SORRY WE MISSED YOU: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Reino Unido, Francia y Bélgica, Sorry we Missed you, está dirigida por Ken Loach y guion de Paul Laverty.

 

Rick Turner (Kris Hitchen) y Abby Turner (Debbie Honeywood) están felizmente casados con dos hijos adolescentes. Seb (Rhys Stone) un joven rebelde y grafitero, junto a  su grupo de amigos y Liza Jane (Katie Proctor). Abby es una trabajadora social por horas, cuidando de ancianos y personas discapacitadas.

 

A Rick le ofrecen un trabajo donde será su propio "jefe", trabajando para una empresa de reparto a domicilio. Todo corre por su cuenta, desde la compra de una furgoneta, los desperfectos que puedan sufrir los materiales que transporta e incluso si se avería la pistola de registrar los paquetes. Esperanzados, por ver luz después del túnel, tanto Rick como Abby, trabajaran de sol a sol,  para intentar sacar la casa y los hijos, adelante.

 

Una vez más, Loach, nos adentra en la vida de una familia con escasos medios para sobrevivir y de esta forma, hacer una crítica feroz sobre la explotación y abuso en el trabajo, en donde para obtener un sueldo digno, tienes que trabajar sin límite de horas, sin derecho a  enfermar o caer en la trampa de  tener que poner todos los medios que precisas para trabajar, cuando deberían correr por cuenta del empresario.

 

El británico, Ken Loach, es director de cine y televisión. Estudió derecho en el St Peter`s College de Oxford. A través de un grupo de la universidad entró en contacto con el mundo del teatro y quedó fascinado. Tras graduarse, trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. En 1963 obtuvo una beca concedida por la BBC, para estudiar dirección. Un año más tarde, dirigiría una serie de docudramas, el más famoso y controvertido de la cadena BBC, fue “Cathy Come Home” 1966, abordando el tema de la vivienda y la pobreza. Tras este éxito, dirigió para televisión filmes como: “In Two Minds” 1967, “The Big Flame” 1969 o “Days of Hope” 1975, entre otros, habiendo debutado en la gran pantalla, en 1967 con “Pobre Vaca” a la que siguieron “Kes” 1969,  “Family Life” 1971,  “Black Jack” 1979, “Miradas y Sonrisa” 1981 (Premio Cine Contemporáneo en Cannes), “Agenda Oculta” 1990 (Premio Especial del  Jurado en Cannes),  “Riff-Raff” 1991 (Premio de la Crítica en Cannes y Premio Cine Europeo a mejor película), “La canción de Carla” 1996, “El viento que agita la cebada” 2006 (Palma de oro a la mejor película en Cannes) repitiendo dicho galardón, en 2016 con “Yo, Daniel Blake” Como os podéis imaginar, es un resumen de su filmografía y biografía, que termina este año con “Sorry We Missed You”.

 

Sorry We Missed You, es un filme gris, triste y demoledor, como ya nos tiene acostumbrados, Loach. Un drama social en torno a los Turner, una familia trabajadora británica, que bien podrían ser los representantes de miles de familias obreras en todo el mundo. Una obra que te atenaza en la butaca, mostrándote la realidad desde su mirada más crítica y cruel, sin dejar que pestañees. Da igual que la familia esté unida y se quieran sin límites, él y su guionista habitual, Paul Laverty, se encargarán de que esos lazos se quiebren, de que esa unidad flaquee, de que la paz reinante en el hogar, se rompa; en definitiva, de que los problemas que arrastran en el día  a día, envenenen el seno familiar. Recordemos que Paul Laverty, es el causante de las dos Palmas de Oro en Cannes, que posee Ken Loach.

 

En palabras del director: “Es el trabajador quien se explota a sí mismo en esta nueva forma de capitalismo”. Nos lo expone con una naturalidad desgarradora, como ya ha hecho en otros filmes, mostrándonos sin tabús como los jefes amenazan a sus empleados, las sanciones en el trabajo, cuando no se cumplen los objetivos. La obligación de trabajar aun estando enfermo por miedo, al despido. Los bajos sueldos ante el paro existente, la rivalidad incluso entre los propios compañeros, las vejaciones, los horarios flexibles que provocan el perder el contacto con los hijos, por las largas jornadas de trabajo. Una triste realidad en la que el trabajador ha perdido su condición humana, en favor de la explotación que silenciosamente, se ha ido filtrando  y “esclavizando” a una parte de la sociedad, como siempre, la más desfavorecida.

 

Magníficas interpretaciones, destacando a Rick Turner, en la piel de un trabajador, luchador y resignado. De un autónomo solo en el papeleo, bajo el dominio de un tiránico empresario. Su partner, Debbie Honeywood, en un trabajo lleno de humanidad, humildad y sensibilidad. Una mujer fuerte que reparte dulzura por donde pasa. Dos grandes interpretaciones que sobrecogen al espectador, junto a los dos jóvenes.  Sorry We Missed You, contiene, una de las escenas finales, más dolorosas e impactantes, que se haya filmado. Un Ken Loach, que a sus 83 años, sigue siendo crítico con el capitalismo que a día de hoy, continúa ahogando a los trabajadores.

 

Mi nota es: 8,5

 

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

 

REPARTO: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone y Katie Proctor, Ross Brewster, Charlie Richmond, Mark Burns, Linda E. Green Wood, Alfie  Dobson, Harriet Ghost y Mark Birch.

 

PRODUCTORA: Sixteen Films// BBC Films// BFI Films Fund// Les Films Du Fleuve// Why Not Productions// Wild Bunch.

 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distrubución

LA TRINCHERA INFINITA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Francia, La trinchera infinita, está dirigida por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga y guion del propio José Mari Goenaga y Luiso Berdejo.

Higinio (Antonio de la Torre) y Rosa (Belén Cuesta) llevan unos meses casados, cuando estalla la Guerra Civil. Es denunciado por uno de sus vecinos y logra escapar, pero decide regresar por la noche, por el amor a su mujer, a quien no está dispuesto a abandonar. Improvisarán un escondite provisional, en un hueco que tienen en la propia casa, del cual solo sale por las noches, pues durante el día, el hogar está vigilado. El miedo a ser fusilado, le llevará a tomar una terminación más drástica.

Hasta la fecha el trío de directores nunca habían trabajado juntos, el único que ha repetido en los tres filmes, ha sido Jon Garaño, del que hablaré en esta reseña. En “Loreak” dirigió con José Mari Goenaga y en “Handia” junto a Aitor Arregi. Era cuestión de tiempo o de tener un proyecto que les motivara a los tres, para verles unidos en la dirección, y parece que si los duetos han funcionado con sus anteriores obras, con esta tercera, no iba ser menos.

El guipuzcoano, Jon Garaño, es productor, guionista y director de cine. Estudió Periodismo y Publicidad en la Universidad del País Vasco y Cine en el Aula de Cine Sarobe de Urnieta. Tras dirigir varios cortometrajes y desempeñar determinadas funciones en algunas producciones, funda junto a otros compañeros, en 2001, la productora Moriarti, trabajando en ella, como director y guionista para diversos proyectos audiovisuales. Entre su filmografía nos encontramos con los documentes, “Sahara Marathon” 2004, “The Dragon House” 2005 y “Perurena” 2010. Los cortometrajes documentales: “FGM” 2008, “Asämara” 2009, “El método Julio” 2010 y  de ficción: “Miramar Street” 2006,  “On the Line” 2008 o “Urrezko Eraztuna” 2011, entre otros. El salto al largometraje lo daría junto a José Mari Goenaga en “Loreak” 2014,  “Handia” 2017 con Aitor Arregi y este tercer largometraje “La trinchera infinita” lo han firmado los tres: Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga. Sobre los otros dos directores, ya habrá tiempo de escribir, espero que muy pronto.

Una obra  basada en un hecho real, dividida en 13 capítulos: Campeada, esconder, detención, peligro, encerrar, aliado, década, apartado, cambiar, franco, desenterrar, amnistía y salir. Una historia sobre los denominados topos, durante la Guerra Civil Española. La pareja protagonista, vivió aislada más de 30 años, sobre todo él, confinado a una habitación creada entre dos paredes, pudiendo salir por las noches, a través de un pequeño armario. Ella se encargaba de sacar adelante la casa, teniendo que enfrentarse a los caciques del pueblo. Los topos, vivían ocultos en zulos, para evitar represalias políticas e incluso la muerte. Una etapa oscura de nuestra historia, que no hay que olvidar nunca, pero tampoco regodearse en ella. Las cicatrices deben cerrarse, para no despertar los fantasmas y el dolor, de muchas familias.

