X: CRÍTICA DE CINE

X, está escrita y dirigida por Ti West. “La comedia, el terror y el erotismo se alían para hacer disfrutar al público con esta descarada y sorprendente película”

Estamos en el año 1979 y un grupo de jóvenes aficionados al cine deciden hacer una película porno en una granja de Texas, cuya casa han alquilado a un matrimonio anciano: Howard (Stephen Ure) y su mujer Pearl (Mia Goth), que viven al lado. El grupo está formado por el director de la película Wayne Gilroy (Martin Henderson), las actrices porno Bobby-Lynne (Brittany Snow) y Maxine Minx (Mia Goth), el cámara RJ Nichols (Owen Campbell), la sonidista Lorraine (Jenna Ortega), y el actor porno  Jackson  Hole (Kid Cudi). Todo va bien hasta que Pearl ve lo que los jóvenes están haciendo en la casa, desatándose una locura entre el gore, la sexualidad latente y la comedia más sinvergüenza.

El actor, director de fotografía, guionista, editor, productor y director, Ti West, es un todo en uno que  estudió en la School of Visual Arts. En la dirección se inició en el cortometraje con las obras “The Wicked” y “Prey” 2001 y en el largometraje con “El cobertizo” 2005 para continuar con “Trigger Man” 2007, “La casa del diablo” y “Cabin fever 2” en 2009, “Los huéspedes” 2011, “The ABCs of Death” y V/H/S en 2012, “The Sacrament” 2013, “El valle de la venganza” 2016 y “X” 2022. En televisión ha participado en la miniserie “Dead and Lonely” 2009, las series “Scream” y “South of Hell” en 2015, “Wayward Pines” 2016, “Outcast”  y “The Exorcist” 2017, “The Passage”, “Chambers”, “The Resident” y “Soundtrack” 2019, “Historias del bucle” 2020 y “Them” 2021.

Un bienvenido homenaje al cine de terror de serie B o debería decir Z, por ese halo de bajo presupuesto que respira el filme, propio de aquellas producciones de los años 70 con fans incondicionales que llegan hasta el día de hoy y por supuesto, ofreciendo un slasher en todo el amplio sentido de la palabra, pues no faltará ninguno de los elementos, entre los psicópatas de turno, los jóvenes como víctimas, el sexo más o menos explícito, el consumo de estupefacciones, el perderse en el camino, aunque aquí precisamente no estén perdidos, pues saben muy bien dónde están y  lo que quieren: Rodar una película porno, “Las hijas del granjero”. Sigamos, la diversidad de armas entre rastrillos, cuchillos o hachas, con las que liquidar al personal y esas jovencitas, que siempre se quedaban solas ante el peligro, aunque en esta ocasión no parecen tan ingenuas como aquellas y por supuesto, el gore para colorear las imágenes y manchar las ropas y las pieles. West también ameniza la función con los telepredicadores evangelistas despotricando a través de aquellas televisiones en blanco y negro, que despiertan más de una carcajada, junto a los guiños a películas sobradamente conocidas, que ya iréis descubriendo. 

Cine dentro del cine tocando géneros como la comedia, el terror y el erotismo, con alegato al cine independiente incluido. Una acertada combinación en la cual cada engranaje funciona a la perfección. Cuenta con un guion bien estructurado hasta en sus agudos diálogos de doble sentido, acertada dirección e interpretaciones con las que uno se lo pasa en grande, pues se intuye que los actores se han divertido durante el rodaje y me atrevería a afirmar que incluso algunos diálogos han sido improvisados. Siete personajes, entre los que se encuentran los dos viejecitos que no lo son tanto, al menos ella, pues bajo el maquillaje de la anciana Pearl, se oculta Mia Goth, a quien veremos también encarnando a Maxine Minx, una de las actrices porno que aspira a llegar a lo más alto, al igual que sus compañeras y compañeros. Todos sueñan con la gloria. Llegar y sorprender a Hollywood, con un filme de bajo presupuesto. Por soñar que no quede. Una película en gran parte feminista, pues son ellas las que llevan la iniciativa a lo largo de la narración. Lo importante es tener el factor X, algo que parece haber alcanzado el fotógrafo Eliot Rockett, con una fotografía sucia y colores apagados, muy setenteros. Lo retro sigue de moda. 

West sabe bien el material que tiene entre manos y no lo desaprovecha, pues conoce los gustos de los espectadores y se lo va ofreciendo entre instantes cotidianos, desagradables, terroríficos o ingeniosos; originados por situaciones inesperadas y esperadas. Desde el momento en que los cinco jóvenes suben a la furgoneta y llegan a la casa, el espectador ya está en alerta, preparado para lo que le pueda venir y West también, y para ello se apoya en la música de Tyler Bates y Chelsea Wolfe, los sugerentes planos tomados con cámara en mano y filmados en dos formatos diferentes o los pequeños grandes detalles, algunos tan inocentes como el ver cortar una salchicha en finas rodajas y es que el malévolo y juguetón West nos atrapa sin que seamos consciente de ello, provocando que la imaginación se dispare, más, si quien ve el filme es un curtido amante del género de terror.

“Es mucho mejor pedir perdón que pedir permiso”

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de abril

REPARTO: Jenna Ortega, Brittany Snow, Mia Goth, Kid Cudi, Martin Henderson, Owen Campbell, Stephen Ure, Geoff Dolan, James Gaylyn y Simon Prast.

PRODUCTORA: A24 // Bron Studios// MAD SOLAR.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

DOG UN VIAJE SALVAJE: CRÍTICA DE CINE

Dog. Un viaje salvaje, está dirigida por Reid Carolin y Channing Tatum, compartiendo  guion con Brett Rodriguez. “Cuando las heridas aún no han cicatrizado, solo otra alma herida, puede ayudar a llevar el dolor”

El Ranger del ejército de EE.UU., Jackson Briggs (Channing Tatum) quien sufre una lesión cerebral traumática ocasionada por la guerra, está sin trabajo y solicita al ejército ser reincorporado. Antes de que sus jefes tomen una decisión, le encomiendan que lleve Lulu, una perra de guerra belga malinois, desde la Base de las Fuerzas Aérea en Washington hasta Arizona, para que asista al funeral de quien fuera su compañero, en la batalla.

El guionista, director de fotografía, productor y director, Reid Carolin, se graduó en la Universidad de Harvard. Es cofundador de Constellation TV y debuta en el largometraje con “Dog, un viaje salvaje” 2022 junto al modelo, bailarín, actor, productor y director, Channing Tatum, quien estudió en el Gaither High School, en el Tampa Catholic High School y en 1998 se graduó en la preparatoria donde consiguió una beca deportiva, ingresando en el Instituto Glenville State College en Glenville, pero finalmente decidió abandonar los estudios. Inició su carrera como modelo y más tarde se dedicó a la interpretación, ahora debuta junto a Reid Carolin, en la dirección.

De nuevo nos vemos en la carretera, esta vez para seguir las aventuras y desventuras de este Ranger del ejército de los Estados Unidos y una perra adiestrada para el combate, también perteneciente al ejército. Un viaje iniciático que les servirá para crear un importante vínculo a la vez que cierran, en parte, esas heridas mentales y tal vez alguna cicatriz físicas aún sangrante, que la guerra les ha provocado. Dos almas perdidas y olvidadas en manos de unos mandos que les mantienen apartados, tras haber cumplido con la patria y quienes intuimos les reservan un futuro incierto. Una premisa que de entrada promete ser interesante, pues da la sensación de que el filme se atreverá a  afrontar las enfermedades mentales, las taras que en mayor o menor medida ocasionan los conflictos bélicos dependiendo de lo cerca que se haya estado de la línea de fuego, de la acritud de algunos altos mandos o de ese destino final, como comentaba, cuando la misión ha concluido; pero todo eso se queda en la superficie, otorgando al filme un carácter de película amable, para todos los públicos, en la cual nada pueda molestar sobre todo, al público más norteamericano.

Dog. Un viaje salvaje, no busca destacar en ningún aspecto, sino complacer al espectador haciéndole disfrutar con esta  Road Movie, basada en hechos reales, entre la comedia doliente y el drama complaciente. Un humano y un animal unidos por la adversidad y cuyos conflictos internos irán exteriorizando de maneras muy diferentes, pero con un mismo propósito, el ser escuchados, comprendidos y reclamando afecto, tras todo lo sufrido. Si ya resulta complejo entender la mente humana, tras encararse a determinados traumas, qué no será la de un animal que ha sido entrenado para el combate y no posee la facultad de la palabra para expresarse. Jackson aprenderá a entender a su compañera de viaje mientras lee el cuaderno que el difunto ranger, escribía e ilustraba con fotografías junto a su fiel amiga Lulu, mientras él se desahoga hablando con ella, con el deseo que de alguna manera le entienda. Dos seres destinados a poner de su parte para que ese viaje sea lo más ameno posible mientras encuentran la manera de comprender el lenguaje que el uno desconoce del otro. Dos personajes solitarios, atormentados, heridos y dejados a la suerte tras el cumplimiento con el deber. Una experiencia gratificante, dirigida con delicadeza por estos dos debutantes en la dirección, Reid Carolin y Channing Tatum.

Si bien a la narración le persigue ese halo de drama, también encontramos momentos muy divertidos, como cuando Jackson descubre a través de una médium que Lulu desea dormir en una cama blanda y se hace pasar por ciego, para que ambos se puedan alojar en una lujosa habitación de un hotel o el encuentro frustrado con dos chicas, con las que espera pasar una noche de sexo. 

La película cuenta con una magnífica fotografía de Newton Thomas Sigel, quien retrata esa Norteamérica profunda entre amaneceres, atardeceres y espacios que invitan al sosiego, mientras Thomas Newman con las notas de su banda sonora, ayuda a suavizar y remarcar los momentos tensos, dolorosos, inquietantes e incluso de autorreflexión. Channing Tatum convence con su interpretación, pero quizás, al menos para mí, la verdadera estrella es Lulu, resultando tan humana como lo es su propio compañero.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril

REPARTO: Channing Tatum, Jane Adams, Ronnie Gene Blevins, Q`orianka Kilcher, Kevin Nash, Cayden Boyd, Aqueela Zoll, Nicole LaLiberte, Amanda Booth, Neraida Bega, Patricia Isaac, Skyler Joy, Luke Forbes, Timothy Eulich, Jamaal Lewis, Alex West, Luke Jones, Tom Beyer, Junes Zahdi, Mathew Trent Hunnicutt, JoAnne McGrath, Joy Sunday, Tory Freeth, Eric Urbiztondo, Evan A. Dunn, Pablo Ramos y Jay Washington.

PRODUCTORA: CAA Media Finance// Filmnation Entertainment// Free Association// Metro-Goldwyn-Mayer.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

ARTHUR RAMBO y GOLEM DISTRIBUCIÓN lideran la sostenibilidad en el sector de la distribución cinematográfica.

“ARTHUR RAMBO”, de Laurent Cantet, y GOLEM lideran la sostenibilidad en el sector de la distribución cinematográfica, lanzando la primera campaña de emisiones neutras del mercado.

La compañía navarra, comprometida con los derechos sociales y el medio ambiente, ha apostado por la sostenibilidad y la innovación, realizando para la película “ARTHUR RAMBO” una consultoría en términos de sostenibilidad con Creast.network, empresa tecnológica especializada en el sector del entretenimiento.

Creast.network ha desarrollado la estrategia de sostenibilidad para la campaña de distribución que Golem Distribución ha validado e implantado de forma pionera en el lanzamiento de su largometraje “ARTHUR RAMBO”. Una vez acabada la promoción de la película, se realizará una medición rigurosa y con evidencias de la huella de carbono del proyecto, para conocer el impacto real que tendrá en el medioambiente, y así poder llevar a cabo la compensación de dicha huella mediante proyectos de reforestación.

De esta manera, la promoción de la película “ARTHUR RAMBO”, del cineasta francés Laurent Cantet, que llegará a los cines este viernes 22 de abril, se convierte en la primera en ser de carbono neutral. Golem establece un hito histórico en materia de sostenibilidad en el ámbito de la distribución cinematográfica.

MEDIDAS ADOPTADAS

En cuanto a las medidas adoptadas para esta película, cabe destacar aquellas relacionadas con la movilidad, los materiales y los alojamientos, gracias a las cuales se llegará a reducir hasta 16 toneladas de emisiones CO2eq (Dióxido de Carbono equivalente) a la atmósfera. Para visualizar el volumen de este ahorro se necesitarían 8 piscinas olímpicas para recoger todo el dióxido de carbono que no se va a liberar a la atmósfera.

Las buenas prácticas adoptadas durante toda la promoción y el esfuerzo de todo el equipo han tenido como recompensa la reducción de más del 51% de la huella de carbono.

Energía, movilidad y alojamiento. Golem Distribución ha adoptado medidas de eficiencia energética para sus sedes como el uso de equipos electrónicos de bajo consumo, implantación de iluminación LED, adecuación de temperatura... además de una política de teletrabajo para sus equipos que ha tenido un gran impacto positivo, reduciendo las emisiones derivadas del consumo energético un 10%.

Además, ha apostado por utilizar opciones de movilidad ecológica, priorizando el uso de transporte público sobre el privado para largo recorrido, escogiendo el tren frente el avión en los desplazamientos, y eligiendo una compañía aérea con políticas de sostenibilidad para los casos donde la opción del tren no ha sido viable. Además, para trayectos cortos se han elegidos vehículos híbridos y la mayoría de los empleados trabaja en remoto o acude andando a la oficina. Con todo esto han conseguido reducir las emisiones derivadas de la movilidad en un 56%.

Se ha elegido cuidadosamente los alojamientos que el equipo ha necesitado durante la promoción, seleccionando una cadena hotelera sostenible y cercana a los actos de promoción, facilitando los traslados a pie de gran parte del equipo. Esta planificación de alojamientos ha permitido reducir la huella de carbono en un 50%.

Materiales y residuos. Otra medida con la que se ha conseguido un gran impacto positivo ha sido la digitalización de gran parte de los documentos usados durante la campaña y el uso de papel reciclado para aquellos que se han llegado a imprimir, que junto con la política de no consumo de plásticos ha supuesto la reducción de un 75% de las emisiones. 

No obstante, el compromiso de Golem va más allá de las políticas adoptadas para esta campaña en concreto, y ha adoptado una actitud activa también en materia de sensibilización y concienciación para trabajadores, colaboradores y público general. Su lucha por la divulgación y la consecución de los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) de las Naciones Unidas, forma parte  de la filosofía de la compañía.

Laurent Cantet (Melle, 1961), cineasta conocido por retratar el mundo actual con películas valientes y comprometidas con temáticas sociales, reflexiona en su octavo largometraje, ARTHUR RAMBO, sobre el uso de las redes sociales y las repercusiones que tienen en nuestras vidas.

Laurent Cantet es uno de los directores franceses de mayor reconocimiento internacional. Iniciado en el mundo del cortometraje a principios de los años 90, Cantet demuestra enseguida tener un talento especial que refleja en todas sus películas, objeto muchas de ellas de premios tan importantes como la Palma de Oro de Cannes o los premios Cesar del cine francés. Recibió el Premio Honorífico del 16º Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián en 2018, galardón que reconoce el trabajo y la implicación de personalidades del mundo del cine en favor de los derechos humanos. 

Golem Distribución descubrió en su primera película, Recursos humanos, la mirada del director hacia el cine de compromiso social que le caracteriza y ha sido desde entonces, el distribuidor de todas sus películas en España; Recursos Humanos, El empleo del tiempo, Hacia el sur, La clase, 7 días en La Habana (‘La fuente’), Foxfire, Regreso a Ítaca, El Taller de escritura y Arthur Rambo.

CINE Y FESTIVALES (XXVII)

 

NUEVE CARTAS informa que el largometraje “ANWAR”, protagonizado por Alex Txikon, tendrá su estreno internacional en el Festival de Trento.

Tras el éxito del preestreno mundial de ANWAR (Lleno de luz),  que tuvo lugar el pasado día 2 de abril en el Palacio Euskalduna de Bilbao, el estreno internacional de esta historia de alpinismo, solidaridad y energía renovable tendrá lugar en la 70 edición del FESTIVAL DE CINE DE TRENTO, que se celebrará en la ciudad italiana entre el 29 de abril y el 8 de mayo de 2022.

El film se proyectará en el certamen de cine y montaña con más años de trayectoria en dos sesiones, el día 30 de abril y 2 de mayo junto al cortometraje STORIE DI MONTAGNA - CESARE E LUCIANO de Giorgio Salomon, dentro de la sección ALP&ISM, que incluye a los protagonistas de hazañas de montañismo, escalada y aventura en los picos y paredes más bellas del planeta.

Festival de Trento:

 https://trentofestival.it/en/2022-edition/program/movies/anwar/

Rodada en Nepal, Sierra Leona y Pakistán, ANWAR (Lleno de luz) nos sumerge en la expedición invernal de Txikon al Manaslu (Nepal). Es la primera ascensión no contaminante, alimentada por paneles solares. Con este sistema sostenible, que permite reducir la huella energética siguiendo los Acuerdos de París, empieza una labor solidaria de la mano de Fundación EKI.  Alex va a conocer el trabajo desarrollado por la Fundación en Sierra Leona, donde proporcionan sistemas de energía solar que permiten la autonomía energética en las escuelas y hospitales. Txikon propone replicar esta idea en una escuela muy especial en el valle Diamer, en Pakistán, la Günter Mountain School, uniendo dos culturas distintas pero al mismo tiempo iguales.

En palabras del protagonista, “este es un proyecto que nace del buen hacer en el que quiero destacar la dificultad del rodaje en plena pandemia, la importancia de los valores humanitarios y la creencia de que será capaz de hacer empatizar y reflexionar al espectador sobre la diferencia de oportunidades”.

Por su parte, la directora define la cinta como “una historia que nos hace viajar, que nos hace pensar, que nos emociona. Es un viaje por caminos entrelazados, escuelas que se hermanan, amigos que se quedan por el camino, intercambio cultural, personas que deciden dejar sus casas porque piensan que algo puede cambiar y que otro mundo es posible”.

Escrita y dirigida por Rosa García Loire (productora ejecutiva del documental El Drogas)  y producida por 601 Producciones Audiovisuales, S.L. (La Navaja de Ockham, Ainarak),  ANWAR (Lleno de luz), de 80 minutos de duración, cuenta con la fotografía de Ignacio Maquirriain y Raúl de la Fuente (premios Goya a Mejor cortometraje documental por Minerita en 2014, y a Mejor película de animación por Un día más con vida en 2019). Miguel Hualde firma el sonido. La música y el diseño gráfico corren a cargo de Audionetwork y Welldone, respectivamente. El montaje lo realiza Natxo Leuza (director y productor de ElDrogas). Ignacio Galíndez se encarga de la dirección de  producción, y Juan San Martín, de la producción ejecutiva. La película cuenta con el apoyo de la Fundación EKI.

ELASTICA FILMS Y FILMIN informan que “EL AGUA”, de Elena López Riera competirá en la Quincena de realizadores del Festival de Cannes.

Protagonizada por la debutante Luna Pamies junto a Bárbara Lennie y Nieve de Medina, Filmin distribuirá la película en España junto a Elastica.

EL AGUA, ópera prima de Elena López Riera protagonizada por la debutante de 17 años, Luna Pamies junto a Bárbara Lennie y Nieve de Medina, tendrá su estreno mundial en la Quincena de Realizadores del Festival de cine de Cannes.

Producida por Alina Film, Suica Films y Les Films du Worso, con el apoyo del Institut Valencià de Cultura, el ICAA y la participación de RTVE y À Punt Mèdia,  la película será distribuida en nuestro país por Filmin junto a Elastica. 

Elena López Riera cuenta con una reconocida carrera como cortometrajista a nivel internacional. Su primer cortometraje, Pueblo (2015) se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y  Las vísceras (2016) en el Festival de Locarno. Su último trabajo, Los que desean, (2018) se hizo con numerosos galardones internacionales entre los que se encuentran el Pardino d’Oro al mejor cortometraje en el Festival de Locarno, una mención especial del jurado en el Festival de San Sebastián - Zabaltegui, el Gran Premio de Zinebi, Gran premio en Vila do Conde y una nominación a los EFA, además de participar como video instalación en el MOMA PS1 como parte de Openhouse spring exhibition.   Los tres títulos están disponibles en Filmin. Su trabajo también ha sido objeto de focos en la Cinemathèque française, el festival de Gijón o La cinemateca de Colombia. Con El agua participó en las residencias de la Cinéfondation del Festival de Cannes (Premio mejor proyecto CNC) e Ikusmira Berriak - Festival de San Sebastián (Premio Rec Grabatea).

SINOPSIS: Es verano en un pequeño pueblo del sureste de España. Una tormenta amenaza con volver a desbordar el río que lo atraviesa. Una vieja creencia popular afirma que algunas mujeres están predestinadas a desaparecer con cada nueva inundación porque tienen “el agua adentro”.
Ana (Luna Pamies) vive con su madre (Bárbara Lennie) y con su abuela (Nieve de Medina) en una casa a la que el resto del pueblo mira con suspicacia. En medio de la atmósfera eléctrica que precede a la lluvia, Ana conoce a José (Alberto Olmo) a la vez que lucha por aventar a los fantasmas.

Elena López Riera explica sobre el proyecto que ella misma nació y creció en Orihuela (Alicante) “Un lugar en el que se mezclan constantemente la crónica cotidiana con los relatos fantásticos. Me crié en un ambiente predominantemente dominado por mujeres (mi madre, mis tías, mis abuelas, mis vecinas) que pasaban las horas contando estas historias, transmitidas de generación en generación, y que mezclaban siempre hechos reales con elementos fantásticos y tradiciones locales. Creo que si hago cine, es gracias a ellas, por la pasión con la que transmitían cada relato, cada detalle, por la fe con la que narraban cosas increíbles, porque en su forma de hablar, no hacían ninguna diferencia entre historia y poesía. Por otro lado, en mi tierra, la Vega Baja del Segura, la lluvia no es un fenómeno meteorológico cualquiera. Aquí casi nunca llueve, pero cada tanto, las fuertes tormentas hacen que el río Segura (uno de los más contaminados y sucios de Europa) se desborde. Los recuerdos de cada catástrofe relacionada con el agua forman parte de nuestra memoria desde hace siglos. En 2019 se produjo una nueva riada. La gente publicaba en las redes sociales las imágenes catastróficas de las inundaciones y toda la mitología de mi infancia volvió a surgir...”

AVALON nos informa que acudirá al Festival de Cannes 2022 con tres películas en la Sección Oficial y una en Quincena de Realizadores.

“Decision to Leave”, de Park Chan-wook. Sección Oficial a competición.

Títulos como La doncella y Old Boy elevan al director coreano entre los más grandes del cine contemporáneo. Su nueva cinta, que conjuga crimen, romance e intriga a lo largo de una investigación policial, será uno de los platos fuertes del festival.

“Broker”, de Hirokazu Koreeda. Sección Oficial a competición.

En 2018 ganó la Palma de Oro con Un asunto de Familia. En esta ocasión, el cineasta japonés nos trae una tierna y vibrante historia con Song Kang-ho (Parásitos) a la cabeza del reparto. Una película co-distribuida por Avalon y Filmin.

“Triangle of Sadness”, de Ruben Östlund. Sección Oficial a competición

Llega el nuevo trabajo del director sueco tras ganar la Palma de Oro en 2017 con The Square, película ya distribuida por Avalon. Triangle of Sadness llegará a los cines españoles de la mano de Avalon y Elastica.

“The Five Devils”, de Léa Mysius. Quincena de Realizadores

Hace cuatro años presentó Ava en Cannes (Semana de la Crítica) y recientemente hemos de nuevo su nombre por escribir París, Distrito 13 junto a  Jacques Audiard y Céline Sciamma. Esta será su consagración definitiva.

DEAPLANETA informa que “THREE THOUSAND YEARS OF LONGING” de  George Miller tendrá su Premier Mundial en el Festival de Cannes.

“Three Thousand Years of Longing” tendrá su premiere mundial en la Sección Oficial (fuera de concurso) de la 75ª edición del Festival de Cannes, que tendrá lugar del 17 al 28 de mayo. La nueva película de George Miller  está protagonizada por Idris Elba y Tilda Swinton y nos presenta una historia repleta de fantasía, aventuras y romance.

Con un presupuesto de 60 millones de dólares y producida por Doug Mitchell, habitual en la filmografía de George Miller, Three Thousand Years of Longing llegará próximamente a los cines españoles.

Sinopsis: La Dra., en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad.

En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado. Finalmente, ella se deja persuadir y pedirá un deseo que sorprenderá a ambos.  

Tras sorprender a crítica y público con Mad Max: Furia en la carretera en 2015, George Miller vuelve al Festival de Cannes con el drama fantástico Three Thousand Years of Longing.

George Miller es un reputado director y guionista australiano ganador de un Premio Oscar® en 2007 a la mejor película de animación. Debutó en 1979 con la película de acción distópica Mad Max - Salvajes de autopista, protagonizada por Mel Gibson, a la que siguieron Mad Max 2, el guerrero de la carretera en 1981 y Mad Max, más allá de la cúpula del trueno en 1985. Entre su filmografía se encuentran joyas del cine fantástico como Las brujas de Eastwick (1987),  dramas como El aceite de la vida (1992) y éxitos del cine infantil como Babe: el cerdito en la ciudad (1998) y Happy Feet: Rompiendo el hielo (2007).

NUEVE CARTAS nos informa que el cortometraje “CUERDAS” de Estibaliz Urresola tendrá su estreno mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes.

El quinto cortometraje de la cineasta vasca Estibaliz Urresola, “CUERDAS”, se estrenará a nivel mundial en la 61ª Semana de la Crítica del Festival de Cannes, cuya 75ª edición se celebrará entre el 17 y el 28 de mayo de 2022. La obra competirá por varios premios — Leitz Ciné Discovery, Canal +—  otorgados por un jurado internacional integrado por la tunecina Kaouther Ben Hania (presidenta), la griega Ariane Labed, el islandés Benedikt Erlingsson, el belga Benoît Debie y el coreano Moon yung Huh. 

A caballo entre su anterior corto —“Polvo Somos”— y su primer largometraje —“20.000 Especies de Abejas”—, en esta obra su directora nos presenta a una coral de mujeres que debe afrontar la decisión de aceptar la ayuda de una empresa contaminante de la región para garantizar su continuidad como formación.

“Cuerdas” es una producción de Sirimiri Films, Gariza Films y Katz Estudio. Marvin&Wayne se encarga de la distribución. El film cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura - ICAA (produccion de cortometrajes sobre proyectos), el Gobierno Vasco (producción de cortometrajes) y la Diputación Foral de Álava (producción de cortometrajes).

Rodada en castellano con una duración de 29 minutos, “Cuerdas” está escrita y dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren. Itxaso Frau, Ana Angulo,  Lara Izagirre y Estibaliz Urresola son las productoras del film, que cuenta con dirección de fotografía de Lara Vilanova y dirección de arte de Corina Herran. Luca Rullo se encarga del sonido directo y Koldo Corella del diseño y montaje de sonido. Maialen Sarasua Oliden firma el montaje, Alba Lozano es la script, Silvina Guglielmotti es ayudante de dirección e Itxaso Frau Terradillos es directora de producción. Karla Biondini es la responsable del diseño de vestuario, y Araitz Pildain del maquillaje y peluquería. Juanjo Agirreolea se ocupa del etalonaje y Guillermo Sevillano de los efectos visuales.

El rodaje de “Cuerdas” se desarrolló entre el 9 y el 14 de noviembre de 2021 en las localidades de Muskiz (Bizkaia) y Llodio (Álava). El reparto está integrado por Begoña Suárez Ereño (Rita),  Miguel Garcés (Ramón), Xanti Agirrezabala (Marcos), Jone Laspiur (Jone), Oier Zuñiga (directivo), Ainhoa Jauregi (directiva). El cortometraje cuenta con la colaboración especial del grupo de teatro Juego de Damas y de la Coral de Mujeres de San Fuentes. 

La directora recuerda que “hace dos años, en unas jornadas de ecofeminismo, asistí a numerosos relatos de luchas medioambientales impulsados por colectivos de mujeres de todos los puntos del planeta. Entre ellos escuché con atención la ponencia de una médica de Muskiz que, durante décadas, había comprobado los efectos devastadores de la contaminación en la salud, no solo de las personas sino también del tejido social de su pueblo. Su relato contenía todo lo necesario para contar esta apasionante historia que me invitaba a reflexionar sobre la importancia de la cooperación, la sororidad, la salud y el cuidado de la vida. Así fue como creé un personaje de ficción llamado “Rita”, que me ha permitido vehiculizar numerosos testimonios, detalles y casos reales de las entrevistas realizadas desde entonces. Y para encarnar a Rita, he tenido la enorme suerte de contar con la participación de Begoña Suarez (presidenta de la asociación Meatzaldea Bizirik - Encartaciones Vivas) que, con 91 años, realiza su primera intervención frente a las cámaras así como de un numeroso grupo de mujeres con las que ensayamos durante más de dos meses. “Cuerdas” es un relato que combina una base documental a través de personajes y localizaciones reales, con un dispositivo narrativo y fílmico de ficción que nos permite acceder a la dimensión más íntima que hace de esta historia algo universal que trasciende lo local”.

SINOPSIS: Hoy Rita tiene una reunión importante con sus compañeras de canto: la coral de mujeres de la que forma parte corre el peligro de disolverse porque han perdido la  subvención municipal con la que alquilaban el local de ensayo. 

Sin embargo, la enorme refinería de petróleo instalada a escasos metros del pueblo y altamente contaminante, ha  ofrecido un tentador patrocinio al grupo que significaría la salvación de la formación. 

Mientras las mujeres discuten sus distintos puntos de vista, Rita y su hijo Ramón están inmersos en un proceso judicial para conseguir una baja laboral a causa de la  enfermedad contraída por su hijo tras años de trabajo en dicha empresa.

SURIA COMUNICACIÓN y F&P MEDIA nos informan que el thriller basado en el popular cómic Diabolik de los hermanos Manetti, que lidera los Premios David de Donatello con 11 nominaciones, llegara a los cines en 2022.

La película basada en el cómic de culto, del que se han vendido más de 150.000 ejemplares en todo el mundo, es favorita para obtener los prestigiosos premios del Cine Italiano en 11 categorías.

Giacomo Gianniotti da vida al encantador jefe de Diabolik. La historia de la película dirigida por los prestigiosos Hermanos Manetti, basada en la súper popular serie de cómics -de la que se han vendido más de 150 millones de copias en todo el mundo-, ocurre, como en la saga editorial, en la ciudad ficticia de Clerville en los años 60. 

SINOPSIS: Adaptación cinematográfica de las aventuras del personaje creado por Angela y Luciana Giussani en los años 60. Diabolik es un ladrón con miles de disfraces y con miles de trucos. Gracias a sus especiales máscaras de plástico, es como una especie de camaleón capaz de mimetizarse a su gusto y escapar de los adversarios hasta en situaciones muy peligrosas.

El estilizado thriller criminal de trasfondo romántico ha sido escrito y dirigido por Marco y Antonio Manetti, que debutaron en 1195 con un episodio del film De Generazione. Su película Zora La Vampira fue estrenada en 2000, seguida de Piano 17, Paura 3D y L'Arrivo di Wang. En 2013 consiguieron una respuesta unánime de crítica y público por Song of Napoli. En 2017 además su película Love and Bullets compitió en el Festival de Venecia y ganó el Premio David Donatello al Mejor Largometraje, entre otros reconocimientos.

Las nominaciones de Diabolik a los Premios David de Donatello incluyen las de Mejor Actriz para Miriam Leone, Mejor Actor de reparto para Valerio Mastandrea, Mejor Diseño de Producción para Noemi Marchica, Mejor Vestuario para Ginevra de Carolas, Mejor Canción Original para Manuel Agnelli y Mejor Banda Sonora Original para Aldo De Scalzi. La ceremonia de premios tendrá lugar el próximo, 3 de mayo.

F&P Media estrenará Diabolik a lo largo del primer semestre de 2022.

BCN FLIMS FEST nos informa que “EL FRED QUE CREMA”, “LA MANIOBRA DE LA TORTUGA”, “SINJAR” Y “QUICO SABATÉ: SENSE DESTÍ”, CITAS DEL MARTES 26 Y MIÉRCOLES 27 DE ABRIL EN EL BCN FILM FEST

El BCN FILM FEST continúa presentando su programación de la mano de sus protagonistas. El martes 26 de abril será el turno del equipo de "El fred que crema”, Ópera prima de Santi Trullenque, un film intenso y eminentemente plástico con el trasfondo de la persecución nazi a los judíos en un pueblo de los Pirineos. El director estará acompañado por los  protagonistas del film, Greta Fernández, Roger Casamajor, Adrià Collado y Daniel Horvath. 

Al día siguiente, el miércoles 27 de abril, el director Juan Miguel del Castillo y los actores Natalia de Molina y Fred Tatien presentarán al público del festival “La maniobra de la tortuga”, un thriller policíaco y social que adapta una novela negra del ciclo del inspector Bianquetti de Benito Olmo.  

El miércoles también será el turno de “Sinjar”, un drama realista sobre tres mujeres separadas de sus seres queridos a causa de la guerra y el fanatismo que buscan reencontrarse con ellos dirigido por Anna M. Bofarull y protagonizado por Nora Navas, que presentarán la película al público barcelonés.

Sílvia Quer y Roger Casamajor visitarán el BCN FILM FEST la misma jornada del miércoles para presentar “Quico Sabaté: sense destí”, biopic sobre el mítico maqui Quico Sabaté, que continuó la lucha antifascista contra Franco al frente de un grupo de guerrilleros que hacía incursiones a Cataluña desde Francia. 

ARTHUR RAMBO: CRÍTICA DE CINE

Arthur Rambo, está dirigida por Laurent Cantet compartiendo guion con Fanny Burdino y Samuel Doux. “En las redes sociales se puede pasar de héroe a villano en segundos”

Karim D. (Rabah Nait Oufella) es un joven escritor que alcanza gran notoriedad gracias al libro que ha escrito, basado en sus experiencias y principalmente en las de su madre y el periplo que sufrió para llegar desde Argelia a Francia. Es entrevistado en las televisiones más importantes, revistas e invitado a grandes fiestas, como promoción, en donde todo el mundo le demuestra lo que ha significado la novela para ellos. Una noche, en medio de una fiesta, toda esa popularidad mostrará su cruz más amarga cuando a través de twitter salen a la luz los mensajes que él escribía siendo un adolescente. Mensajes antisemitas, homófobos y racistas, incitando al odio. Karim, durante dos días, asistirá a su propio calvario.

El guionista, director de fotografía y cine, Laurent Cantet, obtuvo un máster en audiovisuales en Marsella y seguidamente ingresó en el Institut des hautes études cinématographiques en 1984. Impartió en el Instituto François Dolto un taller de arte dramático. Se inició con los cortometrajes “Tous à  la manif” 1994 y “Jeux de plage” 1995. Saltó al largometraje con “Recursos humanos” 1999 al que siguieron “El empleo del tiempo” 2001, “Hacia el sur” 2005, “La clase” 2008, “7 días en La Habana” y “Foxfire: confesiones de una banda de chicas” ambas en  2012, “Regreso a Itaca” 2014, “Taller de escritura” 2017 y este año estrena en nuestras pantallas “Arhur Rambo” 2022. También ha dirigido el telefilme “Las islas sanguinarias” 1997, ha participado en la mini serie “2000 vu par… Une collection internationale” 1998 y ha codirigido el documental “Laissez-les grandir ici!” y los cortometrajes “On bosse ici! On vit ici! On reste ici! 2010 y “Les 18 du 57, Boulevard de Strasbourg” 2014.

Arthur Rambo está basado en hechos reales, mostrándonos una vez más la cara y la cruz de las redes sociales y como de la noche a la mañana o mejor dicho, en un espacio corto de tiempo, puedes caer en el abismo más profundo, habiendo disfrutado de los placeres de la gloria. Este es el caso de Karim, que alcanza la fama rápidamente con su novela siendo aclamado por la prensa, la crítica y los lectores y que por un error del pasado, un grave error a mi juicio, ahora debe asumir las consecuencias y el desprecio absoluto de la sociedad.

Cuantas veces se ha hablado y se seguirá comentando sobre los peligros de las redes sociales, de la utilización de las mismas y el pensar que podemos escribir lo primero se nos pasa por la cabeza, considerando que estamos protegidos y ocultos bajo el anonimato de un nick. Esto puede servir mientras se es una persona anónima dentro de la sociedad, pero si un día el destino juega sus cartas a tu favor y te pone en boca de todos, por algún hecho puntual, ya se encargarán los parásitos de las redes en buscar como cucarachas, hasta en el último rincón del ciberespacio, para encontrar algo negativo, porque nunca buscan lo positivo, pues el destino final, es destruir a la persona, ante los millones de usuarios del planeta.

Arthur Rambo nos ofrece un filme con un ritmo trepidante, exponiendo cuanto os estoy reseñando. La historia de un joven que siendo un adolescente deseó ser alguien importante y conocido dentro de las redes sociales y equivocó su discurso, un discurso que incitaba al odio desde la homofobia, antisemitismo y racismo. Un joven que con el paso de los años, se deberá enfrentar a ese pasado que creía olvidado y aun habiendo cambiado en su forma de ser y pensar,  el karma le pide explicaciones por el dolor que causó con sus palabras. No olvidemos que las envidias, los celos y la maldad más insana, se esconden tras nuestros móviles y ordenadores, buscando el momento oportuno, para atacar.

Estamos ante uno de los filmes más reflexivos que he visto en los últimos tiempos y al cual considero de obligada visión para todos los públicos, principalmente para los más jóvenes que se creen intocables cuando se lanzan al vacío en las diferentes redes sociales, esgrimiendo como escudo la libertad de expresión, sin ser conscientes hasta qué punto esa libertad de la que presumen y reclaman algunos, se convierte en la  prisión,  el ultraje y la violación de otros. No, no todo vale. La libertad de expresión se mueve sobre un hilo muy fino y nadie está exento de caer en un fatídico error y mucho menos, siendo jóvenes. Recordad siempre que todo lo que se escribe, queda guardado en alguna parte de ese gran archivo laberíntico que da vida a internet, aunque creamos haberlo borrado. Una película que sirve como catarsis y advertencia para los que pueden llegar a usar esta magnífica herramienta, de forma equivocada. El final del filme, como es habitual en el director, queda a juicio del espectador.

Voy finalizando, porque sobre este tema se podría debatir largo y tendido, al igual que de otras lecturas que quedan en un segundo plano escritas en este magnífico guion tan meticulosamente ideado por Fanny Burdino, Samuel Doux y el propio director Laurent Cantet. Cantet confiere al filme de un ritmo bien calibrado para que el espectador capte cuanto él desea mostrar, reflejándose con suma elegancia en la fotografía de Pierre Milon a quien acompaña la delicada banda sonora de Chloé Thévenin. Y he dejado para el final a él, a Rabah Nait Oufella, encarnando con gran maestría al personaje inspirado en Mehdi Meklat. Su naturalidad y expresiones tanto faciales como corporales, atraviesan el alma y la mente del espectador.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril

REPARTO: Rabah Nait Oufella, Antoine Reinartz, Aleksandra Yermak, Sofian Khammes, Anaël Snoek.

PRODUCTORA: Memento Films Production// France 2 Cinema// Les Films de Pierre.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Golem Distribución.

UNA PELÍCULA PÓSTUMA SE ESTRENA EN LA CINETECA DE MADRID

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “Una película póstuma” de Sigfrid Monleón, con Pere Ponce, Vito Sanz y Francesco Carril, se estrena en Cineteca Madrid.

Tras participar en la Sección ZonaZine de la 25º edición del Festival de Cine de Málaga, Una película póstuma del cineasta valenciano Sigfrid Monleón se estrenará en Cineteca Madrid el próximo sábado, 23 de abril a las 20:00 horas en la Sala Azcona, con la presencia del director.

Escrita y dirigida -y producida junto a Antonio Hens- por Sigfrid Monleón Una película póstuma es un relato intimista que narra la búsqueda de un hombre en sus intentos por recuperar una historia de amor que permanece indeleble en su recuerdo. Para ello emprende un viaje a través de bosques y montañas en el deseo de revivir aquel sentimiento de plenitud. Protagonizada por un elenco donde destacan nombres como los de Pere Ponce, Vito Sanz, Francesco Carril, Paula Usero y Ana Risueño.

“UNA PELÍCULA PÓSTUMA” 

Un hombre de ciudad recibe la llamada de la mujer a la que amó y emprende un viaje bosque a través para reencontrarse con ella en una comunidad proscrita asentada en la cumbre de una montaña. Dos guías sucesivos le llevan a su destino: el reencuentro con una historia que no ha podido olvidar. El film se inspira en el “Libro de la pobreza y de la muerte” de Rainer Maria Rilke, donde el poeta habla de la “muerte propia” que cada uno lleva dentro de sí como una semilla que hay que madurar. Esta historia plantea un escenario donde ya no se muere, simplemente se producen cadáveres. La muerte ha sido expropiada y envilecida. Imagen, sonido y música componen un tapiz esencial sobre las ideas de duración, finitud y eternidad que propone la película.

SIGFRID MONLEÓN. DIRECTOR

Nacido en Valencia en 1964 debutó como director de largometrajes en 2001 con L’illa de l’Holandès, filme que le valió una nominación al Premio Goya al Mejor Guion Adaptado. Posteriormente ha dirigido otros filmes tanto de ficción (La bicicleta, El cónsul de Sodoma) como documentales (Adopción, nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje Documental, Ciudadano Negrín, Cántico o El pintor de calaveras). En el Festival de Cine de Málaga ha presentado también su último trabajo de no-ficción, Mario Camus según el cine, producida por Andrés Santana.

También ha dirigido para el teatro haciéndose cargo de montajes como La rendición, Un cielo o Grounded. Actualmente imparte clases de dirección en la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM).

VENECIAFRENIA: CRÍTICA DE CINE

Veneciafrenia está dirigida por Álex de la Iglesia con guion de Jorge Guerricaechevarría. “Toda tormenta comienza con una sola gota de agua”

Cinco amigos deciden viajar a Venecia en plenos carnavales, donde también tiene previsto celebrarse la cumbre Franco-Italiana. Estos cinco jóvenes: Isa (Ingrid García Jonsson), Arantza (Goize Blanco) y Susana (Silvia Alonso) en el apartado femenino junto a Javi (Nicolás Illoro) y Jose (Alberto Bang) en el masculino, buscan vivir unos días inolvidables en la ciudad de los canales y a la vez sorprender a Isa, celebrando su despedida de soltera. Pero no han escogido la fecha más apropiada, pues un grupo de venecianos han decidido sembrar el terror en la ciudad, para que dejen de acudir los viajeros y se vuelva a recuperar el esplendor que Venecia ha ido perdiendo por culpa de la masificación de los turistas.

Comentaros, en primer lugar, que Veneciafrenia forma parte de ese sello de películas de terror ideado por Álex de la Iglesia y Carolina Bang bajo el nombre de The Fear Collection y producido por Pokeepsie Films con Sony Pictures y Amazon Prime Video. Con Veneciafrenia, de la Iglesia, da el pistoletazo de salida abriendo el camino para otros realizadores que bajo este sello, deseen presentar sus propuestas.

El productor, guionista y director, Álex de la Iglesia, cursó estudios primarios y secundarios en los jesuitas y se licenció en Filosofía por la Universidad de Deusto. Trabajó como dibujante de historietas en los fanzines No, el fanzine maldito y Metacrilato, además de revistas como Trokola, Burdinjaun y La Ría del Ocio. Fundó en Bilbao uno de los primeros clubs de rol de España “Los Pelotas”. En el cine debutó con el cortometraje “Mirindas asesinas” 1990 y en el largometraje  con “Acción mutantes” 1993 a los que han seguido “El día de la bestia” 1995, “Perdita durango” 1997, “Muertos de risa” 1999, “La comunidad” 2000, “800 balas” 2002, “Crimen perfecto” 2004, “Los crímenes de Oxford” 2008, “Balada triste de trompeta” 2010, “La chispa de la vida” 2011, “Las brujas de Zugarramurdi” 2013, “Mi gran noche” 2015, “El bar” 2017, “Perfectos desconocidos” 2017 y este año nos ofrece “Veneciafrenia” 2021. Cuenta con los cortometrajes “¡Enigma en el bosquecillo!” 2000, “Hitler está vivo”  y  “El código” 2006,  “Cómicos” 2011 y “Una vez en la vida” 2018. El documental “Messi” 2014 y en televisión “Películas para no dormir: La habitación del niño” 2007, el cortometraje “La tragedia de Francisco Franco” 2009 y las series “Plutón B.R.B. Nero” 2008/09  y “30 Monedas” 2020/2023.

Alex ha contado nuevamente con su mano derecha, el guionista Jorge Guerricaechevarría. Guionista y director que se tienen bien tomado el pulso creativo en cuanto a lo que buscan presentar a los espectadores en la gran pantalla y sin la menor duda, ambos cumplen sobradamente con su cometido. En esta ocasión, además de esas originales historias con las que desconciertan a los fans, Alex y Jorge nos ofrecen un filme crítico con la sociedad, con el uso de los móviles y principalmente, con ese turismo masivo que sufren algunas ciudades, en este caso Venecia, a través de los grandes cruceros que llegan a ese paraíso cuyas calles respiran cultura, cada puente induce al romanticismo y cada góndola a dejarse llevar por un tiempo que parece detenerse cuando sobre ellas se navega, al caer la noche e internarte entre los palacios iluminados. El director se ceba con la nueva fobia: “La Turismofobia”, que aunque la RAE aun no la recoge, no nos extrañe que pronto lo haga, pues aunque en este filme todo es una paranoia absoluta, no va tan descaminado con la opinión de muchos oriundos de algunas ciudades del mundo, quienes cuestionan si los beneficios obtenidos por las visitas de los turistas compensan, ante los desastres que en ocasiones originan. 

Reconozco que tengo cierta debilidad por el cine de la Iglesia, pues nadie puede poner en duda, guste o no gusten sus películas, que es innovador y presenta siempre obras que trastocan a propios y extraños y que algunos, entre los que me incluyo, nos preguntamos “¿Cuándo nos va a sorprender con un filme bien cerrado?”, pues parece que hasta ese detalle, se ha convertido en parte de su sello de identidad, al igual que el caos que se va originando a medida que se acerca el final. En esta ocasión, el último tramo, nos resulta más comedido, ya que la locura se desata desde el instante en que los jóvenes españoles pisan suelo veneciano y se convierten en víctimas, asistiendo a un largo reguero de sangre y cadáveres. Posiblemente estemos ante la obra más gore del autor, llegando a ver como se tiñen de rojo, algunos de los canales. Un Slasher, en donde las armas de lo más variadas y bien afiladas, irá desmembrando los cuerpos que se ponen a su alcance, contemplando como ruedan las cabezas o como se juega con una de las víctimas, emulando a una marioneta. 

Vamos terminando y para ello destacar los puntos fuertes de la película: La magnífica ambientación, los espléndidos decorados, maquillaje y vestuario, la extraordinaria fotografía de Pablo Rosso y la claustrofóbica banda sonora de Roque Baños. Subrayar, aunque no le mencione en la sinopsis, a Cosimo Fusco como Dottore. Un terrorífico Bufón, con ansias de vendetta, aunque no será solo él quien busque venganza y ya si finalizo, haciendo mención a los fantásticos títulos de crédito del comienzo, que nos recuerdan a aquellas películas de terror de los años 70.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril.

REPARTO: Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Alberto Bang, Cosimo Fusco, Enrico Lo Verso, Caterina Murino, Nico Romero, Armando de Razza, Nicolás Illoro, Alessandro Bressanello y Diego Pagotto.

PRODUCTORA: The Fear Collection// Pokeepsie Films// Sony Pictures España// Amazon Studios// Eliofilm// TLM The Last Monkey.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

EN SU PUNTO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y Bélgica, En su punto, está dirigida por Christopher Thompson, compartiendo guion con Fabrice Roger-Lacan.

Charly Fleury (Géraldine Pailhas) es una importante editora de una revista de moda en París, recibe la visita de su padre Jacques Fleury (Jean-François Stévenin) del que está distanciada y le comunica que recientemente ha sufrido un infarto y se va a someter a una operación, además de rogarle que vuelva al negocio familiar, pero ella no quiere saber nada de la carnicería que regenta Jacques.

Charly mantiene una relación con Martial Toussaint (Arnaud Ducret), sin saber que es uno de los empleados de su padre. Tras la muerte de Jacques, ella cree que lo mejor es vender la carnicería, pero Martial buscará la manera de disuadirla para que no lo haga.

El actor, guionista y director, Christopher Thompson, estudió en la Universidad Brown en Estados Unidos. Comenzó trabajando de actor en series como “La Revolución Francesa” 1989 y en las películas: “L`Atlantide” 1992 de Bob Swaim o “Jefferson en París (Los amores de un presidente)” 1994 de James Ivory. Ha dirigido episodios de las series “Amigos del alma” 1980, “La cruda realidad” 1995, “¡Cámara y acción!” 1999 y “Shake It Up! (A todo ritmo)” 2010.  En el largometraje debutó con “Bus Palladium” 2010, “How to Sell a Banksy” 2012 y ahora estrena “En su punto” 2021.

En su punto toma como escenario una carnicería familiar que se convierte en todo un referente gourmet, gracias a su carnicero estrella y el  marketing desplegado por la hija del dueño, quien recientemente ha sido despedida de una prestigiosa revista de moda. Dos profesiones dispares que provocarán enfrentamientos entre ellos a la vez que surge esa atracción amorosa, que ninguno de los dos desean reconocer. Un filme predecible de principio a fin, el cual para algunos resultará demasiado edulcorado mientras que para los románticos y soñadores, se convertirá en una historia que aunque la hayamos visto mil veces en cine, seguirá contagiando el deseo de que todo salga bien y saber que así será, por mucho que los personajes se lancen los trastos a la cabeza, a causa de sus  egos y vidas tan dispares. Este tipo de cine romántico nos ha dejado en el séptimo arte grandes películas con actores más que consagrados y es que el amor es lo que tiene, sigue moviendo montañas y puede con todo o casi todo.

Un filme amable, que rezuma sofisticación y cuya única pretensión es hacer pasar al público una hora y media de forma amena, divertida e incluso instructiva. Sí, porque aunque he visto historias de amor orientadas en muchas direcciones, nunca se me hubiera ocurrido que tomaran como punto de partida una carnicería, aunque también es cierto que últimamente estamos viviendo una oleada de filmes relacionados con la gastronomía y sus derivados, muy posiblemente por el auge que han alcanzado en muchas televisiones del mundo programas a lo Master Chef. Vaya por delante que la propuesta me resulta original, más cuando también nos muestra las fases por las que pasa el producto antes de ser consumido: Elección del ganado según su alimentación y cuidado, su correcto despiece, la llegada a los mostradores para ser adquirido por los clientes y lo más importante, el degustar la materia prima y no engullirla sin más, como crítica y nos propone este carnicero,  dejando claro que lo imprescindible en el consumo de una carne, es la calidad de la misma y el cómo es tratada hasta que llega a nuestros paladares. No todo vale. Un filme que ofrece más lecturas que las que en un principio se ven a simple vista, pues al igual que existe la cultura musical, cinematográfica, literaria, pictórica o de la moda, también contamos con una cultura gastronómica que tan en boga se ha puesto en los últimos años. 

Resumiendo, el filme está arropado por dos buenas interpretaciones a cargo de Geraldine Pailhas y Arnaud Ducret, una elegante fotografía de Rémy Chevrin y entretenimiento asegurado durante una hora y media y lo peor o mejor de todo, a la salida, te apetece sentarte frente a una mesa de un buen restaurante y disfrutar de un entrecots en su punto y si es en buena compañía, mucho mejor. Y que no falte el buen vino. 

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril.

REPARTO: Geraldine Pailhas, Arnaud Ducret, Alison Wheeler, Stéphane De Groodt, Jean-François Stévenin, Antoine Gouy, Elisa Ruschke, Gigi Ledron, Mahault Mollaret, Anne Le Ny, Hervé Briaux, Nathanaël  Bez y Antony Hickling.

PRODUCTORA: Les Films du Cap// MM Films// G Films

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

ARDE NOTRE DAME: CRÍTICA DE CINE

Arde Notre Dame, está dirigida por Jean-Jacques Annaud compartiendo guion con Thomas Bidegain.

La historia nos presenta a un joven que entra a trabajar como guarda de seguridad en la Catedral de Notre Dame, el mismo día que ésta sufrió el mayor incendio de su historia. La película narra los avatares de forma cronológica, a los que se enfrentaron un grupo de hombres y mujeres que arriesgaron sus vidas para salvar no solo la catedral, sino los grandes tesoros que guardaba en su interior.

La catedral del Notre Dame, de estilo gótico, comenzó a construirse en el año 1163 y finalizó en el 1345, aunque dicha catedral ha sufrido varias restauraciones a lo largo de los siglos. Una de las más importantes fue dirigida por Eugène Viollet-le-Duc en 1844 que duró dos décadas, añadiendo la famosa aguja y restaurando las 28 esculturas de los reyes de Judea que gobernaron antes de la era cristiana, los cuales fueron decapitados durante la Revolución Francesa. Es la sede de la archidiócesis de París y está dedicada a la Virgen María. Su ubicación se encuentra en la isla de la Cité, rodeada por el río Sena. Es uno de los monumentos más importantes y populares de la capital francesa, que ha servido como escenario y telón de fondo para novelas y películas importantes. En el incendio ocurrido en el 2019, quedó destruidos dos tercios del techo  así como la aguja central, sin olvidar los daños que sufrieron los rosetones.

El guionista, productor y director, Jean- Jacques Annaud, estudió en la Escuela Técnica de Vaugirard finalizando en 1962, en el Instituto de Altos Estudios de Cinematografía en donde se graduó en 1964 y Literatura en la Sorbona. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el mundo de la publicidad y debutó con “Blanco y Negro en Color” 1976 continuando con “El cabezazo” 1978, “En busca del fuego” 1981, “El nombre de la rosa” 1986, “El oso” 1988, “El amante” 1991, “Las alas del coraje” 1995, “Siete años en el Tibet” 1997, “Enemigo a las puertas” 2001, “Dos hermanos” 2004, “Su majestad Minor” 2006, “Oro negro” 2011, “El último lobo” 2015 y “Arde Notre Dame” 2022. Ha realizado el documental “The King of Ads” 1991, el cortometraje “Dior J´adore” 2011 y la miniserie “La verdad sobre el caso Harry Quebert” 2018.

Un documental ficcionado basado en hechos reales, que solo un director de la talla, la sensibilidad y la elegancia de Jean-Jacques Annaud, se atrevería a llevar a la gran pantalla la pesadilla que sufrió la catedral y el mundo, aquel 15 de abril de 2019, al ver como uno de los monumentos más reseñables de la cristiandad, ardía ante la mirada atónita de visitantes y residentes. Un filme que nos sumerge en ese día fatídico en torno a la catedral, con los guías acompañados de turistas, los viajeros sacándose fotos, los vecinos para quienes la presencia del monumento, forma parte del paisaje y la cultura urbana. Los trabajadores que efectuaban las obras de restauración en el tejado, durante sus rutinas y descansos; las misas y la preparación de la eucaristía, que se celebraban en el corazón de la basílica, el tráfico intenso, el ruido ensordecedor de la ciudad y las diversas hipótesis sobre el inicio del incendio. Todo ello formará parte de esta narración que se apoya en decenas de videos en formato móvil, recogidos durante las horas que duró el siniestro y que muy seguramente le habrán llegado a Annaud, por diferentes vías. Las imágenes de los noticiarios y presentadores de las diversas cadenas de las televisiones internacionales, informando sobre lo sucedido y las rodadas por Annaud, para completar el magnífico documento que ha contado con un extraordinario montaje de Reynald Bertrand.

Una recreación, en orden cronológico, de los instantes más significativos captando toda la atención del espectador, más cuando la acción se eleva ante las intensas llamas, las bocanadas de humo, las “trampas” que se encontraban en el camino, como las escaleras por las que casi no podía subir el equipo de bomberos formado por hombres y mujeres que arriesgaron sus vidas; el ver como se desplomaba el techo de madera, la caída de la aguja, el calor sofocante, el plomo derritiéndose… Imágenes impactantes que ha contado con unos importantes efectos visuales y sonorosos, que nos dejan sin respiración por momentos y en otros resultan emotivas y relajantes, como la escena en la que el agua de una manguera a presión impacta sobre una de las grandes campanas. Imagen y sonido, difícil de olvidar, como otros tantos instantes, entre los que se encuentran el rescate de la corona de espinas que llevó Jesús en su cabeza junto a un trozo de la cruz y algunos clavos, siendo, posiblemente el tesoro más importante que guardaba la catedral. La acción a la desesperada de como apagar el maldito incendio o los cánticos de cientos de fieles, con velas, en los aledaños del santuario. En definitiva, una película filmada con un gran realismo y algunos instantes cargados de un fuerte dramatismo emocional.

Para terminar, comentar que las interpretaciones son muy correctas y que sin duda ha sido un gran acierto por parte del director, el haber contado con actores no conocidos para interpretar a los sacerdotes, bomberos u otros personajes, entre el gran número de extras con que cuenta el filme y por supuesto destacar, la extraordinaria fotografía de Jean-Marie Dreujou y la sobrecogedora banda sonora de Simon Franglen.

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de abril

REPARTO: Élodie Navarre, Chloé Jouannet, Jesuthasan Antonythasan, Kevin Garnichat, Samuel Labarthe, Jeremie Laheurte, Maximilien Seweryn, Daniel Horn, Vassili Schneider, Sebastien Lalanne, Ava Baya, Jules Sadoughi, Tony Le Bacq, Jean-Paul Bordes, Nathan Gruffy, Loic Djani, Pierre Lottin, Michaël Estarque, Reshny Massaka y Billel Sakhri.

PRODUCTORA: Pathé// TF1 Films Production// TF1// TMC

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine.