MIAU: CRÍTICA DE CINE

Miau, cuenta con guion y dirección de Ignacio Estaregui, basándose en la novela de Juan Luis Saldaña. “Hilo musical para una piscifactoría”

Telmo (José Luis Gil) está buscando el origen de su chiste favorito, sobre el que está escribiendo un libro. En el camino, se encontrará con algunos amigos de juventud. Uno de ellos, recién salido de la cárcel, Moreal (Manuel Manquiña) organiza un robo en un museo, involucrando a sus amigos.

         Una obra prácticamente narrada a través de los pensamientos de Telmo, entre diálogos carentes de fuerza argumental y sin ningún tipo de ritmo. Se habla por hablar, pues ni siquiera conoceremos las vidas de sus protagonistas, salvo en pequeñas pinceladas. Discretamente  la de Telmo y apenas la de Moreal, de los demás mejor no hablar.

         Una historia que podría haber dado mucho juego como comedia y que se queda en agua de cerrajas. Un filme sin alma, lento y agónico, como el transcurrir del propio protagonista, al que le cuesta esbozar una simple sonrisa.  Una película demasiado ambigua, con una sucesión de escenas pretendiendo dejar moralejas sobre la vida llegando a la tercera edad, que no funcionan, porque a la tercera edad, de hoy,  no hay que darle lecciones, pues ya saben lo que quieren. Hay que dejarles vivir como ellos desean hacerlo, facilitándoles el camino.

         Un filme con varias tramas, entre ellas  con la que  podríamos haber disfrutado, la ejecución del atraco, e Ignacio nos lo resuelve en un plano fijo. Una simple foto fija y la voz en off de Telmo explicando cómo ha sido dicho atraco, sin más. Patético.  El lleva y trae del supuesto guion escrito por Harpo Marx que posee Telmo; al final no sabemos si se vende, si se subasta o qué pasa con el dichoso escrito. No lo resuelve. Y entre idas y venidas, llegamos a un final atropellado, con el que cierra la cinta y se queda tan ancho.

         Tal mente parece que estamos ante un fallido capítulo  piloto de una serie que mejor no rodar. Insípida, sin vida, sin alma... sin nada. Con interpretaciones planas, siendo imposible hacerse cómplice de ninguno de los personajes. Nunca he visto una interpretación tan nefasta, de José Luis Gil.  Un filme para olvidar o mejor dicho, para no ver.
         No, por supuesto que no hay nota.

          ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

         REPARTO: José Luis Gil, Manuel Manquiña, Luisa Gavasa y Álvaro de Luna.

         PRODUCTORA: Miaulapelícula A.I.E

         DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Begin Again Film.

DESENTERRANDO A SAD HILL: CRÍTICA DE CINE

El documental, Desenterrando a Sad Hill, cuenta con guion y dirección de Guillermo de Oliveira.

En el 2015, un grupo de fans de la película “El bueno, el feo y el malo” (1966) del maestro Sergio Leone, deciden desenterrar el cementerio de Sad Hill, que el tiempo había  ido cubriendo en sus 49 años. Un cementerio ficticio, creado por el equipo de Sergio Leone, para la escena final del filme citado. Dicho escenario cinematográfico, se encuentra en Santo Domingo de Silos, en el Valle de Mirandilla, Burgos.

Un documental que sigue a los jóvenes que con su esfuerzo y entusiasmo, contagiaron no solo a los lugareños, sino a fans de la película en el extranjero, algunos acercándose al lugar para ayudar y otros donando dinero para la reconstrucción de las tumbas. Los trabajos comenzaron en Septiembre de 2015 y finalizaron el 24 de Julio de 2016, celebrándose una gran fiesta con la proyección de la película en dicho escenario. Una fiesta a la que se sumó La Banda de Alfoz de Lara, interpretando temas del maestro Ennio Morricone, compositor que a través de un vídeo dio las gracias por tal trabajo, como también lo hicieron el vocalista de Metallica (James Hetfield) y el mismísimo Clint Eastwood.

Un magnífico documental con anécdotas como que Franco aportó a la película 1000 soldados, un capitán y un general para trabajar no solo delante de la cámara dando veracidad a  la escena, sino en otras labores. Esos hombres formaban el Regimiento de Infantería San Marcial Nº7 de Burgos. El momento de cómo se voló el puente antes de tiempo. Los presupuestos que tuvieron cada una de las películas de la trilogía. “Por un puñado de dólares” (200.000 Dólares) y tras su éxito en Italia, “La muerte tenía un precio la superó con (600.000 Dólares) un nuevo éxito para que “El bueno, el feo y el malo” contara con la impresionante cifra de (1,3 millones de Dólares). Proyecciones del NODO de la época;  entre otras muchas, para el disfrute de los amantes al cine y de esta película en concreto, entre imágenes de archivo entrevistando a Sergio Leone y  miembros del equipo.

