viernes, 21 de agosto de 2020

UN AMIGO EXTRAORDINARIO: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Estados Unidos y China, UN AMIGO EXTRAORDINARIO, está dirigida por Marielle Heller, con guion de Micah Fitzerman-Blue y Noah Harpster. “La fábula humanista que esperaba a Tom Hanks”.
 
Fred Rogers (Tom Hanks) es un famoso presentador de un programa infantil, al que todo el mundo adora. Es el vecino ideal, que tras cambiarse de ropa y ofrecernos el tema musical del programa, nos muestra un panel con cinco puertas. En una de ellas aparece la imagen del periodista Lloyd Vogel (Matthew Rhys). Rogers, nos relatará la manera que ambos se conocieron. 
 
Lloyd está casado con Andrea (Susan Kelechi Watson) con quien tiene un precioso bebé de nombre Gavin. Es huérfano de Madre y está enemistado con su padre Jerry (Chris Cooper) por haber abandonado a su madre cuando estaba enferma, por otra mujer. Es un hombre herido. No logra ser él mismo, debido a la amargura y la ira que le persigue. Su jefa Dorothy (Wendy Makkena) le encarga hacer un pequeño reportaje sobre el presentador, para un número sobre personas ejemplares, él protestará, pero al final aceptará.
 
Un filme sencillamente cautivador, basado en una historia real inspirada en el artículo que escribió Tom Junod para la revista Esquire “¿Can You Say Hero?” sobre el presentador Fred Rogers. Fred Rogers fue el creador del programa infantil “Mister Rogers´ Neighborhood”. Programa que comenzó a emitirse en el año 1968 y finalizó en 1976, retomándose tres años más tarde de 1979 al 2001. “Un amigo extraordinario” se presenta al público como un soplo de aire fresco y embriagador, en estos tiempos convulsos, que estamos viviendo. 

La actriz, directora y guionista, Marielle Heller, siendo muy jovencita formó parte del Teatro Musical Infantil de Alameda, participando en numerosas obras anuales. Pasados los años se graduó en Teatro Comunitario y producciones en Saint Joseph Notre Dame, en donde asistió a la escuela secundaria. Continuó su formación teatral en UCLA y en la Royal Academy of Dramatic Art, en Londres. Obtuvo dos becas importantes: La beca de escritura de guiones Lynn Auerbach y la del Festival de Cine de Maryland. Como actriz debutaría en 2001 con el cortometraje para televisión “White Power” y en 2002 participó en la serie “Spin City: Loca alcaldía”. Su primer trabajo como directora fue con la serie “Transparent” 2014 y “Casual” 2015, junto a otros directores, saltando al largometraje con “El diario de una adolescente” 2015, con el que obtuvo diversos premios; continuaría con “Podrás perdonarme algún día?” 2018 y este año llega con “Un amigo extraordinario”.
 
Estamos ante un delicado, delicioso y elegante ejercicio de psicoterapia cinematográfica, adornado por temas musicales cuyas letras, nos hacen meditar, como el resto del filme. Una obra rica en frases que se nos van quedando  grabadas como a fuego, para luego reflexionar a la salida de la sala: “Debemos hacer saber a la gente que cada uno de nosotros, es un tesoro” o una de las más profundas “Perdonar es la decisión que tomamos de liberar a una persona, de la rabia que sentimos hacia ella.”
 
“Un amigo extraordinario” cuenta con un tándem fantástico, de un lado el extraordinario Tom Hanks y del otro un espléndido Matthew Rhys. La elección de ambos para dar vida a los personajes principales, no ha podido ser más acertada pues ambos conectan desde el minuto uno, con el espectador, ofreciendo dos personalidades muy distintas; pero sin duda, quien se lleva los mayores elogios es Tom, pues nos seduce, nos atrapa, nos hace relajarnos y disfrutar con él, con las canciones que interpreta y la historia que nos va narrando como un susurro para nuestro oídos, sumergiéndonos en un mundo de emociones y sentimientos. Cada escena es digna de ser estudiada como la que os voy a contar. En un momento determinado Rogers dice: “En nuestro programa intento mirar a través de la cámara a los ojos de un único niño” frase que servirá a la directora Marielle y a Hanks, para hacernos caer rendidos en una sencilla escena en la cual Rogers mantiene una conversación con Vogel en un restaurante y le pregunta algo así como: “¿Quién crees que ha marcado más tu vida?” ofreciéndole a Vogel un minuto para que responda. Todo se detiene durante ese intervalo de tiempo, enmudeciendo el restaurante, mientras los dos personajes permanecen frente a frente, hasta que Rogers gira su cabeza lentamente y mira fijamente a la cámara. Esa mirada nos traspasa y nos corta la respiración. ¿Nos está mirando a nosotros de forma individual? ¿Nos está haciendo la misma pregunta?. Esta escena es solo un ejemplo y si bien he destacado a las dos piezas fundamentales de la obra,  no me olvidaré del resto del excelente elenco actoral, incluido el bebé. 
 
