lunes, 8 de mayo de 2023

MADRID BAILA AL COMPÁS DEL FESTIVAL FLAMENCO MADRID

La VII edición de este festival de referencia, programado por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, se extiende a 12 espacios de la capital.

 Madrid baila al compás del Festival Flamenco Madrid

. Flamenco Madrid tendrá al baile como protagonista, pero también grandes momentos para el cante y el toque y con estrenos en la mayoría de sus espectáculos.

. El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa es la sede principal junto con programación en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Espacio Abierto. Quinta de los Molinos, Cineteca Madrid, La Casa Encendida y los tablaos madrileños.

. Los espectáculos se completarán con ciclos como el de cine documental, charlas, actividades familiares y la colaboración de Madrid en Vivo, con una programación paralela que se podrá disfrutar en tablaos, teatros y salas de vocación flamenca.

. El artista multidisciplinar Javier de Juan es el autor de los dos carteles que se utilizarán en el festival y reflejan la fuerza de las mujeres del flamenco.

Antonio Canales, Jesús Carmona, La Lupi, Carmen Talegona, Marco Flores, Rafaela Carrasco, Guadalupe Torres o los ganadores del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco, José Molina y la taiwanesa Yu Hsien Hsueh… Son algunos de los nombres que harán vibrar Madrid al ritmo de sus taconeos en la VII edición del Festival Flamenco Madrid. Hoy, la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Andrea Levy, ha presentado esta cita y su programación junto al director artístico, Ángel Rojas. El programa viene cargado de novedades y con un valor añadido sin igual: casi el cien por cien de los espectáculos son estrenos en Madrid.

La presentación se ha celebrado en la casa madre de Flamenco Madrid, el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, y ha contado con el regalo del arte de Vanesa Coloma, acompañada por Mariana Collado, Yerai Cortés y Fran Blanco, un pequeño adelanto de lo que va a ser este festival que se vivirá en Madrid del 14 al 27 de mayo.

El festival mantiene el carácter capilar que estrenó el año pasado y llegará a 12 escenarios de la capital con sesiones de cante, baile y toque, cine documental y actividades para la familia. El Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Espacio Abierto. Quinta de los Molinos, Cineteca Madrid y La Casa Encendida albergarán espectáculos de Flamenco Madrid, al igual que los tablaos, que se sumaban en 2022 a esta fiesta que quiere recordar la importancia de la capital de España en este arte que es Patrimonio Inmaterial de la Humanidad según la UNESCO.

Ángel Rojas, bailaor, coreógrafo y productor, repite al frente de Flamenco Madrid que este año vuelve a sus orígenes: “Ofrecemos nuevamente nuestros escenarios a esos y esas artistas que, con su implicación y su buen hacer, han ayudado a construir el gran evento que es hoy este festival para la ciudad de Madrid”. “Nombres icónicos del baile flamenco como Antonio Canales, Jesús Carmona, La Lupi o Carmen Talegona han ido forjando ese relato de calidad y singularidad que nos ha posicionado como uno de los festivales de referencia dentro del sector”, ha subrayado en la presentación. Por otra parte, Rojas ha destacado el hecho de que Flamenco Madrid sea escenario de nuevas propuestas: “Es un orgullo ser un nido de creación y que las y los artistas se acerquen al festival para dar alas a nuevas creaciones”.

El flamenco desde la raíz

Y es que el carácter de este festival, con formatos diversos y varios escenarios, atrae propuestas novedosas. En esta línea, Flamenco Madrid subirá el telón el 14 de mayo con actividades para las familias donde los más pequeños podrán empezar a acercarse a este arte con formatos adaptados basados en el juego con El árbol del Flamenco en La Casa Encendida, y el Torombo, que repite en Espacio Abierto Quinta de los Molinos con un taller de compás flamenco titulado Un pasito al pie de la letra.

El primer plato fuerte llegará el 17 de mayo al ritmo de Paco de Lucía, con el gran concierto homenaje dirigido por Joan Albert Amargós. El objetivo es dar nueva vida a algunos de los temas más representativos del maestro con orquestación para big band bajo la producción del Taller de Músics de Barcelona y en colaboración con la Escuela Música Creativa de Madrid y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. La Suite de Lucía ocupará el escenario principal del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa con una treintena de artistas, en ellos, Carles Benavent, Antonio Serrano, Rafael de Utrera y el baile de El Farru.

Antonio Reyes repite este año al cante, junto a Juan Villar, y por causa plenamente justificada: el homenaje especial A Panseco. José Cortés Jiménez, conocido artísticamente como Pansequito nos dejaba en febrero de este año y desde Flamenco Madrid se ha querido conmemorar su figura y lo que ha supuesto en la historia del cante.

La tercera gran producción del festival será el montaje de cierre: Ellas. Sergio de Lope propone en este espectáculo, que ha sido apoyado por Casa Mediterráneo por el décimo aniversario de su sede, un encuentro entre la música tradicional andalusí (árabe y judía) y flamenca desde el presente, con una estética transgresora e innovadora. Es un proyecto coprotagonizado por tres mujeres de talento incuestionable: Mor Karbasi (Israel), Abir el Abed (Marruecos) y Ángeles Toledano. Las tres culturas se funde para ofrecer al público un espectáculo exclusivo.

Otra de las grandes figuras que visitará Flamenco Madrid será Antonio Canales con una conferencia hablada y bailada bajo el título Flamenco del Siglo XXI en la Sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa el 27 de mayo como guinda del festival. Además, en Cineteca Madrid se podrá disfrutar del documental sobre su vida.

Como el año pasado a la pluralidad de escenarios se suma la diversidad de horarios con actuaciones a la hora del vermú para los amantes de madrileñear: aperitivo y concierto en los tablaos participantes: Teatro Flamenco Madrid, Corral de la Morería, Tablao de la Villa y Flamenco de Leones. Desplegarán su arte Joni Jiménez, Yerai Cortés y Carmen Mesa, esta última con su peculiar Yo me lo guiso, yo me lo como, en el que cocina a la vez un pollo al ajillo. En los tablaos, también se vivirá el Ciclo de Guitarra Víctor Monge Serranito, comisariado por el propio maestro Serranito, con varios recitales de guitarra en horario vermut durante el fin de semana y con una conferencia del maestro junto a su biógrafo, José Manuel Gamboa, que se cerrará con un breve recital de José Luis Montón.

Y, a modo de un off de Flamenco Madrid, se estrenará Flamenco Capital, con una programación paralela que se podrá disfrutar en los tablaos, teatros y salas de vocación flamenca pertenecientes a Madrid en Vivo, creadores del proyecto.

La presencia internacional se amplía de la mano de Sharon Saguy con Flamenco Natural y su espectáculo E motion. Esta artista israelí formada en Madrid ha expandido las raíces del flamenco en Israel y ahora vuelve con una nueva creación a la sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. En esta sala, también se podrá disfrutar de Esther Merino y su cante, ganadora de la Lámpara Minera 2022 del Cante de las Minas.

La taiwanesa Yu Hsien Hsueh, integrante del Ballet Nacional de España, tendrá su espacio en la Sala Guirau de este mismo teatro como ganadora del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de 2022, junto al ganador de 2021, José Molina.

El flamenco y la palabra

Otra novedad de este año es el nuevo ciclo El flamenco y la palabra. El propósito es aglutinar montajes que acerquen al flamenco a partir de la palabra y sus diversas dramaturgias, y en el que se hace especial hincapié en la diversidad generacional de sus creadores con artistas consagrados como Rafaela Carrasco con la dramaturgia de Álvaro Tato o el talento emergente de Julio Ruiz bajo la dirección artística de Ernesto Artillo; pasando por Inma La Carbonera y Antonia Jiménez, que han musicalizado versos de Lorca nunca llevados anteriormente al flamenco, o los poemas del cantaor Antonio Campos que conversarán con el piano de Pablo Suárez.

El director artístico ha indicado que casi todos estos espectáculos se han creado ad hoc para el festival. “Hemos logrado por primera vez que los artistas coincidan todos con la línea que se quería lograr desde la dirección de Flamenco Madrid”, ha subrayado. Las actuaciones se concentrarán en la Sala III del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa.

A esta propuesta se une la que albergará el Centro de Cultura Contemporánea el 26 de mayo: Flamenco is not a crime y Jaleo is a crime, dos acercamientos desde la remezcla, la cultura crítica y el live cinema propiciados por Los Voluble para aproximar dos géneros como la electrónica y el flamenco.

En esta edición, también han adquirido un mayor peso los documentales sobre flamenco que va a albergar Cineteca Madrid. Este año se podrá disfrutar de seis documentales: Canto Cósmico. Niño de Elche, Impulsos, Mujer. Una mirada contemporánea a través del arte, Antonio Canales, bailaor; Pa' trás ni pa' tomar impulso y Se Prohíbe el Cante.

Las mujeres del flamenco, la campaña gráfica

Este año hay dos carteles para el festival, ambos creados por el artista multidisciplinar Javier de Juan. Las imágenes forman parte de la serie La Fuerza formada por dibujos de gran formato realizados con carbón y pintura acrílica, en la que muestra a las mujeres del flamenco como representación y símbolo del poderío, del duende, de la sensibilidad y el arte, pero sobre todo como fuerza de la naturaleza en estado puro que el flamenco, tanto en el cante como en el baile, genera en la mujer. Siempre fue así, pero mas hoy día, en el siglo XXI, donde la mujer adquiere un protagonismo que estos carteles quieren subrayar. Como en toda la obra del artista, y especialmente en los carteles, destaca el movimiento de las figuras, con el que trata de transmitir visualmente las sensaciones y el relato de un festival de flamenco.

Javier de Juan es una figura destacada de la movida madrileña y la nueva figuración española de los ochenta, y Premio Nacional de Grabado en 1995. Participó en la fundación de la revista Madriz, ha colaborado con distintas publicaciones culturales, como por ejemplo Madrid Me Mata, y su trabajo está presente en los principales diarios nacionales, ABC, El País y El Mundo. En los últimos años, ha estado haciendo instalaciones tecnológicas, proyectando audiovisuales en fachadas, la última en el Festival Internacional de Luz de Madrid 2021, en la Plaza de Cibeles. Expone habitualmente en galerías e instituciones.

domingo, 7 de mayo de 2023

NOTICIAS BREVES (CLXXXIV)

 

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que La Aceleradora del Cine Atlántico afronta su Segunda Edición uniendo.

La Aceleradora de Cine del Atlántico, un espacio único para el desarrollo de slates de productores emergentes, afronta su 2ª edición uniendo dimensión internacional y carácter innovador.

Del 31 de mayo al 9 de junio se desarrollará la segunda edición de la Aceleradora de Cine del Atlántico, un laboratorio pionero en el sector cinematográfico, iniciativa del Clúster Audiovisual de Canarias (CLAC), que brindará la oportunidad a seis productores emergentes europeos y latinoamericanos de optimizar su slate de proyectos de la mano de expertos de prestigio en un enclave único: el Puerto de la Cruz de la Isla de Tenerife.

La Aceleradora de Cine del Atlántico pone el foco en la consolidación y expansión de las productoras participantes a través del fortalecimiento de su estructura en base al catálogo de proyectos. Los slates o paquetes de proyectos aglutinan obras en distintas fases de producción, que conforman no sólo la línea editorial de las productoras, sino también su viabilidad y sostenibilidad financiera. Este programa entiende que la dedicación en esta aceleradora debe compensarse para que los participantes puedan parar y dedicar ese tiempo a repensar sus estructuras y el futuro de sus productoras, es por ello que se abonan unos honorarios de participación y se cubren sus gastos de traslado y estancia completos.

La Aceleradora de Cine del Atlántico ofrece a los nuevos profesionales de la producción cinematográfica un formato de residencia intensiva, con convivencia participativa y encuentros presenciales grupales. En cada jornada, se reunirán con expertos de la industria de carácter altamente especializado y motivador. Lo harán en sesiones formativas grupales, centradas en temas tales como la dirección financiera de una empresa productora, los mercados internacionales, los contratos y la elaboración de dosieres y presentación de proyectos. Junto a ello, tendrán la oportunidad de mantener reuniones individuales para disponer de un feedback directo, así con networking con el sector local, estudio de casos de éxito, conexiones online o visitas a localizaciones singulares de Tenerife y Gran Canaria.

El evento se celebrará en Tenerife (Islas Canarias, España) del 31 de mayo al 9 de junio. Lo hará en un hotel del municipio de Puerto de la Cruz, una pequeña y dinámica ciudad costera del norte tinerfeño, con gran tradición cultural e ideal para el trabajo creativo. Es un espacio destinado para productores/as audiovisuales que cuenten ya con al menos un largometraje estrenado comercialmente, que tengan en marcha más de un proyecto audiovisual e intenciones de coproducir o filmar alguno de ellos en Canarias o en el resto de España. De entre todas las candidaturas se seleccionarán 6 productores/as: 2 canarios, 2 del resto del territorio nacional y 2 internacionales pertenecientes al ámbito latinoamericano o europeo con dominio del idioma español. La inscripción es gratuita y puede hacerse hasta el 9 de mayo a las 23:59 horas (hora de las Islas Canarias, UTC 0).

La Aceleradora de Cine del Atlántico es una iniciativa del Clúster Audiovisual de Canarias (CLAC) subvencionada por el Ministerio de Cultura y Deportes del Gobierno de España, dentro de la convocatoria 2022, para la Acción y Promoción Cultural que convoca la Subdirección General de Industrias Culturales. Cuenta, además, con la colaboración del Gobierno de Canarias, el Cabildo de Gran Canaria, Tenerife Film Commission, Gran Canaria Film Commission y Ayuntamiento de Puerto de la Cruz.

AVALON nos informa que “CREATURA” de Elena Martín Gimeno, se estrenará en cines el 8 de septiembre.

Creatura, la nueva película de la directora Elena Martín Gimeno, que se estrenará en Festival de Cannes, llegará a los cines de nuestro país, el 8 de septiembre, de la mano de Avalon. La película, protagonizada por la propia Elena Martín, Clàudia Malagelada y Mila Borràs - todas ellas interpretando el mismo personaje, a los 30, 15 y 5 años, respectivamente - cuenta con un guion de Elena Martín junto a Clara Roquet. Completan el reparto Oriol Pla, Alex Brendemühl, Clara Segura, Marc Cartanyà, Carla Linares y Teresa Vallicrosa.

SINOPSIS: Tras mudarse con su pareja a un nuevo hogar, Mila se da cuenta de que su pérdida de deseo se encuentra en sí misma. A partir de ahí, empieza un viaje en el que revisita experiencias de su infancia y adolescencia con la esperanza de reconciliarse con su propio cuerpo.

Creatura es una producción de Vilaüt Films, Lastor Media, Avalon P.C. y Elastica Films, en asociación con Suris/Bishop Film, con la participación de TV3 y Filmin y el apoyo de ICAA, ICEC y Creative Media Europe. Avalon estrenará la película en los cines españoles, y las ventas internacionales corren a cargo de Luxbox. La película se ha desarrollado en los labs de Ikusmira Berriak (Festival de San Sebastián) en 2020, el REC Primer Test (WIP) en 2022y el el D'A Film Lab WIP en 2023. 

AINHOA PERNAUTE  nos informa que David Trueba ha comenzado a rodar su nueva película “SABEN AQUELL” basada en los primeros años del popular humorista Eugenio.

Esta semana arrancaba el rodaje de 'Saben aquell', escrita y dirigida por David Trueba y basada en los primeros años de carrera del humorista Eugenio. El largometraje se sitúa en la Barcelona de los años 60-70 y es  David Verdaguer quien se mete en la piel de un cómico único, referente máximo del humor para toda una generación. Carolina Yuste interpreta a Conchita, la primera mujer de Eugenio.

Warner Bros Pictures presenta una producción de Ikiru Films, Atresmedia Cine y la Terraza Films, con la participación de Atresmedia, Movistar+, HBO Max, con el apoyo de ICEC y TVC, Televisió de Catalunya.

SINOPSIS: Barcelona, finales de los 60. Eugenio Jofra, un joven joyero, conoce a Conchita en un autobús de línea. El flechazo es instantáneo y los dos comienzan la historia de amor de sus vidas. Eugenio aprende a tocar la guitarra para acompañar a Conchita en su carrera musical, para lo que tendrá que luchar contra el miedo escénico. Empieza así la carrera musical de 'Els dos'. Cuando Conchita se tiene que ausentar durante dos semanas de Barcelona, convence a Eugenio de que lleve las actuaciones a cabo él solo. Cuando vuelve, Eugenio se ha convertido en un fenómeno del humor underground de la ciudad. Poco a poco, entre los dos irán construyendo al personaje: las gafas, la camisa negra, el taburete, los cigarrillos y el vaso de tubo, que se convertirá en un éxito inesperado en una España deprimida que busca desesperadamente reírse con ese singular cómico que empieza todos sus chistes con 'Saben aquell...'

Escrita y dirigida por David Trueba a partir de un guion de Albert Espinosa basado en los libros "Eugenio" y "Saben aquell que diu" de Gerard Jofra, hijo del popular humorista,, la película contará con música de Andrea Motis, que ha adaptado los temas que interpretan Carolina Yuste y David Verdaguer en el film. Completan el reparto Pedro Casablanc, Marina Salas, Ramon Fontserè junto a varios personajes que formaban parte del entorno profesional de Eugenio y que se interpretan a ellos mismos.

David Trueba apunta: "Ésta es una película sobre el humor. Y sobre la supervivencia.
Eugenio fue uno de los humoristas más populares de la Transición. Todo en su apariencia evidenciaba estar reñido con el humor. Un hombre serio, de nula gestualidad, parapetado tras unas gafas ahumadas y una camisa negra, con el cigarrillo humeante detrás de un micrófono, se convertiría en el culpable de hacer reír a todo un país. Pero,.. ¿Qué se escondía dentro de él?"

Sobre el proyecto, ha declarado el productor Edmon Roch (IkiruFilms): “Recuerdo el día que fuimos con mis padres a ver a aquel humorista catalán que hacía reír incluso antes de abrir la boca. Yo era un chaval con poco más de diez años y veía cómo mis padres se partían de risa solo con ver a ese hombre alto, vestido de negro, sentado en un taburete, alargando cada movimiento con gesto impávido antes de comenzar a hablar. Había una liturgia, una expectativa, un ritual que hasta para un niño como yo, se hacía palpable. Más adelante, cuando descubrí el cine de Buster Keaton, lo primero en lo que pensé fue en el rostro imperturbable de Eugenio.

Hoy, su figura sigue presente en nuestra memoria y su humor continúa vigente, como el de todos los genios del humor universal. Pero de la mano de su hijo Gerard y gracias al relato y mirada de David Trueba, es el momento oportuno para revelar la historia de aquel joyero que se enamoró de una andaluza, por la que comenzó a cantar en los escenarios y acabó convirtiéndose en uno de los mayores iconos del humor en España".

Por su parte, el productor Jaime Ortiz ( Atresmedia Cine) apunta: "Estamos muy ilusionados de poder participar en esta maravillosa película que cuenta la historia de uno de los humoristas más icónicos de nuestra cultura, y hacerlo de la mano de David Trueba e interpretada por David Verdaguer y Carolina Yuste y con un equipo con un talento enorme es un auténtico privilegio”

RELABEL COMUNICACIÓN nos informa que “CERRAR LOS OJOS” de Victor Erice se estrenará en España el 29 de septiembre de la mano de Avalon.

Cincuenta años después de su primer largometraje, “El espíritu de la colmena”, Víctor Erice estrenará en salas “Cerrar los ojos” el próximo mes de septiembre. 

La película, con la que regresará al festival de Cannes tras participar con sus anteriores largos y donde obtuvo el Premio del Jurado y el Premio Fipresci con “El sol del membrillo”, se presentará en la selección oficial en el marco de la sección Cannes Première, donde tendrá su debut mundial en presencia del director y el elenco protagonista.

Con guion del propio Erice y Michel Gaztambide (ganador de un Goya por “No habrá paz para los malvados”), la película narra la historia de una desaparición, que gira alrededor de los temas de la identidad y la memoria.

“Cerrar los ojos” está protagonizada por Manolo Solo, junto a Jose Coronado y Ana Torrent. El reparto se completa con una buena selección de grandes nombres como María León, Petra Martínez, Soledad Villamil, Mario Pardo, Elena Miquel, y José María Pou, entre otros.

SINOPSIS: Un célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar.

Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay.

“Cerrar los ojos” es una coproducción de La mirada del adiós A.I.E, liderada por Cristina Zumárraga a través de Tandem Films su compañía con Pablo E. Bossi, junto a Pecado Films de Jose Alba y Odile Antonio-Baez en la parte andaluza, con Pampa Films en coproducción desde Argentina y el propio Erice con su productora Nautilus Films.

Cuenta con la participación de TVE, MOVISTAR PLUS+, CANAL SUR, EiTB y TELEMADRID, con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Comunidad de Madrid y Diputación de Granada. El rodaje transcurrió en diversas localizaciones de Granada, Almería, Madrid, Alcalá de Henares, Segovia y Asturias.

Para su nuevo largometraje Erice ha contado con Valentín Álvarez como director de fotografía, con quien ya trabajara en “La Morte Rouge” y “Vidros partidos”, la aportación de Erice a “Centro Histórico”, la película promovida por la celebración de la ciudad portuguesa de Guimaraes como Capital Europea de la Cultura, y que incluía también episodios de Pedro Costa, Manoel de Oliveira y Aki Kaurismaki. Y con el sonidista Iván Marín que trabajó con Erice en “Ten Minutes Older”, y en “Erice-Kiarostami: Correspondencias”. La postproducción de sonido será realizada por Juan Ferro.

En el equipo de “Cerrar los ojos” destacan también nombres como Curru Garabal responsable de la dirección de arte, Helena Sanchis que se hará cargo del vestuario, o Ascen Marchena, quien firmará el montaje.  La banda sonora correrá a cargo de Federico Jusid.

AVALON nos informa que “A HUNDRED FLOWERS” se estrenará en cines en España el 16 de junio.

A Hundred Flowers es la opera prima con la que Genki Kawamura fue premiado en el pasado Festival de San Sebastián con la Concha de Plata a Mejor Dirección, convirtiéndose en el primer cineasta japonés en lograr este reconocimiento.

Coescrita junto a Kentaro Hirase, A Hundred Flowers es una adaptación basada en la novela del propio director, Hyakka, que responde al título original de la cinta y que está basada en su experiencia personal con su abuela que hace siete años comenzó a padecer Alzheimer. Una película delicada, que hace un recorrido por los recuerdos, la memoria y la relación a través del tiempo entre una madre y un hijo.

Tras su premiere española en la sección oficial de la 70ª edición del Festival de San Sebastián, A Hundred Flowers tendrá su estreno en cines en España el próximo 16 de junio, con distribución de Avalon.

SINOPSIS: La mente de Yuriko comienza a deteriorarse rápidamente, ya que padece de demencia. Sin embargo, para su hijo Izumi, los recuerdos de su madre permanecen tan nítidos como cuando vivió la experiencia que los originó. El recuerdo de una vivencia lo persigue y atormenta especialmente: cuando pensó que ella había desaparecido.

MADAVENUE PR. COMMUNICATIONS nos informa que a partir del 2 de junio se podrá ver de nuevo en cines “TORO SALVAJE” supervisada por Martin Scorsese y Thelma Schoonmaker.

De la mano de LOST AND FOUND y PARK CIRCUS, el 2 de junio se reestrena en los cines españoles TORO SALVAJE en una nueva copia restaurada en 4K, aprobada y supervisada por Martin Scorsese y  su montadora habitual Thelma Schoonmaker, que ganó uno de sus tres Oscar por esta película. 

En “Toro salvaje”, Robert De Niro se unió al director Martin Scorsese para crear una de las obras maestras eternas de la historia del cine. Nominada a ocho Premios Oscar, incluyendo a Mejor Película y Mejor Director, este clásico contemporáneo, calificado por The New York Times como “ambicioso, violento, poético y lírico”, fue elevado por la crítica americana a la mejor película de la década a finales de los ochenta. De Niro, que recogió la estatuilla a Mejor Actor protagonista (su primer Oscar fue como secundario en El Padrino II), interpreta con gran fuerza a Jake LaMotta, un boxeador cuyas complejidades psicológicas y sexuales estallan con violencia tanto dentro como fuera del ring. Cathy Moriarty y Joe Pesci le acompañan en el memorable reparto del filme. 

Basada en el libro del boxeador Jake LaMotta, Raging Bull: My Story, “Toro salvaje” narra la historia biográfica del famoso luchador. Sin embargo, como dice la crítica cinematográfica Christina Newland a propósito del reestreno, la película de Scorsese "se aleja del ámbito del biopic deportivo tradicional para abordar sin tapujos el machismo en un entorno marginal, sin gloria ni ningún afán de glamour. En lugar de la historia redentora que cabría esperar de la vida de un italoamericano criado en las duras y precarias viviendas del Bronx, infestadas de mafias, a principios del siglo XX, el director de Taxi Driver construye un sorprendente y arriesgado filme sobre la masculinidad y la violencia, que no contiene ninguna sensación de victoria o éxito reales".

“Toro salvaje” no es cualquier película para Scorsese. Tras una etapa muy autodestructiva que lo puso en la cama del hospital de gravedad por un consumo excesivo de drogas, la historia de LaMotta se le presentó como una suerte de mecanismo expiatorio a través del arte. Fue De Niro quien le recomendó el libro del célebre boxeador y lo convenció. Se añadió Paul Schrader al guión y el resultado fue este mítico filme. Más allá de lo personal, Scorsese decidió rodarla en blanco y negro porque vio cómo sus primeros filmes se estaban ya deteriorando y perdiendo color. En ese momento decidió que debía salvaguardar su legado, pero también el de otros y de esta idea nació The Film Foundation, organización fundada por el mismo director, dedicada a la conservación, la recuperación, la promoción y la exhibición de cine clásico y restaurado. 

Aprobada y supervisada por Martin Scorsese y por su montadora habitual Thelma Schoonmaker, ganadora de su primer Oscar por este filme (sus otras dos estatuillas también fueron por trabajos con Scorsese, El aviador y Los Infiltrados), esta nueva copia se creó en resolución 4K a partir del negativo de cámara original de 35 mm. La banda sonora original también se remasterizó a partir de la pista magnética de 35 mm. 

El reestreno llega de la mano de LOST & FOUND, distribuidora de reciente creación que tiene por especialidad el cine restaurado, habiendo organizado en los últimos meses un ciclo a la pionera directora húngara Márta Mészáros. Este ciclo pudo verse en distintas filmotecas y salas comerciales de toda España y se encuentra disponible en Filmin desde hace unas semanas. LOST & FOUND también está detrás de la recuperación de Érase una vez..., clásico perdido de la animación española, rescatado recientemente por Filmoteca de Catalunya; y ha trabajado en programas que ponen a dialogar el cine del pasado con el del presente de la mano de realizadores como Helena Wittmann o Cyril Schäublin.

En la próxima edición del Festival de Cannes se estrena Killers of the Flower Moon, otro proyecto muy personal para Scorsese que lleva años intentando levantar y en el que, contrariamente a lo que suele hacer, se ha reservado un espacio como coguionista, cuando su conceptualización suele recaer más en la puesta en escena y esto se lo deja a otros. Es muy raro que firme sus guiones. Aquí repite con su actor fetiche, Robert De Niro. 43 años después, Scorsese sigue siendo relevante para el cine contemporáneo. 

NOMINACIONES Y PREMIOS

TORO SALVAJE obtuvo 8 nominaciones en los Premios Oscar de 1980, incluyendo a Mejor Película y Mejor Director para Scorsese, de entre los que se alzó con la estatuilla a Mejor Actor para Robert De Niro y a Mejor Montaje para Thelma Scoonmaker. Ese mismo año, consiguió 7 nominaciones en los Globos de Oro, de entre las que De Niro también fue el ganador a Mejor Actor. En los Premios BAFTA, Joe Pesci logró el premio a Mejor Actor Revelación y Schoonmaker a Mejor Montaje. El reparto de la película también salió victorioso en los premios del Círculo de Críticos de Nueva York -con el galardón a Mejor Actor para De Niro y Mejor Actor Secundario para Pesci- y en los de la Asociación de Críticos de Los Ángeles, donde, además de De Niro, TORO SALVAJE obtuvo el premio a Mejor película.

SINOPSIS: Jake LaMotta es un joven boxeador que se entrena duramente con la ayuda de su hermano y mánager Joey. Su sueño es convertirse en el campeón de los pesos medios. Pero Jake es un paranoico muy violento que descarga su agresividad tanto dentro como fuera del ring. Incluso su hermano es víctima de su enfermizo carácter. Cuando, por fin, alcanza el éxito, su vida se convierte en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio marcha cada vez peor debido a sus constantes salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia lo presiona para que amañe combates.

TORO SALVAJE SE REESTRENA EN UNA NUEVA COPIA EN 4K CINES EL PRÓXIMO 2 DE JUNIO

sábado, 6 de mayo de 2023

LA MALA FAMILIA: CRÍTICA DE CINE

La mala familia está dirigida por Nacho A. Villar y Luis Rojo, ambos comparten guion con Raúl Liarte. “Para mí no hay justicia, si la justicia no actúa a su tiempo”

El documental sigue la historia de un grupo de amigos: Andrés Pizarro, Jonathan Echeverry, Juan Sebastián Murillejo, Natanael de Jesús Rosario, Byron Alejandro Gaibor y Jamel Stalin, quienes tras ser juzgados por provocar un grave altercado, se ven condenados a un año de cárcel y a pagar una indemnización que supera los 50.000€ (Esta multa debe ser abonada entre los seis).

La distancia no será un impedimento para seguir en contacto, pues lo hacen a través de videollamadas desde sus puestos de trabajo u otros lugares, menos Andrés, que se encuentra confinado y no puede mantener conexión con el exterior, salvo con su novia. Andrés recibe un permiso de fin de semana y todos sus colegas, su “mala familia”, le preparan una fiesta en el pantano. En dicho espacio natural pasarán el día hasta que se pone el sol. Tendrán tiempo para celebrar comiendo, bebiendo, fumando y escuchando música, jugar como niños en el agua, conversar y hasta reflexionar sobre lo que han vivido y perdido en esos años.

Un relato, en el que sus protagonistas pasarán por el amplio abanico de los  diferentes estados emocionales, desde la euforia compartida por estar de nuevo juntos, hasta desembocar en los dramas más personales, entre los silencios, miradas y algunos enfrentamientos verbales. Una obra que no pretende juzgar sino mostrar. Un filme que no busca la complicidad sino exhibir la realidad de una parte de la sociedad, de esa sociedad marginada. Una película que se abraza con fuerza a los lazos de amistad que no precisan de la consanguinidad para llamarse hermanos, porque en realidad lo son, desde el día en que se conocieron y decidieron protegerse y compartir lo poco que tenían. Las familias son más diversas de lo que muchos puedan imaginar.

La mala familia exhibe un drama social, honesto y enfocado en la desigualdad enraizada en el sistema que se ha cebado en estos jóvenes y que con absoluta naturalidad, nos exponen sus miedos, sus sueños, sus problemas, sus deseos de cimentar una nueva vida, un hogar y de tener un trabajo digno para salir del pozo en el que se encuentran; encarándose a sus luchas internas, las cicatrices invisibles y visibles que les han marcado y la necesidad de ser aceptados por una sociedad que les ha dado la espalda y al igual que el guionista y directores del filme, no seré yo quien les juzgue, pues no conozco realmente el alcance y gravedad de sus delitos, ya que estos pasan de puntillas por la pantalla, pero aun así, si ya han pagado su deuda con la sociedad, creo que merecen una segunda oportunidad y que tal vez, estos jóvenes como otros que están pasando por situaciones similares, sorprendan positivamente a la sociedad ofreciendo el potencial que se alberga en su interior.

Destacaré dos momentos de la película, aunque hay muchos. La escena en la que Andrés lee la carta a sus amigos, una carta que no pudo enviar debido a su confinamiento y por otro lado, el momento en que uno de los chicos afirma que ellos no han sido ángeles, pero que ahora tienen un curro.

Para finalizar mencionaré la correcta fotografía de Michal Babinec entre los diferentes formatos de pantalla y la banda sonora que acompaña al film en la partitura de Olivier Arson. Una película de rabiosa actualidad y que considero muy importante su visionado.

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de Mayo.

REPARTO: Está compuesto por un grupo de amigos, que forman la mala familia.

PRODUCTORA: Icónica// Tasio// Birth// Blur.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sideral Cinema.

TEATROS DEL CANAL ESTRENA "MENTIRAS DELGADAS O UN JUZGADO DE CUPLÉ"

El tenor Enrique Viana estrena en Teatros del Canal Mentiras delgadas o Un Juzgado de cuplé.

El artista madrileño pone humor a una obra sobre un cantante retirado al que convocan a juicio, que presenta en Las Noches del Canal del 9 al 11 de mayo.

Humor y sátira caracterizan las producciones que el tenor Enrique Viana ha venido estrenado paralelamente a su trayectoria como cantante de ópera y difusor del bel canto. A ello responde su último espectáculo, una muestra de teatro musical, estreno absoluto en Las Noches del Canal. 

Mentiras delgadas o Un juzgado de cuplé, interpretado por Viana y el pianista Miguel Huertas pone en escena (del 9 al 11 de mayo), a un cantante retirado en un pueblo empieza a recibir cartas (del juzgado, de Hacienda, del banco) y es convocado a un juicio. En él contará y cantará sus desórdenes mentales.

La crítica ha destacado la vertiente transgresora del tenor en sus producciones. “Viana insumiso, Viana provocador, artista original, de voz propia, indomable. Una muestra de inteligencia, sagacidad, buen gusto y disparate en iguales proporciones.”, escribió de él el periodista Jesús Ruiz Mantilla en El País.

Trayectoria

Enrique Viana nace en Madrid. Estudia la carrera superior de canto en el Real Conservatorio Superior de Música y más tarde en Barcelona, Milán, Siena, Roma y París. Se especializa en el repertorio belcantista y en autores románticos franceses. En su estancia en Italia estudia la obra y la figura de Gaetano Donizetti, investigando su escritura y llegando a tener en su repertorio hasta 70 arias de este compositor al que ha dedicado ciclos en diversos países. 

En los escenarios ha participado en Rigoletto, La traviata, Falstaff, Le nozze di Figaro, Don Pasquale, La cenerentola, La cambiale di matrimonio, Tancredi, Le comte de Griolet, La jolie fille de Perth, Die Entführung aus dem Serail, Lucia de Lammermoor, Der Rosenkavalier, L’incoronazione di Poppea y Die Lustige Witwe, entre otras óperas.

Como solista ha actuado en festivales, ciclos y teatros en Europa, América y Asia. Ha actuado con directores como Ros-Marbà, Gómez-Martínez, López Cobos, Weikert, Debart, Raichev, Angeloff, Delibozov, García Asensio, Durand, Kriegger, Palumbo, Cayers, Rousset y García Calvo. Como profesor ha impartido cursos y conferencias en universidades y conservatorios del país y del extranjero. 

Ha dirigido y coordinado varios cursos sobre el bel canto en el siglo XIX y sobre la ópera romántica francesa. Ha publicado artículos sobre belcanto en Scherzo o Cavatina; y escrito notas al programa para recitales y títulos belcantistas. 

Ha dirigido los espectáculos Quo Vadis, La locura de un tenor, Tenor, vivo… y al rojo, Música y excusas, A vueltas con la Zarzuela, Banalités y Vianalités. Para el Teatro Real de Madrid ha estrenado Tardes con Donizetti, Rossiniana, alta en calorías y Algo se cuece en la Plaza.

Para el Teatro Arriaga de Bilbao Ni fú ni fa# y Arriaga, egunon y para el Teatro de la Zarzuela Ven a la Zarzuela y Arsenio por compasión. En Teatros del Canal, participó como narrador en la zarzuela El orgullo de quererte de Javier Carmena que se estrenó en julio del año pasado.

viernes, 5 de mayo de 2023

ASEDIO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y México, ASEDIO, está dirigida por Miguel Ángel Vivas con guion de Marta Medina, adaptando una historia escrita por el propio director y José Rodrigo.

Del interior de un furgón de antidisturbios bajan varios miembros de la policía, para realizar el desahucio de un hombre mayor y algunos ilegales. Entre los agentes se encuentra la novata Dani (Natalia de Molina), quien se ve abrumada por cuanto la rodea. Será testigo del suicidio del anciano, que se tira por un balcón y de otros acontecimientos. Mientras inspecciona uno de los domicilios, se encuentra una importante suma de dinero detrás de un armario. Tras dudar, decide llevarse los fajos de billetes escondidos bajo el uniforme y el chaleco antibalas. Mientras realiza la operación, escucha acercarse a algunos de sus  compañeros y se esconde en el interior de un agujero que hay en una de las paredes presenciando, con asombro, que un grupo de policías están involucrados en un caso de corrupción. Graba todo con el móvil, pero es descubierta y…

El guionista y director, Miguel Ángel Vivas, se licenció en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid y obtuvo un diploma en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunicación de Madrid (ECAM). Se inició en el cortometraje con “Tesoro” 1999 y en el largometraje con “Reflejos” 2001 continuando con “Secuestrados” 2010, “Extinction” 2015, “Inside” 2016, “Tu hijo” 2018 y en este 2023 nos ofrece “Asedio”. También cuenta con los cortometrajes “El hombre del saco” 2002, “I`ll See You in My Dreams” 2003 y “The Room” 2011. Para televisión ha dirigido el telefilme “Cuéntame un cuento: Los tres cerditos” 2014, las series “Apaches” 2015, “La casa de papel” 2017, “Vivir sin permiso” 2018, “Desaparecidos” y “Vis a vis: El oasis” 2020 y “Zorro” 2023.

Asedio, acorrala al espectador desde el primer fotograma hasta llegar al final, entre las garras de un filme asfixiante en el que la acción, no se detiene ni un solo instante y que Miguel Ángel, logra mantener a lo largo de sus 100 minutos de metraje, en medio de una dirección explosiva y sobrecogedora. Cuenta con una ingeniosa y laberíntica puesta en escena y una tensión emocional in crescendo, que no puede evitar recordarnos a un videojuego, más, cuando entramos en contacto con ese submundo en el que los perseguidos cobran protagonismo y el camino de salida se complica a cada paso, elevando el estado de claustrofobia y la sensación de angustia.  

Vivas nos incita a ser parte activa, acompañando a Dani en su caía a los infiernos y para ello toma la cámara en mano y abre camino, invitándonos a que le sigamos y traspasemos las paredes, habitaciones, oquedades, pasillos interminables y cuantos obstáculos se nos interponen en un recorrido de espacios estrechos, tétricos, destartalados y mugrientos; percibiendo el pánico y la angustia que Dani está experimentando. Miguel Ángel ha creado un thriller que traspasa el cuerpo y el alma de los personajes y por ende el de los espectadores, originando crítica social sin aleccionar, dejando que sea el propio espectador quien saque sus propias conclusiones, pues las genuinas pretensiones de Miguel Ángel, están en que se disfrute del espectáculo que ha preparado, disparando la adrenalina y cortándonos la respiración. Es como subirse a una gran montaña rusa de emociones y percepciones, entre el vértigo que causa la rapidez, los giros constantes, las subidas y bajadas, los profundos diálogos, los encuentros y desencuentros y lo desconocido, todo ello, sin dar tregua al espectador.  

Si bien Miguel Ángel nos sumerge en las entrañas de ese edificio que parece tener vida propia, entre los planos secuencia y planos cortos, la ambientación y la fotografía; aspectos técnicos de los que más tarde os hablaré, será su protagonista principal, Dani, a quien seguiremos en su viacrucis personal, pues siendo la cazadora se convierte en la presa y como presa, se verá obligada a luchar por salir airosa del trance en el que ella misma, por inconsciente, se ha metido y eso, al espectador le pone y mucho. La encargada de encarnar a este personaje que transita entre la timidez, la torpeza, el atrevimiento, los miedos, la impotencia y la rabia, será la maravillosa y genuina Natalia de Molina, a quien debo confesar no imaginaba en el papel de una policía antidisturbios, craso error el mío, pues prácticamente desde los primeros minutos, se adueña de la pantalla. Está maravillosa. 

Llega el momento de hacer justicia con el equipo técnico del que Miguel Ángel se ha sabido rodear para componer cada plano, secuencia, coreografía y dotar a cada uno de ellos con su propia identidad, destacando la magnífica iluminación, la irrespirable fotografía de Rafael Raparaz, el calibrado montaje en las manos de Luis de la Madrid y la banda sonora que se cuela por cada uno de los rincones, estrangulando nuestro sistema nervioso, en la batuta de Sergio Acosta. Cada escena está medida al milímetro, cada espacio exprimido en su dimensión y cada punto de luz ingeniosamente aprovechado entre los correctísimos planos. Nada se nos ofrece de manera gratuita, pues Miguel Ángel realiza una extraordinaria dirección general y actoral, pues aunque he hablado solo de Natalia,  el resto de sus compañeros, cumplen con sus personajes.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de mayo.

REPARTO: Natalia de Molina, Bella Agossou, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea, Alejandro Casaseca, Óscar Eribo.

PRODUCTORA: Apache Films// RTVE// México City Project// Amazon Prime Video.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

TIEMPO DE CULTO WEEKEND EL 6 DE MAYO EN MADRID

PJ Comunicación nos informa que la tercera muestra “Tiempo De Culto Weekend” exhibirá películas cargadas de “optimismo y buen rollo” para “salir sonriendo del cine” el 6 de mayo en Madrid.

Una “sobredosis de buen rollo” es lo que promete la tercera muestra de cine 'Tiempo De Culto Weekend', que se celebrará el sábado 6 de mayo a partir de las 12:00 horas en los cines mk2 Palacio de Hielo (C. de Silvano, 77) de Madrid, con una selección de títulos “cargados de optimismo y esperanza, con los que superar el malestar que generan estos tiempos complicados que vivimos”, según señalan los responsables del evento.

Así, como “antídoto a estos terribles años 20 marcados por pandemias y guerras”, el evento programará cuatro “feel-good movies” de culto, es decir, películas que “hacen sentir bien”, entre las que destacan filmes aclamados por la crítica y el público como 'Cantando Bajo La Lluvia' (1952) o 'Full Monty' (1997). El programa lo completan 'Un Tipo Genial' (1983) y 'Siempre Locos' (1998) y desde la organización confían en que los espectadores “saldrán del cine sonriendo a la vida”.

Tras el éxito cosechado en 2022, la muestra regresa con esta propuesta única, donde también habrá actividades paralelas, como presentaciones, podcasts en directo o coloquios con expertos en el séptimo arte, como los que tendrán lugar tras las proyecciones de 'Un Tipo Genial' y 'Cantando Bajo La Lluvia'. Además, todos los filmes se proyectarán en versión original subtitulada al castellano.

Detrás de 'Tiempo De Culto Weekend' se halla el podcast 'Tiempo De Culto', uno de los programas sobre “cultura pop” más escuchados de España, como atestiguan sus cifras de audiencia en la plataforma Ivoox, y que cuenta con Ángel Codón Ramos y Paco Fox como cabezas visibles. Serán justamente ambos quienes se encarguen de presentar todas y cada una de las películas de la muestra, aportando datos y anécdotas que harán las delicias de los más cinéfilos.

“Si en el siglo pasado la década de 1920 fue calificada como 'Los felices años 20', no hay duda de que en el siglo XXI no hemos empezado el equivalente con buen pie por culpa de pandemias y guerras” señala Fox, quien decidió combatir estos “horrendos años 20 programando películas que den alegría y esperanza”, como 'Un Tipo Genial', su “película-refugio favorita”, y 'Cantando Bajo La Lluvia', que “ha sido una de las 'feel good movies' recurrentes para varias generaciones”.

Sobre 'Full Monty' y 'Siempre Locos', Fox explica que han añadido “otro gran clásico del cine inglés reciente, que son los expertos en este tipo de comedias y una rareza para sorprender al público con una cinta que hace feliz pero pocos conocen”. Asimismo, añade que todas las películas de la muestra “tienen en común la música como instrumento esencial para transmitir la emoción que buscamos proyectar con este evento: alegría”.

Por su parte, Codón Ramos quería “arriesgar con un tema casi anacrónico, como es el buen rollo, y además con películas que se pueden considerar "deep cuts", como 'Un Tipo Genial' o 'Siempre Locos', que son casi imposibles de ver en pantalla grande”. Además, con 'Full Monty' recuperan “un fenómeno con más de 25 años que tiene esa mezcla de tristeza y alegría obrera que tanto se intenta esconder a día de hoy”. Por último, cierran con “uno de los grandes clásicos incontestables de la historia del cine, 'Cantando bajo la lluvia', una fábula clave para rememorar ese pasado mejor que, posiblemente, nunca existió, pero que sigue siendo necesario como punto de referencia", según sus palabras.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para la tercera muestra 'Tiempo De Culto Weekend', que tendrá lugar el sábado 6 de mayo en los cines mk2 Palacio de Hielo de Madrid, ya están a la venta en taquilla y en la web www.mk2palaciodehielo.es. Igualmente se pueden adquirir abonos que incluyen los cuatro títulos de la programación.

PROGRAMACIÓN COMPLETA

“Un Tipo Genial” (Sábado 6 de mayo a las 12:00 horas): El millonario del petróleo Felix Happer, envía a MacIntyre a un pueblo remoto de Escocia para asegurar los derechos de propiedad de los terrenos para una refinería que quieren construir. Mac, junto a Danny, comienza las negociaciones. Los habitantes del lugar, deseosos de obtener beneficios, le ponen las cosas bastante fáciles a Mac y Danny. Sin embargo, un ermitaño local que recoge basura, Ben Knox, vive junto a una playa crucial que también posee y se niega a vender.

“Siempre Locos” (Sábado 6 de mayo a las 16:45 horas): Según la revista Rolling Stone, una magnífica pieza de entretenimiento que captura la vitalidad y la locura del rock de los años sesenta.

“Full Monty” (Sábado 6 de mayo a las 19:00 horas): El cierre de la fábrica de acero de Yorkshire deja sin trabajo a casi toda la población masculina. Gaz, uno de los obreros afectados, perderá el derecho de ver a su hijo si no consigue dinero para pagar la pensión de manutención familiar a su mujer. En medio de la desesperación, se le ocurre una idea, a primera vista disparatada, y se la plantea a los amigos que están en la misma situación: organizar un espectáculo de strip-tease.

“Cantando Bajo La Lluvia” (Sábado 6 de mayo a las 21:00 horas): Antes de conocer a la aspirante a actriz Kathy Selden (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo: fama, fortuna y éxito. Pero, cuando la conoce, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

“Tiempo De Culto de Weekend” está organizado por el podcast “Tiempo de Culto”, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales y la Asociación Pop Culture España.

jueves, 4 de mayo de 2023

MI CRIMEN: CRÍTICA DE CINE

Mi crimen está dirigida por François Ozon, compartiendo guion con Philippe Piazzo, adaptando la obra de Georges Berr y Louis Verneuil. “Me pregunto si he perdido el sentido del bien y del mal”

Se levanta el telón y vemos una gran mansión. Desde el exterior escuchamos ruidos y algunos gritos. Una mujer rubia, Madeleine Verdier (Nadia Tereszkiewicz), abandona la casa y camina con premura hasta llegar a su domicilio, en donde la espera Pauline Mauléon (Rebecca Marder), su mejor amiga y compañera de piso. Madeleine es una joven actriz, guapa, joven, sin talento y sin trabajo; por su parte Pauline es una joven abogada desempleada. Las dos deben varios meses de alquiler.

Mientras conversan sobre la audición que Madeleine ha tenido con el productor Montferrand (Jean-Christophe Bouvet), quien ha intentado abusar de ella, llaman a la puerta. Pauline abre y se encuentra con un inspector de policía, que les comunica que Montferrand ha sido asesinado. Madaleine, es llamada a testificar y tras la conversación que mantiene con el juez de instrucción (Fabrice Luchini), se declara culpable y pide a su amiga Pauline, que sea su abogada. Pero lo verdaderamente importante no será si Madeleine es inocente o culpable, sino todo lo que se origina tras el juicio.

El guionista y director, François Ozon, recibió una educación católica. Se graduó con un doctorado de cine en Paris I y en 1990 entró a formar parte del departamento de dirección de la Femis, redactando una tesis sobre Pialat e iniciándose en la dirección de cortometrajes: “Photo de Famille” y “Les Doigts dans le Ventre” ambos en 1988, “Mes Parents un Jour D´ètè” 1990, “Une goutte de sang”, “Peau contre peau (les risques inútiles)”, “Le Trou madame” y  “Deux plus un” en 1991, “Thomas reconstitué” 1992, “Victor” 1993, “Une rose entre nous” y “Action Vérité” en 1994, “La Petite Mort” 1995, “Une robe d´été” 1996, “Scènes de lit” y “Mirando al mar” en 1997, “X 2000” 1998, “Une Lever de rideau” 2006 y “Quand la peur dévore l´âme” 2007. Dirigió el documental “Jospin S`éclaire” 1995 y el mediometraje “Mirando al mar” 1997. Debutó en el largometraje con “Sitcom” 1998 y continuó con “Amantes criminales” 1999, “Gotas de agua sobre piedras calientes” y “Bajo la arena” ambas en 2000, “8 mujeres” 2002, “Swimming Pool” 2003, “5x2 (Cinco veces dos)” 2004, “El tiempo que queda” 2005, “Ángel” y “Un lever de rideau et autres histoires” 2007, “Ricky” y “El refugio” 2009, “Potiche, mujeres al poder” 2010, “En la casa” 2012, “Joven y bonita” 2013, “Una nueva amiga” 2014, “Frantz” 2016, “El amante doble” 2017, “Gracias a Dios” 2018, “Verano del 85” 2020, “Todo ha ido bien” 2021, “Peter von Kant” 2022 y este año nos presenta “Mi crimen” 2023.

Ozon levanta el telón en la gran pantalla para dar la bienvenida a una obra teatral de los años 30 escrita por George Berr y Louis Verneuil y en cuya adaptación libre, nos ofrece un texto que destila elegancia, sofisticación, fina ironía y crítica feroz. Libreto con el que está claro que François se encuentra muy cómodo y para ello no duda en volver a unir sus dos grandes pasiones: el teatro y el cine, desplegando una  magnífica puesta en escena y cuidando con esmero cada detalle, por insignificante que éste pueda parecer. Nos brinda una nueva lección de buen hacer y en esta ocasión riéndose de todo, incluso de temas serios como pueden ser el patriarcado, el machismo escuchando frases como “Desde hace algunos años las mujeres nos reprimen con desvergüenza”, el feminismo con preguntas que desatan el entusiasmo, “¿no es posible, como mujer, en 1935, labrarse una carrera y llevar una vida en igual de condiciones?”, y atreverse a ridiculizar a quienes presumen de practicar justicia cuando no es así y de esta manera, sin tal vez ser totalmente consciente el espectador pero sí el texto, sembrar la semilla de la cordura y reflexionar sobre determinados comportamientos y reacciones del ser humano, poniendo en el punto de mira la frívola impunidad, pasen las décadas que pasen, desde las diferentes esferas, provocando que la verdad y el engaño se confundan hasta llegar a dudar si se ha perdido el sentido del bien y del mal. “Los culpables que lo niegan todo son terribles, pero los inocentes que se inculpan son exasperantes”

Estamos ante un filme bien orquestado, como ya nos tiene acostumbrados el maestro, dirigiendo con precisión cada tiempo y espacio, a la vez que nos ubica en las distintas estancias por las que transitan los personajes: la sala del juicio, el lugar del asesinato, la comisaría, las salas de estar, los lujosos salones, el interior del teatro y los exteriores entre calles y plazas; bajo una exquisita ambientación de la época y jugando con maestría con el color y el blanco y negro, a través de la elegante fotografía de Manuel Dacosse, con quien ya ha trabajado en otros filmes, como también lo ha hecho con el compositor Philippe Rombi, que nos ofrece una partitura dinámica y alegre, el montador Laurence Gardette otorgando agilidad al filme y la diseñadora Pascaline Chavanne, con un cuidado y elegante vestuario. Un equipo muy bien avenido, para un filme juguetón que toca los temas con ironía, siempre la más refinada ironía.

Ozon no solo realiza una gran dirección general sino también actoral. Regala a cada uno de sus actores un personaje con el que divertirse y lo hacen. Todos a una, como los mosqueteros, disfrutan y consiguen hacer disfrutar. En esta ocasión me voy a decantar por el trío femenino protagonista, aunque en el lado masculino cuente con nombres tan importantes como Fabrice Luchini, Danny Boon y André Dussollier; pero son ellas, sin ninguna duda, las estrellas absolutas de la función. Por un lado Nadia Tereszkiewicz en el papel de la joven y guapa actriz y Rebecca Marder como la abogada defensora; ambas están divertidísimas y  completando el trío, la gran dama y siempre impecable, Isabelle Huppert, quien en una deliberada sobreactuación, parodia a una estrella del cine mudo que busca el protagonismo tras ver triunfar a Madeleine  y que si bien en sus películas no decía ni una palabra, fuera de la pantalla, habla lo que no está escrito, la contención no es lo suyo. Estamos por tanto, ante una inteligente comedia negra.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de mayo.

REPARTO: Nadia Tereszkiewicz, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Dany Boon, Jean-Christophe Bouvet, Rebecca Marder, Michel Fau, Radostina Rodliano, Félix Lefebvre, Edouard Sulpice, André Dussollier, Olivier Broche, Franck de la Personne, Evelyne Buyle, Régis Laspalès, Daniel Prévost, Myriam Boyer, Suzanne De Beacque, Lucía Sánchez, Jean-Claude Bolle-Reddat, Dominique Besnehard.

PRODUCTORA: Mandarin Cinéma

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films España y Bteam Pictures.

miércoles, 3 de mayo de 2023

GUARDIANES DE LA GALAXIA: VOLUMEN 3: CRÍTICA DE CINE

Guardianes de la Galaxia: Volumen 3 está escrita y dirigida por James Gunn, basándose en el cómic de Dan Abnett y Andy Lanning. “La familia y la amistad en el centro de la nueva aventura”

El prólogo nos lleva al pasado de Rocket (Voz de Bradley Cooper), cuando siendo un cachorro experimentaron con él, al igual que con otros animales. De vuelta a la realidad, se nos muestra a Rocket sentado en unas escaleras, pensativo y cabizbajo. Se levanta y camina por las calles de Sapiencial, observando como sus compañeros trabajan y se relacionan con el resto de los habitantes, en el día a día. Drax el Destructor (Dave Bautista), Nebula (Karen Gillan), Mantis (Pom Klementieff) y Groot (Voz de Vin Diesel). Rocket llega a la taberna en la que Peter Quill (Chris Pratt) se halla bajo los efectos del alcohol en un inútil  intento de olvidar la pérdida de su gran amor, Gamora (Zoe Saldaña). Rocket avisa a los demás cuando Quill cae al suelo y Nebula le lleva en brazos hasta la cama.

La tranquilidad de Sapiencial se ve interrumpida por la irrupción de Adam Warlock (Will Poulter), enviado por Ayesha (Elizabeth Debicki), volando, destruyendo cuanto se encuentra a su alcance y entrando en combate con los guardianes, pues su misión es destruirlos. Rocket cae mal herido y el resto de los guardianes deciden ir en busca de lo único que puede salvar la vida de su compañero, lo que dará inicio a una nueva aventura y el conocer a un nuevo miembro, estaba vez canino, Cosmo el perro espacial (Voz de María Bakalova), quien posee el don de la telequinesia.

Guardianes de la Galaxia Vol.3, se convierte en la película número 32 del UCM (Universo Cinematográfico de Marvel), que ya cuenta con dos entregas anteriores, “Guardianes de la Galaxia” 2014 y “Guardianes de la Gala Vol.2” 2017. Las tres están escritas y dirigidas por James Gunn, producidas por Marvel Studios, distribuidas por Walt Disney Studios Motion Pictures y con un elenco actoral sobradamente conocido por los fans, aunque en esta ocasión contará con un nuevo miembro: Cosmo el perro espacial, que el director decidió que fuera una perra como homenaje a Laika, la perra espacial que viajó a bordo  del Sputnik 2 el 3 de noviembre de 1957 y que falleció por falta de oxígeno una semana después del lanzamiento.

El actor, productor, guionista y director, James Gunn, estudió en Saint Louis University obteniendo la licenciatura en Humanidades en Psicología en 1992. Cursó estudios de cine en Loyola Marymount  University en Los Ángeles durante dos años y finalizó sus estudios obteniendo una maestría en Bellas Artes en Columbia University de Nueva York en 1995. Desde niño disfrutaba con películas de terror, entre ellas el gran clásico “La noche de los muertos vivientes”. Con tan solo 12 años y su cámara de 8mm filmó algunas cintas de zombis, junto a sus hermanos. Sus primeros trabajos los realizó con la productora y distribuidora “Troma Entertainment”. Debutó con los cortometrajes “Sgt. Kabukiman Public Service Announcement” y “Hamster PSA” 1997. Su ópera prima en el largometraje llegó en 2006 con “Slither: La plaga” para continuar con “Super” 2010,  “Movie 43” 2013, “Guardianes de la galaxia” 2014, “Guardianes de la galaxia Vol. 2” 2017, “El escuadrón suicida” 2021 hasta llegar a este año que nos ofrece “Guardianes de la galaxia Vol. 3” 2023. También ha rodado el cortometraje “Humanzee! 2008, las series de televisión “PG Porn” 2008 y “El Pacificador” 2022, el mediometraje “Guardianes de la Galaxia: Especial Felices Fiestas” 2022 y el videoclip musical “Guardians of the Galaxy: Interno” 2017, además de otros trabajos entre los que se encuentran sus intervenciones como actor.

Como decía en el inicio, la familia y la amistad están en el centro de esta tercera entrega. Una aventura en la cual las emociones y los sentimientos cobrarán un importante protagonismo en batallas personales, hurgando en el interior de estos seres tan distintos al resto de la franquicia y que sin duda, es donde estriba su encanto. Un filme con alma y corazón. El alma en la figura de Rocket y el corazón de sus amigos, en especial el de Star-Lord. Esa alma será la causante de reunir a los guardianes, que como la familia que son, entre sus fuertes personalidades y desavenencias, lucharán por hallar el “elemento” que cure a su gran amigo Rocket, conocido también como 89P1. Una narración que gira en gran parte en torno a la figura de este querido mapache de fuerte temperamento y cuya historia atrapará al espectador, al ser testigo de un pasado doloroso y emocional por igual, mostrado en toda su crudeza a través de los diversos flashback y paralelamente, el corazón de Star-Lord/Peter Quill, dividido entre la angustia de ver sufrir a su gran amigo y la emoción ante el encuentro con la nueva Gamora, a la que intentará seducir y convencer, con ese punto canalla que le caracteriza, de la buena pareja que hacían juntos; pero ella parece no estar por la labor como así se lo hace saber en el interior de un ascensor “Esa persona era una versión alternativa de mí” pero Quill, no cesará en su empeño, provocando  situaciones muy divertidas.

Gunn cierra su trilogía de manera brillante y dejando con un gran sabor de boca a los fans y amantes del gran universo Marvel. En sus dos horas y media de metraje, predomina el lado humano de estos personajes que nos han ido cautivando con sus locuras, desde la primera entrega en 2014, mostrando los fuertes lazos que se pueden crear entre seres tan diversos, tan diferentes entre sí cuando existe el respeto, el amor, la complicidad, la amistad y un mismo propósito, sin olvidar sus puntos irreverentes que les convierten en los más divertidos y asados de la galaxia. Estoy convencido que les vamos a echar en falta.

Voy a ir terminando, porque deseo que disfrutéis de este filme como yo lo he hecho. Lo que os he contado tan solo es un aperitivo del gran banquete que os espera, pues Gunn ha escrito cada línea de este guion con el amor y el cariño que dispensa a estos individuos y lo ha plasmado de la misma manera, dejando que sus actores se emocionen y diviertan como lo ha hecho él. Interpretaciones correctísimas encarnando a unos seres que siempre recordaremos y llevaremos en nuestro corazón.

Menciones especiales para el gran equipo técnico que llena la pantalla de espectaculares efectos visuales, la extraordinaria fotografía de Henry Braham y por supuesto, la esperadísima banda sonora que además de la compuesta por John Murphy, Peter Quill, con su inseparable y legendario Walman, llena la galaxia de temas imperecederos que se escuchaban y se siguen oyendo en la Tierra, formando parte de la gran historia de la música. Una maravillosa recopilación compuesta por: 1.-“Creep” Radiohead.  2.-“Crazy on You” Heart. 3.-“Since You Been Gone” Rainbow. 4.-“In the Meantime” Spacehog. 5.-“Reasons” Earth, Wind and Fire. 6.-“Do You Realize??” The Flaming Lips. 7.-“We Care a lot” Faith No More. 8.-“Koinu no Carnival” From “Minute Waltz” (Instrumental) Ehamic. 9.-“I´m Always Chasing Rainbows” Alice Cooper. 10.-“San Francisco” The Mowgli`s. 11.-“Poor Girl” X. 12.-“This is the Day” The The. 13.-“No Sleep Til Brooklyn”Beastie Boys. 14.-“Dog Days Are Over” Florence + The Machine. 15.-“Badlands”Bruce Springsteen. 16.-“I Will Dare” The Replacements y 17.-“Come and Get Your Love” Redbone (Rerecorded Version)

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de mayo.

REPARTO: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Elizabeth Debicki, Pom Klementieff, Will Poulter, Karen Gillan, Sylvester Stallone, Sean Gunn, Daniela Melchior, Chukwudi Iwuji y las voces de Bradley Cooper,  Vin Diesel y María Bakalova.

PRODUCTORAS: Marvel Studios// Marvel Entertainment

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.