EL PLACER FEMENINO: CRÍTICA DE CINE

El documental, El placer femenino, está coproducida por Suiza, Alemania, India, Japón, Estados Unidos y Reino Unido. Cuenta con guion y dirección de Barbara Miller.  

La película comienza con fotografías de mujeres famosas, la mayoría de ellas modelos y su exposición en los medios como objetos sexuales y de reclamo publicitario, para pasar a presentarnos a las cinco protagonistas del documental. Cinco mujeres que han sufrido en sus carnes la discriminación sexual desde diferentes puntos de vista: Deborah Feldman, es escritora americana, exiliada de la comunidad judía ortodoxa. Rokudenashiko,  una artista japonesa que fue denunciada y condenada por obscenidad, pues un día decidió hacer el molde de su vagina y presentar al público diferentes piezas artísticas tomando la vagina femenina, como centro de su nueva obra. Doris Wagner, ex monja quien sufrió abusos sexuales por un miembro del clero, provocándola una crisis existencial entre su fe y las violaciones sufridas por un sacerdote, exponiendo además, como la propia Iglesia silencia todos estos actos que deberían estar castigados. Leyla Hussein, psicoterapeuta y activista social somalí, víctima de la terrible ablación. Expondrá desde su experiencia el dolor físico y psicológico de tal barbarie, presentando el cómo se realiza esta práctica salvaje y la castración vaginal y termina con Vithika Yadav, activista por los derechos sexuales y de género en la India.

A través de estas cinco mujeres de culturas y razas diferentes, viajaremos por diferentes puntos del planeta. Cinco mujeres valientes que hablan abiertamente de la necesidad de la libertad sexual de la mujer y de esa lucha en el día a día por conseguirla. Mujeres que nos exponen de forma natural, cómo actividades que en el sexo masculino se verían como algo natural, en ellas está prohibido o es visto como algo sucio y obsceno. El mejor ejemplo es la vagina de la mujer, repudiada en muchas culturas mientras el pene masculino es idolatrado, como sucede en Japón con su tradicional fiesta  denominada “Kanamara Matsuri” Una fiesta donde el pene es sacado en procesión entre gritos de júbilo, mientras los habitantes consumen dulces con formas fálicas. Una fiesta en honor a la fertilidad en la cual se pide a los dioses que sus hijos nazcan sanos o que les libre de las enfermedades de transmisión sexual.

Bárbara Miller cuestiona a la sociedad, esa sociedad machista y patriarcal que como se escucha casi al principio de la película: “¿Quién comenzó todo esto?” dando origen a otras tantas preguntas: ¿Quién decidió considerar la sexualidad de la mujer y su vagina como algo sucio y obsceno? ¿Por qué cuando las mujeres se rebelan contra esa sociedad, son amenazadas, incluso de muerte por algunos de los líderes religiosos y fanáticos, condenadas como vulgares delincuentes, difamadas en público o excomulgadas de sus comunidades?

Barba Miller está licenciada en Derecho, así mismo  licenciada en Estudios Cinematográficos, Filosofía y Psicología por la Universidad de Zurich. En la actualidad es presidenta de la Asociación Suiza de Directores y Realizadores de Cine. Comenzó su trayectoria cinematográfica trabajando  como asistente de dirección y editora junto a Christian Frei, en el documental: “War Photographer” 2001,  obra que obtuvo numerosos premios internacionales y  nominado al Óscar al mejor documental. Un año más tarde, dirigiría su primer documental “Die Gipfelstürmen” otras de sus obras son: “Häusliche Gewalt” 2005, “Sexo a Internet” 2008, hasta llegar a sus dos películas más conocidas “Voces prohibidas” 2012 con el que obtuvo el Premio Amnistía Internacional en el XI Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián y ahora con su nueva obra “Placer Femenino” 2018,  en la cual nos presenta el poder patriarcal que aún existe en gran parte del planeta.

En todo documental, además del guion, en esta ocasión en manos de la propia directora Barbara Miller, es muy importante la fotografía que ha sido realizada por Anne Misselwitz, Gabriela Betschart y Jiro Akiba y acompañado por la música de Peter Scherer.

Un documental que ha obtenido numerosos premios internacionales y que “desgraciadamente”, aun es necesario. Y digo desgraciadamente, porque hoy en día, en pleno siglo XXI es absolutamente irracional que todavía las mujeres tengan que luchar por su sexualidad y su puesto en el mundo. Su puesto y su sexualidad como igualdad entre ambos géneros. Un filme que deberían ver muchos hombres, para ser conscientes del sufrimiento, abandono y vejaciones por las que tienen que pasar, a día de hoy, las mujeres a las que se les dice: Te amo.

“A quien se ama, no se le trata así”

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Mayo

PRODUCTORA: Mons Veneris Films// Das Kollektiv Für audiovisuelle Werke// INDI Film GmbH// Scheweizer Radio und Fernsehen// Radio Télévision Suisse (RTS) // RSI- Radiotelevisione Svizzera// Arte France// Teleclub AG.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Film Buró.

NOVEDADES ENTERTAINMENT ONE SPAIN DVD/BD (JUNIO 2019)

NOVEDADES Entertainment One Spain Plataformas Digitales, DVD y BD  (JUNIO 2019)

UNA CUESTIÓN DE GÉNERO

 Alquiler y venta plataformas digitales: 19.06.2019

Venta DVD y BD: 19.06.2019

UNA CUESTIÓN DE GÉNERO está inspirada en la historia real de Ruth Bader Ginsburg (Felicity Jones), una joven abogada y madre de familia. Ruth, junto a su marido el abogado Martin Ginsburg (Armie Hammer), cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales

REPARTO: Felicity Jones, Armie Hammer, Justin Theroux, Jack Reynor, Cailee Spaeny, Sam Waterston y Kathy Bates.

DIRECTOR: Mimi Leder

IDIOMA*: 5.1 Castellano e inglés (DVD)

                5.1. DTS HD Castellano e inglés (BD)

SUBTÍTULOS: Castellano e Inglés para personas con discapacidad auditiva.

DURACIÓN: 115 minutos (DVD) // 120 minutos (BD)

EXTRAS EDICIÓN DVD Y BD*: Un equipo supremo: Creando Una cuestión de género // Martin y Ruth: Una relación muy especial // Legado de justicia.

FEEDBACK
Alquiler y venta plataformas digitales: 26.06.2019

Venta DVD: 26.06.2019

Jarvis Dolan (Eddie Marsan) es el periodista estrella del exitoso late night radiofónico londinense The Grim Reality (La cruda realidad). Al comienzo de su programa, unos macabros encapuchados irrumpen en el estudio, tomando el control a punta de pistola. Están allí para sacar a la luz un escándalo que podría suponer el final de Jarvis. Obligado a continuar con el programa, en directo, siguiendo el guion de los asaltantes, la noche se convertirá en una pesadilla.

REPARTO: Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Alexis Rodney, Oliver Coopersmith y Alana Boden.

DIRECTOR: Pedro C. Alonso

IDIOMAS*: 5.1Castellano e inglés

SUBTÍTULOS: Castellano

DURACIÓN: 94 minuto

EXTRAS EDICIÓN DVD Y BD*: Teaser tráiler / Tráiler/ Making Of/ Película/ Personajes/ Maquillaje especial/ La radio/ Galería.

*NOTAS: Los lanzamientos en alquiler y venta digital no incluyen Extras.

ALADDIN: CRÍTICA DE CINE

Guy Ritchie dirige la versión en imagen real de Aladdin, compartiendo guion con John August, tomando la historia escrita en 1992 por Ron Clements, Ted Elliot, John Musaker y Terry Rossio.

En alta mar vemos un gran velero y tras él uno más modesto, donde viaja una familia, compuesta por la madre, el padre y los dos hijos, un niño y una niña. El padre les relatará una historia que sucedió en la ciudad de Agrabah, una metrópoli rodeada por los Siete Desiertos en la cual conoceremos a un joven ladronzuelo de gran corazón, Aladdin (Mena Massoud) junto a su mono.

En una zona privilegiada de la gran ciudad se encuentra el castillo del sultán (Navid Negahban) que vive junto a su hija Jasmine (Naomi Scott). Jasmine tiene como mascota un tigre y cuenta con su leal sirvienta Dalia (Nasim Pedrad), pero en el reino también vive el ambicioso visir Jafar (Marwan Kenzari) quien obligará a Aladdin a entrar en la cueva de las Maravillas, donde solo una persona de corazón puro, puede penetrar. En su interior, entre los grandes tesoros, descubrirá la lámpara mágica, habitada por un genio (Will Smith), que concederá tres deseos a quien frote dicha lámpara.

El remake de Aladdin de 1992, ha contado con los guionistas John August y el propio director, conservando  la esencia y trama de la original y adaptándola a los nuevos tiempos, en materias como la lucha de la mujer por la igualdad a través de un magnífico tema cantado por Jasmine en medio de una elegante puesta en escena, o en el propio desenlace. Hay concienciación, diversión, mucha música, sonrisas y entretenimiento; pero también tiempo para pensar, porque aunque la animación te puede llevar a la reflexión, no es lo mismo que cuando ante tus ojos actúan personajes de carne y hueso.  Un punto fuerte  que el director Guy Ritchie, ha tenido en cuenta.

El director, productor y guionista británico, Guy Ritchie, se inició en el mundo del cine con el cortometraje “The Hard Case” 1995, su ópera prima, en el largometraje, llegaría tres años más tarde con la divertida y por méritos propios obra de culto “Lock and Stock”; otros títulos que nos podemos encontrar en su filmografía son: “Revolver” 2005, “RocknRolla” 2008,  “Sherlock Holmes” 2009 o “Rey Arturo: La leyenda de Excalibur” 2017, entre otras, hasta llegar a esta nueva versión del clásico de animación de la factoría Disney.

El filme cuenta con un extraordinario reparto. Un acertadísimo casting dirigido por Lucinda Syson, del cual hay que destacar a los cinco protagonistas principales, pues ellos son los pilares de toda la obra, desde los lugares que les corresponden en este cuento mágico, pero sin duda serán Mena Massoud y Naomi Scott, los que destacan por sus interpretaciones de Aladdin y Jasmine, respectivamente y no, no me olvido de Will Smith, que tras algunas críticas hacia su trabajo como El Genio, el papel le va que ni pintado y nunca mejor dicho que de azul. Está ingenioso, divertido, socarrón y hasta enamoradizo. Un genio aún más humano que el original de 1992, con momentos que te enternecen y otros que te harán lanzar  más de una carcajada.

Me he vuelto a sentir como un niño y en esta ocasión con más motivo, pues conociendo las canciones, las he podido canturrear para mis adentros mientras lo hacían sus protagonistas, emocionarme con las nuevas y esbozar esa sonrisa cómplice cuando Jasmine canta su tema “protesta” en el instante en que Jafar la intenta humillar,  tras tomar el poder. Todo un espectáculo envuelto en cuidadísimas coreografías.

Estaba expectante por ver en imágenes reales dos números musicales claves en la obra. El instante en que los enamorados van en la alfombra mágica y cantan “Un mundo ideal” y la entrada apoteósica de Aladdin como Príncipe Alí, en la ciudad. El resultado es simplemente impactante y deslumbrante.  La primera desborda romanticismo y la segunda resulta “excesiva”, maravillosamente exorbitante, y es que no podemos olvidar que  es Disney y una de las señas de identidad de la franquicia es el exceso, cuando puede permitirse tal lujo.

Hablando de lujo y excesos, quienes se lo han debido pasar como niños imaginando y creando este mundo de color y fantasía en Agrabah, en imágenes reales, han tenido que ser la directora artística y de decorados, Gemma Jackson y el diseñador de vestuario Michael Wilkinson, un esmerado trabajo, que Alan Stewart ha sabido reflejar a través de su vistosa y colorista fotografía, en una  rica variedad de planos. No puedo olvidarme de entre el extraordinario equipo técnico que configura esta obra, del montador jefe, pues la lucidez y fluidez que ofrece James Herbert V, es digna de mención, dotando al filme de un  impresionante ritmo.

Tras hablar del gran trabajo de dirección, las interpretaciones y todos los aspectos técnicos, dejo para el final la música. Aladdin además de diversión y entretenimiento es un buen musical, cuya partitura corre a cargo de Alan Menken y de los libretistas Benj Pasek y Justin Paul.

“Entra en la sala, siéntate cómodamente en la butaca y déjate llevar a un mundo de fantasía, donde tu niño interior, se fusione con la magia”

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de mayo

REPARTO: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Nasim Pedrad, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Billy Magnussen, Numan Acar, Amir Boutrous, Joey Ansah, Bern Collado, Amer Chadha –Patel, Alan Tudyk (Voz del loro Iago), Cassie Clare, Shopie Carmen-Jones, Robby Haynes y Nikkita Chadha, entre su gran reparto.

PRODUCTORA: Walt Disney Pictures// Lin Pictures// Marc Platt Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

LA VIUDA: CRÍTICA DE CINE

Coproducción entre Irlanda y Estados Unidos, La viuda, está dirigida por Neil Jordan compartiendo guion con Ray Wright.

Frances (Chloë Grace Moretz) tras la muerte de su madre se trasladó a vivir a Manhattan al apartamento que posee su amiga Erica (Maika Monroe). Trabaja como camarera en un prestigioso restaurante. Frances es una chica inocente, dulce y que está pasando  por esos momentos, donde cualquier muestra de cariño, es bien recibida.

Un día en el metro, Frances se encuentra un bolso, lo recoge y buscando en su interior localiza la documentación de su dueña, Greta (Isabelle Huppert) una pianista que vive sola, viuda y cuya hija se encuentra en París. Decide llevárselo a casa y pronto entre las dos mujeres surge una buena amistad, hasta que Frances descubre en un armario varios bolsos igual que el que ella encontró en el asiento del metro. El bolso es el  inicio de la pesadilla a la que se tendrá que enfrentar la joven.

Al irlandés Neil Jordan se ha caracterizado en sus obras por ofrecer un cine muy personal, centrándose en un personaje en concreto para a través de él, descubrir sus estados de conciencia. Un cine que juega con el clasicismo induciendo al espectador a sumergirse en el mundo que Neil  ha creado para sus personajes y con ellos, trasportarnos y atraparnos en esa historia que nos quiere narrar.

Neil Jordan debutó con “Danny Boy (Angel)” 1982, para continuar con filmes como “En compañía de lobos” 1984   y  “Juego de lágrimas” 1992 con el que obtuvo el Óscar al mejor guion. Un año más tarde nos ofreció la extraordinaria “Entrevista con el vampiro”, “El buen ladrón” 2002 o “Desayuno en Plutón” 2005 entre su  cuidada y exquisita filmografía.

Ahora, apoyándose en la gran actriz Isabelle Huppert, nos trae este thriller psicológico, cargado de dramatismo y cinismo, con un carácter teatralizado que para nada molesta, sino todo lo contrario, logra crear esa atmósfera envolvente entre los personajes y el ambiente. Ese punto claustrofóbico y angustioso a través del cual el espectador susurra para sus adentros, “no, no entres ahí”, “no te das cuenta de qué”… Jordan no solo juega cruelmente con sus personajes, sino que también, con suma astucia y elegancia, con el propio  espectador, no dejándole respirar y si respira, que aproveche el momento. Una obra en la cual importa poco si nos adelantamos al director en lo que nos quiere contar, pues lo que verdaderamente esperamos descubrir, es cómo lo va a narrar, cómo lo va a ir resolviendo, entre los equívocos y las trampas del camino. La tela de araña que Greta tiende a sus víctimas sin ningún remordimiento; esa viuda que busca consuelo y amistad, se transforma en una “viuda negra” sedienta de egoísmo personal, perturbada por un pasado gris y ofuscada en sus propósitos, sin ser consciente de la realidad. Si en un instante determinado de debilidad, el espectador siente compasión por Greta, será  Isabelle Huppert, en su extraordinaria interpretación, entre sus severos gestos faciales y contenidas expresiones corporales, quien se encargará de que la odiemos, despreciemos y hasta sintamos el impuso de fulminarla, con nuestras miradas.

Un filme oscuro en su trama, donde el punto sombrío, sin la menor duda, lo ofrece Huppert; del dulce se encargará Moretz y del desenfadado, vital y protector, se hará cargo Monroe. Un trío muy bien avenido que sabe cuál es su lugar, no en el cuadrilátero de la historia, sino en el  triángulo de la vida que le toca a cada una desempeñar. Tres actrices que alcanzan el fin deseado: entretener, intrigarnos y hacernos pensar.

 
Como es de esperar en este género, la fotografía es básica e importantísima, pues el espectador se vuelve más curioso ante del deseo de ver antes que nadie, de descubrir antes que nadie e incluso de sentir antes que nadie; y Seamus McGarvey, alcanza a captar toda esa atención y esencia de aquello que debemos ver, pero cuando el momento lo requiera, a través de planos escrupulosamente medidos, convirtiéndolos en ocasiones, en “fantasmas” juguetones que hacen que desviemos nuestra mirada, hacia el lugar reclamado.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de mayo

REPARTO: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore y Zawe Ashton

PRODUCTORA: Anonymous Content// Sidney Kimmel Entertainment// Lawrence Bender Productions// Little Wave Productions

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

COMO PEZ FUERA DEL AGUA: CRÍTICA DE CINE

La comedia, Como pez fuera del agua, está dirigida por Riccardo Milani compartiendo guion con Furio Andreotti, Giulia Calenda y Paola Cortellesi.

El filme nos narra la vida de dos familias, de un lado la de Giovanni (Antonio Albanese) de clase media alta, encargado de la reurbanización de las periferias italianas a través de un grupo internacional, está divorciado de Luce (Sonia Bergamasco) que se dedica a cultivar Lavanda en la Provenza, juntos tienen una hija llamada, Agnese (Alice Maselli)

Agnese conocerá a Alessio (Simone De Bianchi)  y se lo presenta a su padre, como su novio.  Un jovencito de la periferia, viviendo en un barrio muy humilde de Roma, junto a su madre, Mónica (Paola Cortellesi) quien trabaja como cajera en un supermercado y dando de comer a los necesitados en un comedor social, del cual lleva la comida que sobra para alimentarse ella, su hijo y las dos hermanas cleptómanas, que viven con ella.

Las diferencias de clases sociales, la disparidad en la forma de ver la vida, los prejuicios que surgen entre los padres en contraposición con la normalidad que presentan sus hijos ante la relación, la cleptomanía como enfermedad asumida, la violencia, las maneras de divertirse… Todo ello en entornos entre la opulencia de la gran ciudad, contrastando con la pobreza de los barrios o la humildad contra la vanidad, creará tensiones en el pensamiento de las familias, más concretamente a través de la madre de Alessio que advierte a su hijo que tenga cuidado con Agnese, para que no le haga daño y  que no sea para ella solo un capricho y el padre, que adopta la misma postura con su hija. 

Una comedia con gruesas pinceladas de drama actual, en un guion bien estructurado por el grupo de guionistas mencionados en la cabecera y dirigida con temple  y honestidad por Riccardo Milani, quien no se queda en la superficie de la comedia fácil, sino que ofrece una clara crítica social y política, de la situación que se vive en su país.

Como es de esperar, os voy a hablar brevemente de Riccardo Milani. Es director y guionista de cine, nacido en Roma y se inició en la profesión como asistente de dirección para directores como Mario Monicelli o Daniele Luchetti. En 1997 debutó con su primer largometraje “Deseos del profesor” continuando con  “Piano, solo” 2007, basándose en la vida de Lucas Flores, “¡Bienvenido presidente” 2013 o “Mamá o papá” 2013 entre otras, también ha trabajado en televisión.  “El secuestro soffiantaini” 2002, “Rebecca, la primera esposa” serie de 2007  o la miniserie “Atelier Fontana- The Sisters of Fashion” en 2011.

Como pez fuera del agua, nos presenta dos mundos totalmente opuestos, pero caminando en una misma dirección, la felicidad de sus familias y de las personas a las que quieren. Dos mundos opuestos que precisan entenderse, para que sus hijos sean felices, pues ellos son los que han elegido con quien vivir o al menos, compartir en esos momentos, sus vidas. Una obra magníficamente interpretada por Paola Cortellesi, encarnando a esa mujer temperamental, producto de la experiencia y de la lucha en el día a día, para sobrevivir en un barrio conflictivo y sacar adelante a toda la familia y Antonio Alabanese, en el lado opuesto, que aunque el destino le ha sonreído, no está exento de problemas y luchas tanto internas como externas. En definitiva, un interesante filme, que entre risas y sonrisas, nos muestra una realidad presente en miles de familias en el mundo.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de mayo

REPARTO: Paola Cortellesi, Antonio Albanese, Sonia Bergamasco, Luca Angeletti, Antonio D`Ausilio, Alice Maselli, Claudio Amendola y Simone De Bianchi.

PRODUCTORA: Wildside

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

EL HIJO: CRÍTICA DE CINE

David Yarovesky dirige El Hijo con guion de Brian Gunn y Mark Gunn. Al otro lado del espejo de Superman.

En un pueblo de Kansas, Kyle Breyer (David Denman) y su esposa Tori Breyer (Elizabeth Banks) están deseando tener un hijo. Una noche, en pleno acto marital, Tori escucha unos ruidos y al poco rato, un artefacto cae cerca de su granja, provocando un fuerte impacto.

Han pasado 10 años y el matrimonio Breyer viven felices con su hijo adoptivo Brandon (Jackson A. Dunn) al cual rescataron de la nave espacial que años atrás cayó cerca de la casa y esconden bajo el cobertizo. Brandon se ha comportado siempre como un niño tímido y noble, hasta llegar a los 12 años cuando siente  la llamada de la nave y comienza a adquirir conocimientos y poderes sobrenaturales, despertándose en él, el lado maligno.

¿Os suena el argumento? Claro, estamos ante la mirada antagonista del superhéroe más conocido: Superman. El otro lado del espejo de este mítico superhéroe nos ofrece una versión de terror con un potente suspense, gore y escenas de alto voltaje, no actas para aprensivos, a través de un adolescente perverso. El momento del cristal en el ojo, sin la menor duda, es una de las escenas antológicas de este filme.  

El norteamericano, David Yarovesky, es actor y director. Conocido por haber interpretado al devastador gótico en “Guardianes de la Galaxia” 2014 de James Gunn. Se inició en la dirección con los cortometrajes “A Funny Thing Happened at the Quick Mart” 2004 y “Ghild” 2011, pasando al largometraje con el filme de terror “The Hive” 2015, ahora regresa a la gran pantalla para sorprender con esta magnífica película de terror.

Me habéis leído en más de una ocasión que el suspense y el terror es uno de mis géneros favoritos y que ante algunos filmes, he sido muy crítico, porque necesito ser sorprendido, que al menos me lleve un par de buenos sustos durante el metraje y sobre todo, que me mantenga expectante sin despegar los ojos de la gran pantalla y sin tener que mirar el reloj porque me aburro. Por fin me he encontrado con una de esas película que ya de entrada me hizo pegar un bote, con lo más simple y que durante la hora y media, me mantuvo alerta, en suspense y esperando cual iba a ser el siguiente paso de este cabronazo psicópata, en una historia muy bien escrita por los hermanos Gunn.

Brandon entra en la galería de los grandes psicópatas del cine, con su cara de inocente, esa mirada de corderito y su cuerpo más bien delgado. Jackson A. Dunn, el joven actor que interpreta a este diabólico personaje, nos hace olvidarnos hasta  de la poseída  Regan que interpretó Linda Blair en el “Exorcista” allá en 1975. Resulta tan creíble que su presencia en la pantalla, ya nos hace temer qué puede esconde su oscura mente.

Hablando de interpretaciones, continuaré con el resto del trío que compone este filme, que son sus padres adoptivos. Elizabeth Banks está impresionante en su papel de madre. Una madre cuyo hijo ha sido su salvavidas, lo que siempre añoró y con quien se siente feliz. En medio de la nada, en una granja perdida en una zona rural de Kansas, con la compañía de su marido al que ama y cuatro vecinos lejanos. Una madre que como tantas, se niega a que su hijo  sea malo y con sus abrazos, palabras y cariño intentar encauzarle por el lado del bien. Una interpretación navegando entre la angustia, la felicidad y sus pensamientos encontrados sobre qué hacer con ese chico al que ama como si fuera su hijo de sangre. David Denman, es ese marido complaciente y padre que se debate entre el amor a su hijo y el terror que le provoca su sola presencia, cuando descubre de qué es capaz. Un impecable trío interpretativo, bien acompañados de los secundarios.

El hijo es un filme modesto comparándolo con las grandes superproducciones que estamos acostumbrados a ver de vez en cuando, pero con “El Hijo” David Yarovesky logra cautivar, asustar y mantener en tensión al espectador durante su hora y media de metraje. Un metraje correctísimo gracias al montaje de Andrew S. Eisen, contando, además, con una excelente fotografía de Michael Dallatorre y la escalofriante banda sonora de Timothy Williams.

Un filme oscuro, que te sobrecogerá.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Mayo

REPARTO: Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, Matt Jones, Jennifer Holland, Steve Agee, Becky Wahlstrom, Stephen Blackehart, Jackson A. Dunn, Terence Rosemore, Annie Humphrey, Christian Finlayson, Emmie Hunter, Mike Dunston.

PRODUTORA: H Collective // James Gunn

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

LA CARGA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Serbia, Francia, Croacia, Irán y Qatar, La Carga, cuenta con guion y dirección de  Ognjen Glavonic.

Estamos en Serbia en 1999. Empieza a amanecer y en medio de la nada, en plena naturaleza, entre la oscuridad todavía presente; vemos como un  vehículo se va acercando lentamente, mientras el cielo es iluminado por los constantes bombardeos.

Conoceremos a Vlada (Leon Lucev) que tras perder su trabajo en una gran empresa, es contratado para conducir un camión, con la ruta entre Kosovo y Belgrado, transportando una mercancía desconocida para él y que tampoco quiere saber nada de su contenido. Lo que le importa es el dinero que llevará a casa.  Un accidente en medio de la carretera, le obligará a desviarse, tomando una ruta alternativa y en una de las paradas, aceptará la compañía de un joven de 19 años, Paja (Pavle Cemerikic) Un joven músico con el que conversará durante el viaje.

La Carga, la podríamos definir como una road Movie en medio de la guerra, de la soledad, del dolor, del hambre, de los recuerdos de tiempos mejores que ya no volverán, entre las nuevas familias que van surgiendo, las que ya están rotas e incluso las separadas en la distancia, y sobre todo, de la esperanza. De la esperanza de abrirse camino en medio de tanta tristeza y desolación, buscando un futuro incierto.

El serbio, Ognjen Glavonic, debuta con este filme argumental,  aunque en su filmografía cuenta con una obra dirigida de forma colectiva con otros realizadores, “October” 2011, y los documentales “Zivan Makes a Punk Festival” 2014, tomando como tema la organización de un festival de música Punk en un pueblo de Serbia y “Depth Two” 2016 ambientada en la guerra de los Balcanes. “La Carga” se adueña en parte de la historia presentada en “Depth Two” cuyo título original es “Dubina dva”

Estamos ante un filme austero pero con una gran carga emocional. Una historia aparentemente sencilla, pero con múltiples capas que nos hacen reflexionar a través del sonido del viento, los ruidos provocados por el camión o el eco de los aviones sobrevolando el espacio una y otra vez;  de las conversaciones que guardan demasiados recuerdos y sufrimiento, de la visión de un pueblo, un país destruido por la guerra, por esas malditas guerras que solo dejan pobreza y angustia a su paso;  de los momentos familiares que nos regala Vlada...

Una obra que agoniza en nuestras mentes desde el primer gran plano secuencia con cámara estática, viendo ese furgón en medio de la nada con las bombas de fondo iluminando el cielo como si fueran estrellas fantasmagóricas. Una agonía que se palma en la austeridad, la falta de banda sonora relevada por los sonidos ambientales y el frío que se puede palpar en la fotografía áspera que nos ofrece, Tatjana Krstevski, que cala en nuestra alma y duele.

La obra cuenta con la magnífica interpretación de León Lucev, convirtiéndose en el alma y el guía de la película entre sus largos silencios, sus cortas preguntas, sus miradas, sus movimientos pausados, la intensa conversación que mantiene con su hijo e incluso intuyendo lo que piensa, sobre todo en lo que puede contener la carga que transporta, que no veremos nunca, pero que con cuatro planos finales bien ejecutados por Glavonic y las expresiones de nuestro protagonista, nos hacemos una clara idea.

No es una película para un público mayoritario, pero sí interesante para ese espectador que busca un cine diferente, que le cuente historias y realidades de países lejanos al propio.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 17 de mayo

REPARTO: Leon Lucev, Pavle Cemerikic, Tamara Krcunovic, Ivan Luvev y Igor Bencina

PRODUCTORA: Cinémadefacto// Kinorama// Non-Aligned Films// Three Gardens Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: La Aventura Audiovisual.

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