LOU ANDREAS-SALOMÉ: CRÍTICA DE CINE

          Lou Andreas-Salomé es el filme de la directora alemana Cordula Kablitz-Post quien comparte guion con Susanne Hertel. 

          Lou Andreas-Salomé  -De los 21 a 50 años - (Katharina Lorenz) y a los 72 años (Nicole Heester) más conocida como Lou. Tiene muy claro desde muy joven que no se casará y  por el contrario dedicará su vida a la filosofía y al psicoanálisis.

          Una mujer que rompió todos los moldes en su época, por su sueño de libertad, cultivar la mente y convertirse en una activista feminista. Se rodeó de los grandes de su tiempo, como Friedrich Nietsche (Alexander Scheer), Sigmund Freud (Harald Schrott), Rainer Maria Rilke (Julius Feldmeier), junto con quien escribiría su historia, el erudito alemán Ernst Pfeiffer (Matthias Lier), Paul Rée (Philipp Haub) y quien finalmente fuera su marido, Friedrich Carl Andreas (Merab Ninidze) Un matrimonio más para acallar bocas, que por amor.

          Cordula nos ofrece un delicioso Biopic de otro tiempo, de otra época, que plasma con sutileza y elegancia, arropándose en la magnífica fotografía de Matthias Schellengerg, en la cuidadísima banda sonora de Judit Vargas, que envuelve con sus notas cada fotograma, el correcto  vestuario de Bettina Helmi y los decorados de Nikolai Ritter, todo acompañado del acertado montaje a cargo Beatrice Babin.

        Una historia que nos narra la vida de la escritora, filósofa, psicoanalista y feminista, Lou Andreas-Salomé, que nació el 12 de febrero de 1861 en San Petersburgo y murió el 5 de febrero de 1937 en Alemania. Una mujer que tuvo que luchar contra una sociedad y sobre todo con la severa educación conservadora de su madre, que no entendía el por qué no deseaba contraer matrimonio, como otras mujeres y su insondable espíritu de libertad, sin olvidar la imperiosa necesidad de verse rodeada por los grandes artistas europeos de su tiempo, quienes atraía a su presencia gracias a su belleza y magnetismo innato. Una rebelde con causa.             La dirección de actores es tan correcta que logra que el espectador conecte y capte los matices de la personalidad de cada uno de los personajes, sus experiencias, sus extravagancias, sus maneras de amar, de sentir, de vivir, de soñar… en definitiva, el comulgar con la sociedad de su tiempo. Magníficas tanto Nicole Heester como Katharina Lorenz, en los papeles de Lou, en las diferentes edades de la escritora y Matthias Lier como Ernst Pfeiffer, y por supuesto todos sus compañeros de reparto, logrando el entretenimiento a través de una biografía, desconocida para muchos e interesante de descubrir. A destacar por último, la originalidad de comenzar algunas secuencias con fotografías o postales de la época, donde incorpora a los personajes de carne y hueso  en movimiento.
         Mi nota es: 6,5

        ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Abril  

          REPARTO: Nicole Heester, Katharina Lorenz, Liv Lisa Fries, Helena Pieske, Matthias Lier, Katharina Schüttler, Julius Feldmeier, Peter Simonischek.

          PRODUCTORA: Coproducción Alemania-Austria/ Senator Films Produktion/ Österreichischer Rundfunk (ORF) / NDR- Norddeutscher Rundfunk/ KGP Kranzelbinder Gabriele Production/ Avanti Media Fictión-Film und Fernsehproduktion.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Pirámide Films.

INVITACION DE BODA: CRÍTICA DE CINE

           Invitación de boda cuenta con guion y dirección de la directora palestina Annemarie Jacir, con claras referencias y críticas políticas hacia la situación que se vive en su país.

          Shadi (Saleh Bakri) regresa de Italia tras varios años ausente en su ciudad natal, Nazaret, para acudir a la boda de su hermana Amal (María Zreik) y cumplir la tradición del “Wajib”. Repartir las invitaciones de la boda, junto a su padre, Abu Shadi (Mohammad Bakri).

          Abu tiene 60 años, está divorciado, estado que aún no ha asumido, es profesor de escuela y tiene dos hijos. Cuando su hija se case, vivirá solo y en los días que su hijo esté en la ciudad, buscará la forma de que se quede con él, encuentre una buena mujer palestina y se olvide de Italia, pero Shadi tiene las ideas muy claras.

