DREAM SCENARIO: CRÍTICA DE CINE

DREAM SCENARIO está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli “La fama puede venir con efectos secundarios”

La vida del profesor Paul Matthews (Nicolas Cage) casado con Janet Matthews (Julianne Nicholson) con quien tiene dos hijas: Sophie (Lily Bird) y Hannah (Jessica Clement), se ve alterada cuando un gran número de personas, sin conocerle, sueñan con él; en el sueño siempre aparece en la escena sin hacer nada, solo caminando, mirando o en estado de absoluta quietud, algo que le molesta a Paul cuando se lo comentan. Pronto las redes sociales y los diferentes medios de comunicación lo encumbran deseando entrevistarle o que trabaje con ellos en spot publicitarios, pero él solo busca tranquilidad y escribir un libro. Un buen día todo se tuerce en su vida y en la de su familia, cuando los sueños de las personas se convierten en pesadillas y el protagonista de las mismas, es él.

El director, editor y guionista, Kristoffer Borgli, posee una larga trayectoria en el cortometraje con obras como “Molo” y “Síndromes 2011, “Lo que sea” 2013, “Famosos de Internet” 2014, “Un lugar que llamamos realidad” 2018,  “No es una fase” y “El perdedor” 2019, “Former Cult Member Hears Music for the First Time”, “El altruista” y “Suave” 2020, “Sí” 2021 y “Willem Dafoe” 2023. En el largometraje debutó con “DRIB” 2017, “Sick of Myself” 2022 y este año nos ofrece “Dream Scenario” 2023.

No sé si clasificar este trabajo a la medida de Nicolas Cage o es él quien se apropia de la narración. Creo que ya lo he comentado en otras ocasiones,  Cage es un actor de culto, un todoterreno que salta de la comedia al drama pasando por el terror, la ficción o el surrealismo más absurdo. Nadie como él es capaz de interpretar los personajes que se le ofrecen y nadie como él los aborda con esa naturalidad innata, mientras disfruta y contagia a los espectadores. Nicolas es como un imán para estas historias que parecen imposibles de ser rodadas y más de ser expuestas en la gran pantalla; él las insufla vida y las colma de matices que nunca pasan inadvertidos. Con cada trabajo nos brinda una nueva lección que surge de lo más profundo de sus entrañas, desde el conocimiento y sabedor de lo que se espera de él. Un actor que se abre en canal para que el espectador goce de él y con él. Sin duda, Dream Scenario, es uno de sus mejores trabajos.

De nuevo las redes sociales en el punto de mira y una de las primeras preguntas que me asaltaron a la mente, mientras las imágenes desfilaban ante mis ojos, fue si desgraciadamente vivimos en una sociedad tan desnaturalizada, en la cual no nos detenemos a pensar sino que nos dejamos llevar por nuestros instintos más primarios y aquellos que están cobrando importancia, ante lo que se nos muestra, como algo natural. Parece que ya no importa el sufrimiento o la verdad de nuestros semejantes, sino el espectáculo que esas personas puedan proporcionar y hasta donde, en ocasiones, se les puede rentabilizar, para una vez logrado, tirarles como clínex a una papelera. Este es una vez más, el tema central con el que parece que la gran pantalla, desea poner freno y lanzar una potente crítica entre la comedia y el drama. Un guion construido con diálogos y situaciones afiladas, dividido en dos partes bien diferenciadas y escrito por el propio director Kristoffer Borgli, para mayor gloria de su actor principal Nicolas Cage, del que ya he hablado. Vaya por delante que Dream Scenario, se muestra al espectador como una comedia negra con un toque aleccionador.

Una tragicomedia dividida en dos actos, como mencionaba, el primero de ellos visto desde el ángulo más cómico y revoltoso en el que se nos presenta a  los personajes y la situación tan rocambolesca a la que se tiene que enfrentar y lidiar Paul y el segundo, el drama que se genera cuando el miedo a lo desconocido y la ignorancia, se apoderan de la conciencia colectiva. ¿Hasta qué punto una sucesión de sueños, se pueden transpolar a la realidad presente? y quizás lo más importante, ¿por qué en la sociedad en la que vivimos le damos más valor a un bulo difundido por internautas que no conocemos, que detenernos a analizar la realidad que tenemos ante nuestros ojos? Preguntas, como otras tantas que surgen de este curioso filme.

En resumen, Dream Scenario nos habla de la vulnerabilidad del ser, puesta al límite; de la intimidad violada por desconocidos que buscas lucrarse de las desgracias ajenas, de quienes controlan las redes sociales jugando a ser jueces y dioses, refugiándose muchas veces en el anonimato de un nick y que sedientos de noticias por ofrecer, son capaces de ensalzar y destruir, con el único propósito de sobrevivir en sus mundos de fantasía y vacíos de realidad. Un fantástico ejercicio de análisis que no pasa indiferente a ningún espectador, dirigida con temple y que cuenta con la fotografía de Benjamin Loeb.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de marzo.

REPARTO: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Tim Meadows, Dylan Gelula, Michael Cera, Dylan Baker, Kate Berlant, Lily Bird, Jessica Clement, David Klein, Cara Volchoff, Nicholas Braun, Noah Centineo,  Amber Midthunder, Lily Gao, Star Slade, James Alexander Warren, Marnie Mcphail, Krista Bridges, Paula Boudreau, Jennifer Wigmore, Agape Mngomezulu, Sofia Banzhaf, Maev Beaty, Richard Jutras, Noah Lamanna, Domenic Di Rosa, Jessie-Ann Kohlman, William Corno y James Collins.

PRODUCTORA: A24// Square Peg// Wildling Pictures// Ari Aster.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

ORO PURO- RHEINGOLD: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Alemania, Italia y Países Bajos (Holanda), Oro Puro- Rheingold, está escrita y dirigida por Fatih Akin, basándose en la novela de Giwar Hajabi.

De un camión del ejército bajan a varios presos esposados, entre ellos se encuentra Giwar Hajabi (Emilio Sakraya) al que encarcelan en una prisión iraquí. Compartirá celda con un nutrido grupo de delincuentes y conversando con algunos de ellos, les relata su historia,  retrotrayéndose a los tiempos en que siendo muy niño, vivió el infortunio de ser encarcelado como preso político, junto a sus padres que eran músicos: Rasal Hajabi (Mona Pirzad) y  Eghbal Hajabi (Kardo Razzazi), profesor y compositor de orquesta. Giwar, siendo un adolescente (Ilyes Moutaoukkil), además de aprender a tocar el piano, tuvo que curtirse en las calles para ganarse el respeto y para ello, tomó como profesor a un gran luchador, que conocía y admiraba a sus padres; tras finalizar los duros entrenamientos y comprobar que ya estaba preparado, se le apodó con el nombre de Xatar, cuyo significado en kurdo es, peligroso.

Giwar Hajabi nació el 24 de diciembre de 1981 en Sanandaj. Su padre, Eghbal Hajabi, fue profesor de música, compositor y director de orquesta y su madre Rasal Hajabi, tocaba en una orquesta clásica además de convertirse en una importante activista miliciana durante la guerra entre Irán-Irak. Cuando tenía 3 años, fue arrestado junto a sus padres, los cuales fueron torturados en la prisión de Samawa. Gracias a la Cruz Roja Alemana y tras su paso por París, se instalaron en Bonn en 1985, como exiliados y sin querer desvelar más, comentaros que sería el álbum debut como solista de Dr. Dre, el que despertó su interés por el hip-hop en 1993. En la actualidad es un empresario, editor, restaurador, rapero y productor alemán. Más información como siempre en internet y esa gran profesora que es la Wikipedia.

El productor, guionista y director, Fatih Akin,  estudió Comunicación Audiovisual en la Escuela de Bellas Artes en 1994 y un año más tarde escribió y dirigió su primer cortometraje “Sensin-Du Bist es!” recibiendo, al igual que con su segundo cortometraje “Getürkt” 1996, varios premios nacionales e internacionales. Debutó en el largometraje con “Corto y con filo” 1998 al que le han seguido otros trabajos “En julio” 2000, “Solino” 2002, “Visiones de Europa” junto a otros compañeros y “Contra la pared” ambas en 2004, “Al otro lado” 2007, “Germany 09: 13 Short Films About the State of the Nation” y “New York, I Love You” ambas  junto a otros compañeros y en solitario “Soul Kitchen”, las tres en 2009, “El padre” 2014,  “Goodby, Berlín” 2016, “En la sombra” 2017,  “El monstruo de St. Pauli” 2019 y este año nos ofrece “Oro Puro- Rheingold” 2022. Además de los documentales “Al pensar en Alemania: Nos olvidamos de regresar” 2003, “Cruzando el puente: Los sonidos de Estambul” 2005, “Telegramas visuales” 2011 y “Polluting Paradise” 2012. También comentaros que es propietario de la productora Corazón International.

Akin nos ofrece un durísimo filme basado en hechos reales adaptando la novela autobiográfica escrita por el propio Xatar. La historia del rapero Giwar Hajabi, quien a través de un largo flashback, nos llevará desde su infancia al presente, pasando sus primeros años en medio de una cruenta guerra y la adaptación a un país como Alemania, donde no conocía a nadie y era tratado como un refugiado. Su espíritu de luchador lo desarrollo durante la adolescencia. Una adolescencia rebelde en batallas personales, abriéndose camino y logrando el respeto que deseaba alcanzar, mientras el amor lo compartió entre la música y la única chica a la que quiso, sin olvidar los trapicheos con las drogas o el terminar robando un furgón de oro, junto a otros amigos, entre otras muchas experiencias; hasta llegar a tocar el cielo, el paraíso en el que disfruta del respeto y de la fama, tanto en el terreno musical como en el profesional.

Para encarnar a Xatar, además de otros actores en las diferentes etapas de su vida, ha contado con Emilio Sakraya, quien realiza una impresionante actuación, impactando con su naturalidad y fuerza escénica y solapando al resto de sus compañeros de reparto, los cuales cumplen sobradamente con sus personajes; pero Emilio, se convierte en la columna vertebral sobrellevando todo el peso de la narración, del drama que como una alargada sombra, persigue a su protagonista, un personaje que en vez de desfallecer, lidia por prosperar y crearse un nombre propio sin olvidarse de sus raíces, tan importantes para él y contentar a sus padres, que siempre soñaron con verlo convertido en un músico de renombre.

Fatih Akin ha compuesto una obra de rabiosa fuerza dramática y entretenimiento, gracias al magnífico guion que ha escrito, en el cual no sobra ni una coma; la excelente dirección general y actoral, no descuidando ningún detalle y el sobresaliente ritmo, con el que mantiene al espectador expectante, hasta su conclusión. A tener en cuenta el montaje de Andrew Bird, la fotografía de Rainer Klausmann y la banda sonora en la batuta de Ralf Kemper. Un filme para disfrutar de principio a fin y descubrir, quien no lo conozca, la vida de este interesante personaje.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de febrero.

REPARTO: Emilio Sakraya, Kardo Razzazi, Mona Pirzad, Greta Sophie Schmidt, Meto Ege, Karim Günes, Karim Günes, Jonathan Sussner, Kazim Demirbas, Ilyes Moutaoukkil, Uwe Rohde, Hussein Eliraqui, Adjmal Sheerzoi, Jesse Albert, Aurel Klug, Doga Gürer, Christian Skibinski, Tyrese Bukenya.

PRODUCTORA: Bombero International// Corazón International// Lemming Film// Palosanto Films// Warner Bros. Germany.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

NOSTALGIA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia y Francia, NOSTALGIA, está dirigida por Mario Martone, compartiendo guion con Ippolita Di Majo adaptando la novela de Ermanno Rea.

Felice Lasco (Pierfrancesco Favino) viaja desde Egipto a su ciudad natal, Nápoles, tras 40 años viviendo en el Cairo. Se aloja en un hotel y sale a deambular por las calles hasta llegar al portal donde vive su madre, Teresa Lasco (Aurora Quattrocchi). En la puerta su madre lo recibe llorando mientras le comenta que se ha hecho vieja. Felice al ver en la situación que se encuentra Teresa, dedica tiempo en cuidarla antes de ir en busca de Orestes Spasiano (Tommaso Ragno), su amigo de juventud, con quien guarda un secreto turbio, que no ha podido olvidar.

El guionista y director, Mario Martone, es fundador de las compañías teatrales “Falso Movimento” y “Geatri Uniti”. Ha dirigido los teatros públicos de Roma y Turín. En el cine debutó con el cortometraje “Nella città barocca” 1985 y en el largometraje  con “Muerte de un matemático napolitano” 1992. Otras de sus películas son “Rasoi” 1993, “El amor molesto” 1995,  “Teatro de guerra” 1998, “Lulu” 2001, “L`odore del sangue” 2004, “Noi credevamo” 2010, “Il giovane favoloso” 2014, “Capri-Revolution” 2018, “El alcalde de Rione Sanità” 2019, “Aquí me río yo” 2021 y ahora llega a nuestras pantallas con “Nostalgia” 2022. Ha dirigido los cortometrajes: “Antonio Mastronunzio pittore sannita”, “Miracoli, storie per corti”  y “L´unico paese al mondo” todos en 1994, “La meditazione di Hayez” 2011 y “Pastorale cilentana” 2015. En cuanto al documental ha dirigido “Veglia” 1993, “Una storia Saharawi” 1996, “Badolato, 10 dicembre 1995. Per Antonio Neiwiller” 1996, “Appunti da Santarcangelo” 1998 y “Caravaggio, l´ultimo tempo” 2005. Los documentales “Una disperata vitalità” 1999, “Un posto al mondo” 2000, “Nella Napoli di Luca Giordano” 2001 y “Operette morali” 2011, también cuenta con los telefilmes “Perfidi incanti” 1985, “Il Desiderio preso per la coda” 1986, “Finale di Partita” 1996, “I dieci comandamenti” 2001 y “La traviata” 2021 y finalizo con el documental para televisión “Luciano Amelio/ Terrae motus” 1993 y un episodio de la serie “Alfabeto italiano” 1998.

Mario Martone nos pone en situación desde el mismo instante que su protagonista toca suelo napolitano y deja atrás el avión que le ha  trasladado desde el Cairo, con dos propósitos claros: Por un lado el visitar y atender a su madre tras 40 años sin verse y segundo, zanjar un problema que dejó atrás; un fantasma del pasado que le sigue atormentando cuando siendo muy joven, consideró que lo mejor era irse al Cairo a vivir junto a su tío. Tras cumplir con el primer cometido y dejar a su madre acomodada y feliz tras ser asistida por él, Felice emprende un viaje al ayer en el presente que vive y como veremos en una escena determinada, le comentará a su mujer por teléfono que en Nápoles, apenas han cambiado las cosas, pues los contrastes aún están más acentuados y la violencia sigue presente. Una violencia promovida por la Camorra, marcando su territorio y acampando a sus anchas, a la vez que se nutre de los jóvenes desencantados, a quienes proporcionan armas, para intimidar a la población.

En ese peregrinar entre las calles, la mente de Felice le llevará al pasado y a los días felices junto a su gran amigo Oreste y a cuantas aventuras vivieron. Se encontrará con el sacerdote Luigi Rega (Francesco Di Leva), el adversario directo de Spasiano, también llamado Malhombre. Ambos mantendrán interesantes conversaciones en medio de una ciudad dividida, un barrio empobrecido y unos habitantes que más que vivir, transitan como fantasmas, sin futuro y anclados en otros tiempos. 

Con el sello característico de su director Mario Martone, el filme se alimenta de una cuidada fotografía presentada en dos formatos de pantalla, diferenciando el pasado del presente, así como el uso del color y la luz que magistralmente controla el director de fotografía Paolo Carnera, con cámara en mano, atrapando la intimidad de la realidad del día a día, la rutina en los hogares, los problemas de los más jóvenes o del propio barrio con sus ruidos y sus gentes yendo y viniendo. Mario quiso que el filme estuviera rodado íntegramente en el barrio de Rione Sanità y que su equipo se sumergiera en el laberinto de sus calles colmándose de la esencia de cuanto contienen. El resultado no es otro que una tragedia italiana bajo una cuidada dirección e impecablemente interpretada por su elenco actoral, destacando a un siempre perfecto Pierfrancesco Favino, quien está nominado por este trabajo como Mejor Actor en los European Film Awards. 

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de diciembre.

REPARTO: Pierfrancesco Favino, Francesco Di Leva, Tommaso Ragno, Aurora Quattrocchi, Nello Mascia, Sofia Essaïdi, Daniela Ioia, Emanuele Palumbo, Salvatore Striano y Virginia Apicella.

PRODUCTORA: Mad Entertainment// Picomedia// Medusa Produzione// Rosebud Entertainment Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

CINE Y FESTIVALES (XLIII)

CARAMEL FILMS nos informa que 'RODEO', el debut de Lola Quivoron, competirá en la Sección Oficial del Festival de cine de Sevilla. 

RODEO', el primer largometraje de la cineasta francesa Lola Quivoron, competirá en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Ganadora del PREMIO 'COUP DE COEUR' en la sección de UN CERTAIN REGARD del pasado FESTIVAL DE CANNES la película sido descrita por la crítica como 'una mezcla de TITANE y FAST AND FURIOUS'. 

Tras destacar con sus atrevidos cortometrajes, Lola Quivoron refrenda su talento con una película libre e intrépida, marcada por sus rugientes motores. 

La película está protagonizada por un joven y nuevo reparto encabezado por Antonia Buresi, a quien podremos ver en la próxima película de Rebecca Zlotowski, 'LOS HIJOS DE OTROS'.

SINOPSIS: Julia, una joven inadaptada, sale adelante con sus pequeños trapicheos y tiene una pasión voraz, casi animal, por el motociclismo. Un día de verano, conocerá a una pandilla de moteros aficionados al motocross sobre asfalto, una moda que consiste en conducir a toda velocidad y realizar figuras acrobáticas con la moto, casi siempre sin casco. La protagonista se infiltrará en este universo clandestino, formado principalmente por chicos jóvenes, hasta que un accidente pone en riesgo su posición en la pandilla.

DIAMOND FILMS nos informa que “DESPIDIENDO A YANG” se estrenará en el Festival de Sitges 2022. Disponible en Prime Video el 8 de octubre.

El segundo largometraje del director Kogonada (Columbus), será distribuido en España por Diamond Films, y tendrá su estreno en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, participando en la Sección Oficial fuera de concurso.

Además, la película estará disponible en exclusiva en Prime Video a partir del próximo 8 de octubre

Esta película de ciencia ficción futurista está protagonizada por Colin Farrel, completando el reparto Justin H. Min, Jodie Turner-Smith y Malea Emma Tjandrawidjaja.

Sinopsis: Cuando su querido androide llamado Yang, al que consideran un miembro más de su familia, se estropea inesperadamente, Jake (Colin Farrell) busca una manera de repararlo. En el proceso, Jake descubre la vida que ha ido pasando frente a él, reconectándose con su esposa (Jodie Turner-Smith) y su hija (Haley Lu Richardson).

VÉRTIGO FILMS en la Sección Oficial a Competición del 55 Festival de Sitges.

Un año más, Vértigo Films estará presente en el Festival de Sitges. En esta ocasión, en la 55 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Festival de Sitges), se proyectarán hasta 5 títulos del catálogo de Vértigo.

Durante este certamen, que tendrá lugar del 6 al 16 de octubre, se podrán ver las siguientes películas en la Sección Oficial: 'Nightmare', 'Corten!', 'Ego', Summer Scars' y 'Emily'.

NIGHTMARE (Pases en Sitges). Título original: Marerittet . Director: Kjersti Helen Rasmussen.

SINOPSIS: Mona y Robby son una joven pareja enamorada. Robby acaba de conseguir el trabajo de sus sueños y al mismo tiempo ambos han logrado una oferta increíble para un piso espacioso, aunque deteriorado. No importa que haya que reformarlo o que los vecinos se peleen constantemente y que su bebé grite... Tampoco importa que Mona sufra repentinamente terrores nocturnos que se intensifican cada vez que duerme. Por su parte, Robby está deseando formar una familia, a pesar de las dudas de Mona. Los problemas de ésta se descontrolan peligrosamente cuando se convence de que está siendo atacada por un mítico demonio que pretende poseer a su hijo nonato.

CORTEN! (Pases en Sitges). Título original: Coupez!. Director: Michel Hazanavicius.

SINOPSIS: Un grupo de amigos se dispone a realizar una película de zombis en un edificio abandonado. Entre técnicos y actores desganados, parece que sólo el director está dispuesto a invertir la energía necesaria para terminar su película de terror de bajo presupuesto. Pero la inesperada irrupción de auténticos muertos vivientes perturbará el rodaje original...

EGO (Pases en Sitges). Título original: Pahanhautoja. Director: Hanna Bergholm.

SINOPSIS: Tinja es una joven gimnasta que intenta desesperadamente complacer a su madre. Esta es una mujer obsesionada con mostrar ante el mundo, a través de sus redes sociales, la imagen de una vida familiar perfecta. Una noche, Tinja encontrará un extraño huevo. En lugar de deshacerse de él, lo esconde y mantiene caliente, porque percibe vida dentro de él. Pero ni ella misma podría haber imaginado nunca lo que saldría del cascarón…

SUMMER SCARS. (Pases en Sitges). Título original: Nos Cerémonies. Director: Simon Rieth.

SINOPSIS: Los hermanos Tony y Noé pasaban los largos y sofocantes días de verano jugando a juegos que mezclaban el azar y gran riesgo, con posibilidad de muerte… hasta que un día un accidente cambiará sus vidas para siempre. Transcurridos diez años de aquel suceso, y ya como adultos, regresan a la localidad de Royan donde se cruzan con Cassandra, quien fuera su amor de infancia.

EMILY (Pases en Sitges). Título original: Emily. Director: Frances O'Connor.

SINOPSIS: 'Emily' cuenta la vida imaginada de una de las autoras más famosas del mundo, Emily Brontë. La joven, que falleció a la temprana edad de 30 años, fue una rebelde e inadaptada a su tiempo y encontraría su voz al escribir el clásico literario ‘Cumbres borrascosas’. La película explora las relaciones que la inspiraron, tanto con sus hermanas Charlotte y Anne como con su malogrado primer amor, además de la especial amistad y complicidad que le unían a su inconformista hermano Branwell, a quien Emily idolatraba.

FILMAX nos informa que “IRATI”, de Paul Urkijo participa en la Sección Oficial del Festival de Sitges. La película se estrenará en cines finalmente el próximo 24 de febrero.

Escrita y dirigida por Paul Urkijo, Errementari, la cinta está protagonizada por Eneko Sagardoy y Edurne Azkarate. Completan el reparto Nagore Aramburu, Ramón Agirre  e Itziar Ituño, entre otros.

Contaremos con la presencia de: Eneko Sagardoy, Edurne Azkarate, Itziar Ituño y el director Paul Urkijo.

El segundo largometraje dirigido por Paul Urkijo, “IRATI” (2022), participará en la Sección Oficial Fantástico a Competición del Festival de Sitges que tendrá lugar entre el 6 y 16 de octubre. Tras su paso por este festival de cine fantástico de Catalunya y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, la película llegará a las salas de cine el 24 de febrero de la mano de Filmax.

“IRATI” ha sido rodada en diferentes localizaciones de Araba, Gipuzkoa, Bizkaia, Navarra y Huesca, y está ambientada en la oscura etapa histórica del siglo VIII, con elementos mágicos de mitología vasca.

Con el euskera como lengua principal, el reparto está encabezado por el ganador de un premio Goya Eneko Sagardoy, Edurne Azkarate, Iñigo Aranbarri, Nagore Aramburu, Elena Uriz, Iñaki Beraetxe, Ramón Agirre, Kepa Errasti o Itziar Ituño, entre otros. 

“IRATI” cuenta con un equipo técnico de renombre formado por Nerea Torrijos al frente de vestuario, Mikel Serrano director de arte, Maite Arroitajauregui y Aranzazu Calleja al frente de la banda sonora, todos ellos ganadores de un Goya por Akelarre, David Heras y Jon Serrano, encargados de los efectos especiales, y ganadores del Goya por Handia, Gorka Gómez director de fotografía y ganador en 2017 del Spotlight Award que concede la Asociación Americana de Directores de Fotografía.

En palabras de su director Paul Urkijo: “"IRATI" es la película de aventuras fantástico medieval que siempre he querido contar. Me fascina la Mitología Vasca e Irati es un homenaje épico a ese oscuro y fascinante mundo de leyenda. Para hacerla me he inspirado libremente en personajes de la novela gráfica "El ciclo de Irati" de J. L. Landa y J. Muñoz " y en otras leyendas vascas y sucesos históricos como la batalla de Roncesvalles.”

Sinopsis: Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen.

Ante el avance del ejército de Carlomagno al atravesar los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. 

Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona.

Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Irati está producida por IRATI ZINEMA AIE (BAINET, IKUSGARRI FILMS, KILIMA MEDIA) y en coproducción con LA FIDELE PRODUCTION. Así mismo, cuenta con el apoyo de ICAA, EITB, RTVE, GOBIERNO VASCO, AYUNTAMIENTO DE VITORIA –  GAZTEIZ y DIPUTACIÓN FORAL DE ÁLAVA.

Será distribuida el 24 de febrero en cines de España por Filmax. Asimismo, Filmax se encargará de las ventas internacionales.

FLINS&PINÍCULAS nos informan que los Hermanos Manetti presentarán “DIABOLIK” en el Festival de Sitges.

La película basada en el cómic de culto, del que se han vendido más de 150.000 ejemplares en todo el mundo, llegará a la gran pantalla el 14 de octubre, tras competir en la Sección Òrbita del certamen.

Antonio & Marco Manetti presentarán Diabolik en el Festival de Sitges el próximo sábado, 8 de octubre. Realizarán entrevistas en el certamen ese día y los días 9 y 10. El lunes 11 además estarán en Madrid para participar en el junket de la película.

Diabolik es la adaptación cinematográfica de las aventuras del personaje creado por Angela y Luciana Giussani en los años 60. El protagonista es un ladrón con miles de disfraces y con cientos de trucos. Gracias a sus especiales máscaras de plástico, es como una especie de camaleón capaz de mimetizarse a su gusto y escapar de los adversarios hasta en situaciones muy peligrosas.

La película ha sido nominada a 11 premios David di Donatello, incluyendo Mejor Actriz Principal (Miriam Leone), Mejor Actor de Reparto (Valerio Mastandrea), Mejor Diseño de Producción (Noemi Marchica), Mejor Diseño de Vestuario (Ginevra de Carolis), Mejor Banda Sonora (Pivio e Aldo De Scalzi) y Mejor Canción Original (Manuel Agnelli) y ha obtenido este último galardón.

La dirección de la película ha estado al cargo de Antonio y Marco Manetti y está protagonizada por Luca Marinelli, Miriam Leone, Valerio Mastandrea y Claudia Gerini. Firman el guion Mario Gomboli, Michelangelo La Neve, Nicola Macchitella, Antonio Manetti y Marco Manetti. 

SINOPSIS: Cleville, 1960. Diabolik, un ladrón sin escrúpulos cuya verdadera identidad nadie conoce, ha dado un nuevo golpe, escapando una vez más de las emboscadas policiales con sus hábiles trucos.

Lady Kant, una encantadora heredera, llega a la ciudad con un famoso diamante rosa. La joya, de inestimable valor, capta la atención de Diabolik quien, en un intento por hacerse con ellaqueda fascinado por el irresistible encanto de la mujer.

Ahora es su vida que que está en peligro: el Inspector Ginko y su equipo dan conn la manera de rastrearlo y esta vez Diabolik no podrá salvarse de solo. Así comienza una oscura historia romántica entre Diabolik y Eva Kant. Una sociedad y un amor que serán el telón de fondo de mil aventuras peligrosas.

Diabolik es una producción de Mompracem srl, Astorina S.A.C, RAI Cinema, Film Commission Regione Valle d'Aosta, Emilia-Romagna Film Commission, Friuli Venezia Giulia Film Commission.

CARAMEL FILMS nos informa que “LOS HIJOS DE OTROS, de REBECCA ZLOTOWSKI, inaugurará el Festival de Sevilla.

La película, que competirá en la Sección Oficial, está protagonizada por VIRGINIE EFIRA.

La directora y la actriz protagonista presentarán la película en el Festival.

La película LOS HIJOS DE OTROS, de Rebecca Zlotowski inaugurará el próximo 4 de noviembre el Festival de Sevilla, donde competirá por el Giraldillo de Oro. La película, que compitió en la Sección Oficial del Festival de Venecia, está protagonizada por Virginie Efira, quien ha sido nominada en cuatro ocasiones a los premios César como Mejor Actriz, Antonia Buresi y Yamée Couture. Contaremos con la presencia de la directora y la actriz protagonista en el Festival.

Sinopsis: Rachel tiene 40 años, no tiene hijos. Ella ama su vida: sus estudiantes de secundaria, sus amigos, sus ex, sus lecciones de guitarra. Al enamorarse de Ali, se encariña con Leila, su hija de 4 años. Ella la arropa, la amamanta y la ama como si fuera suya. Pero amar a los hijos de otras personas es un riesgo que vale la pena correr...

Los hijos de otros es el quinto largometraje dirigido por la joven cineasta francesa Rebecca Zlotowski (1980). Entre sus títulos destaca su segunda película, Grand Central, proyectada en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde ganó el premio François Chalais y que también se presentó en el Festival de Sevilla en 2013.

CARAMEL FILMS y YOUPLANET PICTURES nos informan que “EL MAESTRO JARDINERO (MASTER GARDENER), de Paul Schrader, clausura la 67 edición de la Seminci.

Caramel Films y Youplanet Pictures distribuirán en cines 'EL MAESTRO JARDINERO (MASTER GARDENER)' la nueva película de Paul Schrader. Tras su estreno mundial en la Mostra de Venecia, la película se podrá ver por primera vez en nuestro país en la clausura de la Seminci.

Escrito y dirigido por Schrader, el thriller 'EL MAESTRO JARDINERO (MASTER GARDENER)' está protagonizado por Joel Edgerton, Sigourney Weaver y Quintessa Swindwell.

Sinopsis: Narvel Roth (Joel Edgerton) es el meticuloso horticultor de Gracewood Gardens. Está tan dedicado a cuidar los jardines de esta maravillosa e histórica finca como a complacer a su jefa, la rica viuda Sra. Havernhill (Sigourney Weaver). Pero el caos se apodera de la ordenada existencia de Narvel cuando la Sra. Haverhill le exige que tome como aprendiz a su rebelde y problemática sobrina nieta Maya (Quintessa Swindell). Esta nueva situación va a sacar a la luz oscuros secretos de un pasado violento que también es una amenaza para todos.

DEAPLANETA nos informa que “EL PEQUEÑO NICOLÁS” competirá en la 60ª Edición del Festival de Cine de Gijón.

Tras participar en los festivales de Cannes y Annecy, el filme tendrá su premiere española en la Sección Enfants Terribles del FICX.

El pequeño Nicolás tendrá su premiere española este próximo noviembre dentro de la 60ª edición del festival de cine de Gijón. El filme competirá en la Sección Enfants Terribles. La sección, que celebra su 25 aniversario en 2022, reivindica el cine como herramienta indispensable para la educación de los más jóvenes y propone una selección de títulos especialmente indicados para niños/as y adolescentes.

El pequeño Nicolás es un filme de animación que relata la historia detrás de "El pequeño Nicolás", la célebre serie de libros infantiles creados por el escritor René Goscinny (también creador de los personajes de "Asterix") y el dibujante Jean-Jacques Sempé. Dirigen la película Amandine Fredon (C'est bon) y Benjamin Massoubre, que tras una larga carrera como montador de animación debuta en la dirección con esta película. Massoubre co-escribe el guion junto con Michel Fessler (Born) y Anne Goscinny, escritora e hija de René Goscinny. 

El pequeño Nicolás tuvo su premiere mundial en la 75ª edición del Festival de Cannes, donde compitió por la Caméra d'Or. En junio, la película se alzó con el Premio a la Mejor Película en el Festival de Annecy, el certamen más prestigioso en el terreno de la animación cinematográfica. Tras su participación en el FICX, El pequeño Nicolás llegará a los cines españoles este otoño.

Sinopsis: Inclinados sobre un gran folio en blanco en algún lugar entre Montmartre y Saint-Germain-des-Prés, Jean-Jacques Sempé y René Goscinny dan vida a "El pequeño Nicolás", un niño risueño y travieso. La suya es una infancia alegre, llena de juegos, diversión, bromas, aprendizaje, complicidad, peleas y castigos.

Las aventuras de Nicolás le llevan al estudio de sus creadores, donde habla con ellos de forma distendida. Sempé y Goscinny le cuentan cómo se conocieron y se hicieron amigos, y también responden a preguntas sobre su carrera, su infancia y sus ambiciones.

DeAPlaneta estrenará El pequeño Nicolás exclusivamente en cines este otoño.

THE INNOCENTS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Noruega, Suecia, Dinamarca y Finlandia, The Innocents, está dirigida y escrita por Eskil Vogt. “El mal nunca descansa mientras el bien permanece a la espera”

En un coche viajan, Ida (Rakel Lenora Fløttum) junto a su hermana Anna (Alva Brynsmo Ramstad), con sus padres. La primera ofrece un carácter distante y disfruta de hacer trastadas a su hermana, mientras que Anna padece de autismo. Los cuatro se instalan en un nuevo piso de una urbanización en la cual hay poca gente, debido a las vacaciones de verano.

Ida conocerá a un chico misterioso, Ben (Sam Ashraf) que pronto le desvelará su habilidad para mover objetos, aunque oculta algo más oscuro  y por otro lado, Anna conectará muy pronto con la joven Aisha (Mina Yasmin Bremseth Asheim), que posee la facultad de la telepatía. Los cuatro se hacen amigos y se divierten con sus poderes, pero… El mal nunca descansa.

El productor delegado, guionista y director, Eskil Vogt, estudió dirección en la Escuela Nacional de Cine de Francia, La Fémis. Se inició como guionista para diferentes películas y en la dirección cuenta con los cortometrajes “Une étreinte” 2003 y “Les étrangers” 2004. Debutó en el largometraje con “Blind” 2014 y ahora nos ofrece “The Innocents” 2022. También ha dirigido un episodio de la serie para televisión “Uti Vår Hage” 2008.

Cuatro niños muy diferentes entre ellos, son los protagonistas de este filme de terror psicológico que se debate entre la bondad y lo siniestro. El lado más noble combatiendo contra el más oscuro y si esta premisa, ya de entrada resulta interesante, más lo será cuando, combinada con el autismo y dos cualidades, fenómenos o habilidades, como se les quiera denominar a la telequinesis y a la telepatía, nos abren un gran abanico de posibilidades, algunas de las cuales son aprovechadas por Vogt. Un filme que provoca el cuestionarnos la vulnerabilidad e inocencia que otorgamos a los niños, pues no es la primera vez que en la gran pantalla, en la pequeña e incluso en la vida real, los más jóvenes sorprenden al adulto con actos crueles, impensables y espeluznantes.

Una vez más Eskil Vogt nos desconcierta gratamente creando atmósferas potentes en donde la tensión se dispara entre el drama y el terror, sin la necesidad de recurrir a los tópicos. Por un lado se apoyará en el ir conociendo a sus cuatro protagonistas, sus pensamientos y lo que pueden o no ocasionar y del otro, con el uso extraordinario de la cámara y los planos tan meticulosamente seleccionados, en espacios abiertos como el bosque, en el campo de fútbol, en el parque o desde las terrazas de los pisos, siempre a plena luz del día salvo en algunas de las alucinaciones o alteraciones de la realidad que causa uno de ellos. Me recordó, salvando las diferencias, a “Midsommar” 2019 de Ari Aster, en donde la obra se desarrollaba en medio de la naturaleza y de día. El terror no lo generaba la oscuridad, como es tan socorrido en infinidad de películas o esa música machacona que provoca dolor de cabeza en lugar de crear tensión, en esta ocasión ocurre algo similar. El director no ha recurrido a lo más manido, a lo casi esperado para desesperación del espectador, sino algo totalmente diferente, genuino, tomando la naturaleza y la realidad, como parte de ese todo a medida que los sucesos van cobrando vida. Nos hacemos sus cómplices y nos creemos su fábula, aun siendo conscientes de que es ficción y lo peor de todo, respiramos cuando Vogt, nos permite que lo hagamos. Un excelente trabajo de dirección general sobre el que destaca el actoral.

Y llega el momento de volver a ellos, a los cuatro jovencitos, a las tres chicas y al chico que dan vida de forma terroríficamente realista a la narración. Impecables entres sus miradas, sus silencios, sus frases casi lapidarias, sus gestos y en cada estado que cada personaje debe ofrecer. Creo de justicia, aun estando los cuatro soberbios, destacar a Alva Brynsmo Ramstad encarnando a la chica autista. Está brutal, insuperable y creíble, perdida entre sus miradas, expresiones corporales y vocablos ininteligibles. Aquí si merece la pena mencionar la banda sonora en la partitura de Pessi Levanto y la sobrecogedora fotografía en la mirada de Sturla Brandth Grøvlen.

¿Qué se tiene que hacer cuando alguien es malo?

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de septiembre

REPARTO: Rakel Lenora Fløttum, Sam Ashraf, Alva Brynsmo Ramstad, Kadra Yusuf, Mina Yasmin Bremseth Asheim, Ellen Dorrit Petersen, Morten Svartveit, Marius Kolberstvedt, Lina Tønne, Birgit Nordby, Kim Atle Hansen, Irina Eidsvold Tøien, Nor Erik Vaagland Torgersen y Tone Grøttjord-Glenne.

PRODUCTORA: BUFO// Logical Pictures// Mer Film//Snow Globe Productions// Zentropa International Sweden.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

UN PEQUEÑO CONTRATIEMPO: CRÍTICA DE CINE

Un pequeño contratiempo, está escrita y dirigida por, Josh Lawson. “Nunca descuides las cosas importantes de la vida”

Es noche vieja, Teddy (Rafe Spall) corre entre la gente, buscando a su novia, cuando cree verla, va hacia ella, la gira hacia él y la besa mientras suena la última campanada. Al separarse se da cuenta que ha cometido un error, que aunque lleva un vestido igual al de su novia, es otra chica. Se disculpa y  ella, Leanne (Zahara Newman), le sonríe.

Teddy se encuentra en el cementerio con una mujer misteriosa (Noni Hazlehurst), quien le hace un regalo muy especial, al comprobar el poco valor que le da al tiempo, de este modo, tras la boda con Leanne y al despertarse al día siguiente, notará que algo ha cambiado y más, cuando ve a su mujer embarazada. Al descubrir lo que le está sucediendo, buscará la manera de solucionarlo, pero el tiempo pasa deprisa, pues mientras él cree estar durmiendo o que han pasado unos minutos del día, para el resto del mundo ha transcurrido todo un año. Tiempo que él se ha perdido, no recordando pero sí envejeciendo, como lo hacen los demás.

Josh Lawson, estudió en la Escuela de Teatro National Institute of Dramatic Art “NIDA” graduándose en 2001 con un grado en actuación.  Comenzó su Carrera como actor en series de televisión como “The Wayne Manifesto Trevor” 1997, “Blue Heelers” 2006, “Sea Patrol” 2007 o “House of Lies” 2012/16 y en cine con “Freeloaders” 2011 de Dan Rosen, “Free Birds” 2013 de Jimmy Hayward o la reciente “Mortal Kombat” 2021 de Simon McQuoid. En cuanto a la dirección, debutó con el cortometraje “After the Credits” 2010 y con el largometraje “The Little Death” 2014, continuando con la serie “Cassandra French´s Finishing School” 2017 junto a Frankie Shaw; este año llega con “Un pequeño contratiempo” 2021.

Los viajes temporales, que tantas situaciones divertidas e interesantes nos ha dado el cine a lo largo de las décadas, regresa, pero esta vez de forma un tanto diferente, pues el personaje no vivirá el mismo día una y otra vez ni, como ha sucedido en otras ocasiones, que durante el transcurso de ese día se produzcan ciertas alteraciones, hasta poder salir de la pesadilla. En “Un pequeño contratiempo”, el personaje deberá luchar contra el tiempo, no contra el viaje en sí, pues aquí, en cada despertar e incluso mientras permanece despierto, su realidad se irá dilatando en periodos de un año y con ello, creándose condiciones verdaderamente disparatadas y dramáticas. Por si todo eso fuera poco, cada nuevo estado de tiempo, sucederá el día del aniversario de boda, originando nuevos conflictos.

Una carrera contra el reloj de la vida, en busca del amor que no consigue retener y padeciendo, el como a lo largo de los años y sin poder hacer nada, su mujer pierde interés por él, aunque lo siga amando. El no disfrutar de su hija, viéndola crecer y estar junto a ella en instantes tan mágicos como el escuchar las primeras palabras, presenciar los primeros pasos, sentir junto a ella el despertar  a la vida y a las nuevas emociones o el olvidarse de algo tan imprescindible como el dedicar tiempo a los seres queridos y principalmente a esos hijos, que crecen más rápido de lo que deseáramos. Todos estos acontecimientos y muchos más, que rodean a un ser humano a lo largo de sus vidas, los está perdiendo, sin poder hacer nada. Una crítica a una sociedad moribunda, que pospone lo más elemental, creyendo que siempre hay tiempo; pero el tiempo no se detiene y pasa más rápido de lo que creemos. Una comedia hilarante que no frena ni un segundo,  ni para respirar.

El protagonista principal es Rafe Spall, que encarna a Teddy y quien nos deja sin aliento, en el amplio sentido de la palabra, pues durante los poco más de 90 minutos que dura el filme, no para, siempre está haciendo algo: Corre, busca, piensa, planifica, llora, se sorprende, se irrita y emociona, pero sobre todo, habla. Habla por los codos. Es una auténtica ametralladora humana hablando, no dejando ni un segundo de la acción, sin una palabra, sin una frase, sin una pregunta o una excusa. Una magnífica interpretación que nos hace disfrutar de cada una de sus gesticulaciones, que nos demuestran el estado en el que se encuentra, en cada situación.

Un filme en torno al amor, la familia y la amistad; motores principales que no debemos relegar, por mucho trabajo que tengamos, pues son quienes realmente nos aportan estabilidad y felicidad. Una película bien dirigida por Josh Lawson, ofreciéndonos un mensaje claro, además de lo ya citado; la gran importancia de aprovechar los momentos importantes de nuestra existencia, porque no volverán. Para terminar, mencionar la elegante fotografía de Matt Toll. Una película para pasar un buen rato y olvidarnos de los problemas.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Junio

REPARTO: Rafe Spall, Zahra Newman, Ronny Chieng, Noni Hazlehurst, Josh Lawson, Dena Kaplan y Benjamin Taylor.

PRODUCTORA: Create NSW// Screen Australia// See Pictures// Spectrum Films// Studiocanal.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

NARCISO Y GOLDMUNDO: CRÍTICA DE CINE

Narciso y Goldmundo, está dirigida por Stefan Ruzowitzky compartiendo guion, adaptando la novela  de Hermann Hesse,  con Robert Gold. “Sin madre no se puede amar. Sin madre no se puede morir”

Nos encontramos en el monasterio de Mariabronn, en plena Edad Media, donde un joven novicio, Narciso (Oskar von Schönfels), comenta al abad que desea dedicar su vida a Dios. Ambos son interrumpidos por un monje que reclama la presencia del abad, ante la llegada de un hombre acaudalado que exige que su hijo Goldmundo (Jeremy Miliker), sea acogido en el monasterio a cambio de una importante suma de dinero y de esa forma, pueda expiar los pecados de su madre. Narciso será el encargado de mostrar el convento al joven, mientras le instruye sobre las normas que rigen el lugar, entre rezos, meditación y otras actividades. Pasados 7 años. Narciso (Sabin Tambrea) y Goldmundo (Jannis Niewöhner) se han convertido en grandes amigos.

El director, Stefan Ruzowitzky, estudió drama e historia en la Universidad de Viena y tras dichos estudios, trabajó dirigiendo videoclips musicales y publicidad. Su primer largometraje llegó en 1996 con “Tempo”, continuando con “Los herederos” 1998 (Espiga de plata en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, entre otros premios), “Anatomía” en 2000, “All the Queen´s Men” 2001, “Anatomía 2” 2003, “Los falsificadores” 2007 (Òscar 2008 a mejor película de habla no inglesa), “Kika Superbruja y el libro de hechizos” 2009, “La huída” 2012, el documental “Radical Evil” 2013, “Cold Hell (Die Hölle) 2017, “Paciente cero” 2018 y este año llega a nuestro país con “Narciso y Goldmundo”. También ha trabajado en las series “Monte video” 1994 y la miniserie “8 Days” 2019.

El filme pasa por las distintas etapas de la vida de los dos protagonistas, espléndidamente interpretados por Oskar von Schönfels y Jeremy Miliker, encarnando a Narciso y Goldmundo respectivamente, ofreciéndonos dos formas de ver la vida muy diferentes: La de Narciso dedicando su vida a Dios y al monasterio en el cual ingresó siendo muy joven y la de Goldmundo, un espíritu más libre y salvaje, que saldrá al mundo en busca de su madre y del amor. La vida vista desde las paredes de un monasterio y la austeridad que representa ser monje, frente a la vida mundana que se abre ante Goldmundo para disfrutar y experimentar esa libertad de la que goza.  Mientras Narciso se flagela para expulsar el mal de su cuerpo y mente, Goldmundo, goza de los placeres carnales, gracias a su belleza, inteligencia y picardía. 

Aunque existen muchas lecturas en esta magnífica obra, con una excelente dirección y con un guion muy bien estructurado, destacan la amistad, el amor y la figura de la mujer. El poder de la amistad, que se añora cuando se está lejos y se disfruta de su presencia, en la cercanía. Una amistad verdadera que perdurará en los dos protagonistas. Una amistad que se viste de amor ante las emociones, sentimientos e impulso de protección. Un amor fraternal que más tarde, con el despertar de la juventud, se abrirá a nuevos horizontes. La figura de la mujer en la Edad Media, vista desde lados opuestos: En aquellos que viven encerrados en los monasterios, considerándolas obra del pecado y  creadas por Dios para tentar al hombre. Los hombres del medievo que en su pensamiento consideraban que la mujer debía estar sometida a su voluntad y en contraposición, las mujeres “rebeldes” para su tiempo, que rompían las cadenas de la opresión y así poder disfrutar de la libertad de su ser, aprendiendo oficios y abriéndose camino en la vida, aunque fuera a escondidas. Un magnífico retrato de la mujer en una época oscura de la historia y de la cual no solo sale fortalecida, sino renacida. Stefan Ruzowitzky y Robert Gold, han cuidado con esmero cada detalle. 

“Narciso y Goldmundo” rebosa humanidad mientras nos muestra el sufrimiento, la enfermedad, los triunfos, el amor, la embriaguez, el miedo a la muerte, el despotismo, la amistad, la soberbia, la oscuridad, la ignorancia, el machismo, la belleza o el éxtasis. Abrazada por una magnífica ambientación medieval que nos sumerge entre las paredes de los monasterios, de las casas, de los talleres de escritura y pintura, de calles embarradas, de la inmundicia y pestilencia, de la picaresca y lo que suponía vivir o sobrevivir en aquellos tiempos inciertos. Donde escucharemos las lecturas en latín de las Santas Escrituras y los cantos de los monjes, en contraste con la vida bulliciosa de las ciudades. La sexualidad más lasciva envuelta en alucinógenos que nos recuerdan pasajes de Sodoma y Gomorra, ante el romanticismo más puro, cuando afloraba el amor. Un filme con un corte marcadamente clásico, en el cual  a través de los diferentes flashback, cuando Goldmundo regresa junto a su amigo Narciso, pasados los años, conoceremos todas sus aventuras y desventuras narradas por él, entre el dolor y la felicidad. En esta ocasión me  voy a quedar con una de las muchas escenas importantes que tiene este filme. “Goldmundo se encuentra de nuevo con Julia, convertida en artista. En un momento determinado le dice que tal vez nunca halle a su madre, pues quizás su madre se encuentra en todas las mujeres que ha conocido, desde la coqueta Lidia, la perfecta ama de casa que era Isabel, la amada Lena…Todas aquellas que ha conocido y amado a lo largo de su viaje”. Posiblemente sea una de las más bellas formas de describir a una mujer, la más importante de nuestra existencia, la que nos dio la vida, pues en una madre  pueden hallarse todas las mujeres y ninguna a la vez. 

Terminando y aunque ya lo he comentado, la obra posee una magnífica ambientación, la cual se ve apoyada y reforzada por el espléndido vestuario de Nicole Fischnaller, la dramática banda sonora de Henning Fuchs, la extraordinaria fotografía de Benedict Neuenfels, quien a través de su experta mirada, retrata con exactitud cada estación del año, paisajes, ciudades, interiores y exteriores, en un perfecto equilibrio entre las diferentes tonalidades de color e iluminación y por supuesto, la elegante y pulcra dirección de  Stefan Ruzowitzky.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Febrero

REPARTO: Lukás Bech, Henriette Confurius, Roxane Duran, Georg Friedrich, Michael Glantschnig, Matthias Habich, Andre Hennicke, Elisabeth Kanettis, Roman Johannes Kornfeld, Johannes Krisch y Sunnyi Melles.

PRODUCTORA: Tempest Film// Mythos Film// Deutsche Columbia Pictures Film Production// Lotus Film// FilmVergnuegen.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.