EL VENDEDOR DE SUEÑOS: CRÍTICA DE CINE

Basándose en el libro de Augusto Cury y con guion adaptado por L.G. Bay Bayão y L.G. Tubaldini Jr, El vendedor de sueños, está dirigida por  Jayme Monjardim.

Julio César (Dan Stulbach) es un famoso psicólogo, está casado y tiene un hijo. Un día llega a la oficina muy decidido, entra en su despacho y tras abrir la ventana, sale fuera, con la intención de suicidarse. En la calle comienza a movilizarse la gente y entre ellos, aparece un hombre de aspecto desaliñado que más tarde conoceremos como Mellón o el vendedor de sueños (Cesar Troncoso). Mellón  se coloca al lado de Julio César y comienza a hablar con él, preguntándole el motivo por el que se va a suicidar, Julio César en un principio parece reacio a conversar con él, pero poco a poco se tranquiliza y tras bajar de la ventana, se va con el vendedor de sueños, curioso por saber quién es aquel hombre de aspecto indigente y seguridad en la palabra.

Un nuevo filme de concienciación y autoayuda llega a la gran pantalla, en esta ocasión iniciando la narración con un tema, que aunque en nuestro país no le damos la suficiente importancia, al  no considerarlo alarmante, cada vez están siendo más frecuentes: Los suicidios. Los suicidios por diversas circunstancias y lo peor de todo, en gente joven. Afortunadamente no en nuestro país, pero sí desgraciadamente en países como Japón, donde el pasado año alcanzó la tasa más alta  entre los jóvenes o en Brasil, lugar en el que se desarrolla la película y novela de, Augusto Cury, que en 2016 se daba un caso cada 46 minutos.

El brasileño, Jayme Monjardim, es productor y director de televisión. Comenzó en la telenovela codirigiendo algunos capítulos de “Braço de Ferro” 1983, “Partido Alto” 1984 o  “Roque Santeiro” 1985/86. Como director artístico en: “Kananga do Japão” 1989/1990, “Mãe de Santo” 1990 o “Rosa dos Rumos” 1990. La primera telenovela como director único fue en 1987 con “Direito de amar” a la que le siguieron “Pantanal” 1990, “Chiquinha Gonzaga” 1999, “El clon” 2001/02, “América” 2005 junto a otros compañeros en la dirección,  “Páginas de la vida” 2006/07, “Vivir la vida” 2009 o “Flor del Caribe” 2013. Su primer largometraje fue, “Olga” 2004, “O Tempo e o Vento” 2013 y ahora llega a nuestras pantallas “El vendedor de sueños” que fue rodada en 2016.

El autor de la novela, Augusto Cury, es un afamado médico psiquiatra, psicoterapeuta y escritor. Tras años de investigación se ha especializado en Psicología Preventiva y novelas de autoayuda, como es el caso de esta película, donde además del tema centra con el que comienza la película: el suicidio, aborda las relaciones entre los padres e hijos y la forma de fortalecerlas, la pérdida de los valores de la sociedad en favor del capitalismo desmedido que nos está ahogando o el aprender a conocernos a nosotros mismos y no alimentar al personaje que se ha ido creando en el día a día, revelándose, con ello,  el origen de la verdadera felicidad.

Un viaje por la ciudad que  Julio César emprende siguiendo al vendedor de sueños, deseoso de saber más, ante su oratoria y el mundo en el que vive, provocando, durante el transcurso, el encontrarse así mismo, esclareciéndose la verdad en su mente y descubriendo que Mellón también esconde un pasado, un pasado que le persigue, como si fuera un fantasma.


El filme se presenta de forma sencilla y austera, desde la fotografía, la música, las interpretaciones y la propia dirección, pues Jayme Monjardim, tiene un único objetivo, que escuchemos, aprendamos y actuemos, en consecuencia.

“Un ser humano no muere cuando el corazón deja de latir, muere cuando de alguna manera, deja de sentirse importante”... “El secreto del éxito es conquistar aquello que el dinero no es capaz de comprar”

Mi nota es: 5,5

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Septiembre

FOTOGRAFIA: Nonato Estrela

REPARTO: César Troncoso, Dan Stulbach, Dani Antunes, Thiago Mendoça, Giselle Prattes, Guilherme Prates, Alex Teix, Kaik Pereira, Leonardo Medeiros, Nelson Baskerville, Marcelo Flores, Stella Freitas, Danielle Silva Antunes, Malu Valle, Cláudia Neto, Geytsa García

PRODUCTORA: Filmland International

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Bosco Films.

EN MIL PEDAZOS: CRÍTICA DE CINE

Basándose en las memorias de James Frey, En mil pedazos, está dirigida por Sam Taylor-Wood adaptando el guion junto a su marido Aaron Taylor-Johnson.  

En un intenso prólogo veremos a James Frey (Aaron Taylor-Johnson) viviendo al límite entre drogas y alcohol, hasta que se cae por una ventana. Se despierta en el interior de un avión en pleno vuelo, sin saber cómo ha llegado allí. La cara la tiene desfigura de golpes, le faltan algunos dientes y tiene la nariz torcida. Una azafata le comenta que le ha subido al avión un médico. Su  hermano Bob Frey Jr. (Charlie Hunnam)  lo lleva a un centro de desintoxicación. Los primeros días son un auténtico infierno, debido al mono que sufre, lo maltratado que tiene su organismo y los brotes de violencia que experimenta.

En el centro conocerá a Leonard (Billy Bob Thornton) responsable de que se quede y luche contra la adicción, mientras le relata su historia. Lilly (Odessa Young), quien desde muy joven compraba la droga para su madre y termina siendo adicta, está ingresada gracias a su abuela, a la que adora; una joven que James apoyará y se enamorará de ella. Miles David (Charles Parnell) juez y clarinetista de Nueva Orleans o Joanne, la psicóloga (Juliette Lewis).

En mil pedazos, es una obra dura, intensa y sobrecogedora, en torno a un tema que desgraciadamente se ha convertido en uno de los mayores males que sufre nuestra sociedad: las adicciones en general y las drogas y el alcohol, en particular. El cine ha tocado en incontables ocasiones el problema y según mi criterio, no lo suficiente, pues el ver las experiencias de otras personas y no olvidarse de que la enfermedad sigue latente, pueden ser el mejor ejemplo para intentar no caer en ellas.

Sam Taylor-Wood es una reconocida artista visual, fotógrafa y directora de cine británica, que todo el mundo recuerda por haber llevado al cine, la novela  de E.L. James “50 sombras de Grey” 2015. Estudió en la Universidad de Londres en Goldsmiths, graduándose en fotografía y video. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la fotografía y como artista audiovisual. Ha expuesto en grandes museos, siendo una de las exposiciones más famosas “Crying Men”, donde mostraba a 27 actores famosos destripando sus sentimientos delante de la cámara. No sería hasta el año 2008 que rodaría su cortometraje “Love You More” para saltar al año siguiente con su primer largo “Nowhere Boy”, continuando con “50 sombras de Grey” 2015, la miniserie “Gypsy” 2017 y llegamos a este año con el drama “En mil pedazos” 

James Frey era un buen estudiante, se graduó en la escuela secundaria, cursó  estudiós en la Universidad de Denison y de ahí pasaría al Instituto de Arte de Chicago, datos que omite en su novela homónima, en la cual relata las experiencias vividas en el centro de desintoxicación en Minneapolis,  cuando fue ingresado a los 23 años, por su vida descontrolada entre las drogas y el alcohol. Una novela que cosechó un gran éxito, pero también un importante escándalo cuando se descubrió que algunos pasajes habían sido inventados o sobredimensionados. Afortunadamente esos capítulos, no se adaptaron al guion cinematográfico. Estamos ante un filme angustioso, donde su directora Sam Taylor-Wood, logra crear la atmósfera necesaria para mantener al espectador, expectante, a través de una dirección honesta y equilibrada entre los trances violentos y los apacibles, en los que la razón no tiene validez y en los que escuchar  y aprender, resulta primordial.  

Aaron Taylor-Johnson, se convierte en la columna vertebral al interpretar a James Frey. Desde las primeras imágenes,  en sus desfases de fiesta en fiesta, entre drogas y alcohol, hasta llegar a la última escena del filme, lo da todo. Los estados emocionales por los que su personaje deberá pasar, lo expresa con gran pulcritud y naturalidad  a través de sus expresiones corporales. Cada movimiento de su cuerpo, cada gesto en su rostro, hablan más que las palabras violentas que escupe por su boca, entre el dolor, la caída a los infiernos y la llegada de esas “luces salvadoras”, que serán Leonard y  Lilly.

Si James Frey, estuvo bien arropado en el momento más crítico de su vida, Sam Taylor-Wood, no hará menos con su  protagonista Aaron Taylor- Johnson, ofreciéndole un buen ramillete de actores como: Billy Bob Thornton, Odessa Young, Juliette Lewis, Charles Parnell o Charlie Hunnam, entre otros, que refuerzan la narración.

En los aspectos técnicos destacar la magnífica fotografía de Jeff Cronenweth, el montaje a cargo de Martin Pensa y la banda sonora en la partitura de Atticus Ross.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Septiembre

REPARTO: Aaron Taylor-Johnson, Charlie Hunnam, Billy Bob Thornton, Ryan Hurst, Odessa Young, Juliette Lewis, Giovanni Ribisi, David Dastmalchian, Dash Mihok, Andy Buckley, Eugene Byrd, Tom Amandes, , Carson Meyer, Andy Mackenzie, Charles Parnell, Dominic Pace, Elester Latham, Frederick Lawrence, Darrell Keith Harris, Deep Rai, Keith Barber.

PRODUCTORA: The Pictures Company/ Warner Bros.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

PRESENTACION DEL PODCAST DE LA SERIE "EN EL CORREDOR DE LA MUERTE"

Ayer jueves 12 de Septiembre Movistar+ en la Fundación Telefónica en Madrid, convocó a la prensa para presentar el podcast de la nueva serie “En el corredor de la muerte”, con el avance de los 5 episodios y charla coloquio en la que intervinieron como invitados: Nacho Carretero (Periodista, escritor y narrador del Podcast), Arturo Lezcano y Jimena Marcos (Guionistas), Roberto Maján (Realización y diseño de sonido) y Miriam Lagoa (responsable de transmedia de Movistar+).

Los invitados contestaron a las preguntas que Miriam les formuló sobre la experiencia vivida con esta serie y el podcast de la misma, basándose en la historia real de Pablo Ibar. Pablo, para quien aun no haya oído hablar de él, es un español-estadounidense, que ha sido declarado culpable de un triple asesinato que tuvo lugar en Florida en 1994, cuando él tenía 22 años. En el cuarto juicio, el jurado le declaró, por unanimidad, culpable de los seis cargos que se presentaban contra él, siendo condenado a cadena perpetua.

El periodista Nacho Carretero, conocido por ser el autor de la serie “Fariña”, nos explicó que en 2012 el periódico gratuito "QUÉ!" le ofreció la posibilidad de investigar este caso, hasta entonces desconocido para la gran mayoría de los españoles. No lo dudó ni un instante. Tuvo que buscarse la vida para poder sobrevivir en Estados Unidos, incluso vendiendo algunos artículos sobre el caso, a algunos medios. Lo que tenía muy claro, es que en ese tiempo la noticia no interesaba a los medios de comunicación españoles, posiblemente por los vientos que soplaban, pero que estaba seguro que en algún momento, la noticia iba a tener trascendencia. Por su lado Roberto Maján nos explicó las dificultades que tuvieron para limpiar todas las grabaciones que poseía Nacho y que consideraban de gran interés para el podcast y reforzar la serie. Grabaciones realizadas por Nacho a través del cristal que le separaba de Pablo.  Algunos de estos audios los pudimos disfrutar durante la charla coloquio. Para Arturo Lezcano y Jimena Marcos, guionistas, este trabajo ha sido todo un reto y  una gran experiencia. Ambos tenían claro que allí había una gran historia. Una historia humana, que no solo afectaba a Pablo, sino a toda una familia y a Tania, la pareja de Pablo. Tras contestar a las preguntas por parte de Miriam, se estimó un tiempo para responder a  los presentes.

El podcast de “En el corredor de la muerte” narra la investigación del periodista Nacho Carretero sobre el caso de Pablo Ibar, el español condenado en el corredor de la muerte en Florida.  Una serie de cuatro episodios que acompañan a la serie de ficción de Movistar+, la cual nos relata la historia de Pablo desde su detención hasta enero de este año 2019, así como el encuentro y la relación entre Pablo y Nacho, a partir del 2012. Tras finalizar la serie, se podrá ver un capítulo especial donde se  informa sobre las últimas noticias e irregularidades del último juicio de Pablo Ibar.

Una exhaustiva investigación periodística de Nacho Carretero, que plasmó en su libro tras años de investigación, sobre un caso que ha conmovido a la sociedad y donde hay muchas dudas sobre la inocencia o culpabilidad de Pablo. La producción ejecutiva ha corrido a cargo de María Jesús Espinosa de los Monteros, con producción de Jesús Blanquiño. La serie además ha contado con la colaboración de Bambú Producciones y producida por Podium Studios.

Este podcast se estrenará a la vez que la serie, la cual está protagonizada por Miguel Ángel Silvetre en el papel de Pablo Ibar.  El estreno es hoy 13 de Septiembre.

Como siempre, es un placer asistir a uno de vuestros actos, os deseo muchos éxitos con la  serie.

SORDO: CRÍTICA DE CINE

SORDO está dirigida por Alfonso Cortés-Cavanillas, compartiendo guion con Juan Carlos Díaz.

Estamos en el año 1944. La guerra civil española ha finalizado, pero en los montes quedan algunos de los llamados maquis, escondidos y combatiendo contra el régimen franquista. Entre esos hombres conoceremos a Anselmo Rojas (Asier Etxeandia)  y Vicente Roig (Hugo Silva) que está preso y casado con Rosa Ribagorda (Marian Álvarez). En el bando nacional nos encontramos con el Capitán Bosch (Aitor Luna) y el Sargento Manuel Castillo (Imanol Arias)

El prólogo nos muestra como unos hombres están preparando una bomba en una de las columnas de un puente, pero algo falla y la bomba estalla antes de tiempo, matando a varios de ellos e hiriendo a otros tantos. Entre los heridos está Anselmo, a quien el alcance de la explosión le deja totalmente sordo. Una sordera con la que tendrá que convivir, luchar y sobrevivir en esos tiempos difíciles.

“Sordo” está basado en un famoso cómic con el mismo título que la película, fue escrito por Rayco Pulido y David Muñoz y para el filme, ha contado con guion de Juan Carlos Díaz. Un thriller cuyo tema principal es la postguerra española narrado y ambientado al más puro estilo de los Spanish Wéstern.

El director, Alfonso Cortés – Cabanillas, siempre soñó con hacer cine y ficción, pero mientras el destino se ponía de su parte, trabajó durante 17 años para televisión en  Canal+ como realizador de programas deportivos, pasado ese periodo decidió fundar su propia productora “La Caña Brothers”, con quien dirige su primer largometraje “Los días no vividos” 2012, tres años más tarde el documental “Desconstruyendo a Dani García”,  en 2017 dirige la serie documental para televisión “Otros Mundos” a la que seguirá el primer capítulo de la serie “Jon&Joe” 2018 y  “Sordo”, para llegar a este 2019 donde tiene por estrenar el documental sobre ETA, “Zubiak”  

Como ya he comentado, “Sordo” está basada en un famoso cómic que unos años atrás había adquirido Cabanillas, pero consideraba que no era el momento idóneo para llevarlo a la gran pantalla, por lo que prefirió curtirse con un primer largometraje, un documental y las series para televisión. Ahora, y arropado por su productora, nos presenta en la gran pantalla un filme ambicioso, arriesgado y original en su planteamiento.

Sin la menor duda, lo mejor de la película es, por orden: El asombroso sonido a cargo de Daniel Rodrigo. Muchas veces me he quejado y con razón, del lamentable sonido que ofrecen algunas películas y tras ver “Sordo” puedo afirmar, que estamos al nivel de las grandes superproducciones, por lo que invito, desde aquí, a esos realizadores españoles, que bien saben quiénes son, que por favor, pongan interés en cuidar este campo creativo tan importante en una película. “Sordo” ofrece un sonido sobresaliente que se disfruta desde los diferentes aspectos: el que provocan las balas cuando son disparadas, el del caminar por las diferentes superficies que presenta la película (la nieve, la vegetación, los suelos coartados o polvorientos, etc), el movimiento de objetos, la roturas de cristales, el emitido por los metales... pero principalmente, el de la ausencia de sonido que un sordo debe afrontar entre la soledad, en el deseo de comunicarse o ante el temor de ser abatido, por no saber quién puede estar cerca o lejos, sin olvidar los ruidos internos, que destrozan los nervios.

La extraordinaria fotografía de Adolpho Cañadas, con un exquisito tratamiento del color, la iluminación en los diferentes ambientes y tiempos: atmosféricos y horarios, respectivamente. La diversidad de planos, desde los espectaculares generales a los sobrecogedores primeros planos; recreando la belleza de los espacios naturales rodados en Cantabria y algunas zonas de Madrid, o en la rutina del día a día de estos hombres y mujeres. Una fotografía nítida, incluso ante la ausencia de luz. Un trabajo respaldado por la esmerada dirección artística de: Mónica de la Fuente y Mateo Mariotti y la conmovedora banda sonora de Carlos Martín.

Lo tercero a destacar, las interpretaciones. Sordo cuenta con un inteligente y atractivo casting de la mano de Ana S. de la Morena. Solo hace falta leer al final de esta reseña, para comprobar nombres muy importantes en el cine  de nuestro país: Asier  Etxeandia, en puro estado de gracia. Sufrimos junto a él, siendo conscientes de las limitaciones de la pérdida de la audición en un medio salvaje y en unos tiempos revueltos, en los cuales los cinco sentidos eran aún más necesarios. Asier nos conmueve y desde la butaca, inútilmente, intentamos protegerlo. Imanol Arias, aporta la veteranía y las tablas de quien lleva a sus espaldas grandes trabajos y por supuesto, aquí no nos defrauda en su corto personaje, pero intenso. Marian Álvarez, nos rompe por dentro en silencio, el silencio de aquellas mujeres sufridoras y luchadoras, sacando una casa adelante con los hijos y esperando siempre noticias de sus maridos ausentes, aunque fueran las menos deseadas. Una vez más, cada interpretación está ejecutada con asombrosa credibilidad. Como ha dicho el propio Cavanillas “Es una historia de personajes y de incomunicaciones”

Y si bien, hay un gran trabajo de dirección y una calidad que nadie puede negar, Alfonso omite algo tan importante como es el ritmo. Por momentos la obra te abruma entre los tiroteos, las explosiones o la acción que ofrece, pero a la vez descuida una parte importante del montaje que mucho tiene que ver con el metraje. Lo que pudo haber sido un extraordinario filme, se queda en una buena película. Claramente la película tiene dos partes, la primera es brillante, magistral, sin nada que se le pueda reprochar; la segunda pierde algo de fuerza y sobre todo con la entrada de un personaje que resulta molesto en la obra, como es el de la rusa Darya, vaya por delante que la actriz lo defiende muy bien, pero el personaje, claramente está impostado en la historia. 

Para finalizar comentar que estamos ante una película de incomodidades, como mencionaba antes, pues los miedos atenazaban a las personas, coartando la libertad de expresión, comunicación y acción. De soledades, tanto en los hogares, como en la profundidad de los bosques. De la lealtad en la amistad, el amor  o del compañerismo en defensa de los ideales. De la violencia, en más campos de los que uno se imagina y la obra ofrece en sus diversas capas. De la resignación ante el poder de los vencedores y de la guerra civil como tal, aunque en esta ocasión, el guion es lo suficientemente inteligente, para siendo parte de la trama, sobresalir otras subtramas que seducen más al espectador; y por supuesto, sin olvidarnos de la atmósfera de Wéstern que el filme posee. Indudablemente, un gran acierto.

“Ves esta bala… guárdala y la próxima vez que te encuentres con uno de nosotros, piensa que la llevas en el bolsillo y no en la cabeza”

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Septiembre

REPARTO: Asier Etxeandia, Aitor Luna, Hugo Silva, Marián Álvarez, Imanol Arias, Antonio Dechent, Olilmpia Melinte, Cristóbal Suárez, Manuel de Blas, Ruth Díaz, Roberto Bonacini, Rocío Calvo, Jorge Basanta, Javier Ballesteros, Edu Mayo, Stephanie Gil, Íñigo Echevarría y Jaime Martín

PRODUCTORA: La Caña Brothers

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

LOS AÑOS MÁS BELLOS DE UNA VIDA: CRÍTICA DE CINE

Claude Lelouch dirige Los años más bellos de una vida, compartiendo guion con valérie Perrin.

Jean-Louis Duroc (Jean-Louis Trintignant) es un antiguo piloto de carreras, que  está perdiendo la memoria, pero de lo que nunca se olvida, es de la historia de amor que tuvo con Anne Gauthier (Anouk Aimée), 50 años atrás. Ahora vive en una residencia y su hijo Antoine Duroc (Antoine Sire) decide buscar a Anne, para que visite a su padre.

Anne acepta, pues para ella no hubo otro amor más importante, aunque Jean-Louis fuera un mujeriego y los celos les separasen. Anne acudirá a la residencia como una mujer que está pensando en ir a vivir allí, hasta que él la reconoce por la voz y la mirada, pues ha podido olvidar lo que pasó el día anterior, como le dice en un momento a Anne, pero jamás lo vivido junto a ella.

Han pasado 53 años desde que se estrenase el melodrama, “Un hombre y una mujer” un filme considerado de culto y donde su director, en 1988 ofreciera la secuela “un hombre y una mujer: 20 años después”. Ahora cierra el ciclo de esta pareja y con ello parece rendir un homenaje a su actor principal, Jean-Louis Trintignant, quien a sus 88 años, padece de cáncer de próstata y una delicada salud. Como comentó en una entrevista: “Creo que el cine se acabó para mí”

Claude Lelouch, desde muy pequeño, se quedaba fascinado ante las películas que proyectaban en el cine donde su madre le llevaba, por otro lado su padre, al ver que no ponía mucho interés en estudiar, le regaló una cámara y le dio dinero para que persiguiera sus sueños. Rodó algunos documentales y en 1960 creó su propia productora  “Les Films 13” dirigiendo su ópera prima “Le Propre de l´homme” con la que obtuvo un importante éxito internacional, a este título le siguieron “Los riesgos del amor” 1962, “Una chica y los fusiles” 1965 o su película más internacional y premiada como fue “Un hombre y una mujer” 1966, obteniendo los Oscar a mejor película de habla no inglesa y guion, los Globos de oro a mejor película y actriz, la Palma de Oro en Cannes a mejor película y premio OCIC y el BAFTA a mejor actriz extranjera. De la década de los setenta podemos destacar “El canalla” 1970, “La aventura es la aventura” 1972 o  “Si empezara otra vez” 1976. En los ochenta rodaría “Los unos y los otros” 1981, “Viva la vida” 1984 o “El imperio del león” ganando los Cesar a Mejor actor principal (Jean-Paul Belmondo) y mejor BSO. En los noventa nos ofreció filmes como: “Testigo de excepción” 1995 o el documental “Lumière y compañía” 1995,  para entrar en el nuevo siglo con el documental “11`09``01-11 de Septiembre” 2002, “Roman de Garé” 2007, “A cada uno su cine” 2007, “Un plus une” 2015 y “Los años más bellos de una vida” 2019.

Es un auténtico lujo disfrutar de las interpretaciones de estos dos grandes actores. Jean-Louis Trintignant y Anouk Aimée. La complicidad, la amistad, el respeto, la naturalidad y el amor que se profesan ante la gran pantalla, nos invita a que les acompañemos en ese ocaso de la vida, donde el amor permanece más presente que nunca. Dos actores que se valen por ellos mismos, para llenar toda la pantalla y enamorar a los espectadores en sus butacas.

Lelouch, no puede negar que es un gran romántico y un soñador. Un creador que ama a sus personajes y sus personajes, se lo agradecen. Los tres logran que nos relajemos en la butaca, mientras nos recuerdan su  pasado y nos hablan del presente. Todo resulta tan sutil, sencillo y de verdad, que parece que estemos mirando a través de una gran ventana abierta al mundo. Nos demuestran que la edad es un número, que no alcanza a mermar el  amor y el deseo, aunque ambos se vivan de forma diferente, cuando se tienen 30 años u 80. Un romance, en esta última parada de la vida, en el cual priman las miradas, las suaves caricias, los silencios tan necesarios e incluso, los besos furtivos. Un viaje entre el pasado y el presente, que Lelouch, embellece con la exquisita fotografía de Robert Alazraki y la romántica banda sonora en la partitura de Francis Lai y Calogero.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Septiembre

REPARTO: Jean-Louis Trintignant, Anouk Aimée, Souad Amidou, Antoine Sire, Marianne Denicourt, Monica Bellucci y Tess Lauvergne.

PRODUCTORA: Les Films 13

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

A CUATRO MANOS: CRÍTICA DE CINE

A cuatro manos cuenta con guion y dirección del alemán, Oliver Kienle. Un thriller perturbador, elegante y absorbente, que te mantiene pegado a la butaca.

El prólogo nos muestra a dos hermanas, Sophie y Jessica, la una con 8 años y la otra con 6, están tocando el piano a cuatro manos, cuando llaman al timbre de la casa. Al abrir la puerta, entran a la fuerza unos hombres con intención de robar, en el forcejeo, los padres de las niñas mueren, mientras ellas permanecen ocultas, sin ser vistas por los ladrones.

La historia nos sitúa 20 años más tarde. Jessica padece un grave trastorno de agresividad y paranoia, esperando el momento de la venganza. Ve el peligro en cada esquina, en cada local, en cada centímetro de la calle; ha prometido cuidar siempre de su hermana Sophie, quien se ha convertido en una gran concertista, la cual desea vivir una vida normal y olvidarse del pasado. Los asesinos de sus padres salen de la cárcel tras cumplir 20 años de condena, es entonces cuando Jessica...

Las enfermedades mentales, los recuerdos de una infancia marcada por la tragedia, el deseo de olvidar, la venganza y la violencia como defensa, el juego de las identidades, lo real y lo ficticio jugando con el subconsciente; serán algunos de los temas que Kienle nos narra en su nueva obra. Un director conocido por la exitosa serie alemana “Bad Banks”

Oliver se apoya en la magnífica puesta en escena y el virtuosismo innato para mostrar lo que desea que el público vea, en el instante en que él decide que sea visto. Nunca se anticipa. Sus movimientos resultan precisos, como los efectuados durante una partida de ajedrez sobre el gran tablero de la vida o la exactitud de las notas, sobre las teclas del piano. Manipula a sus personajes a su antojo y de esta forma poder despistar al espectador más avispado, para evitar que piense más de lo deseado hasta el final de la obra, e incluso en esta ocasión le hará dudar al escuchar las últimas palabras, de uno de los personajes.

Si la puesta en escena en este filme es muy importante, no lo es menos el montaje con cortes drásticos que elevan el dramatismo de la cinta, provocando una mayor inquietud en el espectador. La gran fotografía de Yoshi Heimrath, rica en matices tanto en los encuadres de sus planos detalle, generales, vistas aéreas; así como la selección  en el color e iluminación, y no podemos obviar a  la infatigable compañera de toda obra filmada, la música, bajo la batuta de Heiko Maile, reforzando la obra.

El peso del filme,  una vez más, recae en las interpretaciones y en esta ocasión, si bien cada uno de los actores resultan convincentes, no sería justo si no destacara a las dos protagonistas femeninas: Frida-Lovisa  Hamann y Friederike  Becht.

 Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de septiembre

 

REPARTO: Frida-Lovisa  Hamann, Friederike  Becht, Christof Letkowski, Detlef Bothe, Burak Yigit, Agnieszka Guzikowska, Heiko Pinkowski, Petra Bischoff, Ulrike Beerbaum, Petra Hartung, Verena Konietschke, Nina Mohr, Joana Wegele y Daniel Reimling

PRODUCTORA: Erfttal Films/ Niama Film/ Pantaleon Films/

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Cinemaran.

67 EDICIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN (III)

67 EDICIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN (III)

BTEAM PICTURES, informa que “MONOS” dirigida por Alejandro Landes, competirá en la sección de Horizontes Latinos del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Tras sorprender en el pasado Festival de Sundance, donde ganó el Premio Especial del Jurado, “Monos” se pudo ver en el Festival de Berlín. "Monos" es una reinterpretación moderna de “El señor de las moscas” con tintes a la famosa novela de Joseph Conrad “El corazón de las tinieblas”. Su director, Alejandro Landes, reflexiona con dureza sobre las FARC colombiana, en este viaje salvaje e hipnótico a través de la selva que por momentos nos rememora al clásico “Apocalypse Now”.

SINOPSIS: En la cima de una imponente montaña, donde lo que a primera vista parece un campamento de verano, ocho niños guerrilleros apodados “Los Monos» conviven bajo la atenta mirada de un sargento paramilitar. Su única misión es clara: cuidar a la doctora (Julianne Nicholson), una mujer americana a la que han tomado como rehén. Cuando esta misión empieza a peligrar, la confianza entre ellos empezará a ponerse en duda…

MONOS competirá en Horizontes Latinos del Festival de Cine de San Sebastián. BTEAM PICTURES será la encargada de la distribución de la película en España y tiene previsto su estreno a principios del 2020

CARAMEL FILMS, informa “LA OLA VERDE” (QUE SEA LEY) Participará en la Sección Horizontales Latinos de la 67 Edición del Festival de San Sebastián, fuera de competición.

Tras llenar de reivindicativos pañuelos verdes en favor de la aprobación de la ley del aborto en Argentina la pasada edición del Festival de Cannes, la película “La ola verde” (Que sea ley), de Juan Solanas, participará fuera de concurso en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. 

En 2018 el Senado argentino rechazó la ley del aborto por séptima vez en la historia del país en medio de una controversia que dividió a la población. Juan Solanas dirige esta militante película en la que da voz a las mujeres que pelean en Argentina por la despenalización del aborto y que se proyectó en la pasada edición del Festival de Cannes, donde la conocida como “marea verde” inundó la alfombra roja.

Cada día muere una mujer en Argentina por culpa de los inseguros abortos clandestinos. “La ola verde” (Que sea ley) cuenta la lucha de gran parte de la población argentina por acabar con esta falta legal. En 2018 se debatió un proyecto de ley de aborto legal que dividió al país. Tras una victoria en la Cámara de Diputados, pero antes del voto definitivo en el Senado, la película retrata la batalla final con los valientes testimonios de las víctimas y fuertes voces claves femeninas que lidiaron esta travesía memorable.

DEAPLANETA, informa, “BLACKBIRD” Inaugurará la Sección Oficial a Concurso del Festival de San Sebastián.

Nos complace anunciaros que “Blackbird” inaugurará la Sección Oficial a concurso del Festival de San Sebastián. La película está dirigida por Roger Michell (Notting Hill, Mi prima Rachel) y protagonizada por Susan Sarandon (ganadora del Oscar por Pena de muerte), Kate Winslet (ganadora del Oscar por El lector), Mia Wasikowska (Jane Eyre), Sam Neill (Parque Jurásico) y Rainn Wilson (The Office)

El filme es un remake de Silent Heart (2014), el drama del danés Bille August que también compitió en el Festival.

El estreno europeo de Blackbird”, film protagonizado por Kate Winslet, Susan Sarandon, Mia Wasikowska y Sam Neill, inaugurará la Sección Oficial a concurso de la 67 edición del Festival de San Sebastián. Dirigida por Roger Michell, esta coproducción entre EEUU y Reino Unido es un remake de Stille Hjerte / Silent Heart (Corazón silencioso, 2014), el drama con el que el cineasta danés Bille August compitió en el Festival y con el que Paprika Steen ganó la Concha de Plata a la mejor actriz.

La pugna por la Concha de Oro comenzará el 20 de septiembre con la proyección de Blackbird, cuyo guión es también obra de Christian Torpe, autor del libreto original de Corazón silencioso. Susan Sarandon (Premio Donostia, 1995) encarna a una mujer que reúne a toda su familia para comunicarles que no quiere seguir viviendo. Esto destapará las ocultas rencillas familiares, pero también el amor que sus dos hijas (Winslet y Wasikowska) sienten por su madre.

“Blackbird”, que en España será distribuida por DeAPlaneta y en el mercado internacional por Millennium Films, se proyectará en la gala de inauguración de la 67 edición del Festival de San Sebastián el próximo 20 de septiembre.

La película se presentará también en el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto, que se celebrará del 5 al 15 de septiembre y que marca el pistoletazo de salida de la carrera de premios. 

DeAPLANETA ESTRENARÁ “BLACKBIRD" EN 2020