          La entrega de las invitaciones y la convivencia en esos días del padre y del hijo, servirán a Jacir para presentarnos las notables diferencias que existen entre quien vive en el país y quien ha salido de él. Los choques  generacionales, la crítica social y política, serán el denominador común de la obra, entre quienes se afirman en sus raíces y aceptan resignados el lugar que les vio nacer y les verá morir,  y aquellos que desean progresar labrándose un nuevo presente, para vivir un incierto pero tal vez mejor futuro.

          Un drama bien construido con toques de humor. Posee un ritmo adecuado y diálogos cuidadosamente elaborados e hilvanados los unos con los otros, para el lucimiento de sus dos actores protagonistas, Mohammad Bakri y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real y aquí en la ficción, ofreciéndonos su complicidad y naturalidad ante la cámara. Naturalidad que proyecta la verdad que Annemarie Jacir busca y logra de su país, calando en la mente del espectador a través de la historia que desea narrar y los temas que pretende resaltar; todo bajo la cuidada y acertada fotografía de Antoine Heberlé.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Abril

          REPARTO: Saleh Bakri, Mohammad Bakri, Maria Zneik, Mahmoud More, Rana Alamudin Karam, Tarik Kopty, Monera Shehadeh, Ossama Bawardi, Ruba Blal, Henry Andrawes, Lama Tatour, Samia Shanan, Jalil Abu Hanna, Makram Khoury

          PRODUCTORA: Coproducción Palestina-Francia-Dinamarca-Colombia-Noruega/ Philistine Films/ Ape&Born/ Ciudad Lunar Producciones/ Snowglobe Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

9 DEDOS: CRÍTICA DE CINE

            9 Dedos, del director y guionista François-Jacques Ossang, nos ofrece un filme muy personal, donde el surrealismo roza lo absurdo.

          Magloire (Paul Hamy) está fumando de noche en una estación ferroviaria abandonada hasta que de pronto comienza a huir, al sentirse perseguido. En dicha huida llegará a una playa y se encontrará con un hombre que está tendido en la arena, el hombre le entrega un paquete y Magloire se va, sin preguntar nada. Al poco tiempo será capturado por una banda de criminales y les entrega el fajo de dinero que el hombre de la playa le había proporcionado.  Magloire será llevado a un barco en dirección a ninguna parte.

          Un filme rodado en blanco y negro como toda su filmografía y donde la fotografía de Simon Roca, será lo único que se salva de todo el filme, porque el resto…

        

      Que Ossang  es un amante del cine negro, lo deja claramente expuesto  en el prólogo. Que sus fuentes de inspiración manan del surrealismo e incluso del impresionismo alemán en el cine mudo, también. Que juega a experimentar con los diferentes formatos de pantalla, totalmente aceptable… Pero al menos que el producto que presente tenga sentido, que se haga con cierta lógica y no en pensar: “vamos a ver que sale”, porque el resultado es una narración sin ningún tipo de continuidad y con planos largos y repetitivos que aburren hasta al más paciente.

          Es la primera vez que veo en un pase de prensa quedarse cuatro personas. Exactamente cuatro fuimos los que aguantamos estoicamente hasta el final de la proyección de este experimento fallido, insufrible, aburrido e incomprensible, donde la rabia y la impotencia lograrán apoderarse de uno a la salida,  pensando en la pérdida de tiempo y lamentando que muchos cineastas no tengan el apoyo en proyectos mucho más interesantes.

          Pero sigamos, que aquí no termina todo. Estoy casi convencido que el guion se lo fue inventando por el camino, de otra manera no se entienden los diálogos absurdos, que sueltan algunos de los personajes. Personajes como estatuas de sal, pues lo mismo les da que les peguen un tiro, que estén enfermos o que se tomen una copa; la única diferencia es que a los que matan, no sepan morirse, se caen como fruta madura sin ninguna expresividad y sin manchas de sangre en sus prendas de vestir. Si están enfermos, lo sabremos porque les está examinando un médico, al menos es lo que ellos dicen, pues ni siquiera se ha molestado en aprender a coger un simple estetoscopio o como tomar la tensión, y cuando están bebiendo, sabemos que están borrachos porque lo dice su compañero, no porque el borracho lo demuestre. En definitiva y con toda sinceridad, ni en la peor película nos encontraríamos con tal esperpento de interpretaciones. Gritan cuando no tienen que hacerlo y se quedan mudos cuando deberían lamentarse.  Estoy casi seguro que la mayoría de los actores, renegarán toda su vida de este filme.

          No voy a comentar más sobre el desastre que he tenido la mala fortuna de ver. Simplemente diré que aguanté hasta el final por respeto al cine, algo que parece que François-Jacques Ossang, no tiene por sus espectadores. Lógicamente no le doy ningún tipo de puntuación.

ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

REPARTO: Gaspard Ulliel, Paul Hamy, Damien Bonnard, Pascal Greggory, Diogo Dória, Lisa Hartman, Alexis Manenti, Lionel Tua, Elvire, Susana Alfonso Lopes

PRODUCTORA: Coproducción Francia-Portugal/ 10:15! Productions/ O Som e a Fúria/ OSS – 100 Films et Documents.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Capricci Cine Distribución.

CADA DÍA "EVERY DAY": CRÍTICA DE CINE

          Cada día “Every Day” está dirigida por Michael Sucsy (Todos los días de mi vida) con guion de Jesse Andrews y basándose en la novela de David Levithan.

          “A” es un espíritu que cada día se despierta en un cuerpo diferente. Un día el cuerpo en el que le toca vivir es el de Justin (Justice Smith), el novio de Rhiannon (Angourie Rice) y durante toda la jornada la colmará de detalles que normalmente su novio no tiene con ella. Al día siguiente Rhiannon habla con Justin y este no recuerda nada de lo sucedido durante esas horas.

          Ese mismo día se le acerca una chica ("A") y le explica quién es y que siente cierta atracción por ella. Rhiannon no la cree pero en los días sucesivos, “A” irá tomando el cuerpo de otros chicos y chicas, entre ellos los de Alexander (Owen Teague), Nathan (Lucas Jade Zumann), James (Jacob Batalon) o el de Xavier (Colin Ford), con los que Rhiannon no sólo se sentirá a gusto, sino que se irá enamorando de “A”… ¿Qué sucederá?

          "Cada día", entra en ese mundo de las películas clasificadas como amables. Un estilo narrativo cada vez más en boga en las pantallas de nuestros cines, tocando mil y un temas, abordando todas las edades del ser humano, como la adolescencia, en este caso. Tal vez, esta necesidad de algunos cineastas de mostrar este tipo de películas, esté motivado por la realidad de nuestra sociedad. Un mundo cada vez más caótico y donde los sentimientos y emociones parecen haber sido relevados por los egos personales y el materialismo, entre otros factores; así como un elemento muy presente durante toda la película que son las redes sociales y el uso del  móvil.  Un filme de amor entre dosis de engaños, pasteleo y reflexivo.

          La necesidad de amar y ser amado. El aceptarte cómo eres y no como te gustaría ser. La diversidad en todos los campos. El vivir el instante que nos toca por destino y no el envidiado en los demás. La necesidad de ser escuchados y comprendidos. El valorar la vida como si constara de 24 horas y el darnos cuenta que cada día es diferente, con todo lo bueno y lo malo que se nos ofrece desde que amanece hasta que cae la noche. Una historia de amor tan sencilla de entender, como "compleja" de asimilar, presentada a modo de fábula, a mi juicio, cubierta de merengue, tal vez porque mi primer amor queda excesivamente lejos, aunque no olvidado. Debo decir también, que este tipo de filmes, me agradan en su visionado, posiblemente por lo expuesto más arriba, aunque creo que el director podría haber sacado más partido al tema.

          El filme cuenta con una cuidada fotografía de Rogier Stoffers, entre encuadres delicados según las situaciones que viven sus personajes y la música de Elliott Wheeler, acaramelada como la propia narración.

          Mi nota es: 7

            ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: Angourie Rice, Justice Smith, Maria Bello, Debby Ryan, Colin Ford, Lucas Jade Zumann, Owen Teague, Jacob Batalon, Ian Alexander, Katie Douglas, Amanda Arcuri, Jake Sim, Charles Vandervaart, Michael Cram, Rohan Mead, Taveeta Szymanowicz, Karena Evans, Nicole Law, Jake Robards, Tara Nicodemo, Sean Jones, Danielle Bourgon, Robinne Fanfair, Michael Sercerchi.

          PRODUCTORA: FilmWave/ Likely Story/ Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/ Silver Reel.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

GALA DE LOS PREMIOS CINEMANET

         La Gala de los premios CinemaNet, se celebró el pasado lunes 9 de abril en el Auditorium COFARES (Colegio Farmacéutico) en la Calle Santa Engracia  de Madrid, desde las 7:30 de la tarde y donde tuve el privilegio de ser invitado.

          A la gala asistieron numerosas personalidades e invitados hasta llenar el salón de dicho auditórium. Al finalizar el evento,  pudimos disfrutar de una animada tertulia acompañada de  un cóctel ofrecido por la dirección.

          CinemaNet se ha convertido en un referente muy claro en el mundo del cine, pues no se limita a una observación superficial, sino que analizan los valores de fondo y no solo lo que aflora de forma superficial, en definitiva, los aspectos básicos del ser humano. El propósito de este certamen es llegar a la industria del cine para que incorpore dichos valores a sus trabajos.

          CinemaNet cuenta también con una notable presencia social. Por poner un ejemplo, en la actualidad se está llevando a cabo un ciclo en Barcelona (El más importante y difícil hasta la fecha) donde se promueven los valores de concordia, de paz, de entretenimiento, con la participación de altos cargos políticos e intelectuales.

          Tras la entrega de premios, que dejo para el final, realicé unas breves preguntas a Mª Ángeles Almacellas (Crítica de Cine)

¿Qué es CinemaNet?

CinemaNet es una asociación sin ánimo de lucro dedicada a la acción social y educativa a través del cine. Perseguimos la mejora de las personas por medio de la promoción de los valores humanos, familiares, cívicos, sociales y educativos en el cine, todo ello desde la óptica del humanismo cristiano. Para resumirlo nos remitimos a nuestro lema: «Pensando el cine, cambiando el mundo».

¿Cómo surge la idea de crear dichos premios?

Unos grandes ideales se quedan en nada sin medios concretos. Por ello, desde CinemaNet promovemos los Premios Familia (que se entregan en Barcelona), Personaje y ¡Qué bello es vivir! (en Madrid), para fomentar la producción y la difusión de cintas que enriquezcan.

¿Qué debe ofrecer un filme para ser nominado y quiénes seleccionan a los ganadores?

El Premio Personaje se concede a un personaje de películas estrenadas en España en el último año,  que encarne valores humanos, familiares, sociales y educativos destacables, que muestre aquellos rasgos personales que hacen que la vida en nuestra sociedad, sea más humana. No se trata de premiar, en este caso, a un actor, sino al personaje en sí, creado por un guionista y dirigido por un director que han logrado convertirlo en merecedor del Premio PERSONAJE cinematográfico del año. El Premio tiene dos categorías, personaje de ficción y personaje inspirado en una persona real.

Con los premios “¡Qué bello es vivir!”, CinemaNet pretende promover el cine que muestra con visión positiva la grandeza y la belleza de la vida, sus valores, los motivos de ilusión o de lucha por mejorarla, o que ponga en evidencia lo negativo de acontecimientos, hechos, narraciones, que atenten contra ella, en especial contra la vida humana o la dignidad de la persona (guerra, hambre, aborto, miseria, terrorismo, eutanasia, drogas, alcoholismo, violencia, intolerancia, fanatismo…).

El Premio a la Trayectoria Humanística en el ámbito del cine, como su propio nombre indica, quiere reconocer la labor constante a través del tiempo para poner de relieve, encarnar y fomentar los valores que propugnamos. Por ejemplo, en esta última convocatoria, el galardonado ha sido el filósofo D. Alfonso López Quintás por su valiosa aportación a la crítica cinematográfica, con su método de análisis de películas, un método basado en la teoría del juego y de los ámbitos.

Un Jurado de expertos decide sobre los premiados. El de este año ha estado compuesto por: Daniel Arasa, Ninfa Watt, Jerónimo José Martín, Juan Orellana, Rafael Gordon, Elena Martínez, Ramón Ramos, Mª Dolores Valdés, Eduardo Navarro, Emiliana Piedra y Mª Ángeles Almacellas.

¿Cuántas ediciones se han celebrado hasta la fecha y tiene asignado algún día especial dicha celebración?

El premio Personaje está ya en su 9ª edición

El premio ¡Qué bello es vivir! en la 6ª edición

El premio Trayectoria Humanística, en la 4ª edición. Hasta ahora han sido galardonados:

En 2018 – El filósofo Alfonso López Quintás

En 2017 – El al periodista y cineasta Primitivo Rodríguez-Gordillo

En 2016 – La actriz y escritora Isabel Ordaz

En 2015 – El director y guionista Rafael Gordon

La fecha de celebración de la Gala, se decide cada año.

          Gracias por la atención y esperemos vernos el próximo año. Un cordial saludo para todo el equipo de Cinemanet. Os dejo con los ganadores de este año.

LOS GANADORES FUERON

Premio Cinematográfico “Personaje”

-       Red de Libertad de Pablo Moreno

-        La Librería de Isabel Coixet

Premio Cinematográficos “¡Qué bello es vivir!”

-        Lo que la verdad Importa de Paco Arango

-        Converso de David Arratibel

-        Wonder de Stepehn Chbosky

Premio “Trayectoria Humanística”

          Alfonso López Quintás (“Por su valiosa aportación a la crítica cinematográfica con su método de análisis de películas (basado en la teoría del juego y de los ámbitos”)

BAILANDO LA VIDA: CRÍTICA DE CINE

         El británico Richard Loncraine dirige Bailando la Vida, una amable comedia dramática con guion de Meg Leonard y Nick Moorcroft.

          Sandra (Imelda Staunton) está celebrando en su lujosa casa, junto a su familia y amigos, su jubilación. En un momento determinado escucha unos extraños ruidos y sorprende a su marido, Mike (John Sessions) enrollándose con su mejor amiga. Descubre en ese instante que llevan varios años viéndose y Sandra decide abandonar a su marido y el hogar e irse a vivir con su hermana mayor, la bohemia Bif (Celia Imrie)

          Bif y Sandra no tienen nada en común, salvo que se quieren, aunque lleven 10 años sin verse. Bif pasa el tiempo libre en clases de baile y aunque a Sandra le encanta bailar, tiene un alto sentido del ridículo, pero…

          De Bailando la vida se puede decir que es  sincera y dulce y en contra, que es totalmente predecible y tira de algunos tópicos. Dicho esto de entrada, comentaré que estamos ante una comedia dramática deliciosamente dirigida y magistralmente interpretada. No hay más que leer el elenco actoral con el que cuenta el filme.

         

     Si durante décadas hemos visto en el cine, los beneficios terapéuticos y sociales del baile entre los jóvenes  y la necesidad de practicarlo, mientras se comparten problemas e inquietudes, ¿por qué los más veteranos no iban a tener su réplica?

          Bailando la vida toca temas como la infidelidad, las diferencias sociales, la necesidad de amar y de compartir la vida, la vejez, la enfermedad, la búsqueda de la felicidad, los miedos, el recuperar la identidad y como dice en un momento una de las protagonistas: dar un salto de fe. Estamos ante una obra que destila humanidad  y verdad, de esos filmes que se agradecen para recordar lo que podemos estar perdiendo, mientras vivimos en una sociedad tan superficial como la actual.

          Los momentos musicales y coreográficos son simplemente deliciosos, despertando las ganas de vivir, de soñar, de sentir que se forma parte de la sociedad, de ofrecer lo mejor que se puede dar sin importar la edad y “robando” al espectador sonrisas cómplices; para ello, Michael J. McEvory se encargará de inundar el filme de buena música y buen rollo, mientras John Pardue, nos regala una delicada y más que acertada, fotografía.

          Como reseñaba prácticamente al comienzo, Richard Loncraine, dirige con aplomo y elegancia este filme y a sus  actores,  desde las soberbias interpretaciones por parte de las dos actrices principales Imelda Staunton y Celia Imrie, encarnando a las dos hermanas, pasando por el siempre impecable Timothy Spall y hasta el último de los secundarios, para convencer al espectador.

“Una cosa es tener miedo a morirse y otra muy diferente tener miedo a vivir”

          Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: Imelda Staunton, Timothy Spall, Celia Imrie, David Hayman, John Sessions, Joanna Lumley, Indra Ove, Richard Hope, Sian Thomas, Josie Lawrence, Victoria Wicks, Frankie Oatway, Marianne Oldham, Paul Chan, Karol Steele

          PRODUCTORA: Ecipse Films/ Catalyst Global Media/ Powder Keg Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Distribuidora Wanda Visión.

UN LUGAR TRANQUILO: CRÍTICA DE CINE

          Un lugar tranquilo, la inquietante historia escrita por Bryan Woods y Scott Beck, que adaptan junto al director John Krasinski.

          Esta vez voy a ser muy breve en la sinopsis, pues nada quiero desvelar para que el espectador disfrute desde el primer segundo.

          La familia Abbott compuesta por Lee Abbott (John Krasinski), Evelyn Abbott (Emily Blunt), Regan Abbott (Millicent Simmonds), Marcus Abbott (Noah Jupe) y Beau Abbott (Cade Woodward), buscan un lugar tranquilo donde vivir, aterrorizados y sabiendo que el mínimo ruido, puede poner en peligro sus vidas.

          Un lugar tranquilo, arranca con un prólogo tan espectacular, que cualquier pensamiento que nuestra mente albergue en esos momentos, por pequeño que sea, desaparece al instante.

     

     El cine se homenajea a sí mismo una vez más, en esta ocasión volviendo a los orígenes, al cine mudo, y aquí con razones de peso. Una obra muda utilizando el lenguaje de signos y  cuidadosamente subtitulada, donde la palabra solo existe durante breves minutos, por lo tanto, queda claro que además de las interpretaciones de las que hablaré más adelante, el gran peso lo soporta la fotografía. Krasinski ha confiado dicho trabajo en Charlotte Bruus Christensen para hechizar al espectador y someterlo a una hora y media de auténtico infarto. Durante la proyección, solo hay que estar atento a dos cosas: No perder de vista la gran pantalla y no olvidarse de respirar, muy importante este último consejo y os aseguro que no es gratuito. Charlotte ejecuta un trabajo exquisito fotografiando con una percepción y precisión que sobrecoge. Revela todo aquello que debe ser mostrado, presentándolo con una fuerza arrolladora,  para atenazar al espectador en su butaca.

          Una obra para el lucimiento de sus cuatro actores principales, como ya comentaba, pues el lenguaje gestual, de signos  y corporal sustituye a la palabra, al convertirse el silencio, en el máximo aliado para sobrevivir a las situaciones que tendrán que lidiar. Emily Blunt, está simplemente brutal, espectacular, sobrecogedora, impresionante. Lo da todo y nos deja sin aliento. Si bien Emily con su personaje es el ejemplo de madre coraje, John Krasinski lo será como cabeza de familia cuya labor es proteger a los suyos cueste lo que cueste buscando, infatigablemente, la manera de que todos sobrevivan al holocausto que están sufriendo, en una interpretación correctísima. En cuanto a los dos jóvenes, destacaré primero a  Millicent Simmonds, que a primeros de año ya nos sorprendió en la magnífica obra “Wonderstruck: El museo de las maravillas” y aquí lo vuelve a lograr. De entrada el espectador debe saber que es sorda desde que tenía un año, por una sobredosis de medicación infantil, detalle a tener en cuenta, por la naturalidad en sus interpretaciones; y terminaremos con  su hermano en la ficción, Noah Jupe, el cual con sus miradas de pánico, deseos contenidos de hablar y el lenguaje que ofrece con su cuerpo, nos tienta a auxiliarlo en todo momento.

          Estamos ante una historia de terror con mayúsculas, sin la menor duda, donde Krasinski nos ofrece muchas lecturas, algunas de las cuales seguramente pasarán inadvertidas en un primer visionado, ante tanta tensión. Lo que sí destacaré es la importancia que presta a la familia. El poder de la unidad familiar, la necesidad de la complicidad entre sus miembros y el amor que se profesan. Con estos elementos, todo o casi todo, se puede conseguir.

          Nada quiero desvelar de la película, porque nada es gratuito. Es una obra para ser degustada de principio a fin y sin hacer spoiler os diré que a mí juicio una de las escenas más sobrecogedoras, es la de la bañera, aunque descubriréis otras donde las "alertas" se disparan. Si bien el silencio en los personajes es una necesidad, también es cierto que se convierte en una obligación contar con una buena banda sonora y sin la menor duda, Marco Beltrami, lo consigue.

          Dejo para el final al gran hacedor de esta obra maestra, John Krasinski. Como se puede leer en los títulos de crédito, no solo se enfrenta a la espléndida dirección, sino que también es guionista junto a los creadores de la historia, además del actor principal, como ya he comentado.  
       Es su tercer largometraje tras “Brief Interviews With Hideous Men” no estrenada en nuestro país y "The Hollar". Con este nuevo filme demuestra que conoce muy bien a los grandes maestros del suspense y del cine de terror porque, Un lugar tranquilo, encierra todo lo mejor del género y del buen hacer de maestros sobradamente conocidos.

          “Angustiosa, asfixiante, brillante, demoledora… El cine de terror necesitaba esta película, para cautivar a los amantes de este género”

          Mi nota es: 9

             ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Wooward, Evangelina Cavoli, Ezekiel Cavoli, Doris McCarthy.

          PRODUCTORA: Platinum Dunes/ Sunday Night.

         

           DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain