FÉLIX: LA NUEVA SERIE DE MOVISTAR+

          “Félix”, la nueva serie de Movistar+, fue presentada a la prensa en La Academia del Cine por  Cesc Gay, Leonardo Sbaraglia, Luis León Acosta (Agencia creativa SOPA) y Fran Araújo (Director de contenidos de ficción original de Movistar+), donde una vez más fui invitado.  

          La nueva serie es un thriller de misterio con toques de comedia, protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Ginés García Millán, Pere Arquillué y Mihoa Lee entre otros actores. Su estreno tendrá lugar el 6 de abril. Está compuesta por 8 episodios de 50 minutos.

          SINOPSIS:

          Félix es un escritor argentino y profesor de literatura, un hombre normal con una vida tranquila y solitaria. Una noche conocerá a Julia, una chica asiática, quien le lleva a un hotel para mantener relaciones sexuales y desde ese instante, se enamora de ella. Pasan unos días y lo  que le extraña es que tras, supuestamente la mejor noche de su vida, la chica no le haya vuelto a llamar.

          Una historia basada en hechos reales, acaecida en Andorra, no hace muchos años y que se desarrollará durante 10 días. El humor, el misterio y el romanticismo se codearán con  la acción y las sorpresas, pues nuestro protagonista, no cesará en la búsqueda de Julia.

          Movistar+ sigue apostando por las series de producción propia y de  ficción nacional, la última en sumarse es Félix de Cesc Gay. Una serie que se une a la comedia Vergüenza, creada por Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero y cuyos protagonistas: Malena Alterio y Javier Gutiérrez obtuvieron el premio Feroz 2018 en sus categorías, junto al mejor actor de reparto, Miguel Rellán y el premio a la mejor serie de comedia. La Zona, firmada por los hermanos Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo obtuvo también en dichos premios, mejor serie drama y mejor actriz de reparto para Emma Suárez. La exitosa serie La Peste, creada por Alberto Rodríguez y protagonizada por Pablo Molinero, Manolo Solo y Patricia López entre otros, y próximamente comenzará la grabación de Velvet Colección.

          En el primer capítulo de Félix, conoceremos a todos los personajes y la tensión que se va generando minuto a minuto, tensión que el espectador irá disfrutando en compañía de su protagonista en esa búsqueda desesperada, por saber de Julia. Junto a Félix estarán su mejor amigo y un policía, que no tiene en demasiada estima a Félix.

          Buenas interpretaciones, buena puesta en escena y una correcta dirección, para hacer las delicias de los espectadores amantes del thriller policiaco.

          Una vez más, gracias a Movistar+ por hacerme partícipe de sus eventos.

BILLY ELLIOT (EL MUSICAL): RESEÑA TEATRAL

          BILLY ELLIOT (El Musical) Tres grandes nombres firman esta obra. Lee Hall (Libreto y letras), Elton John (Música) y originariamente dirigida, por Stephen Daldry, para el cine.  

          Billy Elliot, el musical, tras llevar 11 años en Londres y 4 en Broadway, se ha instalado en  el Teatro Alcalá  en la Calle de Jorge Juan 62 de Madrid.

          Las noticias nos llevan, a través de un televisor visto por un niño, al año 1984, cuando gobernaba la llamada dama de hierro, Margaret Thatcher y durante el año de la huelga minera en el Reino Unido. Una huelga masiva por los mineros británicos y que paralizó en gran medida la industria del carbón durante 1984 – 1985.

          En el condado de Durham tras declararse dicha huelga, los enfrentamientos entre piquetes y policía, son continuos. Entre los mineros más exaltados están Tony y su padre. Éste último se ha empeñado en que su hijo Billy, reciba clases de boxeo, aunque tenga que sacar los peniques que cuestan las clases, del dinero que se precisa en casa.

          Billy un día observa los ensayos de una clase de ballet impartida por la señora Wilkinson, quien invita al joven a participar. A partir de ese momento Billy descubre que está hecho para bailar, sabiendo que no va a ser bien visto por su familia, pues consideran que el ballet es para niñas o mariquitas.

          La obra parte de la película británica del año 2000, dirigida por Stephen Daldry y que cosechó un gran éxito de taquilla, ahora y tras la notoriedad que está obteniendo fuera de nuestras fronteras, llega a Madrid, donde cuenta con una gran acogida, con llenos absolutos y espectadores complacidos.  

          Las malas políticas y una sociedad excesivamente conservadora, serán el detonante de este drama, cuyo protagonista principal es un niño de 13 años. Un niño viviendo en el seno de una familia humilde, como es la de cualquier minero. Un padre autoritario, cabeza de familia y clara representación del machismo fuertemente arraigado en una sociedad en la cual las niñas deben jugar a las muñecas y los niños al balón o como sucede en esta ocasión, los varones  boxear y las féminas bailar, todo lo que se salga de esos criterios, es totalmente inviable.

          La ignorancia y una incorrecta educación recibida, son capaces de provocar el sufrimiento en un ser humano, tenga la edad que tenga, pero mucho peor y totalmente inaceptable si cae sobre un niño, rompiendo sus sueños y truncando su vida mientras se “secuestra” su futuro.

          La obra es un canto a la libertad y los derechos fundamentales del ser humano. Un trabajo y un sueldo digno, para el sustento de los suyos y la educación de los hijos.

        Un canto a la igualdad en la elección de los estudios y el trabajo; en esa lucha por perseguir lo que se añora ser, sin importar lo que otros puedan o no decir.

Un canto a la igualdad de género y el derecho a vivir, sintiendo el respeto de la sociedad. Los tutús, en el epílogo de la obra, serán la parábola perfecta hacia esa igualdad, respeto y libertad del ser humano.

          Una obra ágil en la dirección y el montaje, con una magnífica partitura de Elton John, los acertados números musicales adaptados para la obra original, el cuidado vestuario y sobre manera, los  maravillosos cambios de decorados ascendiendo o descendiendo ante los ojos del espectador, mientras una escena da paso a  otra, sin que los personajes dejen vacío el escenario; todo en  un excelente espectáculo, con una precisa iluminación.

      Las interpretaciones muy correctas, destacando la figura de Billy Elliot, quien lleva todo el peso de la obra junto al de su padre y la maestra, aunque todos los secundarios están creíbles.

         Destacaré, antes de finalizar, dos grandes momentos, al menos desde mi punto de vista: La ensoñación de Billy consigo mismo como adulto, tomando el fragmento de la danza de los cisnes y el baile de su enfado. Si el primero citado emociona, este segundo sobrecoge el alma, mostrando a través del baile, todo el drama que vive en su interior.

BARBARA: CRITICA DE CINE

          BARBARA está dirigida por Mathieu Amalric (El cuarto azul) un biopic documental sobre la vida de la cantante francesa, donde comparte guion con Philippe Di Folco.

          Barbara, cuyo nombre real era Monique Andrée Serf nació en París el 9 de junio de 1930 y murió a los 67 años el 24 de noviembre de 1997.  Fue una de las mejores cantantes francesas de su década, además de compositora, actriz y activista.  Su nombre artístico, lo tomó de su abuela Varvara Brodsky.

          Este documental tiene a su favor el descubrir a una cantante muy poco conocida fuera de su país natal, Francia. Mathieu nos presentará su vida, sus canciones, su voz que transmitía todos los sentimientos que deseaba expresar, los problemas con su madre, sus amores y su lado más reivindicativo. 

          Estamos ante un filme donde el cine se homenajea así mismo, como tantas veces ha ocurrido y con lo que yo siempre he disfrutado. Esa magia de contemplar una escena determinada y al abrir el plano, observamos el rodaje de la misma.

          Sin duda Mathieu siente una gran admiración por Bárbara y logra que Jeanne Balibar, se transforme en la artista desaparecida, mientras el ambiente durante todo el metraje, se rodea de las magníficas canciones, algunas de las cuales, los que tenemos una cierta edad, sí reconocemos.

          En contra está que la narración esté fragmenta y algo enrevesada más, para quienes no hemos conocido la existencia de dicho personaje, con lo que el metraje puede resultar pesado, aunque por otro lado, siempre es de agradecer que este tipo de obras, de documentales, se acerquen a la gran pantalla y recordar artistas totalmente desconocidos, cuando han poseído un gran talento.

            ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Marzo

          REPARTO: Jeanne Balibar, Mathieu Amalric, Vincent Peirani, Fanny Imber, Aurore Clément, Grégoire Colin.

PRODUCTORA: Waiting For Cinema/ Distribuida por Gaumont.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films/A Contracorriente/Films

COSAS DE LA EDAD: CRÍTICA DE CINE

          Cosas de la edad está dirigida por el actor, director y guionista francés Guillaume Canet (No se lo digas a nadie), en un filme donde cada actor se interpreta así mismo.

          Guillaume Canet ha cumplido los 42 años y durante el rodaje de una película su compañera de reparto, más joven que él, le comenta en un momento determinado que él ya es un carroza y que ha descendido en la lista de actores más deseados. Esas palabras le dejan desconcertado, provocando un sonoro cabreo con todos los que le rodean.

              Su ordenada vida junto a su mujer Marion Cotillard, su hijo, su casa en el campo, el trabajo y el cuidado de los caballos que posee, le convierten en una persona convencional y sin atractivo sexual. Tras comprender que en efecto su vida se ha vuelto monótona, decide recuperar la juventud perdida. Buscará consejo en el rey del Rock and Roll francés, Johnny Hallyday,  visitará a un cirujano plástico y se rodeará de varios personal trainer. ¿Lo logrará?

          Guillaume asume las funciones de actor, director y escritor, aunque esta última labor la comparte con Philippe Lefebvre y Rodolphe Lauga. Una disparatada comedia que sin duda se les va de las manos, provocando en el espectador el desconcierto, al pasar del fino humor, al más grueso y extravagante.

          La primera excentricidad de este films, aunque no sea la primera vez en el cine, es que cada uno se interpreta así mismo. La segunda que contando con una historia interesante hasta algo más de la mitad de la cinta, como es el concepto de la importancia de la edad en nuestra sociedad, se la cargue al final llevando la comedia al absurdo total, aunque como siempre digo, hay comedias para todos los gustos, y tercero y con ello me repito  ya de otras reseñas, es que “Más no es mejor”

          Cosas de la edad, comienza con una historia que respira crítica social, en el día a día y principalmente en el mundo del cine.  ¿Qué sucede cuando se llega a cierta edad? Es de sobra conocida la crisis de los 40 y también los serios problemas que tienen que afrontar los actores y principalmente las actrices, al llegar a cierta edad. Se les considera demasiado mayores para determinados papeles y para sus edades, se escriben muy pocos personajes. Una sátira a la crisis de los 40, en esta ocasión, en el hombre.

          Un filme donde el cine vuelve a homenajearse así mismo, y en el cual todos los actores están acertados en sus interpretaciones, sobre todo la pareja protagonista y matrimonio en la vida real, Guillaume y Marion. Correcta fotografía a cargo de Christopher Offenstein y la música de Maxim Nucci.

          Mi nota es: 6,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Marzo

          REPARTO: Guillaume Canet, Marion Cotillard, Johnny Hallyday, Jeanne Damas, Kev Adams, Gilles Lellouche, Guillaume Faure, Xavier Alcan, Norbert Ferrer, Hugo Dillon, Camille Rowe, Philippe Lefebvre, Ben Foster, Yvan Attal, Alain Attal, Yarol Poupaud, Maxim Nucci, Annie Mercier, Thomas Goldberg, Arnaud Henriet, Thierry Pietra, Nicolas Benoît, Camille Razat, Sophie Mousel.

          PRODUCTORA: Les Productions du Trésor/ M6 Films/ Canoe Films/ Appaloosa Cinéma/ Pathé/ Ciné+/ W9/ Canal+

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Adso Films.

PACIFIC RIM: INSURRECCIