SIN OXÍGENO: CRITICA DE CINE

Sin Oxígeno está dirigida por Alex Parkinson compartiendo guion con Mitchell LaFortune y David Brooks.

Chris Lemons (Finn Cole) es un experto buceador a punto de enrolarse en una nueva misión que le alejará de su novia Morag (Bobby Rainsbury), durante un mes. Un mes a bordo de un barco cuyo trabajo consiste en el mantenimiento de tuberías en las profundidades del  Mar del Norte, labores que deberá ejecutar junto a dos compañeros: Duncan Allcock (Woody Harrelson) y Dave Yuasa (Simu Liu). Durante una de las inmersiones y debido al gran temporal que se desata, se ven obligados a regresar al barco pero Chris sufre un accidente, perdiendo los tubos que le unen a la plataforma. Cuenta con menos de diez minutos de oxígeno, para ser rescatado, lo que da pie a una carrera contrarreloj.

El guionista y director, Alex Parkinson, es un conocido documentalista de la naturaleza que ha trabajo extensamente en televisión. Entre sus trabajos encontramos series como: “20th Century Roadshow” 2005, “What Happened Next?” 2008, “Superhumans” 2010, “Fake or Fortune?” 2011,  “Survive the Tribe” 2014, “A Cook Abroad” 2015, “James Martin: Home Comforts” 2015/16, “Primal Survivor” 2017, “River Monsters” 2010/17, “Jeremy Wade´s Dark Waters” 2019. Las Miniseries: “Mud, Sweat &Tractors: The Story of Agriculture” 2009, “Jeremy Wade`s Mighty Rivers” 2018. Los telefilmes “The Born Free Legacy” 2010, “Seven Days That Made the Fuhrer” 2013, “Lucy, the Human Chimp” 2021. Cuenta además con los documentales para cine “Last Breath” 2018 y “La vida entre leopardos” 2024. Este año nos llega su primer largometraje ficcionado  “Sin oxígeno 2025.

Si hay algo que me fascina de una película cuya trama ya conozco en gran medida, es que me sorprenda y sin duda, este filme lo hace muy positivamente a lo largo de su ajustado y correcto metraje. Un filme veraniego, con olor a mar y en el cual la tragedia se masca desde el preciso instante en que conocemos a sus protagonistas y aún más, sabiendo que está basado en hechos reales; concretamente en  la historia del buceador de saturación altamente especializado en aguas profundas, Christopher Lemons. Apenas salí del pase, indagué en su historia porque me quedé intrigado con el suceso y su trabajo tras el percance. Os invito a que vosotros también lo hagáis, para conocerlo un poco más en profundidad. Resulta muy interesante.

En esta ocasión, como sucede en otros biopic, aunque este no sea precisamente un filme dedicado a Lemons, sí se convierte por derecho propio en el protagonista principal o así lo presentimos gracias a la extraordinaria interpretación de Finn Cole. Estamos ante una agradable y gratificante sorpresa muy bienvenida en estas fechas estivales, en donde escasean los estrenos. Una sorpresa de la que se apodera la ansiedad al saber que tan solo 10 minutos de oxígeno de emergencia, son los que Christopher dispone para vivir o morir. 10 minutos, que en la gran pantalla resultan agonizantes, demoledores y asfixiantes.

Recuerdo una frase que escuché en una serie “Aún no es tiempo para morir” a lo que en esta ocasión sumaría “Pero sí para luchar por la supervivencia” y eso precisamente es lo que hizo en su momento Lemons, luchó cuando le quedaban 10 minutos y aún más, cuando tras quedarse sin oxígeno y siendo testigos de que sus compañeros por mucho que lo intentaban, no podían rescatarlo, comenzó para él, no la cuenta atrás, sino la cuenta adelante. ¿Serían capaces de rescatarlo? ¿Cuánto tiempo podría estar sin oxígeno en las profundidades del frio y helador Mar del Norte? Os aseguro que la angustia y la tensión están aseguradas y pienso que desde las butacas del cine, consciente o inconscientemente, el espectador intentará insuflar oxígeno al chico. Los segundos y minutos se cuentan en la sala en un estado de eternidad, mientras nuestras miradas transitan de un lado a otro, desde el interior del barco a la profundidad del mar y es aquí cuando entran dos de los elementos más importantes de una película. La extraordinaria fotografía de Nick Matthews, quien nos ofrece con suma maestría y elegancia estampas que nos llevan desde los contenedores donde se alojan los submarinistas, pasando por las dependencias del barco hasta sumergirnos en las heladoras aguas del Mar de Norte. Imágenes de gran impacto visual, brillantemente retratadas y muy bien acompañadas por la dramática banda sonora de  Paul Leonard- Morgan. Cada nota nos agita y nos corta la respiración.

Esta nueva versión de su largometraje documental del mismo título “Last Breath” de 2018 que en España se tituló “El último aliento”,  llega cargada de más emociones gracias su elenco actoral, pues además de la mencionada interpretación de Finn Cole, el resto resultan absolutamente creíbles entre los que destaco a los compañeros de inmersión, que nunca lo abandonaron: Woody Harrelson como Duncan y Simu Liu dando vida a David.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de agosto.

REPARTO: Woody Harrelson, Finn Cole, Simu Liu, Cliff Curtis, Mark Bonnar, MyAnna Buring, Josef Altin, Bobby Rainsbury, Nick Biadon, Connor Reed, Riz Khan, Aldo Silvio, Kevin Naudi, Claudiu Baciu, Muhammad Arnini Bin Ariffin, Ramon Camilleri y Yaroslav Musii.

PRODUCTORA: Dark Castle Entertainmet// Met Film// Longshot Film Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice 360.

FUERA DE LA LEY (Greedy People): CRITICA DE CINE

Fuera de la ley (Greedy People), está dirigida por Potsy Ponciroli con guion de Mike Vukadinovich.

Will (Himesh Patel) es un agente de policía al que destinan a Providence, un pequeño pueblo marítimo junto a su mujer embarazada, Paige (Lily James). Will acude a la comisaría en su primer día de trabajo y Murphy (Uzo Aduba) le asigna un compañero, Terry (Joseph Gordon-Levitt) quien le mostrará el pueblo y a sus habitantes. En un momento determinado Terry se detiene frente a una casa y le comenta que va a desayunar, Will se sorprende y le hace entender que va a visitar a su amante. Will espera paciente durante largo tiempo en el interior del coche hasta que recibe, a través de la radio, un aviso de robo. Will intenta avisar a su compañero pero este no responde, sigue en la faena. Will acude a la llamada y se confunde de casa entrando en el domicilio de Virginia (Traci Lords). Un disparo, un susto, un enfado y  entre ellos surge un rifirrafe que desemboca en la muerte accidental de Virginia. Este es el mejor momento para dejar la sinopsis, porque lo que pasa a continuación, no dejará de sorprenderte.

Poco sabemos sobre  Potsy Ponciroli, salvo que es un productor, guionista y director de cine y televisión. Debutó en la dirección con “Super Zeroes” 2012, “Colt Ford: Crank It Up y Live at Wild Adventures 2014, “Old Henry” 2021 y este año nos presenta “Fuera de la ley” 2024. También cuenta con los videoclips “Jerrod Niemann: Lover, Lover” 2010 y “Colt Ford ft. Jason Aldean: Drivin`Around Song” 2013 y algunos capítulos de la serie “Still the King” 2016/17.

Es fácil resumir esta película, una comedia negra, sencilla y extravagante en la que no queda títere con cabeza, pero como me llamaríais perezoso por no dedicarle unas cuantas líneas extras, empezaré diciendo que la obra se divide en varios capítulos: Los polis, el masajista, el marido, el colombiano, la mujer y el niño; cada uno de ellos va acompañado de una frase que dirán en un momento determinado alguno de los personajes, pero no me dio tiempo a copiarlas. No se puede estar atento a las imágenes, a la acción, los subtítulos, porque no sé inglés y escribir a la vez en el cuaderno, es mucho para una sola persona y dicho esto y que no sirva como pretexto, continuemos.

Fuera de la ley se apoya en dos magníficas y divertidas interpretaciones, las de Joseph Gordon-Levitt y Himesh Patel. Si os habéis percatado, he puesto los nombre de los actores en el orden inverso a la sinopsis, el motivo es para otorgarles el mismo reconocimiento, pues sinceramente, no me imagino esta película con otros actores y la estrecha complicidad que surge entre ellos. Tras los primeros minutos en los cuales se nos muestra las personalidades de Will y Terry, el uno felizmente casado y esperando a un bebé y el otro un soltero mujeriego que habla sin cesar, surge el primer cadáver y el millón de dólares que alguien ha ocultado en el interior de un cesto de mimbre; es en ese preciso instante cuando todo se desata y comienza una carrera sin frenos para que no les pillen y lo más importante, no morir en el intento.

Un filme muy predecible y aunque esta palabra esté demasiado manida, es necesario decir que lo es, pero sinceramente a mí me dio lo mismo, me lo pasé como un niño pequeño cuando se le deja delante de la televisión con sus dibujos favoritos y algunas golosinas; no me moví ni un centímetro de la butaca salvo para carcajearme. Es todo un disparate y en cuanto a disparos, también hay para dar y tomar. A todo este desenfreno controlado y equilibrado por Ponciroli, ayudan mucho los secundarios.

En ese tranquilo pueblo, sus habitantes además de no estar muy en sus cabales, resultan excesivamente codiciosos, desde Virginia que parece Bruce Lee con sobrepeso, madre mía que manera de pelear, el marido de esta, Wallace interpretado por Tim Blake Nelson, que también tiene lo suyo con el tráfico de camarones; su amante Deborah encarnada por Nina Arianda, una mujer de armas tomar; los dos matones de turno que dan más risa que respeto o la única que parece tener sentido común, la jefa de policía Murphy a quien da vida Uzo Aduba. Está claro que Ponciroli se quiere reír con todos y todos aceptan esa propuesta, hasta los espectadores quienes durante casi dos horas (112 minutos exactamente), se olvidan de sus preocupaciones.

Resumiendo, estamos ante una rareza gratificante, además de por lo que aportan sus actores, la música de Jordan Lehning y la fotografía de Eric Koretz, se agradece su duración y el montaje de Jamie Kirkpatrick. Tiene un metraje perfecto para que el espectador no sienta tedio, que ya es mucho. Si te quieres reír con estos dos policías, los vecinos del pueblo y de lo inverosímil que resulta todo, no te la puedes perder y por cierto, no veas el tráiler. Ya sé que están destinados para ser vistos antes de asistir a la sala, pero en esta ocasión, no, no os lo recomiendo.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de febrero.

REPARTO: Himesh Patel, Lily James, Joseph Gordon-Levitt, Tim Blake Nelson, Simon Rex, Uzo Aduba, Joey Lauren Adams, José María Yazpik, Nina Arianda, Jim Gaffigan, Traci Lords, Travis Przybylski, Michael Harding, Khetphet Phagnasay, Yingling Zhu, Traci Dinwiddie y Neva Howell.

PRODUCTORA: Boies Schiller Film Group// Hideout Pictures// Limelight

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

BLUE GIANT: CRITICA DE CINE

Blue Giant está dirigida por Yuzuru Tachikawa con guion de Number 8, basándose en el manga de Shinichi Ishizuka. “¿Cómo vamos a tocar Jazz, sino conectamos entre nosotros”

Dai Miyamoto, saxo tenor (voz de Yuki Yamada), tiene 18 años y vive en Sendai. Su pasión es el Jazz y un día decide dejar atrás su ciudad para instalarse en Tokio, con el firme propósito de convertirse en el mejor saxofonista del mundo. Un día escucha en un club a Yukinori Sawabe (Voz de Shôtarô Mamiya) con su grupo musical y queda hechizado por su virtuosismo al piano. Ambos se reúnen y tras una conversación, deciden formar una banda, uniéndose a ellos Shunji Tamada (Voz de Amane Okayama), amigo de Dai, con el que vive desde que llegó a Tokio y que toca la batería, aunque no es muy bueno. Los tres formarán la banda Jass, soñando con tocar un día en la prestigiosa sala “SO BLUE”

El director de anime, Yuzuru Tachikawa, se graduó en la Facultad de Arte de la Universidad de Nihon y posteriormente se unió a Madhouse como director de animación. Debutó en televisión en 2007 con el episodio final de la serie “Kiba” y ese mismo año intervino también en la serie “Shiguru” 2007 continuando con “Chi´s Sweet Home” 2008, “Kobato” 2009, “Bleach: Burîchi”, “Steins;Gate”, “Dantalian no Shoka”, “Chihayafuru” en 2011, “Aquarion EVOL”, “Lupin the Third: Mine Fujiko to iu onna” 2012, “Ataque a los titanes” y “Kill La Kill” 2013,  “Zankyô no teroru” 2014, “Death Parade” y “La heroica leyenda de Arslan” 2015, “Yojo Senki: Saga of Tanya the Evil” y “Inuyashiki” 2017, “Deca-Dence” 2020 y “Mob Psycho 100” 2016/22. Cuenta con el telefilme “Gekijouban Bleach: Jigokuhen” 2010. En cine debutó con los cortometrajes “Arata-naru Sekai” 2012 y “Death Billiards” 2013, saltando al largometraje con “Detective Conan: El caso Cero”  y “Mob Psycho 100 Reigen: The Miraculous Unknown Psychic” en 2018. En este 2023 ha dirigido “Blue Giant” y “Detective Conan: Black Iron Submarine”.

Como ya sabéis, la animación es uno de mis géneros favoritos y disfrutar de obras maestras como Blue Giant, es todo un lujo. La película está basada en el manga Blue Giant de Shinichi Ishizuka. Una obra en la que los sentidos y las emociones se fusionan con la extraordinaria banda sonora, la magnífica paleta de color y la animación, que nos conmueve a través sus diálogos y sus delicados trazos. Un filme para disfrutar desde el minuto cero, dividido en dos espacios muy diferentes y a la vez complementarios. Por un lado las historias de los tres jóvenes y los dramas que surgen de ellas y del otro, la música que refleja y fortifica la personalidad y el temperamento de Dai, Sawabe y Tamada, los componentes de este trío de jazz, cuyas energías insuflan a sus instrumentos, desbordando la pasión, la rabia, los anhelos, las frustraciones, los miedos, el ímpetu y los grandes sueños por alcanzar.

Hablemos de la música, del corazón de este gran anime musical que cuenta con la extraordinaria composición de  Hiromi Uehara, compositora y pianista japonesa, en cuyas obras combina con gran virtuosismo géneros como el jazz, la música clásica, el rock y la música fusión y cuya partitura, en esta ocasión, está interpretada por el pianista Hiromi Vehara, el saxofonista Tomoaki Baba y el batería Shun Ishiwaka; ofreciéndonos un concierto tan apasionante y potente, que nos deja soldados a la butaca, pues el sonido traspasa nuestros sentidos y las imágenes logran hechizarnos. Una joya para los amantes del Jazz y de la animación en general.

Este viaje sensorial, electrizante y visual que Tachikawa ha sabido equilibrar entre la partitura ya citada y el sobresaliente guion narrativo de Number 8, con sus giros argumentales; bascula entre una animación relajante que retrata con realismo, aunque en ocasiones de manera esquemática, los rascacielos, los clubes de Jazz, el agua de los ríos y la propia vegetación que forman el conjunto de la ciudad entre el día y la noche junto a las interesantes lecciones de música de Jazz, el amor a dicho género, la humildad a la hora de comprender que lo importante es la unión, los sacrificios para abrirse camino en la industria, los duros ensayos o la disciplina individual y de conjunto; y en el otro lado, la animación más frenética con brochazos de fantasía subrayando el color y los trazos psicodélicos en los momentos de las actuaciones, que elevan el drama, el sentir y el esfuerzo hasta culminar la obra, en las imágenes del concierto.

Resumiendo, el filme nos invita a unir nuestros corazones y mentes al palpitar del universo del Jazz, contando, además de todo lo expuesto, con un gran montaje de Kiyoshi Hirose. Una película, vuelvo a repetir, para amantes del anime y del Jazz.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de marzo

REPARTO VOCES ORIGINALES: Yuki Yamada, Shôtarô Mamiya y Amane Okayama.

LOS MÚSICOS SON: Hiromi Vehara al piano, Tomoaki Baba al Saxo y Shun Ishiwaka a la batería.

PRODUCTORA: NUT

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión

¡SHAZAM! : LA FURIA DE LOS DIOSES: CRÍTICA DE CINE

Shazam! La furia de los dioses, está dirigida por David F. Sandberg con guion de Henry Gayden, Chris Morgan, Bill Parker y C.C. Beck. “El dragón y los unicornios, molan”

El prólogo nos sitúa en un museo de historia en  Filadelfia donde aparecen las hijas de Atlas: Anthea (Raquel Zegler), Kalypso (Lucy Liu) y Hespera (Helen Mirren), con la intención de hacerse con el poderoso bastón de su padre, que en su día rompió en dos mitades, Shazam! (Zachary Levi). Para lograr su objetivo susurran al odio de algunos mortales “Crea el caos” y la orden se obedece sin rechistar, mientras ellas se llevan los dos trozos del bastón, expuesto en una gran vitrina. Ahora tienen que conseguir que el mago (Djimon Hounsou) vuelva a unir las dos partes.

Por otro lado nos encontremos con el matrimonio formado por  Rosa Vásquez (Marta Milans) y Víctor Vásquez (Cooper Andrews), quienes desconocen hasta la fecha que sus hijos adoptivos son superhéroes: Billy Bastson/ Shazam (Asher Angel/Zachary Levy), Freddy Freeman (Jack Dylan Grazer/Adam Brody), Eugene Choi (Ian Chen/Ross Butler), Darla Dudley (Faithe Herman/Meagan Good), Mary Bromfield (Grace Caroline Currey) y Pedro Peña (Jovan Armand/D.J.Cotrona). Freddy es seducido por una joven Anthea, con la intención de descubrir el paradero de sus hermanos, pero la cosa se complica cuando Anthea se enamora de Freddy y las hermanas de esta, entran en acción. Los seis hermanos tendrán que salvar el mundo, pero no estarán solos. 

El Youtuber y director David F. Sandberg, comenzó a trabajar como animador freelance y director de cortometrajes y documentales. Entre sus trabajos encontramos los siguientes cortometrajes: “Con lo tranquilo que estaba…”  2006, “Cam Closer” y “Lights Out” 2013, “Pictured”, “Coffer”, “The Importance of Sound”, “See You Soon” y  “Not So Fast” todos en 2014, “Attic Panic”  y “Behind the Scenes of Attic Panic” en 2015 y “Closet Space”  y “The Making of Closet Space” ambos en “2016. Ese mismo año debutaría en el largometraje adaptando su corto “Lights Out (Nunca apagues la luz)” para continuar con “Annabelle: Creation” 2017, “¡Shazam!” 2019 y llegamos a este año, tras dejar atrás otros cortometrajes documentales, con “The Unsound” y “Shazam! La furia de los dioses” 2023.

Shazam! se siente frustrado por no considerarse digno de jugar en la misma liga que Flash, Aquaman o Batman, como expone a su psicólogo, sin saber que aporta. Lo que tampoco sabe y nosotros sí, es que lo crearon así y que ahora cuenta con unos guionistas que lo siguen tratando como el niño, ahora ya adolescente, que habita en su interior cuando se transforma en el superhéroe. En algunos  instantes ese comportamiento le hace especial pero en otros, desde la liga de la Justicia, lo miran desde la lejanía, por mucho que posea la sabiduría de Salomón, la fuerza de Hércules, la resistencia de Atlas, el poder de Zeus, el coraje de Aquiles y la velocidad de Mercurio. En efecto, la palabra S H A Z A M, está compuesta por las iniciales de los seis dioses, por si no lo sabíais. Con todos esos dones fue dotado Shazam!, pero ni así, seguirá siendo un superhéroe incomprendido, aunque en ésta, su segunda historia, se tenga que enfrentar a tres diosas de armas tomar o de cetro robado recuperar. Las tres hijas del gran Dios Atlas, que están bastante cabreadas, menos una de ellas y es que el amor mueve montañas.

La nueva entrega de DCEU, está claramente destinada a un público juvenil, aunque no exenta de ser disfrutada por los adultos. Reconozco sin ningún rubor, que disfruto con las tontunas por las que tienen que pasar tanto los personajes como los actores que les encarnan. Es un juego, un divertimento, un disparate, un dejarse llevar entre diálogos de lo más simplones y ocurrencias absurdas, a la vez que te deleitas con toda la cacharrería de efectos visuales que nos ofrecen. Hay que ser muy atrevido para encarnar a un personaje como Shazam!, por lo que vaya por delante, mi saludo especial para Zachary Levi, quien logra entretenernos y hacernos sonreír, con sus constantes contradicciones. Un idiota, como el mismo se define, pero encantador y humano hasta la médula, sintiendo una clara predilección por, Wonder Woman.

Decía al principio que mola el dragón y los unicornios y es que entre la gran variedad de monstruos que invaden la Tierra, concretamente Filadelfia,  destaco al dragón que está bajo las órdenes de la más villana de las diosas y por descantado, los unicornios, tan diferentes a los que siempre nos han presentado. Son lo más y lo veréis. Aprovecho, ya que hablo de estos seres mitológicos, hacer mención de los magníficos efectos visuales y las vertiginosas escenas de acción, pues no cesan desde ese inicio en el museo, hasta llegar al potente final.

Poco más que añadir, si tenéis hijos, llevadlos al cine, es muy posible que no solo ellos se lo pasen en grande, porque ante todo, Shazam!, es un producto familiar en el que también se habla de la importancia de la familia, las adopciones y las discapacidades. Si por el contrario, vais solos o con vuestra pareja, dejaros llevar por la imaginación y el niño que aún reside en vuestro interior, entre la hilaridad que despiertan estos personajes que se debaten entre la adolescencia y la madurez, con poderes sobrenaturales y las situaciones en las que se ven envueltos. Por cierto, aquí los villanos son villanas y dos de ellas con muy mala uva. Destacar  la vibrante banda sonora de Christophe Beck y la excepcional fotografía de Gyula Pados, con un uso extraordinario de la luz. 

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de marzo.

REPARTO: Zachary Levi, Marta Milans, Jack Dylan Grazer, Asher Angel, Diedrich Bader, Grace Fulton, Helen Mirren, Lucy Liu, Meagan Good, Adam Brody, Rachel Zegler, Djimon Hounsou, Ross Butler, P.J. Byrne, D.J. Cotrona, Cooper Andrews, Rizwan Manji, Derek Russo, Ian Chen, Faithe Herman, David Lengel, Jovan Armand, Abby Glover, Bonnie Ryan, Otis Winston, Kelvin Hodge, Carter Williams, Chloe Camp, Chloe Childs, Michael Mario Good, Marc Demeter, José Mora Ramos, George Peroulas, Richie Acevedo, Stephen Branson, Jeff Bukowski, Zach Catanzareti, James Chambers, Christopher Cocke, Alonzo Hester, Maurice T. Johnson, Bradley Ryan Knispel, Colton Langan, Babatunde Oyewo, Sia Poorak, Kimi Price Queguiner, Patrick Reidy, Hana Soomro, Robert Tinsley y Sam Zheng.

PRODUCTORA: Warner Bros.// New Line Cinema// DC Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

LOS CONSTRUCTORES DE LA ALHAMBRA: CRÍTICA DE CINE

Los Constructores de la Alhambra, está dirigida por Isabel Fernández compartiendo guion con Margarita Melgar. “Nuestras obras son sublimes, nuestras almas son humanas, así es como debemos juzgar esta historia”

Estamos en el 1342 y Jusuf I (Abdel Hamid Krim) gobierna el Reino de Granada como sultán. Decide construir un edificio que refleje el esplendor de su civilización y perdure en el tiempo: Los palacios de la Alhambra, para ello cuenta con su visir, Ibn al-Jatib  (Amr Waked), quien domina casi todas las disciplinas entre las que se encuentran la poesía y la medicina. Al morir el sultán sube al poder su hijo Muhammed V (Adil Koukouh), involucrando a Ibn al-Jatib en sus nuevas políticas. El visir se verá obligado a decantarse entre las ideas de su antiguo mundo y el nuevo que comienza a surgir.

Los constructores de la Alhambra es un magnífico documental ficcionado que expone una historia de otros tiempos, los que encierran los muros de la monumental Alhambra de Granada entre el periodo comprendido de 1342 al 1492, año en el que Muhammad XII, conocido por los cristianos como Boabdil, el último sultán del reinado nazarí de Granada, entregó la Alhambra a los Reyes Católicos. En las negociaciones con los cristianos batalló para proteger el edificio y a sus ciudadanos.

A través de los escritos de Ibn al-Jatib conoceremos parte de la historia de  Granada en el Siglo XIV y seremos testigos del valor que otorgaban al conocimiento, que dividían en dos ramas: Las Ciencias de los Antiguos entre las que se hallaban las matemáticas, la medicina, la astronomía o la agronomía que iban de la mano de la literatura, pues la poesía es innata al pueblo árabe, y la segunda, las Ciencias del Islam compuestas por la teología, el derecho y la filosofía.

Entre imágenes cotidianas de estos habitantes del ayer, presenciaremos la gran labor que llevan a cabo los restauradores del hoy, recuperando, tras largas investigaciones, lo perdido en el tiempo y plasmado en las paredes, techos y columnas, como huella de su existencia. Una narración fluida retratando con detalle la importancia de la caligrafía árabe, considerada como una de las grandes artes de la cultura islámica no solo por ser un elemento decorativo, sino por formar parte del cuerpo de la arquitectura o las celebraciones como el Maurí, hasta llegar a uno de sus anhelos hechos realidad, El Maristán, el proyecto social más ambicioso en sus tiempos, pues no tuvo como misión única el tratar a los enfermos, sino el ofrecer un apoyo a la gente enferma. Como ellos afirmaban “No solo un lugar para curarlos sino para ayudarlos”. Un espacio que por la disposición y cualidades, superaba al de Egipto, gracias a su construcción majestuosa y de gran belleza, su amplio patio, por la fama de sus médicos y sobre todo, por lo saludable de sus aires y sus aguas.

Una obra rodada en La Alhambra y el Generalife, Dar Al-Horra, Corral de Carbón, El Bañuelo, Casa de Zafra, Cuarto Real de Santo Domingo, Iglesia del Salvador, Carmen de los Mártires y Universita Karlova. Goza de las intervenciones de los historiadores: Adela Fabregas (Catedrática de historia medieval. Universidad de Granada), José Miguel Puerta Vílchez (Profesor de Historia del Arte Islámico. Universidad de Granada), Josef Zenka (Profesor de Historia Islámica. Charles University. Praga), Amalia Zomeño (Investigadora de Lenguas y Culturas del Mediterraneo. CSIC), Julie Marquez (Profesora de Civilizaciones de la España Medieval. Universidad Lumière Lyon 2), Jesús Bermúdez López (Arqueólogo de Conservación. Patronato de la Alhambra y Generalife), Julia Carabaza (Catedrática de Lengua Árabe. Universidad de Granada), Antonio Orihuela (Arquitecto Investigador. Escuela de Estudios Árabes. CSIC), Antonio Malpica (Catedrático de Historia Medieval. Universidad de Granada), Elena Correa (Jefa de restauración. Patronato de la Alhambra y  Generalife), Rafael Pérez Gómez (Matemático. Universidad de Granda)

Este documental ficcionado, se nutre de las cuidadas representaciones teatralizadas, el excepcional vestuario de Virginia Serna, la refinada fotografía de Tote Trenas, con un delicado uso del color y la iluminación, y la música que abraza cada rincón que se nos muestra, en ocasiones, con dos músicos en directo portando sus instrumentos autóctonos y bajo la batuta de Kurt Adametz y Manel Guerrero. Un documental de obligado visionado, pues lo que aquí he expuesto, tan solo es un retazo de cuanto encierra esta magnífica obra.

La guionista, productora y directora, Isabel Fernández, en 2013 fundó la productora Al Pati que desarrolla y produce películas comprometidas con temas sociales, explorando las fronteras entre el documental y la ficción. Entre sus obras encontramos “El fill son pare” 2010, “El pati del darrere” 2015, “La ciutat dels turistes” 2017 y este año estrena “Los constructores de la Alhambra” 2022.

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de Noviembre.

REPARTO: Ibn al – Jatib (Amr Waked), Ibn Zamrak ( Sofian El Benaissati), Umm Alhasam ( Farah Hamed Ali), Yusuf 1 (Abdel Hamid Krim), Mohamed V  (Adil Koukouh), Ibn Al-Yayyab ( Jorge de Juan), Fatima Bint  Al- Ahmar (Alicia Mohino), Ibn Jaldun (Mehdi Regragui), Ismail (Diego de León García), Abu Ishaq Al- Shativi  (Manuel Rodríguez), Mohamed V (Adolescente)  (Arinti Ruiz), Mohamed V (Niño) (Pablo Jiménez)

PRODUCTORA: Al Pati Produccions// El de las Dos vidas AIE// Polar Star Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Versión Digital. 

DOS: CRÍTICA DE CINE

DOS, está dirigida por Mar Targarona con guion de Cuca Canals, Christian Molina y Mike Hostench, basándose en una historia de Daniel Padró.

Sara (Marina Gatell) se despierta y al intentar levantarse no puede, descubriendo que está unida a su compañero de cama, David (Pablo Derqui). Ninguno de los dos comprende porqué están desnudos dentro de la cama, en qué lugar se encuentran  y lo más inquietante, que estén cosidos por el vientre, el uno al otro. Mientras buscan una solución, ambos se irán conociendo, relatándose pasajes de sus vidas, sus trabajos y algunos secretos… ¿Confesables?

La directora, productora y actriz, Mar Targarona, estudió Arte Dramático en Barcelona, en Estrasburgo y con Lee Strasberg. Es la directora de la Fundació Taller de Guionistes y productora ejecutiva de Rodar y Rodar. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el teatro en las compañías Dagoll Dagom y el Teatre Lliure. Como directora dirigió “Muere, mi vida” 1993, “Secuestro” 2016, “El fotógrafo de Mauthausen” 2018 (Obtuvo 4 premios Gaudi) y este año nos ofrece “Dos” 2021. Además de algunos trabajos publicitarios, también ha dirigido series como  “Abuela de verano” 2005 y la miniserie  “Ojo por ojo” 2010.

“Dos” es una película minimalista, intimista y audaz; cuyas escenas de interior han sido rodadas en un exclusivo decorado construido en los Estudios Melitón en Lekaroz - Navarra y los escasos exteriores con los que cuenta el filme, en la localidad de Oroz-Betelu, municipio de la Comunidad Foral de Navarra. 

Un thriller de terror psicológico, realizado con cámara en mano y en tiempo real, en el que intervienen, prácticamente, solo dos personajes, durante los ajustados 70 minutos de metraje. Sara, ama de casa, casada con un hombre mayor que ella, celoso y maltratador y David, un scort, contratado por un desconocido para acostarse con su esposa. Las dudas, las preguntas y algunas respuestas, irán surgiendo y aclarándose durante el tiempo que permanecen en la habitación. Un filme en el cual es posible, que nunca dos actores, hayan estado tan pegados el uno al otro, durante, prácticamente, todo el desarrollo de la historia, con el hándicap añadido, de su completa desnudez. ¿Qué les ha pasado? ¿Quién y por qué les han cosido las pieles entre sí? ¿A qué es debida su desnudez?. Los constantes giros narrativos, con los que cuenta el filme, lograrán mantener al espectador intrigado, hasta su resolución. 

Si bien Mar Targarona, dirige con acierto este filme de suspense, los verdaderos protagonistas y no sólo por ser quienes interpretan a los personajes, son Marina Gatell y Pablo Derqui; tan creíbles que su dolor nos duele, su miedo nos atenaza y su angustiosa situación, nos crea cierta claustrofobia y desconcierto, en medio de la magnífica atmósfera que han logrado crear y de la cuidada fotografía, en la mirada de Rafa Lluch. 

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Julio

REPARTO: Marina Gatell, Pablo Derqui y Kandido Uranga

PRODUCTORA: Rodar y Rodar

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax

JÓVENES Y BRUJAS: CRÍTICA DE CINE

Jóvenes y Brujas está dirigida y escrita por Zoe Lister Jones. “Una mujer con poder, puede cambiar las cosas”

Lily (Cailee Spaeny) es huérfana de padre y se lleva muy bien con su madre Hellen (Michelle Monaghan), ambas se van a vivir a la casa de Adam (David Duchovny), la nueva pareja de Helen, que tiene tres hijos, los cuales, de entrada no acogen muy bien a las dos mujeres.