Marielle Heller nos narra esta fábula detrás de las cámaras, con la delicadeza y maestría de la que ya ha hecho gala en otras de sus obras, como la reciente “¿Podrás perdonarme algún día?”. Dirige sin prisas, pues las prisas nunca son buenas y más, cuando lo que se quiere contar, es tan importante. Entre la comicidad y el drama, nos va exponiendo lo más importante del ser humano, su auténtica esencia, esa que en parte hemos perdido por el camino, al hacernos adultos, unas veces por aferrarnos a un dolor del que nos podríamos desprender, con el simple hecho de hablar y que por el contrario  provoca irritación y malestar a nuestro ser, otras por no saber escuchar el por qué se llevan a cabo determinadas acciones  y por supuesto, el perdón, esa palabra tan sencilla y compleja a la vez. Perdonar nos hace tanto bien, que si fuéramos conscientes de ello, la tendríamos en la boca con más frecuencia. Libera, en vez de oprimir. Aporta luz a nuestras vidas, en vez de nubarrones. Una obra que no se queda en la pantalla y se olvida cuando las luces se vuelven a encender, pues perdura en nuestra mente, cuestionándonos las veces que hemos errado, sin haber sido conscientes o no asumirlo por el ego traidor. Una película tremendamente necesaria en los tiempos en que vivimos si sabemos verla con los ojos, escucharla con los oídos y sentirla con el corazón, pues “Un amigo extraordinario” es un filme que te hace rebosar el alma.
 
Mucho podría decirse sobre este filme, como el homenaje que se rinde a la televisión y el toque teatralizado que posee la obra entre esos planos estáticos o los sutiles movimientos de la cámara, buscando el ángulo perfecto, sin distraer  al espectador; pero una vez más prefiero que seáis vosotros y vosotras, quienes descubráis este extraordinario ejercicio de buen cine, en donde todo se ha confabulado positivamente, desde las páginas que componen el refinado y detallista guion, la puesta en escena, las insuperables interpretaciones, la esmerada dirección, junto a dos de los grandes acompañantes de todo filme, la cómplice fotografía de Jody Lee Lipes y la deliciosa banda sonora, en esta ocasión de Nate Heller,  a través de la cual  podremos escuchar cantar en varias ocasiones a Tom Hanks.
 
Mi nota es: 9
 
ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Agosto
 
REPARTO: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett y Michael Masini.
 
PRODUCTORA: Big Beach// TriStar Pictures.
 
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

jueves, 20 de agosto de 2020

LA BODA DE ROSA: CRÍTICA DE CINE

LA BODA DE ROSA está dirigida por Icíar Bollaín quien comparte guion con Alicia Luna.
Rosa (Candela Peña) está a punto de cumplir 45 años, trabaja incansablemente en un taller arreglando todo tipo de vestidos para festejos y vestuario de espectáculos, además de ser el comodín de la familia, teniendo que estar a su servicio, siempre que les surja cualquier eventualidad, sin decir nunca no, hasta que un día se planta, cuando su padre Antonio (Ramón Barea) decide irse a vivir con ella.
Mientras Rosa está realizando los arreglos de un vestido de novia a una actriz, la escucha recitar los votos nupciales y toma la decisión: Deja el trabajo, se va a Benicassim donde su madre tuvo una tienda de moda y anuncia a la familia que se va a casar en unos días y que desea que todos asistan a la boda. Todos se extrañas porque no sabían que Rosa tuviera pareja y más, esa precipitación por casarse.
La comedia española regresa a la gran pantalla tras los meses tan duros que hemos vivido con el Covit19 y lo hace de la mano de tres mujeres, principalmente: Icíar Bollaín dirigiendo el filme, Alicia Luna, con quien comparte por tercera vez el guion y Candela Peña, en su también, tercer largometraje con Icíar, tras “Hola. ¿Estás sola? 1995 y “Te doy mis ojos” 2003. Un filme en el que se cuestionan preguntas como: ¿En esta familia de verdad nos escuchamos?, convirtiéndola en el leitmotiv de la historia.
La actriz y directora, Icíar Bollaín se inició en el mundo de la interpretación con 16 años en la película de Víctor Erice, “El Sur” 1983. En 1985 se matriculó en la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Bellas artes, abandonando dicha especialidad para irse a trabajar con su tío Juan Sebastián Bollaín en la película “Las dos orillas del mar”1987 y cuatro años más tarde, en 1991 actuaría como actriz principal en “Sublet” de Chus Gutiérrez. En 1992 saltó a la dirección de cortometrajes con “Baja Corazón” y “Los amigos del muerto” 1993. En 1995 llegaría su ópera prima en el largometraje con “Hola, ¿Estás sola?, obteniendo el premio del público en el festival de Valladolid. Continuó con “Flores de otro mundo” 1999, “Te doy mis ojos” 2003 ganando los premios de mejor actor y actriz en el Festival de San Sebastián, 7 premios  Goya entre los que se encontraban el de mejor película, dirección, actriz y actor y el premio Forqué a la mejor película, entre otros. “Hay motivo” 2004, “También la lluvia” 2010, el documental “En tierra extraña” 2014, “El olivo” 2016 y “Yuli” 2018, entre otros trabajos, tanto para el cine como para la televisión.
Anteponer las necesidades de los demás por las de uno, siempre termina pasando factura y eso es lo que le sucede a Rosa cuando un día se cansa de estar al servicio de todos los miembros de su familia y trabajar a destajo sin que nadie se pare a pensar que tiene tantas o más necesidades, que los demás. Un filme en el que Bollaín expone temas, además de los citados, como: el no reconocer que se tiene un problema con el alcohol, las separaciones en la pareja, los egoísmos personales, los hijos,  el trabajo, la necesidad de sentirse queridos e incluso el engañarse a uno mismo. Temas que Icíar y Alicia, exponen con franqueza logrando que sus personajes empaticen con el espectador, a la vez que entre el drama ligero, se suelte más de una carcajada. Una acertada dirección, para un filme muy veraniego.
Para dar vida a estos personajes, ha contado con un nutrido grupo de actores y actrices, destacando a Candela Peña que nos regala a una maravillosa Rosa con la que el público se identifica. ¿Quién no ha deseado alguna vez escapar de la monotonía en la que se está atrapado? ¿Quién no se siente o ha sentido infravalorado en su trabajo, grupo de amigos o familiares? ¿Quién no ha deseado lanzarse a cumplir uno de sus sueños y dejar todo atrás? ¿Quién no se ha dado cuenta de que la gran mayoría de la gente no escucha o no sabe escuchar, porque solo están pensando en ellos mismos? Así es Rosa y el mundo que la rodea. Por caciquismo, por egoísmo o por los egos personales, o quizás por todos a la vez, Rosa se verá envuelta en un despropósito, del que no sabe bien cómo va a salir.
Resumiendo, La boda de Rosa cuenta con una dirección correcta y unas interpretaciones corales muy interesantes con las que se crea esta comedia dramática de situación en la cual los espectadores, se lo van a pasar bien. Para finalizar comentar que entre la banda sonora de Vanessa Garde, se escucha el tema, a ritmo de cumbia “Que no, que no” interpretado por Rozalén, acompañada por la agrupación tropical mexicana La Sonora Santanera.
Mi nota es: 6,5
ESTRENO en ESPAÑA: 21de Agosto
REPARTO: Candela Peña, Sergi López, Nathalie Poza, Paula Usero, Ramón Barea, Xavo Giménez, María Maroto, Eric Francés, Lucín Poveda y María José Hipólito.
PRODUCTORA: Tandem Films, Turanga Films, Setembro Cine, Televisión Española (TVE), Movistar+
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

miércoles, 19 de agosto de 2020

EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA: CRÍTICA DE CINE


La coproducción entre Australiana y Estados Unidos, EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA, está dirigida por Shannon Murphy con guion de Rita Kalnejais.
 
Milla Finlay (Eliza Scanlen) es una adolescente que sufre una grave enfermedad. Vive con sus padres: Enry (Ben Mendelsohn) y Anna (Essie Davis). Un día mientras espera con sus compañeras que llegue el tren que las lleva al instituto, se encontrará con un joven, Moses (Toby Wallace) del que se enamora y decide quedarse con él todo día, con la condición que durante la jornada, él la corte el pelo.
 
La enfermedad provoca en Milla una recaída y debe someterse a sesiones de quimio. Los padres de Milla, que en un principio no aprueban la  amistad de su hija con Moses, por su aspecto de macarra tatuado y drogadicto, descubren que el chico le hace mucho bien y toman la decisión de que Moses, se vaya a vivir con ellos.
 
En sus dos horas de metraje, la obra se divide en varios capítulos: “Cuando Milla conoce a Moses en el andén nº4”, “La cita de los martes de Anna y Enry”, “Cuando Milla lleva a Moses a su casa a conocer a sus padres”, “Recaída de Milla”, Comienzo de la quimio”, “Avances”, “Nauseas”, “A tomar por culo”, “Romance parte 1”, “Romance parte 2”, “Lo de aquel día no pareció una historia de amor”, “El momento ducha”, “Anna acude a la cita de los martes”, “Milla volvió a casa”, “Moses prepara espaguetis”, “Hablan en sueños”, “Otro día de diamantes”, “Felices fiestas”, “Las cosas cambiaron”, “Lo que los muertos le dijeron a Milla”, “Invitaron a todo el mundo”, “Amor” y “Una mañana preciosa” Breves capítulos para desarrollar una historia de amor entre la vida y la muerte, entre la felicidad y el dolor, entre verdades y mentiras o entre sueños deseados y sueños rotos; todo en una extra comunión familiar.
 
La decoradora, actriz y directora, Shannon Murphy estudió en el Instituto Nacional de Arte Dramático (NIDA) y se graduó en la Australian Film Televisión and Radio School en el 2013, con un diploma en posgrado en Dirección. Desde su primer cortometraje como directora “The Comeback” 2013, nos ha ofrecido otras obras en dicho formato como:  “Love Me Tender” 2014, “Kharisma” 2014, “Pineapple Squat” 2015 o “Eaglehawk” 2016. Ha participado en series entre las que destacaré “Being Brendo” 2013, “Love Child” 2017, “Offspring” 2016/17, “Sisters” 2017, “Rake” 2018, hasta llegar a “On the Ropes” 2019, saltando ese mismo año al largometraje con “El glorioso caos de la vida”
 
Una obra que navega entre el primer amor, la amistad, la soledad, la familia, las drogas por placer o necesidad, la enfermedad, el rechazo familiar, las dudas, la juventud, la esperanza, la moral, las luchas internas, el aprendizaje en la cercanía y tal vez el mensaje más importante, que jamás nadie ha podido decir que la vida ha sido o es fácil, pero sí un caos cuando la diversidad de pensamientos, emociones y deseos, conviven juntos; y curiosamente ese caos, pueda provocar cierto equilibrio.
 
Un filme en donde cada personaje juega con su tiempo. Una obra sencilla y directa, con ciertas licencias y toques de humor, dentro del drama en sí. Interpretaciones correctas de las cuales destacaría a la pareja protagonista, Eliza y Toby. Cuenta con una fotografía limpia, con un acertado uso del color y los encuadres que apoya al filme entre los momentos románticos, dramáticos y hasta emotivos, en la mirada de Andrew Commis, y termino con Shannon Murphy cuya experiencia como cortometrajista y televisiva está presente en toda la narración, así como el toque teatralizado que ha otorgado a su ópera prima y a la dirección actoral. Una obra con tantas subtramas, como pelucas usa Milla.

NOTA: 6,5
 
ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Agosto.
 
REPARTO: Eliza Scanlen, Toby Wallace, Ben Mendelsohn, Essie Davis, Andrea Demetriades, Emily Barclay, Justin Smith, Carles Grounds, Arka Das, Jack Yabsley, Priscila Doueihy, Eugene Gilfedder, Georgina Symes, Michelle Lotters, Zack Grech, Quentin Yung, Tyrone Mafohla, Jaga Yap, Sora Wakaki, Edward Lau y Renee Billing.
 
PRODUCTORA: Whitefalk Films, Create NSW, Screen Autralia. eOne.
 
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

martes, 18 de agosto de 2020

CINE Y FESTIVALES 2020 (III)

EVA CALLEJA Y PRISMAIDEAS nos informa que “UN EFECTO ÓPTICO” la nueva película de Juan Cavestany, Premiere en el FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN.
“Un efecto óptico” el nuevo trabajo del guionista y director Juan Cavestany participará este año en la nueva edición del Festival de San Sebastián, en la sección Zabaltegi-Tabakalera
La película está protagonizada por Carmen Machi y Pepón Nieto, junto con Luis Bermejo y Lucía Juárez.
Sinopsis: Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de “desconectar” y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?
Juan Cavestany comenta: “La casualidad ha querido que terminemos esta película sobre la dificultad existencial de irse de vacaciones en el año de la pandemia global, y desde nuestra recién creada productora “Cuidado con el perro” agradecemos al Festival de San Sebastián su empeño en esta edición tan especial.”
SURIA COMUNICACIÓN nos informa que Paula Palacios y el director de “Open Arms”, Óscar Camps, presentarán “Cartas Mojadas” en el Festival de Málaga.
Paula Palacios presentará “Cartas Mojadas” junto con el director de la ONG “Open Arms” Óscar Camps el viernes, 28 de agosto, en el marco de la 23ª edición del Festival de Málaga. Cine en Español. La película, que compite en la Sección Oficial de Documentales, llegará a los cines de la mano de Syldavia Cinema el 9 de octubre. El largometraje, que cuenta con la producción asociada de Isabel Coixet, recorre los años más trágicos de la migración hacia Europa y la misión más dura del “Open Arms”.
SINOPSIS: Miles de personas han cruzado el Mediterráneo los últimos años tratando de alcanzar Europa. Cartas Mojadas cuenta, a través de una voz misteriosa desde el fondo del mar, la epopeya más trágica de nuestra historia contemporánea. Siguiendo cartas escritas de madres a hijos, la voz acompaña al barco de la ONG “Open Arms”, en su misión más dramática, luchando por salvar a 550 personas de un naufragio. Después traslada al espectador a las calles de París, donde la violencia policial contra los migrantes contrasta con el esfuerzo invertido en alcanzar Europa. Olvidándonos de que se trata de una historia real, la situación empeora cuando la película nos lleva a bordo de un barco de guardacostas libios y nos sumergimos en el lugar más peligroso del mundo, en Libia, donde se maltrata y esclaviza a seres humanos.
La apuesta de la directora de rodar la película casi al completo en el mar tiene como objetivo mostrar, según sus propias palabras, “desde ángulos diferentes la tragedia de la migración y la violencia que sufren miles de personas tanto en tierra firme como a bordo de las embarcaciones. Un drama que en los últimos años ha ido empeorando. Primero la gente moría en el mar, a poca distancia, entre Turquía y Grecia. Luego, de manera desesperada, trataban de alcanzar Europa recorriendo por mar una distancia aún mayor y como única esperanza, estaban los barcos de rescate de las ONGs haciendo un trabajo que debería canalizar la Unión Europea. Pero el panorama cada vez es más desalentador y hoy hay barcos militares libios, que apoyados por esa misma Unión Europea, interceptan las barcas de migrantes para devolverlas a Libia. Y allí he querido llevar también al espectador, porque si fuéramos conscientes del lugar de dónde huyen las personas que se arriesgan a viajar por mar, no existirían dudas en la sociedad civil sobre el valor de las labores de rescate que se realizan en el Mediterráneo”.
Su productora asociada, la premiada cineasta Isabel Coixet, añade: “es ésta una película dolorosamente necesaria, que trasciende, con una factura impecable y un montaje preciso, en cada fotograma, los documentales anteriores que han tratado el mismo tema. Cartas Mojadas es una bofetada, un grito, una ola de indignación, una sacudida de empatía que no puede dejar a nadie indiferente. Cartas Mojadas no va a ser papel mojado. La belleza y la inteligencia del trabajo de Paula son una lección imposible de olvidar”.
Isabel Coixet presenta “Cartas Mojadas”, una producción de Morada Films, que ha contado con el apoyo del ICAA - Gobierno de España y de Al Jazeera Documentary Channel. El cartel de la película lo ha diseñado Pedro Cabañas, autor del cartel de la 23ª edición del Festival de Málaga. Cine en Español.
A CONTRACORRIENTE FILMS Y SHERLOCK FILMS, nos informan que “CROCK OF GOLD: A FEW ROUNDS WITH SHANE MACGOWAN”, producida por JOHNNY DEPP, competirá en la Sección Oficial del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN.
“CROCK OF GOLD: A FEW ROUNDS WITH SHANE MACGOWAN”, película documental dirigida por Julien Temple (“The Filth and the Fury”) y producida por Johnny Depp (saga “Piratas del Caribe”), tendrá su première mundial en la Sección Oficial a Competición de la 68 edición del Festival de San Sebastián.
“Crock of Gold: A Few Rounds With Shane Macgowan” se sumerge en la vida del talentoso y querido vocalista irlandés Shane MacGowan, cantante y compositor principal de The Pogues, banda de música folk irlandesa con espíritu punk. La película cuenta con material de archivo inédito de la banda y de la familia de MacGowan, así como la animación del legendario ilustrador Ralph Steadman.
El cineasta inglés Julien Temple es el autor de obras de ficción como “Earth Girls are Easy” (1988) y “Bullet” (1996), y conocido por su trabajo como cronista de música rock en los últimos 40 años gracias a sus documentales y vídeos musicales para artistas como Sex Pistols, The Rolling Stones, David Bowie, The Kinks, Joe Strummer (The Class), Wilko Johnson y Paul Weller, entre muchos otros.
Junto a Julien Temple y Johnny Depp, producen Stephen Deuters y Stephen Malit en asociación con BBC Music y Warner Music Entertainment.
SHERLOCK FILMS estrenará en cines CROCK OF GOLD: A FEW ROUNDS WITH SHANE MACGOWAN.
SURIA COMUNICACION y ELAMEDIA ESTUDIOS, nos informan que “A MEDIA VOZ” de Heidi Hassan y Patricia Pérez, ganadora del IDFA, compite en la Sección de Documentales del Festival de Málaga
Tras obtener el Premio al Mejor Largometraje en la 32 edición del IDFA -el festival del género documental más importante del mundo- y el Coral al Mejor Documental en el Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, “A media voz”  (2019) de las cineastas cubanas afincadas entre Galicia y Ginebra, Patricia Pérez y Heidi Hassan, competirá en la Sección Oficial de Documentales de la 23 edición del Festival de Málaga. Cine en Español. Las directoras presentarán la película en el certamen el domingo, 23 de agosto a las 18:30 horas en el Teatro Echegaray.
A través de la correspondencia audiovisual entre ambas, se articula el diálogo de este documental auto-etnográfico. Dos mujeres de 40 años, afrontando los retos de la emigración, intentan reconstruirse lejos de Cuba. A Media Voz muestra dos historias en las que identidad, maternidad y creación se entrecruzan y se impulsan mutuamente.
“A Media Voz” es una producción de Matriuska Producciones (España), en coproducción con Perspective Films (Francia), La 5ta Avenida Producciones (Cuba), y PCT (Suiza). Habanero gestiona sus ventas internacionales. Elamedia Estudios estrenará A Media Voz en diciembre de 2020.
SINOPSIS: Heidi Hassan (40 años) es una directora de fotografía cubana que recientemente emigró con su pareja a Suiza, cansada de apostar por una Revolución que perdió el sentido. Pero extraña a Cuba, y en el país de acogida atraviesa una profunda crisis de identidad al verse confrontada a rehacer su vida en una sociedad muy distinta a la suya. Intenta integrarse poniendo toda la energía en retomar su profesión, pero ello toma más tiempo del previsto y el reloj biológico la pone en la  encrucijada de tener que escoger entre su carrera y la maternidad. Desgarrada por estos dos deseos e impulsada por la urgencia de contrastar su experiencia de emigración, decide retomar la comunicación con Patricia, su mejor amiga y con la que por discrepancias políticas perdió el contacto quince años atrás cuando ésta abandonó Cuba. 
Patricia Pérez (40 años), cineasta cubana que emigró a España hace quince años, recibe una video-carta de Heidi en la que le pide que retomen la amistad y pongan de lado los viejos desacuerdos. Esta inesperada solicitud la desestabiliza pues la obliga a confrontar los que fueron sus sueños con su vida actual: sin hijos, alejada del mundo en Finisterre y desconectada por completo del medio audiovisual. Aun así Patricia necesita retomar la comunicación con Heidi y se desencadena entonces una correspondencia audiovisual entre ambas cineastas; un intercambio de experiencias y posturas sobre la creación, el desarraigo y la maternidad. Un diálogo - a media voz - que les permitirá reorientar sus vidas. Lo que empieza siendo un gesto desesperado, termina convirtiéndose en un gesto cinematográfico, en una película íntima y reveladora sobre la feminidad en el siglo XXI.  
SURIA COMUNICACION y ELAMEDIA ESTUDIOS, nos informa de que “LÚA VERMELLA” de Lois Patiño competirá en la Sección ZonaZine del Festival de Málaga.
Tras su première internacional en la Sección Forum de la Berlinale, la producción gallega de Zeitun Films Lúa Vermella de Lois Patiño, competirá en la Sección ZonaZine de la 23 edición del Festival de Málaga. Cine en Español. Su director, su productor Felipe Lage Coro y las actrices Pilar Rodlos y Ana Marra presentarán la película en el Teatro Echegaray el martes, 25 de agosto, a las 18:30 horas.
La película seguirá después su recorrido por certámenes de cine internacionales. Hasta ahora ha participado en FICUNAM (México) y en los Festivales de Shanghái (China), Jeonju (Corea) y Cartagena de Indias - FICCI (Colombia) y se proyectará además en IndieLisboa (Portugal) y en la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema de Pesaro (Italia), entre otros.
Según el cineasta gallego, que obtuvo el Premio al Mejor Director Emergente en el Festival de Locarno con Costa da Morte, Lúa Vermella, “se adentra en la Galicia del mar comprendiéndola en su dimensión física e imaginaria, donde realidad y leyenda se funden, y donde el mar y la muerte se entrecruzan con toda su carga mítica y evocadora. La historia real de O Rubio de Camelle, un buzo que rescató más de 40 cadáveres de náufragos perdidos en el mar, se ve envuelta por los seres que pueblan el imaginario fantástico gallego”. 
Elamedia Estudios estrenará en cines Lúa Vermella el 30 de octubre de 2020.
SINOPSIS: En un pueblo de la costa gallega el tiempo parece haberse detenido. Todas las personas están paralizadas aunque sus voces se pueden oír: hablan de fantasmas, de brujas, de monstruos. Al lugar llegan tres mujeres buscando al Rubio, un marinero del pueblo que ha desaparecido en el mar.
En Lúa Vermella Lois Patiño profundiza en el universo retratado en su ópera prima. En su reparto destaca el propio Rubio de Camelle interpretándose a sí mismo y Ana Marra, Carmen Martínez y Pilar Rodlos, que dan vida al trío de meigas, figuras icónicas de la cultura gallega que como la Santa Compaña habitan el espacio onírico de la película. En su equipo técnico destaca como directora de arte la cineasta Jaione Camborda (Arima).
“Lúa Vermella” es una producción de Zeitun Films y Amanita Studio, que ha contado con el apoyo de la Xunta de Galicia y Agadic y con la participación de Televisión de Galicia. Liderada por Felipe Lage Coro, esta productora cuenta con títulos premiados en festivales como la citada Costa da Morte; Todos vós sodes capitáns de Oliver Laxe; Arraianos de Eloy Enciso; O Quinto Evanxeo de Gaspar Hauser de Alberto Gracia; Pozoamargo de Enrique Rivero; Mimosas de Oliver Laxe y La Estrella Errante de Alberto Gracia.