari no puede resistir a la llamada de auxilio de una chica de provincias cuya familia quiere impedirle que siga estudiando en el Conservatorio de Teherán. Behnaz decide abandonar un rodaje y recurre al cineasta Jafar Panahi para resolver el misterio que esconden los problemas de la joven. Se desplazan en coche hacia el noroeste rural del país, donde conocen a los amables habitantes del pueblo montañoso de la actriz en ciernes. Pero los visitantes no tardan en descubrir que la tradición es tan poderosa como la hospitalidad...

“MISIÓN: IMPOSIBLE- FALLOUT”

Bajo la dirección de Christopher McQuarrie, vuelve a la carga Ethan Hunt (Tom Cruise), agente de operaciones de campo para el FMI, una agencia de élite dedicada al espionaje que se encarga de llevar a cabo peligrosas y sensibles misiones internacionales que han sido consideradas como "imposibles".
SINOPSIS:

En ocasiones, hasta las mejores intenciones pueden volverse contra nosotros. En "MISIÓN: IMPOSIBLE – FALLOUT" nos encontramos a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo en el FMI (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), junto con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan) en una carrera contrarreloj después de una misión fallida. Henry Cavill, Angela Bassett y Vanessa Kirby también se unen al dinámico reparto, mientras que el director Christopher McQuarrie vuelve a ponerse al timón. 

En España, el estreno de la nueva entrega de "MISIÓN IMPOSIBLE" tendrá lugar el 27 de julio, y será distribuida en nuestro país por Paramount Pictures Spain.

“BLACKWOOD”, LA NUEVA PELÍCULA DE RODRIGO CORTÉS,
LLEGARÁ A LOS CINES EL 3 DE AGOSTO

Uma Thurman y AnnaSophia Robb encabezan el reparto de esta historia sobrenatural basada en el clásico adolescente “Down a dark hall”, de la novelista Lois Duncan.

“BLACKWOOD”, la nueva película del director Rodrigo Cortés, llegará a los cines españoles el 3 de agosto. Basada en la novela “Down a dark hall”, de Lois Duncan y producida por Stephenie Meyer. Está protagonizada por Uma Thurman, AnnaSophia Robb, Taylor Russell, Isabelle Fuhrman, Victoria Morales, Rosie Day, y Noah Silver.

“BLACKWOOD” es una historia gótica de suspense sobrenatural, protagonizada por cinco chicas muy jóvenes que tratan de encontrar su lugar en el mundo y que para ello deben enfrentarse a una fuerza oscura más poderosa que ellas.

“BLACKWOOD” está producida por Nostromo Pictures, con la participación de Atresmedia Cine y Movistar+, y será distribuida en cines  por Entertainment One.

SINOPSIS

Cinco adolescentes problemáticas se ven obligadas a acogerse a un programa experimental de enseñanza impartido por la enigmática Madame Duret (Uma Thurman) en el internado Blackwood. Pronto empiezan a mostrar talentos singulares que no sabían que poseían, y a tener extraños sueños. Visiones. Lagunas de memoria. Cuando la frontera entre realidad y sueño comienza a hacerse demasiado difusa, todas comprenden al fin el motivo por el que han sido llamadas a Blackwood. Aunque ya puede ser tarde.

Estará distribuida en España por: Entertainment One el 3 de Agosto.

DYP COMUNICACIÓN NOS INFORMA QUE: DESENTERRANDO SAD HILL se verá por primera vez en España en el Festival de Sitges antes de su estreno en salas. En este proyecto han colaborado personas tan célebres como el actor Clint Eastwood, el director y productor estadounidense Joe Dante, el compositor Ennio Morricone, el líder del grupo Metallica James Hetfield, y el director español de cine Álex de la Iglesia.
         El documental, que ya ha pasado por los festivales de Tokyo (World Premiere), Santa Barbara (US Premiere) y Buenos Aires (Premiere Latinoamericana), se estrenará en salas de toda España el próximo 19 de octubre, de la mano de #ConUnPack Distribución. Dirigida por Guillermo de Oliveira y producida por ZAPRUDER PICTURES y SADHILL DESENTERRADO A.I.E., con la participación de la Junta de Castilla y León.

SINOPSIS:
En octubre de 2015, un reducido grupo de fans de la película “El bueno, el feo y el malo” (Sergio Leone, 1966), acuden a la localización de la escena final de la película en Burgos. Tras 49 años abandonado y cubierto por la vegetación estos voluntarios pretenden desenterrar y devolver el mítico cementerio de Sad Hill a la vida. La noticia vuela y durante meses gente de toda Europa acude cada fin de semana para participar en la reconstrucción del lugar. Desenterrando Sad Hill explora los sueños y las motivaciones de los fans pero también la forma en la que el arte, la música y la cultura tocan a las personas, hasta llegar a convertirse para ellos en una auténtica experiencia de búsqueda y transcendencia.


       Comienza el rodaje de la nueva película de The Walt Disney Studios, en el Reino Unido, concretamente en los Estudios Pinewood. “Maléfica II” con Angelina Jolie, Elle Fanning, Michelle Pfeiffer (interpretará a la Reina Ingrith), Chiwetel Ejiofor, Ed Skrein, Robert Lindsay, Harris Dickinson (En el papel del Príncipe Phillip), Sam Riley como Diaval, Imelda Staunton como el duendecillo Clavelina, Juno Temple como el duendecillo Fronda y Lesley Manville como el duendecillo Violeta

Es la secuela de “Maléfica” del 2014. Dirigida en esta ocasión por, Joachim Rønning y escrita por Linda Woolverton. Los productores son, Joe Roth y Angelina Jolie.

“Maléfica II” es una aventura de fantasía que se desarrolla unos años después de “Maléfica” cuando el público conoció los acontecimientos que endurecieron el corazón de la villana más famosa de Disney y que la llevaron a maldecir a la recién nacida Princesa Aurora. Su secuela sigue explorando la compleja relación entre el hada con cuernos y la futura Reina, que van estableciendo nuevas alianzas y se enfrentan a nuevos adversarios en su lucha por proteger a los páramos y a las criaturas mágicas que residen en ellos.
“Maléfica” se estrenó el 30 de mayo de 2014 y recaudó más de 750 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo 

DYP COMUNICACIÓN  INFORMA:
LA WEBSERIE “CUPIDO” SE CONVIERTE EN EL MAYOR ÉXITO DE LA HISTORIA DE PLAYZ

     El primer capítulo de la serie creada por Frank Ariza acumula más de 300.000 visionados en los primeros 10 días en la plataforma de RTVE, convirtiéndose en el mejor estreno de todos los proyectos emitidos hasta la fecha
      Las flechas de “Cúpido” han ido mucho más allá de los torsos de sus protagonistas. Estrenada ante la prensa y el público con una gran expectación el pasado miércoles 17 de mayo, los primeros datos de este thriller fantástico hablan por sí solos: en sólo 10 días, el primer capítulo acumula más de 300.000 visionados, lo que convierte a esta producción de RTVE junto a Frank Ariza y su productora, Gossip Events, en el mejor estreno de la plataforma de streaming PlayZ de Televisión Española desde que nació el año pasado, que ya cuenta con un importante abanico de webseries a disposición del público.
      La serie está ambientada en un entorno inspirado en la mitología romana y protagonizada por un elenco de jóvenes actores: EDRIÁN (Mario Plágaro), CHLOE (Michelle Calvó), ÁLEX (Christian Sánchez), MARTA (Songa Park), AMANDA (Lucía Guerrero), LUCÍA (María Hinojosa), MARCOS (José Lamuño), ÁNGEL (Manuel Vega), VENUS (Chanel Terrero) y INVIDIA (Estefanía de los Santos), entre otros.
      Rodada íntegramente en las espectaculares instalaciones de la antigua Estación de Príncipe Pío de Madrid, toda su ambientación recrea un universo fantástico. Mañana miércoles se estrena ya el tercer capítulo, por lo que “Cúpido” habrá llegado al ecuador del proyecto, que consta de seis.
Sinopsis
     En un día soleado cinco jóvenes viajan en un llamativo coche rojo: Edrian (Mario Plágaro), dueño del vehículo; de copiloto su novia Chloe (Michelle Calvó), y en la parte trasera sus amigas Marta (Songa Park), Amanda (Lucía Guerrero) y Lucía (María Hinojosa). Todos ellos van en dirección a la casa de Edrian.
      Las chicas descubren un onírico y enorme espacio, donde el sol inunda toda esa sala, un grupo de caballos pasta en el centro del edificio y atractivos chicos cepillan a los caballos. Parece que Edrian tiene una peculiar familia donde todo parece sacado de una fantasía.
      Dispuestas a pasar la noche con ellos, las chicas van a descubrir que en este palacio los que conviven allí son seres mitológicos: “cupidos”. La experiencia que comienza como algo mágico se tornará oscura y desconcertante.