jueves, 17 de enero de 2019

CASO MURER: EL CARNICERO DE VILNIUS: CRÍTICA DE CINE


Christian Frosch dirige y escribe, Caso Murer: El carnicero de Vilnius, en una coproducción entre Austria y Luxemburgo.

 El filme está ambientado en los 10 días que duró el juicio a Franz Murer (Karl Fischer), conocido como el carnicero de Vilnius, en 1963 en la ciudad de Graz (Austria). Aunque este sería su segundo juicio, pues el primero tuvo lugar en 1948 en la Unión Soviética, donde fue declarado culpable por el asesinato a ciudadanos soviéticos, y condenado a 25 años de trabajos forzados, pero tras el Tratado del Estado de Austria, fue liberado después de un cautiverio de 7 años. Al regresar a Austria, el famoso judío, cazador de nazis, Simon Wiesenthal (Karl Markovics), volvió a sentar en el banquillo a semejante bestia, no obteniendo el mismo resultado que en la Unión Soviética.

Christian Frosch, nos "acomoda" en la sala del juicio en un siento preferente, para seguir paso a paso los acontecimientos y declaraciones surgidas durante esos 10 días a través de los testigos, tanto de un lado como del otro, que desfilaron para dar testimonio, sobre las barbaries cometidas contra los judíos en el Gueto de Vilna entre los años 1941 al 1943.

Una obra dura y  asfixiante, en la cual, además de los instantes del juicio,  Frosch nos trasladará a otros escenarios, cuando la vista se detenía hasta el día siguiente. Lugares en los cuales los periodistas recibían información privilegiada que no podían sacar a la luz, al estar prohibido. Los restaurantes donde el jurado se reunía para comer y conversar; sin olvidarnos de la parte más importante y escabrosa, la manipulación del juicio, por intereses políticos y militares, entre despachos y espacios escondidos. Los miedos  a las represalias tras el juicio si se testificaba e incluso que ex miembros nazis, formaran parte del jurado y otros cargos más relevantes. Un juicio considerado como vergüenza histórica. Una narración, en gran parte, presentada al más puro estilo documental y teatral.

Caso Murer, nos ofrece un impecable casting actoral que ha corrido a cargo de Eva Roth, partiendo de  su actor principal  Karl Fischer, hasta el último de los secundarios que intervienen. Cada uno perfecto en su personaje, tan creíbles que nos parece haber vuelto al pasado y ser testigos de excepción, como ya he comentado anteriormente.


Un filme que recuerda a “12 hombres sin piedad”  de Sidney Lumet y del cual se hace un guiño durante la película. Cuenta con un extraordinario equipo técnico, destacando la dirección artística de Katharina Wöppermann quien junto a la magnífica fotografía de Frank Amann y la angustiosa banda sonora de Anselme Pau, logran crear una ambientación claustrofóbica y sobrecogedora, no solo durante el proceso, sino en otros instantes y espacios, tan importantes o más, que lo desvelado en la sala del juicio.  Hay que resaltar el montaje de Karin Hammer y por supuesto el perspicaz guion y la  dirección sosegada y templada de Christian Frosch.


Un filme incómodo y necesario, saliendo de la sala de cine con una cierta desazón, por las injusticias vistas y escuchadas, ante un tribunal manipulado. Una obra, que aun conociendo lo sucedido por la historia, te mantiene pegado a la butaca.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Enero

REPARTO: Karl Fischer, Alexander E. Fennon, Melita Jurisic, Ursula Ofner, Karl Markovics, Gerhard Liebmann, Roland Jaeger, Doval`e Glickman, Rainer Wöss, Harvey Friedman, Erni Mangold, Franz Buchrieser, Susi Stach, Margit Holzhaider, Eva van Heijningen, Inge Maux, Klaus Rott, Christoph F. Krutzler, Mendy Cahan y Luc Feit.
PRODUCTORA: Paul Thiltges Distributions// Prisma Fim.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Adso Films.

miércoles, 16 de enero de 2019

LA FAVORITA: CRÍTICA DE CINE


La coproducción entre el Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos, La Favorita, está dirigida por Yorgos Lanthimos y guion de Deborah Davis y Tony McNamara.

En la Inglaterra del siglo XVIII, durante la guerra contra los franceses, la reina Ana de Gran Bretaña, última soberana británica de la casa de los Estuardo (Olivia Colman), depresiva por haber visto morir  a sus 18 hijos y su marido, y enferma de gota, deja  el gobierno del país, prácticamente,  en manos de su amiga la duquesa de Marlboraough, Lady Sarah (Rachel Weisz).

 Abigail (Emma Stone) quien ha perdido sus raíces aristocráticas, y  prima de Lady Sarah,  entrará al servicio de la reina. Sarah, al comprobar la belleza, encanto y elegancia de su prima, confiará en ella, mostrándole algunos de los secretos de la corte y los beneficios de vivir en ella. Abigail aprovechará el instante oportuno para lograr sus propósitos y alcanzar un mayor puesto en el palacio.


El griego Yorgos Lanthimos regresa a la gran pantalla con un filme de época, ambientado entre finales del siglo XVII  y primeros del XVIII, durante el reinado de Ana Estuardo. El director, una vez más, nos ofrece una magistral lección cinematográfica en un alarde de planos generales, planos secuencia y ojo de pez, o más conocido como gran angular, para trasladarnos a un tiempo pasado, entre las estancias de la corte inglesa y sus sórdidas vidas.  Lo que nadie puede poner en duda, a estas alturas, es la elegancia, sello personal y mente maquiavélica de Yorgos.

Un filme que recuerda la estética y puesta en escena de “Barry Lyndon” del maestro Stanley Kubrick, o los complots políticos de “Las amistades peligrosas” de Stephen Frears, que se traman entre los fríos y recargados aposentos de palacio, así como en sus jardines. Cada detalle que ofrecen los diferentes escenarios, caen como losas  sobre los personajes que allí habitan.

La historia está dividida en VIII partes, en un guion que, por primera vez, no firma Lanthimos, recayendo todo el peso en los guionistas Deborah Davis y Tony McNamara, para narrarnos un drama con pinceladas de un grueso humor, entre la lucha incesante por el poder y la posición social; en medio de las venganzas, la soledad, la guerra, los miedos, las manipulaciones,  la pérdida, los odios, el erotismo y la búsqueda del amor.

La favorita cuenta con una extraordinaria dirección artística a cargo de Caroline Barclay y Lynne Huitson, exhibiendo la ostentación del barroco, retratado con suma elegancia y vistosidad por el fotógrafo, Robbie Ryan entre soberbios encuadres y una esplendida iluminación. Contará, además, con un espectacular vestuario de Sandy Powell. Todo está milimétricamente estudiado, sin olvidarnos de  la sobresaliente  banda sonora.


Dentro del excepcional elenco actoral que conforma el filme, Lanthimos ha vuelto a confiar por segunda vez, tras su afamada “Langosta” 2015, en Rachel Weisz y Olivia Colman. A este magnífico dúo debemos incluir a Emma Stone, y así formar el deslumbrante trío de ases. Tres actrices en estado de gracia y absolutamente convincentes en sus personajes, entre el drama y la comedia más audaz. El duelo que ofrecen Rachel Weisz y Emma Stone, es extraordinario.


Yorgos, en su retorcida mente, desafía a sus personajes, marcándolos a fuego, con su huella personal, como ya nos tiene acostumbrados en su sólida filmografía. Esta vez, a través de la lucha incesante de un trío femenino en sus deseos por sobrevivir, lograr sus objetivos y asentar sus posiciones. No dudan en lanzarse todo tipo de “puñales” con tal de alcanzar sus propósitos.

Seremos testigos de la vida de tres  mujeres inseguras e insatisfechas. Lady Sarah es rica e influyente, pero falta de amor. Abigail, ambiciosa, no se resigna ante su caída social y una reina, Ana, enferma de gota y turbada en su mundo de soledad, confusión y dolor por la pérdida de sus seres queridos, en constante lucha. En esa vulnerabilidad que las tres desean ocultar, Yorgos logra desatar en ellas, la rabia, la violencia y el cinismo más surrealista.

Yorgos Lanthimos, demuestra una vez más, su capacidad por sorprender, creando atmósferas únicas y dirigiendo a sus actores con sumo talento,  para envolver al espectador en sus historias. Una vez más, bien acompañado por el director de montaje, Yorgos Mavropsaridis. 
 
Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Enero

REPARTO: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, Joe Alwyn, James Smith, Mark Gatiss, Jenny Rainsford, Tim Ingall, Basil Eidenbenz, Timothy Innes, Jack Veal, James Melville, Hannah Morley y John Locke.

PRODUCTORA: Element Pictures// Scarlet Films// Film4 Productions// Waypoint Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

martes, 15 de enero de 2019

GENTE QUE VIENE Y BAH: CRÍTICA DE CINE


Basada en la novela de Laura Norton, Gente que viene y bah, está dirigida por Patricia Font con guion de Darío Madrona y Carlos Montero.

Bea (Clara Lago) es una joven arquitecta, viviendo feliz con su trabajo, sus amigos y su pareja. En el transcurso de una fiesta, donde Bea está bebiendo más de la cuenta, presenta a su novio a una presentadora de televisión, a la que él idolatra. Al día siguiente se entera por televisión que dicha presentadora y su novio, han sido pillados por la prensa en el interior de un coche, dándose el lote. Bea abandona a su pareja y tras ser despedida del trabajo, regresa a su pueblo natal. 

En el pueblo se alojará en la casa familiar, reencontrándose con todos los suyos, una familia muy peculiar, comenzando con  su madre, Ángela (Carmen Maura), Irene (Alexandra Jiménez) su hermana mayor y alcaldesa del pueblo, León (Carlos Cuevas) su hermano gay, emparejado con un guardia civil del pueblo y otros personajes, entre los que se encuentra un vecino, Diego (Álex García (II)) que tiene a todo el municipio dividido.

La catalana, Patricia Font, directora del cortometraje ganador del Goya 2015 “Café para llevar”, se embarca en su primer largometraje con esta comedia familiar con toques románticos y para ello, se rodea de un fantástico plantel de actores, comenzando con la gran matriarca, Carmen Maura; una actriz de la que creo que ya  se ha dicho todo, pues con su simple presencia, llena la pantalla, interpretando el papel de una curandera que tras detectar la enfermedad a sus pacientes, no les receta nada, sino que les envía directamente al especialista con su diagnóstico. Clara Lago está encantadora y divertida, conocerá a Álex García, cuando ella decide volver junto a su familia. Alex es un vecino polémico por los cambios que desea realizar en el pueblo y la fortuna que heredó de su mujer fallecida. Es el galán del pueblo y conduce un coche rosa, porque es el color favorito de su hija pequeña. Interpretaciones todas, correctísimas, incluyendo los que no menciono.

El guion de Darío Madrona y Carlos Montero, rezuma nostalgia, positivismo y ese mensaje de no complicarse la vida más allá de lo necesario, la importancia de la familia, aunque cada uno piense de forma distinta y sin olvidarnos de la trama creada, sencilla pero efectiva. Una comedia de situaciones costumbristas, en la cual hasta lo más sencillo puede resultar complicado y viceversa. Todo en el entorno de un pueblo y sus gentes.

Patricia dirige este filme con dinamismo y toques teatrales, sustentándose en escenarios muy concretos, para que sean los actores los únicos protagonistas y que nada ni nadie externo, pueda distraerlos. Cometido que logra con nota.  Un guion interesante, una buena dirección y unas perfectas interpretaciones.
En resumen, un filme divertido, con la pretensión de que el espectador pase un buen rato y se aísle de los problemas cotidianos.



Mi nota es: 6,5  

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Enero

REPARTO: Clara Lago, Carmen Maura, Alexandra Jiménez, Álex García, Carlos Cuevas, Jorge León Martínez, Paul Malia y Eduardo Ferrés.

PRODUCTORA: Zeta Cinema

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

lunes, 14 de enero de 2019

NOTICIAS BREVES (XXIV)


MADAVENUE y ADSO FILMS,  nos informan del nuevo estreno, el entrañable docu-ficción, dirigido y escrito por Samuel Collardey, “PROFESOR EN GROENLANDIA” el próximo 15 de febrero.

la película fue nominada al gran Premio del Jurado de la sección World Cinema de Sundance, consiguió el premio del jurado en el Festival 2 Valenciennes 2018 y fue seleccionada en la sección “Écrans Juniors” del festival de Cannes.

rotagonizan la película Anders Hvidegaard y Asser Boassen, actores debutantes en el cine que se interpretan, en cierta medida, a sí mismos.

SINOPSIS: Anders, un profesor recién licenciado, decide dejar su Dinamarca natal en busca de una aventura laboral en Groenlandia. Al llegar allí se siente extraño y alejado de sus habitantes, al ser una comunidad muy cerrada. Gracias a una serie de curiosas circunstancias, Anders cuestionará sus convicciones centroeuropeas y aceptará su nuevo estilo de vida polar. PROFESOR EN GROENLANDIA es una inteligente y tierna película en la que el protagonista nos da una profunda y emocionante lección de vida.

En sus viajes a Groenlandia, Collardey conoció a diferentes maestros y al ver su relación con los niños y las familias del pueblo, vio claro que un profesor o profesora debía ser el protagonista de su película. Y mejor si se trataba de un extranjero que tuviese que acostumbrarse a ese ambiente, a luchar con la soledad y a encontrar su sitio en esa comunidad. En Tinit, un pequeño pueblo de Groenlandia, conoció a Anders Hvidegaard, un joven danés de aspecto vikingo que acabó convirtiéndose en el protagonista de PROFESOR EN GROENLANDIA. “Al entender la motivación real de Anders por su nuevo trabajo como profesor en Groenlandia y su relación con el negocio familiar de Dinamarca, centrado en la ganadería, se descubrió como un buen personaje, con un dilema y una prometedora historia que contar [···] Al final, la película surge del año que pasamos todos juntos y de la vida en sí”, concluye el director.
ADSO FILMS ESTRENARÁ PROFESOR EN GROENLANDIA EL PRÓXIMO 15 DE FEBRERO DE 2019

FILMAX PRESENTA: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta y Macarena García inician el rodaje de "VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN", distribuida por Filmax.

Se trata de la adaptación cinematográfica de la exitosa novela homónima dirigida por ARITZ MORENO y guionizada por JAVIER GULLÓN

“¿Le apetece que le cuente mi vida?” Helga es abordada con esta desconcertante pregunta de un desconocido durante un viaje en tren. Este encuentro marcará su futuro.

Así es el punto de partida de VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN, thriller conspiranoico protagonizado porLuis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta y Macarena García, que comenzó a rodarse el pasado 10 de diciembre en el País Vasco y que llegará a los cines de la mano de Filmax.

Les acompañan en el reparto Javier Botet, Javier Godino, Stephanie Mignon, con la colaboración deGilbert Melki y Ramón Barea.

Es el primer largometraje de Aritz Moreno como director, con guion de Javier Gullón basado en la novela de culto de Antonio Orejudo, repleto de pintorescas y laberínticas historias, con un sinfín de personajes extraordinarios, enigmáticos y disparatados.

VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN cuenta con la producción de Merry Colomer, Leire Apellaniz y Juan Gordon, la dirección de fotografía de Javier Agirre, la dirección artística de Mikel Serrano, la música de Cristóbal Tapia de Veer, el montaje de Raúl López, el maquillaje de  Karmele Soler, la peluquería de Olga Cruz y el vestuario de Virginie Alba.

Se trata de una producción de MORENA FILMS y SEÑOR Y SEÑORA, coproducida por LOGICAL PICTURES (Francia) y VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN A.I.E. con la participación de ETB y MOVISTAR+ y el apoyo de ICAA y GOBIERNO VASCO. Será distribuida por FILMAX.

El rodaje se desarrollará durante 7 semanas en localizaciones de la provincia de Guipúzcoa, en Madrid y en París.

SINOPSIS: Después de descubrir a su marido con la cabeza completamente ida, la editora literaria Helga Pato se ve obligada a internarlo en un psiquiátrico en el norte del país. En el viaje de vuelta en tren, un desconocido, para amenizar el viaje, le pregunta de pronto “¿Le apetece que le cuente mi vida?”. Se trata de Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja en la misma clínica y que investiga los trastornos de la personalidad a través de los relatos y los escritos de los pacientes. Ángel le cuenta la sórdida y extravagante historia del peor caso clínico al que se ha enfrentado jamás, el de Martín Urales de Úbeda, un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre muchas otras cosas, con la basura.

Después de terminar la historia de Martín, Ángel se despide de Helga y desaparece, pero se deja olvidada una carpeta repleta de los relatos escritos por sus pacientes. Al leer su contenido, Helga queda identificada con ellos hasta la fascinación y decide intentar publicarlos. Con ese objetivo, Helga inicia la búsqueda de Ángel. Pero su investigación la lleva a descubrir que el hombre que había conocido en el tren no era Ángel Sanagustín, sino el propio Martín Urales de Úbeda.

Atrapada ya de manera irremediable, Helga sigue el rastro de Martín en busca de un inesperado desenlace.

DyP Comunicación, nos informa del próximo estreno en el Teatro Amaya.

El Teatro Amaya de Madrid (Paseo General Martínez Campos, 9) acogerá desde el próximo 16 de enero de 2019 y hasta el 17 de marzo Muerte en el Nilo, una versión contemporánea del clásico de Agatha Christie dirigida por Víctor Conde, bajo la producción de Alain Cornejo (Concorde Difussio y Saga Producciones).

La obra cuenta con un joven reparto compuesto por: Pablo Puyol, Adriana Torrebejano, Ana Rujas, Ana Escribano, Miquel García Borda, Sergio Blanco, Lorena de Orte, Cisco Lara, Paula Moncada  y Dídac Flores.

El movimiento escénico corre a cargo de Amalia Galeote, la escenografía y vestuario es obra de  Ana Garay,  la iluminación de Lola Barroso (AAI), y la realización de Raúl Gago para Neo 3d.

La música será parte muy importante en la producción, entre los actores habrá un cantante y una pianista, que interpretarán temas musicales de los años 30, apoyados también con una banda sonora original creada por Marc Álvarez.

Tarifa de Carnet Joven y Jubilados para la funciones de los jueves.
 Los compradores de estas tarifas se les solicitará el certificado en el acceso.

Esta actual versión de Muerte en el Nilo inició sus representaciones el  pasado 22 de septiembre en Granada con el cartel de “No hay billetes”. A Madrid la obra llegará después de gira por: Pamplona, Cáceres, Aranjuez,  Altea,  Cartagena, Alcoi (Alicante), Moralzarzal (Madrid),  Albacete, Palma de Mallorca, Palencia, Ávila, Zaragoza y Badajoz.    

AVALON informa que “LOS DÍAS QUE VENDRÁN”, de Carlos Marques-Marcet, tendrá su Premiere internacional en el Festival de Rotterdam (sección oficial).

Los días que vendrán (Els dies que vindran) es el título de la nueva película de Carlos Marques-Marcet (10.000 KM, Tierra Firme) que tendrá su premiere internacional en el Festival de Cine Internacional de Rotterdam Festival de Cine Internacional, donde participa en la sección oficial “Tiger Competition”.

El tercer largometraje de Carlos Marques-Marcet (ganador del Goya a la Mejor Dirección Novel por 10.000KM) está protagonizado por David Verdaguer y María Rodríguez Soto que, con una contrastada trayectoria teatral, afronta su primer papel protagonista en el cine. Este proyecto, inicialmente conocido como La bona espera, cuenta con el guion de Clara Roquet (Petra), Coral Cruz (Incerta glòria) y el propio Carlos Marques-Marcet.
Los días que vendrán (Els dies que vindran) es el relato minucioso del embarazo de una pareja que a lo largo de 9 meses ha de aprender a ser tres cuando ni siquiera había tenido el tiempo de aprender a ser dos. Utilizando el embarazo real de la pareja actores protagonistas, la película explora la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso.

Producida por Lastor Media y Avalon P.C., con el apoyo del ICAA, ICEC, y la participación de Movistar+ y TVC., Los días que vendrán tiene previsto su estreno en cines en el próximo mes de junio.

SINOPSIS: Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja barcelonesa, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.

domingo, 13 de enero de 2019

MOVISTAR+ SERIES (ENERO 2019)


“EL EMBARCADERO”, la serie creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato, se estrenará en Movistar+ el viernes 18 de enero.

Protagonizada por Álvaro Morte, Verónica Sánchez e Irene Arcos, “El Embarcadero” es una serie original de Movistar+ en colaboración con Vancouver Media y Atresmedia Studios

“El Embarcadero”, una serie de los creadores de “La Casa de Papel” (recién ganadora del Emmy Internacional a Mejor Serie Dramática) Álex Pina y Esther Martínez Lobato a partir de una idea original de Sonia Martínez y cuyos 8 primeros capítulos, de 50 minutos cada uno, llegarán el 18 de enero a Movistar+.

“El Embarcadero” es un thriller romántico que sucede en la actualidad protagonizado por dos mujeres, Alejandra (Verónica Sánchez) y Verónica (Irene Arcos), cuyos destinos se entrelazan tras la repentina muerte de Óscar (Álvaro Morte), el hombre con el que compartían, por separado, su vida.

Completan el reparto Marta Milans, Roberto Enríquez, Cecilia Roth, Antonio Garrido, Judit Ampudia, Miquel Fernández y Paco Manzanedo.

SINOPSIS: La noche que Alejandra recibe la noticia de que su marido se ha suicidado se da cuenta de dos cosas: que el rascacielos que su estudio acaba de vender a un fondo inversor británico no es lo más importante del mundo, y que en realidad no conocía a Óscar a pesar de llevar 15 años casada con él. Su marido llevaba una doble vida en la Albufera con una hija y una mujer encantadora que representa todo lo que ella no es: la espontaneidad, la libertad, lo salvaje.

Alejandra se hará pasar por una desconocida para indagar en la vida de Verónica en busca de respuestas, lo que la llevará, sin que ella se dé cuenta, por el mismo camino que recorrió Óscar; el de una vida diferente, el de la vida que empieza desde cero con el mismo deseo de libertad de un animal después de toda una vida en cautividad.

El Embarcadero cuenta la historia del viaje en el que Alejandra se ve inmersa en la búsqueda de una verdad profunda y que abarca todo su mundo. La verdad sobre ella y sus emociones, sobre su relación con su madre, sobre lo que es importante en la vida y, por supuesto, la verdad sobre su relación con Óscar y las profundas razones que desencadenaron su fatídico final.

“El Embarcadero”, una serie original de Movistar+ en colaboración con Vancouver Media y Atresmedia Studios. Creadores: Álex Pina y Esther Martínez Lobato, según una idea original de Sonia Martínez

Dirección: Jesús G. Colmenar, Álex Rodrigo Rivero
Género: Thriller romántico

Episodios T1: 8

Duración: 50 minutos

Estreno: 18 de enero 2019 (completa bajo demanda)

“SHAMELESS” T9 regresa con nuevos episodios el lunes 21 de enero en Movistar Series (dial 11)

Estreno de nuevos episodios de la temporada 9 a partir del lunes 21 de enero en Movistar Series (dial 11). También disponibles bajo demanda. Los Gallagher se han convertido en nuestra imperfecta familia, esa de la que nos quejamos a discreción pero no toleramos que otros la critiquen. Serán un desastre, pero son “nuestro” desastre. La temporada 9 regresa con siete nuevos episodios, ya sin Cameron Monaghan en el reparto tras su marcha de la serie. Con Ian en prisión, hay un Gallagher menos en casa. Pero por uno que sale, otra que entra. Fiona ha vuelto a darse de bruces con la parte menos amable de la realidad y su fracaso empresarial y emocional la ha dejado literalmente hundida. Los nuevos episodios exploran cómo afecta el regreso de Fiona y la marcha de Ian al resto de los Gallagher. Ganadora de un premio Emmy y nominada a un Globo de Oro. Está protagonizada por William H. Macy, ganador de dos premios Emmy y nominado a un Globo de Oro por su papel, Emmy Rossum, Joan Cusack, ganadora de un Emmy por su papel, Jeremy Allen White, Emma Kenney y Shanola Hampton, entre otros.

“LOS DOS MIL”, nueva serie documental de estreno en #0 de Movistar+

Tom Hanks, Gary Goetzman y Mark Herzog producen ‘Los dos mil’, la serie de CNN que explora los cambios sociales, culturales, políticos y económicos en la época de Facebook, Apple y Obama.

Estreno en #0 de Movistar+ (dial 7) el sábado 12 de enero a las 20:10h. Episodios disponibles bajo demanda cada semana.

Los dos mil tienen en común Facebook, el iPhone, Barack Obama, Lady Gaga o “Los Soprano”. Con la llegada del nuevo milenio los modelos sociales, políticos y culturales cambiaron. “Los dos mil” es una serie documental de CNN, producida por Tom Hanks, Gary Goetzman y Mark Herzog que ahonda en los diferentes aspectos que comenzaron a cambiar en el inicio del siglo XXI.

Si en la música hubo un cambio de paradigma con el declive de los formatos físicos y el auge de nuevas plataformas como Spotify o YouTube, la televisión comenzó a vivir una época dorada con series como “Los Soprano”, “The Wire” o “The Big Bang Theory”.

En lo político, tras los atentados del 11-S el por entonces presidente George Bush inició una guerra contra el terrorismo en la que consiguió el apoyo suficiente para utilizar la fuerza a su antojo. Ya en su segundo mandato, tuvo que hacer frente a la crisis del huracán Katrina mientras mandaba más tropas a Irak en contra de la opinión del Congreso y sin imaginarse que en 2008 Obama haría historia convirtiéndose en el primer presidente afroamericano de Estados Unidos favoreciendo la inclusión de minorías, apostando por la sanidad pública y creando esperanza entre los ciudadanos más desfavorecidos del país.

Pero con los dos mil también llegaron los escándalos financieros y los avances tecnológicos: las quiebras, préstamos y rescates convivieron con el crecimiento de empresas como Apple o el nacimiento de Amazon, adalid del comercio electrónico y del nuevo capitalismo.

“Los dos mil” repasa todos estos hechos en sus ocho entregas. Estreno el sábado 12 de enero a las 20:10h en #0 de Movistar+ (dial 7). Episodios disponibles bajo demanda semanalmente.

También están disponibles bajo demanda las temporadas anteriores: "Los setenta, "los ochenta y "Los noventa". 

“TRUE DETECTIVE” (T3): VUELVE EL THRILLER POLICÍACO MÁS ESPERADO. ESTRENO SIMULTÁNEO A EE UU EN MOVISTAR SERIES

Estreno en doble episodio, simultáneo a EE UU, la madrugada del 13 al 14 enero en Movistar Series (dial 11). También disponible bajo demanda.

Wayne Hays es un detective de la policía de Arkansas. Junto a su compañero Roland West, se ve involucrado en la investigación de un macabro crimen desencadenado por la desaparición de dos niños en plena región de los Ozarks, en el Medio Oeste americano. Un misterio que cala en la vida personal de ambos agentes y se prolonga a lo largo de varias décadas.

Creada por Nic Pizzolatto, se trata de una historia distinta, con nuevos personajes, que no tiene que ver con las temporadas anteriores.

Contada en tres períodos de tiempo, con el personaje de Wayne Hays como eje principal. El juego entre diferentes tiempos le permite jugar con los personajes: quiénes son en realidad frente a lo que piensan que son (e hicieron). Ofrece al espectador un puzzle en el que ir componiendo al personaje: quizá quien comenzó como héroe dista mucho de serlo al conocerlo bien…

La temporada cuenta con una nueva dupla de detectives, Wayne Hays y Roland West: Mahershala Ali (ganador de un Oscar a mejor actor de reparto por su papel en “Moonlight”, también estuvo en “Figuras ocultas” y series como “Luke Cage” y “House of Cards”) es Wayne Hays; Stephen Dorff (“Blade”, “World Trade Center”) es Roland West, policía del estado de Arkansas.

El contrapunto femenino lo pone Carmen Ejogo (“Selma”) como Amelia Reardon, una profesora de un colegio de Arkansas que guarda relación con los dos niños desaparecidos y que entabla una amistad especial con Hays. Completan reparto: Mamie Gummer (“Castle Rock”, “The Good Fight”) y a Scoot McNairy (“Narcos: México”, “Godless”, “Halt & Catch Fire”).

Estreno en doble episodio, simultáneo a EE UU, la madrugada del 13 al 14 enero en Movistar Series (dial 11). También disponible bajo demanda.

sábado, 12 de enero de 2019

ROMA: CRÍTICA DE CINE


          En coproducción entre México y Estados Unidos, el mexicano Alfonso Cuarón escribe y dirige, Roma, un exquisito drama a través de una magistral MasterClass cinematográfica.  Una obra costumbrista en el más puro sentido de la palabra, con claras referencias al neorrealismo italiano.

En un barrio de clase media- alta, en la Colonia Roma, de la Ciudad de México, vive una joven sirvienta, Cleodalgia Gutiérrez “Cleo” (Yalitza Aparicio) trabajando al servicio de una familia de posición acomodada.

Cleo es feliz con las cosas sencillas, rodeada de los niños que cuida en la casa, jugando con ellos y estando pendientes en todo momento para que nada les pase, incluso exponiendo su propia vida, cuando existe algún peligro, que afecte a los pequeños. Cleo se enamora y Fermín (Jorge Antonio Guerrero), su pretendiente, jugará con ella y sus sentimientos, con consecuencias que marcarán a la joven. Cleo es una luchadora silenciosa, a quien el espectador sigue sin condiciones, pues desea saber cuál va a ser su destino; donde sus  emociones, están al servicio de los demás, aunque por dentro en más de una ocasión, se rompa. Cleo, con su forma de ser, "asfixia" al espectador, lo pone contra las cuerdas, logrando que perciba el agobio en su propio ser, cuando ella sufre o está en relativo peligro.

Justo antes de los títulos de crédito, vemos como Cuarón dedica la obra a Libo. Me interesé por dicho nombre y no es otro que el de la cuidadora del propio director y tras ver el filme, queda claro que entre ambos existió esa complicidad, esa unión mágica que se crea en tantas ocasiones entre un niño y su cuidadora, que pasen los años que pasen, el niño siempre la recordará, incluso, como una segunda madre. El amor que Alfonso destila en esta obra a la figura de la cuidadora, es de absoluta reverencia y admiración.

Pero además Alfonso se cubre con el gran manto de la nostalgia de su tierra natal, México, y nos traslada a la década de los 70,  para que contemplemos la crisis política y social que atravesaba y sigue atravesando, las revueltas juveniles, las reyertas con pistola en mano y la diversidad entre las clases sociales. El mexicano (de tez blanca) claro exponente de la clase media alta y el mexicano (de tez morena con /sin rasgos indígenas) en las clases bajas.

Entre muchas lecturas y algunos simbolismos, seremos testigos de una clara crítica al machismo, reinante en el país. Para ello se apoya en  las figuras de Fermín, el joven que intenta conquistar, como si de un pavo real se tratara, a Cleo, con un ritual de ejercicios de artes marciales, en completa desnudez, en la habitación donde ella lo espera en la cama, tímidamente. Y Antonio (Fernando Grediaga), el esposo de Sofía, los dueños de la casa; quien solo se dedica a sus negocios, teniendo abandonada a la familia. La mujer en el hogar y él fuera del mismo. Culmina dicha crítica, cuando Sofía (Marina de Tavira) en un momento de debilidad de Cleo, le comenta: “estamos solas…”


En esta ocasión Cuarón prescinde de la Banda sonora musical, para regodearse de los propios sonidos que ofrecen los espacios por donde caminan, viven, trabajan y disfrutan, cada uno de los personajes. Desde el viento soplando en las terrazas donde lavan, el paso de los aviones, las ruidosas calles con sus vehículos o los gritos de la gente, a los sonidos del agua, tan presente durante toda la obra, en los charcos, el líquido que sacia la sed, las goteras, las olas del mar o el agua que limpia los suelos de la casa.

Al igual que hiciera en su anterior obra, “Gravity” dará mayor importancia a la imagen que a los personajes. Haciendo gala, una vez más, de su gran experiencia  como narrador visual para contar una historia y convertir los escenarios de interiores o exteriores, en los verdaderos protagonistas principales, aunque en esta ocasión, el gran peso de todo el filme, recae en su actriz indiscutible, Yalitza Aparicio, traspasando cada fibra de Cleo. Cuando terminé de ver la película, busqué quien era esta magnífica actriz, pues nada sabía de ella; la gran sorpresa fue descubrir que era su primer trabajo, algo que sorprende por su naturalidad, el desparpajo moviéndose ante la cámara, en sus expresiones… En el sentir. Una magnífica interpretación.

Pero no es una obra perfecta, al menos desde mi punto de vista, le pierde la lentitud con la que está contada esta historia costumbrista. Estoy convencido que si el filme hubiera tenido un poco más de dinamismo y un poco menos de metraje, estaríamos ante una joya cinematográfica en el amplio sentido de la expresión, aun contando con una más que sobresaliente  fotografía en blanco y negro que ha compartido con Galo Olivares o el virtuosismo del manejo de la cámara, que deja una vez más al espectador, con la sensación de haber disfrutado de una ejemplar lección de buen cine. Entre impactantes encuadres, en los cuales, todos los elementos están en su lugar.

Soy consciente de que esa lentitud, es la evidencia provocada por la monotonía del día a día que vive nuestra protagonista, para ofrecernos su verdad, la de una vida solitaria, aunque esté rodeada de gente. De la  falta de amor, aunque le digan que la quieren.  La de su entrega a los demás, aunque nadie lo haga con ella. La de la sonrisa del alma, mientras el rostro permanece afligido, dejando que de vez en cuando, una leve mueca de felicidad, se asome y nos haga sentir aliviados, tras haber creado un exceso de desazón, angustia e incertidumbre en el espectador.

Una obra desgarradora, poética y triste.

Mi nota es: 8

REPARTO: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf,  Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero.
          PRODUCTORA: Participant Media// Esperanto Filmoj.


    DISTRIBUIDORA: Netflix.2018: Critics Choice Awards: 8 nominaciones incluyendo mejor película2018: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera.2018: Asociación de Críticos de Chicago: 5 premios, incl. Mejor película. 9 nom.