Una obra cargada de nostalgia y romanticismo cinematográfico como claro homenaje  de esta magnífica pieza del Wéstern, que quienes la hemos visto, no olvidamos. Un documental con una correctísima dirección, montaje y fotografía,  a cargo de Guillermo de Oliveira.

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

REPARTO: Eugenio Alabiso, David Alba Romero, Joe Dante, Álex de la Iglesia, Joseba del Valle, Clint Eastwood, Christopher Frayling, Sergio García Herández, Peter J. Hanley, Diego Montero, Enrio Morricone, Carlo Leva y James Hetfield (DOCUMENTAL)

PRODUCTORA: Zapruder Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Con Un Pack.

¡A GANAR!: CRÍTICA DE CINE

¡A GANAR! Está dirigida por Sean McNamara con guion de David Aaron Cohen y Elissa Matsueda, basada en hechos reales.

Caroline (Danika Yarosh) y Kelly (Erin Moriarty), son dos grandes amigas y   jugadoras del equipo de voleibol femenino del West High School, ganador del campeonato estatal. Caroline es la capitana, querida y respetada por todos quienes la conocen, debido a su gran humor, su compañerismo, vitalidad y la manera de relacionarse con sus vecinos y extraños. Era conocida como, la dulce Line.

Caroline muere en un trágico accidente de moto y además del dolor que sufrirá su familia, el luto llegará como una sombra, al equipo, sintiéndose abatidos sin su líder, sin su capitana, sin la fuerza que las transmitía. La entrenadora Kathy Bresnahan (Helen Hunt), nombrará a Kelly como nueva capitana, pero el equipo está totalmente hundido.

¡A Ganar!, busca impulsar el espíritu competitivo, de superación, de lucha colectiva, de enfrentamiento ante las adversidades y de compañerismo, así como de unión familiar y colectiva de su comunidad. Todos a una o bajo el eslogan de “Vive como Line” que llevarán a gala en pancartas, camisetas, autobuses y aquellos lugares donde buscan mantener el espíritu de la joven fallecida, en lo más alto. Un drama bien medido, en cada frase y acto representado para obtener  la lágrima fácil del espectador, consiguiéndolo; más sabiendo de entrada que estamos ante hechos reales, sucedidos en 2011 en Lowa; por otro lado, McNamara, nos muestra la otra cara de la moneda, dotando al filme de dinamismo, cargándolo de vida y energía, aquella que se percibe en un pabellón deportivo, al ofrecernos los instantes de algunos partidos o del partido definitivo, con las gradas llenas gritando y apoyando a sus equipos. Es entonces cuando nos olvidamos de la tragedia presentada, para vibrar y disfrutar,  al sentir el esfuerzo de las chicas dejándose el sudor en las camisetas y ansiando el triunfo, en un deporte, nunca visto en la gran pantalla.

Interpretaciones correctas, donde destacaré a Helen Hunt, como la entrenadora del equipo y a William Hurt, como el afligido y a la vez optimista padre de Caroline.

Roque Baños, nos brinda una partitura musical con fuerte carga dramática, entre temas muy conocidos de Katy Perry o el inolvidable Neil Diamond, con su inmortal Dulce Carolina, donde la frase “Los buenos tiempos nunca parecieron tan buenos” se alzará como consigna, como himno para un equipo y un pueblo sumidos en la adversidad por la perdida de uno de sus seres queridos.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

         REPARTO: Helen Hunt, William Hurt, Danika Yarosh, Erin Moriarty, Nesta Cooper, Tiera Skovbye, Burkely Duffield, Rebecca Staab, Jason Gray-Stanford, Natalie Sharp, Ava Grace Cooper, Bailey Skodje, Larissa Albuquerque, Sean McNamara, Jillian Fargey, Lee Booker, Carolyn Adair, Lillian Doucet-Roche, Eli Gabay, Cedric De Souza, Jan Bos, Candus Churchill.

PRODUCTORA: LD Entertainment/ Apex Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory.

MATAR O MORIR: CRÍTICA DE CINE

Dirigida por Pierre Morel, Matar o morir, cuenta con guion de Chad St. John. Sin la menor duda,  es mejor no cabrear a Jennifer Garner.

          Riley North (Jennifer Garner) está felizmente casada con Chris North (Jeff Hephner), con quien tiene una niña. Su marido, para sacar un dinero extra, pues el negocio va mal, trabaja para un grupo de mafiosos cuyo jefe es Diego García (Juan Pablo Raba). Un día toma la decisión de abandonar los negocios turbios con Diego y se lo hace saber a uno de sus hombres. Diego decide ejecutar a los tres, mientras Chris, Riley y la pequeña, disfrutan de una noche en la feria. En el tiroteo mueren Chris y la niña, quedando gravemente herida Riley.

Cuando Riley se recupera y descubre que ha perdido todo lo que quería en la vida y en el juicio los asesinos salen libres al tener comprados al fiscal, al juez y algunos policías, trama su propia venganza. No habrá piedad hasta hacer justicia.

Pierre Morel, cuenta con una amplia filmografía en el género  de acción, entre las que se encuentran “Venganza” o “Caza al asesino”. En su nuevo filme, “Matar o morir” nos presenta a una heroína para el pueblo, pues las noticias de la masacre que está realizando por toda la ciudad, han saltado a las redes sociales; pero en cambio, para la policía es una asesina, a la que hay que apresar. ¿Para toda la policía?

 Una película que nos trae recuerdos recientes de la magnífica “Revenge” de la también francesa Coralie Fargeat, con claras diferencias.  En aquella ocasión la venganza era por violación rodeada de  parajes desérticos,  y en esta por haberla privado de sus seres queridos, casi perder su propia vida y salir libres los asesinos en el  juicio. Una venganza en todo el amplio sentido de la palabra. Una mujer de armas tomar y nunca más correcta, la expresión.

Un filme de acción trepidante, debido en parte al gran trabajo técnico, de un lado gracias al correctísimo montaje de Frédéric Thoraval y a las sensacionales coreografías  de estrategias en luchas diseñadas por Don Lee, que no dejará al espectador ni un minuto, para respirar. Cuenta además, con una magnífica fotografía de David Lanzenberg, ofreciendo una gran variedad de planos, algunos muy espectaculares, y la palpitante banda sonora a cargo del compositor Simon Franglen, quienes junto al director, crean una pieza indiscutiblemente entretenida y vibrante. Cine de acción para olvidarse de los problemas existentes fuera de la sala.

La película no sería lo que es, sin la presencia de  Jennifer Garner. Suda, se mancha, corre,  salta, sangra, grita, llora, cae una y otra vez. Resulta despiadada con sus enemigos como un auténtico mercenario y protectora con quienes debe de serlo. Un trabajo que sin ser una magnífica interpretación, cumple sobradamente el cometido del personaje. Un filme, claramente femenino.  

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

REPARTO: Jennifer Garner, Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr, Juan Pablo Raba, Method Man, Tyson Ritter, Annie Llonzeh, Jeff Hephner, Erin Carufel, Johnny Ortiz, Eddie Shin, Kyla Drew Simmons, Pell Jams, Sam Upton, Chris Johnson, Edilsy Vargas, Sammy Voit, Ian Casselberry, Hans Marrero, Cailey Fleming, Marco Morales, Mel Fair, Gustavo QWuiroz Jr, Denney Pierce y Michael Reventar.

PRODUCTORA: Laskeshore Entertainment

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

SLENDER MAN: CRÍTICA DE CINE

Slender Man, está dirigida por Sylvain White. Conocido por dirigir algunos capítulos de series como “Hawai 5.0” o “Crímenes Mayores”,  con guion de David Birke, tomando al personaje creado por Víctor Surge para el sitio web Somerthing Awful.

En un instituto de Estados Unidos, unas chicas escuchan comentar a los chicos que van a invocar a Slender Man, un personaje deforme,  vestido de traje, que tiene la facultad  de mutar  o de permanecer invisible ante el ojo humano, de piel muy pálida y sin rostro. Quien o quienes lo invoquen, sufrirán alucinaciones o en el peor de los casos, se lo llevará con él.

El grupo de amigas formado por: Wren (Joey King), Hallie (Julia Goldani Telles), Chloe (Jaz Sinclair) y Katie (Annalise Basso), en una de las clásicas noches de chicas, deciden entre bromas, invocar a Slender Man, a través de las indicaciones escritas en una página web. Tras citar las palabras y ver las imágenes en el ordenador, las cuatro quedarán impactadas, pero ninguna dirá nada hasta que la primera de ellas desaparece.

Para quien no conozca cómo nació el mito de Slender Man, os comentaré brevemente que surgió de la mente de Víctor Surge para los foros del Sitio Web Somerthing Awful, al presentarse a un concurso de fotografías paranormales, con dos imágenes en blanco y negro. En cuanto la gente vio las dos instantáneas, comenzaron a crear historias sobre él, convirtiéndose en una especie de leyenda urbana y siendo bautizado con el nombre que le conocemos, Slender Man. El personaje ha tenido un gran éxito en Marble Hornets, la Webserie de horror sobrenatural creada por Troy Wagner, hasta llegar al filme que tenemos en nuestras carteleras.

De nuevo debo decir que no estamos ante una película de terror al uso, pero sí de ese suspense que mantiene en tensión al espectador, en esta ocasión, destinado a un público principalmente  joven.  No hay casquería, ni sangre por litros, ni nada que desagrade más allá de lo necesario o tal vez de lo correctamente asumido. Pues si en algo se diferencia Slender Man del resto de las películas de terror, es que todo resulta muy casto, en el amplio sentido de la palabra; desde el vocabulario, al vestuario, hasta la puesta en escena.  El peso del filme lo arrastran las jóvenes estudiante, serias y formalitas, que por un día, o mejor dicho, una noche, quieren ser más traviesas que los chicos que las cortejan.

 Lo mejor, sin duda, además de una correcta dirección y efectos visuales, son de nuevo los fieles aliados del cine de terror, suspense o subgéneros. Por un lado  la fotografía, en esta ocasión de Luca Del Puppo, cuidada en cada espacio que retrata con una excelente iluminación y por otro, el nervio ocasionado por las notas de Ramin Djawadi, que hablan y provocan más tensión, que la historia en sí.

Un filme escrito, dirigido y presentado para un púbico adolescentes, que ahora se puede disfrutar en la gran pantalla.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

REPARTO: Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair, Taylor Richardson, Kevin Chapman, Michael Reilly Burke, Alex Fitzalan, Kayla Caulfield y Jessica Blank.

PRODUCTORA: Mythology Entertainment// Madhouse Entertainment//

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

LA BUENA ESPOSA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción Reino Unido – Suecia- Estados Unidos: LA BUENA ESPOSA,  está dirigida por Björn Runge con guion adaptado de Jane Anderson, basándose en la novela de Meg Wolitzer.

Joan Castleman (Glenn Close) está felizmente casada con un escritor de prestigio, Joseph Castleman (Jonathan Pryce) con sus dos hijos Susannah (Alix Wilton Regan) y David (Max Irons). Durante una madrugada el matrimonio es despertado por una llamada telefónica, donde les comunican que Joseph ha ganado el Premio Nobel de Literatura.

Durante los días que preceden a la gran ceremonia, los cimientos del matrimonio Castleman se tambalean por el gran secreto que esconde Joan, un secreto y una vida junto a un hombre, donde siempre ha ejercido de buena esposa y que iremos descubriendo entre flashback.

Excepcional, impresionante, magistral, cautivadora y todos los calificativos que se puedan escribir, definiría a la siempre maravillosa Glenn Close. Un papel sobresaliente que engancha de principio a fin. Desde el primer fotograma, hasta esa última mirada pícara que dispensa al espectador. Faltan las palabras, simplemente te atrapa en sus redes con el magnetismo que rodea a las grandes estrellas, como ella.

Y tras mencionar al alma de la película, diré que Björn Runge, ha realizado un trabajo con estilo, con un ritmo perfecto, midiendo cada tiempo con suma exactitud en  cada plano y escena a mostrar en la gran pantalla. Todo está  cuidadosamente estudiado, incluyendo el ensayo de la ceremonia de entrega, la entrega en sí y la cena de los galardonados. Una dirección pulcra y sobria, rodeada de la elegancia que exhibe a través de unos decorados expuestos de forma impecable en la fotografía de Ulf Brantas. No hay nada gratuito, todo lo que está, tiene un motivo.

No puedo juzgar si la adaptación de la obra de Meg Wolitzer es acertada o no, pues no he leído la novela y es algo que me ha despertado curiosidad, pero Janes Anderson, no solo cuida los diálogos entre los personajes sino que dota a la obra de cierta tensión y misterio del que el propio espectador es partícipe, mientras las pistas flotan en la sala, algunas más claras, otras confusas, para comprender al final.

Comencé hablando de la impresionante interpretación de Glenn Close y si lo hice es porque es el pilar fundamental de que toda la obra funcione a la perfección, de que con su presencia, como ha sucedido en otras ocasiones, llene la pantalla; pero aquí cuenta además con un partner de lujo como es Jonathan Pryce. Un dúo perfecto, tan cómplices que nos los creemos como marido y mujer. Una pareja con sus sombras y luces, que no les importa airear y compartir con los espectadores. Como secundario destaco a un enigmático Christian Slater, uno de los causantes de encender la chispa del volcán que permanece dormido en Joan.   

Los aspectos técnicos están correctísimos, desde el fantástico montaje, la banda sonora de Jocelyn Pook,  hasta pasar por la dirección de  escena, tan importante en esta obra, de la mano de Clarire Campbell.  

El dicho dice: “Detrás de un gran hombre, siempre hay una gran mujer” Y yo me pregunto: ¿Dónde radica  la  grandeza de cada uno?

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

REPARTO: Glenn Close, Jonathan Pryce, Logan Lerman, Christian Slater, Harry Lloyd, Max Irons, Annie Starke, Alix Wilton Regan, Karin Franz Körlof.

PRODUCTORA: Tempo Productions Limited / Anonymous Content/ Meta Film.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.

BURNING: CRÍTICA DE CINE

Lee Chang-Dong, director de la fabulosa “Poesía” 2010, nos ofrece Burning, con guion compartido con Jungmi Oh y basándose en la historia de Haruki Marakami.

Jongsu (Ah - In Yoo) es un repartidor de mercancías. Una mañana al entrar en un gran centro comercial, una chica le saluda, Haemi (Joug-seo Jun) y al salir le entrega un boleto para un sorteo. Sorteo en el que gana un reloj de chica que le regalará a Haemi. Durante una conversación ella le comenta que se han criado en el mismo barrio. Él no la reconoce y ella le tranquiliza argumentando que es normal, que se ha hecho la cirugía estética.  Haemi le pide un favor, que cuide de su gata, mientras ella realiza un viaje a África; él acepta, pues se siente atraído por ella.

Pasados unos días, Haemi llama a Jongsu para que vaya al aeropuerto a recogerla, pues ya está de vuelta de vacaciones. Tras saludarse, Haemi, le presenta a un compañero de viaje, Ben (Steven Yeun),  un joven millonario    que  conduce un Porsche y vive en un piso de lujo.

El surcoreano Lee Chang-Dong, nos expone a un extraño ejercicio de suspense y terror psicológico; entre el amor, la soledad, la libertad sexual, los celos, la agresividad, las familias separadas, la falta de trabajo, las críticas sociales y políticas, las obsesiones, la riqueza, el poder, las frustraciones y las venganzas, entre algunas de las múltiples lecturas que nos podemos encontrar a lo largo de sus 148 minutos de metraje.  Todo tejido con meticulosidad en torno a  un triángulo  que navega entre la amistad, el deseo y la intriga. ¿Quién es quién y cuáles son las cartas a jugar con el destino?

Es propio, salvo algunas excepciones, que el cine oriental se caracterice más por lo que muestra que por lo que dice, aunque hay que saber captar al vuelo algunas frases para poder hilar fino y no quedarse fuera de la historia. Una narración de una gran fuerza visual y sensitiva, donde Ben, uno de los protagonistas, invita a Jongsu que perciba su corazón golpear como un tambor, en el interior de su pecho. Una clara referencia a que esa sensación, le hará sentirse vivo, excitado... alerta. Una obra perversamente erótica, maliciosamente maquinada, visualmente potente y angustiosamente excesiva, en sus largos silencios y tiempos.

Interpretaciones celosamente coreografiadas hasta en las carreras a las que se somete Jongsu buscando el invernadero que supuestamente va a quemar Ben, tras confesarle que tiene un vicio: quemar un invernadero abandonado cada dos meses y que ya es tiempo de quemar otro. Jongsu, no es consciente de que el invernadero no es físico, sino una metáfora en el gran  “juego” al que está siendo sometido. Los tres personajes están perfectamente interpretados, hasta el punto que duelen, desesperan, amas y odias.

Fotografía impecable, poética y triste a cargo de Kyung-Pyo Hong, entre pinceladas de intensas puestas de sol, reflejos sobre cristales de los personajes e incluso de objetos como la televisión, de noches de nieblas teñidas de azul y mañanas cargadas de colores. De contrastes entre la ciudad y el campo. La verdad entre mentiras no descubiertas. Entre la alegoría y  la realidad.

“-¿Puedo preguntarte qué haces para ganarte la vida?”… -“Por decirlo fácil, “juego””

         Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

         REPARTO: Yoo Ah – In Yoo, Steven Yeun, Jong-seo Jun y Gang Dong-Won

PRODUCTORA: Pine House Film/ NHK/ Now Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.