domingo, 27 de mayo de 2018

RUEDA DE PRENSA: MATAR AL PADRE, LA NUEVA SERIE DE MOVISTAR+

          El pasado martes 22  de mayo, se celebró la mesa redonda donde Movistar+ presentaba su nueva serie de producción propia: “Matar al Padre”

          Matar al padre es una tragicomedia, sobre el amor de padre, en 4 capítulos y 4 años distintos a lo largo de dos décadas de la vida de una familia. Un drama naturalista con un grado de humor negro.

          Jacobo (Gonzalo de Castro) es un padre obsesivo y disfuncional que no duda en doblegar cualquier obstáculo que se interponga en el bienestar de su familia para encajarlo a la fuerza en su propia visión del mundo, convirtiendo a sus hijos en víctimas de un exceso de amor paterno.

          En la narración le acompaña Tomás (Marcel Borrás) en el papel de hijo, que ha heredado EL MIEDO y Valeria (Greta  Fernández) en el de su hija, heredando LA AGRESIVIDAD. En medio de los tres, estará la Psicoterapeuta Isabel (Paulina García)

          Las creadoras de esta historia son Mar Coll y Valentina Viso, que ya habían trabajado juntas en “Tres diez amb la familia” (2009) y “Tots volem el millor per a ella” (2013), junto a Diego Vega, cuyos largometrajes “Octubre” (2010) y El Mundo (2013) recibieron el Prix du jury den Cannes. La dirección es de Mar Coll.

          En la mesa redonda nos acompañaron Gonzalo de Castro y Mar Coll, que contestaron a todas las preguntas que les realizamos. Nos hablaron del porqué cada capítulo está dividido en ese tiempo. La importancia del personaje principal, donde la paternidad se ve desde el miedo acentuando la agresividad, herencia que recibirán cada uno de sus hijos y provocando con ello una atmósfera tóxica. Nos aseguraron además que no habrá segunda temporada, pues si bien Gonzalo estaba encantado de seguir con su personaje, Mar prefería dejar la historia donde termina el cuarto capítulo.

          Tuve la oportunidad de realizarles una  pregunta, la relacionada con los temas que la serie toca, como los miedos, la violencia y las frustraciones entre otros. ¿Habéis precisado de consejo de especialista como psicólogos o por el contrario parte de las experiencias vividas personalmente o de terceros?

          El primero en responder fue Gonzalo, quien comentó que como sucedía con otros personajes que había interpretado, se había preparado estudiando bien el guion,  y luego se inspiró en experiencias propias. Seguidamente Mar Coll confirmó lo mismo, que tanto ella como Valentina Viso, prepararon el guion sumergiéndose en sus infancias y sacando a la luz esas partes oscuras de las familias.

          Para terminar comentaros que la serie completa consta de 4 capítulos de 50 minutos cada uno. Está bajo demanda desde el 25 de mayo en Movistar+ 

          Una vez más dar las gracias a todo el equipo de Movistar+ por su atención, por su dedicación y por su forma de facilitar el trabajo a la prensa, siempre con una gran sonrisa. Muchas gracias, así da gusto trabajar.

sábado, 26 de mayo de 2018

PLAYGROUND: CRÍTICA DE CINE

           La impactante, Playground, está dirigida por el polaco Bartosz M. Kowalski, con guion compartido con Stanislaw Warwas.

          La historia gira en torno a  tres niños estudiando en el mismo colegio, con vidas muy distintas entre ellos. Michalina Świstuń, interpreta a una adolescente enamorada de uno de sus compañeros de colegio, con problemas en el hogar. Nicolas Przygoda encarnará a un joven que además de estudiar, cuida de su padre con parálisis cerebral y su mejor amigo Przemek Baliński, viviendo bajo el techo de una familia disfuncional. El drama está servido, pero Bartosz, incorpora un nuevo y trágico suceso, basado en un hecho real.