La trinchera infinita es una película triste y pausada, con un ritmo medido al milímetro, para la historia que se quiere contar. Un filme descorazonador y claustrofóbico, tanto en el texto escrito,  como a través de las imágenes que desfilan ante nuestros ojos, junto al sentir de sus protagonistas. Imágenes retratadas en la espléndida fotografía de Javier Agirre Erauso, quien ya obtuvo un Goya por Handia, y la sobrecogedora banda sonora de Pascal Gaigne, quien también corrió la misma suerte, con el Goya a la mejor música original. Dos elementos técnicos que logran crear una impactante y envolvente, atmósfera.

Una película terrorífica, que va atrapando al espectador en una historia que desgraciadamente vivieron cientos de hombres, “enterrados en vida” y sus respectivas familias, encarando al miedo. Día a día, mes a mes, año tras año. Higinio y Rosa, les representan con gran dignidad y credibilidad, con dos grandes interpretaciones. Antonio de la Torre, encarna a un personaje con múltiples matices que iremos divisando en su transformación, a medida que pasan los años, con su innata naturalidad;  pero, sin duda, quien brilla con luz propia, en un estado de gracia absoluta, es Belén Cuesta. Maravillosa, increíble, conmovedora y todos los adjetivos que se le deseen otorgar. Una interpretación de Goya.

Un nuevo tanto  el que se marca este trío imparable, de directores. Sorprendentes con cada una de sus películas, bien sea dirigiendo en dúos o como en esta ocasión, en un trío bien avenido. Un prometedor futuro el que tienen por delante, entre sus elaborados guiones, la magnifica realización general y sobre todo, el cuidado en  la dirección actoral; logrando extraer lo mejor de cada uno de ellos, por muy secundarios que sean.

Es un auténtico placer, cuando el cine español nos regala joyas que se pueden codear con las grandes obras, de la cinematografía mundial. Dos horas y media, que el espectador no puede dejar de mirar a la pantalla. Dos horas y media, que el espectador siente: el dolor, la soledad, los miedos, la nueva vida,  la pérdida de la razón,  el paso del tiempo, el amor, el odio y los enfrentamientos, las rencillas, la paciencia y esos años de guerra, postguerra y dictadura, que dividió a este país. Dos horas y media, que en la sala solo hay silencio y a la salida, conversaciones, originadas por la trama del filme.

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, José Manuel Poga, Vicente Vergara, José María del Castillo y Carlos Bernardino

PRODUCTORA: La Claqueta PC// Manny Films// Irusoin// Moriarti Produkzioak//

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

TERMINATOR: DESTINO OSCURO: CRÍTICA DE CINE

La nueva entrega de la saga, está dirigida por Tim Miller, Terminator: Destino oscuro, con guion de David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray, y Justin Rhodes, adaptando la historia de David Ellison y Tim Miller. En esta ocasión, el famoso “volveré”, no será dicho por el  Cyborg T-800.

 

Estamos en México. Un híbrido humano entre máquina, soldado y asesino, cae a la Tierra, Grace (Mackenzie Davis), quien nada más llegar debe enfrentarse, a la policía. Al poco tiempo un cyborg letal de metal líquido, Rev-9 (Gabriel Luna), también hará acto de presencia.

Daniella Ramos “Dani” (Natalia Reyes) y su hermano Miguel Ramos (Diego Boneta) trabajan en una empresa, en la cadena de montaje, que está reducción personal. Llaman a la oficina a Miguel y Dani se interpone, queriendo ser ella su portavoz, al ser más decidida que él. parece el Rev-9, disfrazado de policía, buscando a Dani; su hermano le comenta que está reunida con el jefe. Entra en escena Grace y comienza un tiroteo, hasta que Grace se lleva a los dos hermanos en un auto. Durante la persecución por la autopista, aparece un nuevo personaje, Sarah Connor (Linda Hamilton) quien les ayuda. Sarah va en busca de un misterioso hombre que la envía mensajes y cuya dirección lleva tatuada Grace en su cuerpo.

 

Y si creíamos que ya lo habíamos visto todo, lo bueno y lo malo de estos ciborg asesinos y protectores enviados a través del tiempo, quienes se han ido haciendo más letales a medida que la saga evolucionaba, estábamos equivocados. Os recordaré que esta es la sexta película de la saga, que comenzó allá en 1984 de la mano de James Cameron, dirigiendo sus dos primeras partes “Terminator” 1984 y “Terminator 2: El juicio final” 1991, a la que han seguido “Terminator 3: La rebelión de las máquinas” 2003 de Jonathan Mostow, “Terminator Salvation” 2009 de McG, “Terminator Génesis” 2015 de Alan Taylor y de momento, nos llega esta última entrega “Terminator: Destino oscuro” con Tim Miller, en la dirección.

 

Animador, director creativo, Director de cine y técnico de efectos visuales, Tim Miller, en 1995 cofunda Blur Studio junto a David Stinnett y Cat Chapman. En 2008 produce y dirige uno de los ocho cuentos animados, basados en la revista Heavy Metal. Entre otros trabajos, en 2011 también diseña las secuencias del título de la película “La chica del Dragón tatuado” 2011 de David Fincher y “Thor: El mundo oscuro” 2013 de Alan Taylor. Ha dirigido cortometrajes de animación como: “Aunt Luisa” 2002, “Rockfish” 2003, “Iron Man, Hulk y Spider Man” 2006 o “DC Univere Online” 2010. Saltó al largometraje con “Deadpool” 2016 y emitida por Netflix, crea la mini serie animada “Love, Death y Robots” 2019. Ahora llega con su segundo largometraje, “Terminator: Destino oscuro”

 

Sin la menor duda, el gran atractivo, además de todo el despliegue visual que nos ofrece esta nueva entrega y de la que luego os hablaré, ha sido recuperar a la mítica Sarah Connor encarnada por Linda Hamilton. Nos trae muchos recuerdos de cuando los espectadores nos quedamos pegados a la butaca ante este filme de ficción en donde la protagonista, al menos humana, era una mujer, una mujer con muchas agallas y que no se aminoraba ante nadie, ni siquiera ante el ciborg enviado del futuro, para matarla. Una mujer corriente, que se volvió toda una experta en armas y defensora de su presente, ahora vuelve para vengarse del cyborg que mató a su hijo, el modelo T-800 (Arnold Schwarzenegger) y ayudar a Dani, tras las explicaciones dadas por Grace.

Tras hablar de la legendaria Sarah, es inevitable hablar de que no solo estamos ante un filme femenino, sino de heroínas. Un trío de heroínas que encabeza, por méritos propios, Connor y continúa con Grace. Una mujer soldado que para seguir protegiendo a su país, en su mundo, pidió ser mejorada; eso significa que gran parte de su interior es producto de los avances tecnológicos de su tiempo, pero otra muy importante, sigue siendo humana. Una mujer viviendo entre el lado indestructible y el vulnerable a la vez, precisando de determinados medicamentos y mucha agua, para su supervivencia ante la batalla. Terminamos este trío con Dani, una mexicana con arrestos, muchos arrestos, que tampoco se aminora ante nadie. Ellas tres, sin saberlo, tendrán un gran aliado, el T-800 encarnado por Schwarzenegger.

 

Tim Miller se ha rodeado de un importante equipo técnico para conseguir que este nuevo terminator posea un ritmo endiablado a través de sus coreografía que superan, el más todavía. Empezaré por lo que primero vemos en pantalla, la espectacular fotografía de Ken Seng, entre vistosos planos, una perfecta iluminación y un cuidado trato del color. Lo primero que escuchamos, por un lado la banda sonora de Junkie XL, conservando la sintonía que todos tenemos en la mente, junto a otros temas originales y por otro, el fantástico sonido. Por supuesto, no podía faltar, el correcto montaje, en esta ocasión en las manos de Julian Clarke.

 

No sé si es mucho aventurarme en afirmar que estamos ante el filme más trepidante junto a las dos primeras entregas, que para mí, siguen siendo las estrellas, por su acción, originalidad y estética, algo que vuelve a respirar esta sexta parte. Muchos recuerdos y guiños hacia los inicios e incluso ese respeto que se palpa ante la presencia de los dos actores por excelencia: Linda Hamilton y Arnold Schwarzenegger. Más de todo  y aunque muchas veces más no es mejor, para los seguidores de esta saga, creo que sí, incluso la crítica hacia Donald Trump, pues una de las heroínas es mexicana. Disfrutable cien por cien. Así que haz buen acopio de palomitas y refresco, siéntate cómodamente y déjate llevar. 

 

Mi nota es: 8

 

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre.

 

REPARTO: Natalia Reyes, Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Gabriel Luna, Diego Boneta, Enrique Arce, Tristán Ulloa, Alicia Borrachero, Edward Furlong, Jude Collie, Stephanie Gil, Claudia Trujillo, Mario de la Rosa, Nick Wittman y Fraser James.

 

PRODUCTORA: 20^th Century Fox // Paramount Pictures// Skydance Productions// Lightstorm Entertainment// Tencent.

 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

LA OVEJA SHAUN, LA PELÍCULA: GRANJAGUEDON

La secuela de, La Oveja Shaun, la película: Granjaguedon, cuenta con guion y dirección de Richard Starzak.

En el cielo del tranquilo pueblo de Mossingham, entre las nubes, se ven unas extrañas luces que pronostican la llegada de visitantes de otras galaxias, pero en la granja donde vive la oveja Shaun y sus compañeras, nada ha cambiado, todo está igual, haciendo de las suyas y volviendo loco al pobre Bitzer, el perro que las cuida.

Una nave cae a tierra cerca de la granja, de la cual sale una apacible y encantadora extraterrestre de nombre Lu-La, con poderes, que pronto hará amistad con Shaun y Bitzer. Ambos la ayudan a arreglar la nave, pero como es de esperar, nada puede salir bien, al menos en un principio, estando cerca Shaun y Bitzer, quienes provocan que la nave quede destrozada. No se rendirán ante la adversidad, los dos están de acuerdo en que la pequeña Lu-La, debe regresar a su casa.

La animación dibujada y digitalizada, nos está dejado en los últimos años films que nos han maravillado ante la casi realidad de sus imágenes y el movimiento de sus personajes, rozando la perfección y codeándose con las películas de ficción real, siendo admiradas y disfrutadas, en la gran pantalla, por pequeños y mayores. Pero quienes también han dado un gran salto, son los animadores del Stop Motion (Animación en volumen o fotograma a fotograma) y el Claymation (La creación de personajes u objetos con materiales como la plastilina o la arcilla), este es el caso de nuestra querida oveja Shaun y sus compañeros. Un arduo proceso artesanal, donde se da rienda suelta a la imaginación, para obtener resultados asombrosos.

El animador, guionista y director inglés, Richard Starzak, asistió a la escuela secundaria de Northgate, estudió Bellas Artes en el Exeter Collage de Arte y Diseño, donde se licenció en la especialidad  de animación. En 1983 entró a formar parte de Aardman Animations, Ltd., del Reino Unido, donde trabajó hasta 1992, en varios proyectos. En 1992 se desplaza a Nueva Zelanda como asesor de la serie “Oscar y sus amigos” además de escribir y dirigir episodios de “Rex the Runt”, para la BBC2. Tras diversos trabajos, proyectos y premios, no olvidemos los numerosos premios que se le han otorgado. En julio de 2005, se reincorpora a Aardman, con trabajos como: “Creature Comforts América (Serie de TV) 2007, “La oveja Shaun (Serie de TV) 2007, “La oveja Shaun, Championsheeps (Serie de TV) 2012 y en 2015 se lleva a su querida ovejita a la gran pantalla, “La oveja Shaun: La película” continuando este año, con su secuela, “La oveja Shaun. La película: Granjaguedón”

Lo primero que llama la atención, además de la calidad de la animación, es que no hayan perdido  la esencia en la falta de diálogos, al menos legibles, pues los personajes solo emiten sonidos y pocos, acompañados de los ruidos ocasionados por sus locuras, los que provienen del propio entorno y la banda sonara, en esta ocasión, en la batuta de Tom Howe; pero así todo, entendemos perfectamente lo que desean transmitir y cuáles son sus intenciones, todo gracias a la limitada pero perfecta gesticulación de sus caras, los movimientos de sus articulaciones y el ingenioso guion, que despierta carcajadas, no solo entre los más pequeños, sino en los adultos, pues no olvidemos que muchas referencias, van hacia ellos.

Una vez más el desmadre está servido para el entretenimiento de pequeños y mayores. Si ya en la primera entrega, este rebaño con su alocada compañera Shaun al frente, la liaban parda en la ciudad, ahora le toca a los extraterrestres. En esta ocasión tienen un cometido mucho mayor, que la pequeña extraterrestre Lu-La, se vuelva a reunir con sus padres. No os podéis imaginar, la que nos tienen preparada.  

La película rinde un gran homenaje al género de  ciencia ficción, entre guiños a filmes como: “E.T.”, “Encuentros en la 3ª fase”, “2001, un odisea espacial”, “Robocop”, “La guerra de las galaxias”, “Wall-e” “La guerra de los mundos” o series como “Expediente X”, por poner algunos ejemplos, pues seguro que se nos escapan algunas, debido a que la atención la requieren a tiempo completo, estás alocadas ovejas y el mundo que las rodea.

Pocas palabras o muchas tal vez, se podrían escribir sobre este filme. Cuando una historia está bien escrita y se respeta tanto el oficio artesanal de crear universos donde no los  había, hay que descubrirse y decir: Chapeau.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

PRODUCTORA: Aardman Animations

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.