Lily acudirá a un nuevo instituto y lo peor que la podría pasar es tener la regla en plena clase, sale llorando hacia el baño ante las burlas de sus compañeros y la siguen tres chicas,  Tabby (Lovie Simone), Frankie (Gideon Adlon) y Lourdes (Zoey Luna), la animan y durante una conversación le dicen que la estaban esperando, que ella es la cuarta bruja (Oeste) Pronto descubrirán sus poderes y las consecuencias de los mismos.

Estamos ante la secuela de “Jóvenes y brujas” 1996 dirigida por Andrew Fleming y como en aquella ocasión, una joven llega a una nueva ciudad y conocerá a tres aspirantes a brujas, pero entre iniciaciones, magia negra,   levitaciones y poderes que les van envalentonando a las cuatro, la película encierra otra realidad, tal vez, para muchos, la más cruel: la de los adolescentes despertando en medio de la sociedad. El terror real no viene del otro mundo, sino de este en el que viven.

La actriz, productora, escritora y directora, Zoe Lister Jones, se graduó en Edward R. Murrow High School (Brooklyn), se graduó con honores de la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York y estudió en la Royal Academy of Dramatic Arts de Londres. Además de componer la partitura de “Breaking Upwards”, arreglar la música de “Skip the Kiss” y actuar en obras teatrales  en Nueva York, como actriz cinematográfica ha formado parte del reparto de filmes como: “Day Zero” 2007 Bryan Gunnar Cole, “La sombra del poder” 2009 de Kevin Macdonald, “Salt” 2010 de Phillip Noyce o  “Los otros dos” 2010 Adam Mckay; también ha participado en series televisivas como “Ley y Orden”. Su debut como directora de cine llegó con “Band Aid” 2017 y este año ofreciéndonos, “Jóvenes y Brujas” 2020.

Una obra enmarcada por la diversidad sexual, pues veremos jóvenes declarándose transexuales, gays, bisexuales y heterosexuales. La menstruación como burla, la virginidad como orgullo o las primeras experiencias sexuales como iniciación a la vida. No faltará el acoso escolar tan en boga, la fuerza frente a la debilidad, las oligarquías,  la adopción o las enfermedades mentales; pero también jugará parte importante, la amistad, la unidad como poder ante los abusos y hasta el primer amor. Uno de los problemas que surge, ante todo lo presentado, es que expone demasiados temas de la adolescencia, todos muy importantes, vaya por delante, pero no profundiza en ninguno, quedándose en la superficie y aunque los adultos somos conscientes de ellos, a los verdaderos destinatarios de esta película, los jóvenes, se pueden quedar con lo puramente anecdótico.

En cuanto a las interpretaciones, las cuatro jóvenes están creíbles y se disfruta con ellas de sus locuras y venganzas, surgiendo un nuevo problema que es la falta de desarrollo de sus personajes, quedando un tanto lineales, pues realmente solo conoceremos la historia y no del todo, de Lily, personaje interpretado por Cailee Spaeny. Aun así, este filme, muy femenino, nos ofrece una visión fresca de la lucha y el poder de las mujeres unidas, contra quienes pretenden discriminarlas. Las jóvenes tienen la llave, para que las cosas cambien en la sociedad que las oprime. Muestra de ello es el desquite contra el joven Timmy (Nicholas Galitzine) que no solo libera con ellas el gran secreto que guarda ante los demás, sino que se convierte en el aliado del cuarteto femenino. En cuanto a los adultos ejecutan con discreción sus papeles de secundarios en donde me hubiera gustado saber algo más del personaje de Adam, interpretado por David Duchovny, como el malo de la historia. Sin duda, el problema ha radicado en un guion poco desarrollado y el propio metraje del film, a no ser que se lo hayan querido reservar para una segunda entrega, que todo es posible. De todas maneras, estoy convencido que los más jóvenes, que buscan un cine con el que identificarse y hable de sus problemas e inquietudes, la van a disfrutar.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Octubre

REPARTO: Cailee Spaeny, Michelle Monaghan, David Duchovny, Gideon Adlon, Nicholas Galitzine, Lovie Simone, Charles Vandervaart, Donald MacLean Jr., Hannah Gordon, Zoey Luna, Julian Grey, Travis Caverhill, Mike Dara, Devin Cecchetto, Chris Tomassetti, Owen Szabo, James Madge y Victor Chiu.

PRODUCTORA: Blumhouse Productions// Columbia Pictures// Red Wagon Productions. 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

SIEMPRE JUNTOS: CRÍTICA DE CINE

          La coproducción entre Brasil, Uruguay y Alemania, Siempre Juntos, está dirigida por el brasileño Gustavo Pizzi, que comparte guion con Karine Teles.

          Irene (Karine Teles) es madre de cuatro hijos, con un marido que no tiene precisamente suerte en el trabajo, pero sí muchos sueños por emprender un negocio que saque a la familia de la miseria, Klaus (Otávio Muller). Su hijo mayor es buen estudiante, pero aún mejor jugador de Balonmano, Fernando (Konstantinos Sarris) quien es contratado por un equipo alemán para que juegue con ellos.

          Un día se persona en casa la hermana de Irene, Sônia (Adriana Esteves) con su hijo pequeño, tras la última paliza que le ha dado su marido, Alan (César Troncoso). Irene tendrá que afrontar no solo los problemas ya rutinarios en el hogar, el preparar el viaje de su hijo mayor, sino apoyar y cuidar de  su hermana.

Curiosamente la obra de Gustavo, provoca en el espectador una cierta desazón desde el comienzo hasta el final, tal vez por la mezcla explosiva que presenta: El desempleo, el deseo de cumplir los sueños de emprendedor, la dejadez en la burocracia, el maltrato, la unidad familiar y por encima de todo, la sobreprotección maternal; que siempre busca tener a los suyos bien acomodados en el nido. Un nido lleno de amor, de risas y broncas, de frustraciones y esperanzas, de no ver el momento de salir de la pobreza que les rodea, de quienes tienen una oportunidad de abrirse camino fuera del país o del ansia de luchar por mantener a todos unidos.

          Un filme donde la tristeza se cierne en el ambiente, aun bajo los juegos de los más pequeños, aun logrando objetivos como el graduarse a los 40 años, aun con la ilusión de viajar a otro país para tener un nuevo porvenir, aún… Sí, hay algunos "aún" donde Pizzi se apoya para no caer en el drama fácil y por el contrario, hacernos partícipes de una familia, como tantas que viven el día a día en un país como Brasil. Es sutil e incisivo en criticar a una sociedad olvidada, moribunda y que se abre camino, gracias al esfuerzo y lucha de cada uno de sus ciudadanos.

          Lo que más se agradece de este director, es su honestidad, su verdad, la autenticidad no solo en la historia que nos narra, siendo más o menos autobiográfica y con un ritmo muy adecuado para no perdernos nada, sino por sus personajes llenos de vida. Tan vivos como los que seguramente podemos encontrarnos  paseando por algunas calles de esa ciudad de Petrópolis, en Río de Janeiro, descubriendo la doble cara,  la que se muestra a los turistas, como uno de los lugares emblemáticos de un tiempo pasado y por otro,  la verdad velada, de esas zonas donde sus habitantes malviven, entre casas ruinosas y donde cuatro hermanos deben dormir amontonados en una reducida habitación. Se  respira miseria y olvido por parte de sus gobernantes y sufriendo una burocracia agónica.

          Fantásticas y creíbles interpretaciones, pero hay que destacar por encima de todas ellas a Karine Teles, tocada por la batuta de la inspiración y en un absoluto estado de gracia; hasta el punto que algunos de sus momentos de crispación, me alteraban como si los estuviese viviendo junto a ella. Su interpretación de madre coraje, soportando el duro peso de la familia, de los cambios de hogar, de buscar nuevas soluciones a la crisis familiar y todo lo que la rodea, no merma en el deseo de mantener a la familia unida, aunque sea consciente de que uno de sus cachorros, volará pronto del nido.

Siempre o casi siempre destaco dos elementos que considero pueden enriquecer una buena película, por un lado la fotografía, bajo la atenta mirada, en esta ocasión, del maestro Pedro Faerstein. Una fotografía tan sincera, limpia y real, como las propias interpretaciones, nada que esconder y mucho que mostrar. Respecto al segundo elemento, es sin duda la banda sonora de Daniel Roland, Pedro Sá y Maximiliano Silveira y aunque suene en momentos determinados, cuando lo hace, resulta tan impactante como lo mostrado.

          Mi nota es: 8      

          ESTRENO en ESPAÑA: 3 de Agosto:

          REPARTO: Karine Teles, Otávio Muller, Adriana Esteves, Konstantinos Sarris, César Troncoso, Mateus Solano y Camilo Pellegrini.

          PRODUCTORA: Bubbles Project/ TV Zero/ Mutante Cine/ Pandora Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

SIETE VIDAS, ESTE GATO ES UN PELIGRO: CRÍTICA DE CINE

“Siete vidas, este gato es un peligro” es una nueva comedia de nacionalidad francesa, interesante para pasar los coletazos del final de verano en familia, pues su estreno en España será el 2 de Septiembre.

Una película que nos recuerda a muchas otras comedias, donde es previsible desde el inicio hasta el final, aunque en esta ocasión nos quedamos con las peripecias del gato, pues el resto de la trama son tópicos típicos de un enredo ya conocido.

Tom Brand (Kevin Spacey) es un alto ejecutivo sin escrúpulos cuyo ego está tan elevado como el último rascacielos que ha creado, vanagloriándose de que es el más alto  hasta la fecha. Le gusta vivir al límite en todos los sentidos, pero vivirlos él, pues a la familia la tiene totalmente desatendida. Su hija pequeña durante años le ha pedido un gato como regalo de cumpleaños y ese año decide comprárselo. El GPS le lleva hasta un callejón donde hay una tienda muy peculiar regentada por Grant (Christopher Walken) De camino a casa, sufre un accidente y queda en coma… Pero, su espíritu, su ser, su alma, como lo queramos llamar, queda atrapado en el cuerpo del gato y en ese momento, es donde comienza la aventura.

Una aventura que a muchos ya os habrá sonado a otras películas y es que transmigración de almas ya se han visto en la gran pantalla en incontables ocasiones.  Películas como “Este cuerpo no es el mío” (Una adolescente despierta un día en el cuerpo de un hombre)  “Big” (Pasar de niño a adulto) o  “El cambiazo” (De un hombre de familia y abogado, por un vividor) son algunos ejemplos.

La mecánica es la misma, conocer aspectos de su vida o de las otras personas, a quienes no han dado importancia. Es el caso de Tom Brand que a través del felino va a ir descubriendo aspectos que su estatus social y su ego, no le han dejado ver.

La dirección, interpretaciones y aspectos técnicos; correctos, pero sin más. Es un filme para pasar el rato en familia soltando alguna carcajada y que logra entretener.  Pero no busquéis artificios, donde no hay mecha.

          Mi nota es de 5

           REPARTO: Kevin Spacey, Robbie Amell, Jennifer Garner, Christopher Walken, Malina Weissman, Teddy Sears, Cheryl Hines, Mark Consuelos, Talitha Bateman, Serge Houde, Nathaly Thibault, Jay Patterson, Peter Andrianopoulos, Tristan D. Lalla, Meghan Gabruch, Ellen David.