   
        Nada más se debe contar de esta obra dura, sobrecogedora y demoledora, que no solo impacta en el espectador a medida que va transcurriendo el tiempo mientras nos presenta a  cada uno de sus personajes, sino lo incómodo que uno se siente desde el minuto uno. Una incomodidad extraña, que se percibe en el ambiente y traspasa a nuestro interior, sin ser comprendida, pues las imágenes iniciales no dan pie a nada fuera de lo normal, sino a la vida cotidiana de una niña dentro del hogar y en el colegio, pero sin duda Bartosz juega con esos elementos que bien ha estudiado, para dejar al espectador destrozado en la butaca, donde las miradas apuñalan los corazones.

          La película cuenta con una planificación perfecta, exacta en cada encuadre, en cada espacio de tiempo que se detiene para contar las historias de sus tres personajes de forma individual, llevándoles a ese último día de colegio y encontrándose en el patio del mismo. El devenir de los acontecimientos en un tiempo casi real, salvo las licencias que se toma en los flashback necesarios. Una dirección actoral sobresaliente con unas interpretaciones magistrales, por parte de los tres jóvenes, apoyadas por un sólido guion que Bartosz comparte con Stanislaw Warwas

          Pocas veces un director nos obliga a ver lo que él desea que contemplemos, por muy duro que resulte. Busca que seamos testigos de excepción y jueces tras lo expuesto, pues lo que nos va a mostrar es la cruda realidad: Abusos sexuales infantiles, las familias disfuncionales, el deseo de querer madurar antes de tiempo, la pasividad por parte de una sociedad que mira, critica, pero no reacciona; el bullying o el homicidio practicado por menores de edad, que desgraciadamente cada día se está haciendo más presente en nuestra sociedad y tras los llantos y lamentos, no se ve que se busquen soluciones reales a dichos temas.

          Un ejercicio muy arriesgado para la gran pantalla y para el gran público, que Mateusz Skalski, fotografía en toda su crudeza, pero con la inteligencia que comparte con el director, de no llevarlo a lo escabroso, sino quedarse en lo realista, que ya es bastante. Una obra tan brutal como necesaria, para que nuestras mentes reaccionen y no oscurezcan nunca la verdad. Una obra que grita la necesidad de un trabajo de equipo entre Estado, educadores y padres, en busca de soluciones reales.

          Destacar para finalizar la magnífica banda sonora de Kristian Eidnes Andersen y agradecer que la escena final, rodada en plano general y desde cierta distancia, carezca de música. Si el impacto de lo que nuestros ojos verán es brutal, con sonido real, aún se acrecienta más.  

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Mayo

          REPARTO: Michalina Świstuń, Nicolas Przygoda, Przemek Baliński, Patryk Swiderski, Pawel Brandys, Anita Jancia, Pawel Karolak, Malgorzata Olczyk, Mikolaj Zamorski, Karolina Czajka, Bartlomiej Milczarek, Marta Grabysz, Joanna Kurek.

          PRODUCTORA: Film It,  Orka Studio, Film apoyada por el Instituto de Cine Polaco

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.



NOTA IMPORTANTE: En esta ocasión, tras la proyección tuve el placer de participar del coloquio sobre la película con su director: Bartosz M. Kowalski y por supuesto no desaproveché la oportunidad de hacerle una pregunta.

Tras felicitar a Bartosz por el filme y el atrevimiento a exponer un tema tan crudo y de forma tan realista en la gran pantalla, le formulé la siguiente pregunta. ¿Cuánto tiempo llevó la planificación de la escena final y cuántas tomas se precisaron para el sobrecogedor resultado?
B.M.K. La larga escena final se rodó en un día, en parte para lograr el impacto emocional que los actores debían proyectar en el público y por otro lado, por la dificultad de la misma. Fue planificada al milímetro, como el resto de las escenas, pero en esta ocasión aún con más motivo, pues requería de unos efectos visuales muy precisos. Por todo ello se marcó cada detalle a tener en cuenta, sin dejar nada al azar. Las posiciones exactas de los personajes. Se situó tras los dos actores una pantalla azul  y se creó una muñeca del mismo color, con un peso determinado. De esa forma se conseguía el efecto deseado y que al espectador tanto conmociona.
 

viernes, 25 de mayo de 2018

SWEET COUNTRY: CRÍTICA DE CINE

           El western Sweet Country está dirigido por el australiano Warwick Thornton (The Darkside) con guion de Steven McGregor y David Tranter.

          Los aborígenes, Sam (Hamilton Morris) y su mujer Lizzie (Natassia Gorey-Furber), trabajan para el predicador (Sam Neill). Un buen día el predicador recibe la visita de un nuevo vecino, Harry March (Ewen Leslie), quien le pide ayuda para reparar el rancho North Creek que ha adquirido y éste acepta enviando por dos días a sus criados Sam y  Lizzie, mientras él emprende un viaje a un pueblo cercano.

          Harry es un ex veterano de la guerra, con muy mal genio, aficionado a la bebida y racista. Tras un encontronazo entre Sam y él, donde peligra la vida de Sam y su mujer, éste mata a Harry en defensa propia, pero  él mismo reconoce a su mujer que deben de huir, pues ha matado a un blanco.

          Thornton nos ofrece un western moderno sin olvidar el clasicismo del género e incluyendo la denuncia racista y social, basándose en una historia real que sucedió en 1929 en la Australia profunda.

          Si el cine actual nos está sumergiendo en los últimos años, en las entrañas de muchos países descubriendo zonas rurales que parecen no conocer el progreso de las grandes ciudades como hemos estado casi siempre acostumbrados a ver en la gran pantalla, Warwick en Sweet Country, no iba a ser menos con su país, aunque no sea la primera vez.  El retrato ofrecido no podría ser más evocador, hermoso y dramático.

          Los precisos diálogos en la narración,  son solo superados por lo visual. Los paisajes desérticos e infinitos, abrasadores, de vegetación salvaje y ambiente polvoriento, que hasta el espectador parece percibir; resultan impecables y claustrofóbicos. No en vano, Thornton,  se hace cargo además de la dirección, de la soberbia fotografía junto a Dylan River. Una obra dirigida con calma, con ese proceder tan propio en el pensamiento de quienes habitan en lugares donde parece que el tiempo solo existe desde que amanece hasta que anochece, sin grandes pretensiones ni ambiciones, pues sus vidas son monótonas y sin los agobios que sufrimos en las grandes ciudades.
        Una dura crítica social narrada de forma elegante e impactante, en una obra sólida y tremendamente inteligente, como así resulta también el casting actoral, cuidadosamente elegido bajo interpretaciones concretas y creíbles, con las cuales la atmósfera recreada por  Warwick Thornton, se acrecienta. Destacaré dos interpretaciones, que a mi juicio sobresalen por encima de las demás: El resignado, sumiso pero justo,  Sam (Hamilton Morris)  y Bryan Brown con su duro personaje del Sargento Fletcher.

          “Aquí todos somos iguales. Todos iguales ante los ojos del Señor” Sí, añadiría yo, del Señor sí, de los hombres no.

          Mi nota es: 9   

               ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Mayo

          REPARTO: Hamilton Morris, Bryan Brown, Sam Neill, Thomas M. Wright, Matt Day, Ewen Leslie, Anni Finsterer, Natassia Gorie Furber, Tremayne Trevorn Doolan, Gibson John.

          PRODUCTORA: Bunya Productions.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

jueves, 24 de mayo de 2018

LA CHICA EN LA NIEBLA: CRÍTICA DE CINE

         La chica en la niebla está basada en la novela homónima de Donato Carrisi, quien logra crear mayor atmósfera con los personajes y lo que tienen que decir, que con el propio suspense, que no descuida en ningún momento.

          Anna Lou tiene 16 años y desaparece una noche de niebla al salir de casa. Del suceso se encargarán el detective Vogel (Tony Servillo) quien tiene unos métodos muy personales y poco profesionales para resolver los casos, junto al agente Borghi (Lorenzo Richelmy). Como sucede en este tipo de historias, es mejor dejar la sinopsis aquí.

      
    Ya desde las primeras imágenes nos damos cuenta que la obra va a contar con una atmósfera especial, donde la fotografía y la luz, tendrán una gran relevancia. Fotografía que corre a cargo de Federico Masiero a la que confiere un aspecto enigmático incluso en los momentos en que son de día, pero cobra especial desasosiego al llegar la noche, utilizando con suma maestría los efectos de luces y  sombras, entre aspectos engañosos. Nos muestra lo que quiere que se vea, aunque lo que veamos, en algunos instantes, sea irreal. Lógicamente como suele suceder, cada fotograma se deja envolver por la banda sonora, en esta ocasión a cargo de Vito Lo Re.

          Es bastante frecuente que un escritor adapte su novela al cine en ocasiones junto a otro guionista o el propio director, lo que no es tan frecuente, es que además de adaptarla también la dirija.  El arriesgado ejercicio a Donato Carrisi, le ha salido muy  acertado. Un thriller de suspense que si bien en algunos instantes la narración se hace lenta, tiene la virtud de no decaer en ningún momento, manteniéndote en tensión hasta el final, pues los giros en la trama son constantes hasta llegar a provocar la desesperación, pues lo que crees que es, no lo es y lo que no lo es, tampoco. Sí, habéis leído bien, no os voy a dar pistas.

          Carrisi no se limita a exponernos en imágenes con una impecable ambientación, lo que en su momento escribió, sino que de forma sutil, nos presenta la importancia de los medios de comunicación en nuestra sociedad y la capacidad del poder de manipulación. El valor que tienen las mentiras, que aunque sean descubiertas, siempre quedará un poso en quienes las escuchan. El tildar de “secta” algunas comunidades religiosas. La facilidad con la que se puede distorsionar la verdad según lo que creemos ver y escuchar, y como dice en un momento el detective Vogel “La justicia no le interesa a nadie. La gente quiere al monstruo y yo les doy lo que quieren”. Y desde luego que no sólo su personaje, sino el de los demás, nos regalan esos instantes en los cuales lo humano trasciende sobre lo irreal, en una crítica sagaz a nuestra sociedad.

          Un filme del cual es mejor hablar poco, para no descubrir nada, pero está claro que si el guion tiene fuerza, la dirección es muy correcta, los actores resultan totalmente creíbles, con un Toni Servillo al que se admira y aborrece y a un Alessio Boni en el papel del profesor Loris Martini, del cual prefiero que descubráis vosotros mismos; el resultado es positivo. No, no hay pistas. La tenéis que ver.   

          Mi nota es 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Mayo

          REPARTO: Toni Servillo, Alessio Boni, Lorenzo Richelmy, Jean Reno, Galatea Ranzi, Greta Scacchi, Michela Cescon, Lucrezia Guidone, Jacopo Olmo Antinori, Daniela Piazza, Marina Occhionero, Sabrina Martina, Antonio Gerardi.

PRODUCTORA: Colorado Films Production.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta

miércoles, 23 de mayo de 2018

CARAS Y LUGARES: CRÍTICA DE CINE


          Caras y Lugares es el último trabajo de la veterana directora francesa Agnès Varda junto al artista JR.

          Un viaje de dos grandes creadores, reconocidos en todo el mundo, cada uno en su campo, con mentes lúcidas y espíritu aventurero a bordo del camión, cuya caja representa una cámara de fotos. Un remolque donde las personas a retratar entran por detrás y a los pocos minutos, por un lateral, saldrá la fotografía a gran formato. En plena Era digital, él sigue apostando por las fotos en papel y en blanco y negro.

          Dos formas de ver la vida a través de un objetivo, el de Agnès filmando en imágenes todo aquello que precisa mostrar y el de Jean René (JR), plasmando su arte urbano en los cuerpos y particularmente los rostros de aquellas personas a las cuales considerará interesantes de retratar durante el viaje por diversas localidades francesas. Un arte, el que desprende JR (Women are Heroes) que a través de los formatos a gran tamaño, recortados y en blanco y negro, cubre y embellece los rincones y lugares que le inspira su propia imaginación, inquieta y joven.

          Agnès es considerada por algunos críticos como “la abuela de la Nueva Ola”, también conocida por ser una de pioneras en la dirección cinematográfica, del cine feminista y donde sus filmes evidencian la naturaleza realista y social de cada década. Derrocha vida, genialidad, experiencia, generosidad y una mente despierta, en un cuerpo pequeño de grandes ojos por los que proyecta lo visto y vivido en sus 89 años de vida. Cosecha grandes premios entre ellos el más reciente Oscar honorífico en el 2017

          La veteranía mano a mano con la juventud, dos generaciones que se complementan gracias a la  pluralidad de pensamientos libres y humanos,  admirables en los tiempos que vivimos. La ironía elegante y el humor fino, les va uniendo aún más junto al propio arte que comparten bajo la bandera del respeto y admiración mutua.  

          Un viaje para descubrir rincones de su país, a sus gentes y formas de vivir, pero también un viaje al interior de cada uno de ellos, pues como en un ejercicio de psicoanálisis improvisado en los momentos de descanso, conversarán sobre todo aquello que les inquieta, les intimida o les fascina.

          Un recorrido salpicado con las suaves notas de la banda sonora de Mathieu Chedid, viaje en el cual el espectador tiene un asiento de honor. No podrá intervenir pero sí vivir cada situación que ellos disfrutan y sienten. Una pequeña joya al más puro estilo Road Movie, fotografiada por: Roberto De Angelis, Claire Duguet, Julia Fabry, Nicolas Guicheteau, Romain Le Bonniec, Raphaël Minnesota y Valentin Vignet, que como reza en los títulos de crédito, fue financiada en gran parte a través del crowdfunding.

          Terminaré con una frase dicha por Agnès Varda “El objetivo es el poder de la imaginación”

          ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Mayo

          REPARTO: JR, Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Laurent Levesque,

          PRODUCTORA: Arte France Cinéma/ Ciné Tamaris/ Social Animals.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films.

martes, 22 de mayo de 2018

DOS CORONAS: CRÍTICA DE CINE

           El documental, Dos Coronas, está dirigido por el polaco Michal Kondrat y cuenta con guion de Joanna Ficinska.

          Dos Coronas comienza con Maximiliano Kolbe de niño, de rodillas y recibiendo una visión de la Inmaculada, visión que contó a su madre entre lágrimas y emocionado:

          _ ““Mamá, pedí mucho a la Virgen que me dijera lo que sería de mí. Lo mismo hice en la iglesia, entonces se me apareció y teniendo en las manos dos coronas, la una blanca y la otra roja, me miró y me preguntó cuál de las dos quería: La blanca representaba la pureza y la roja el martirio” “La madre le preguntó cuál eligió y él contestó que las dos”. Entonces la Virgen le miró con dulzura y desapareció”.  

          Así comienza este documental que combina la ficción con la parte documental, basada en la vida del santo mártir polaco, sus inventos tecnológicos, el trabajo como misionero, su postulado en Polonia, Japón e Italia y el movimiento de “La Milicia de la Inmaculada” sin olvidarnos del pasaje vivido en Auschwitz, donde se le conoció por su labor de fe e intercambiarse por otro preso, sabiendo que le esperaba la muerte

          Un hombre avanzado a su tiempo, diseñó una nave espacial, pues pensaba que el hombre llegaría a la Luna, presagió desastres como la bomba atómica sobre Hiroshima, sin saber cuándo y quién lo provocaría y decidió publicar un periódico para atraer más feligreses.

          El proyecto ha tenido un coste de 250.000 euros. El  padre Raffaele di Muro, actual presidente de la Milicia de la Inmaculada ha comentado: “Es una película interpretada por actores, pero también tiene una parte documental en la que hablan expertos y testigos. La cinta cubre su vida desde un punto de vista histórico, pero también espiritual”, al igual que las declaraciones del embajador de Polonia ante la Santa Sede, Janusz Kotanski: “Él es cada vez más actual, porque también hoy hay muchas personas que sufren y muchos cristianos que están siendo asesinados por su fe. Creo que Maximiliano Kolbe es todavía un ejemplo de santo para nuestro tiempo”

          Sin duda un interesante documental para estudiosos de personajes históricos, el documental y en particular el cristianismo, que cada vez está siendo más frecuente en la gran pantalla. Un documental fluido, con un buen montaje, una excelente fotografía de Karol Lakomiec, interpretaciones muy correctas y una dirección acertada.

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Mayo

REPARTO: Adam Woronowicz, Cezary Pazura, Maciej Musial, Antoni Pawlicki, Pawel Delag, Artur Barcis, Dominika Figurska, Slawomir Orzechowski.

PRODUCTORA en ESPAÑA: Kondrat-Media

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Bosco Films.

lunes, 21 de mayo de 2018

BORG McENROE: CRÍTICA DE CINE

          BORG McENROE  es el primer filme narrativo basado en hechos reales dirigido por Janus Metz Pedersen con guion de Ronnie Sandahl.

          Estamos ante dos leyendas del tenis, por una parte el norteamericano John McEnroe (Shia LaBeouf) y por la otra el sueco Björn Borg (Sverrir Gudnason). Dos rivales en la pista de tenis que se convirtieron en amigos en la vida real, hasta el punto que Borg  fue el padrino de boda de McEnroe.

          Un encuentro legendario sucedido en 1980 durante la final de Wimbledon, donde Björn  Borg se jugaba su quinto título consecutivo y al llegar a la final, se mediría a la nueva promesa del tenis, un contrincante con un fuerte temperamento dentro y fuera de la cancha, enfrentándose a los jueces, árbitros, periodistas e incluso al público, al que no tenía reparos en insultar, John McEnroe.

          Janus Metz Pedersen, premiado director de cortometrajes y largometrajes documentales como “Armadillo”, afronta con esta obra, su primer filme narrativo. Como se suele decir, "la experiencia, es un grado" y él lo demuestra desde el minuto uno. Juega con la historia entre el documental y la ficción narrativa, con gran habilidad, convirtiéndolo en un thriller psicológico. Se apoya en  dos elementos tan importantes como la fotografía y el montaje. Para la primera confía en la mirada experta de Niels Thastum, creando una gran diversidad de planos y encuadres, cada uno más vistoso. Ángulos desde donde posiciona a los dos personajes y la gama de colores utilizados, junto a las texturas propias de la época. En cuanto al montaje, Per Sandholt y Per K. Kirkegaard, realizan un trabajo inmejorable, dotando a la película de un ritmo perfecto, para que la obra no decaiga en ningún momento, algo imprescindible en este tipo de biopic.

          Una obra que destila una energía especial, con una narración tan correcta como apasionante y entretenida. Y lo está escribiendo alguien, que precisamente no es un gran aficionado al mundo del tenis.

    
      Los dos protagonistas principales, Shia LaBeouf y Sverrir Gudnason encarnan a los dos grandes jugadores, batiéndose en un duelo actoral, como los propios personajes lo hicieron en la cancha de tenis, obteniendo en el espectador la atención en cada fotograma proyectado en pantalla, así como sus vivencias, miedos, infancias, sueños y diferencia de enfocar un deporte que corría por sus venas, tan diferentes como iguales, pues por instantes, el uno parece el reflejo del otro. Un McEnroe visceral e impulsivo como he comentado anteriormente, ante un Borg, de carácter frío y respetuoso, que Janus nos descubrirá como logró ese temple con los años y como ambos se parecen más de lo que ellos mismos creen.


          Los constantes flashback, nos transportarán en el tiempo a las vidas de los dos personajes con una naturalidad absoluta, hasta llegar a ese momento cumbre que es el partido de la final de Wimbledon, instante en el cual tanto el director como sus dos protagonistas, lo darán todo. Se intuye una complicidad extraña entre los tres que se palpa y que contagia al espectador, que aun sabiendo el final de ese partido, por la historia que marcó, Metz Pedersen  logra hacer vibrar al público en la butaca del cine.

          No me quiero olvidar para finalizar, de la magnífica partitura de, Vladislav Delay y Jonas Struck, con las notas exactas que exaltan las  diferentes emociones que los personajes viven y la incertidumbre que se proyecta durante el gran enfrentamiento.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Mayo

          REPARTO: Sverrir Gudnason, Shia LaBeouf, Stellan Skarsgard, Tuva Novotny, Marcus Mossberg, Leo Borg, Robert Emms, Ian Blackman, James Sobol Kelly, Jackson Gann.

          PRODUCTORA: Coproducción Suecia-Dinamarca-Finlandia/ SF Studios Production AB/ Danish Film Institute/ Film/ Väst/ Nordisk Film/ Finnish Film Foundation.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente/Films.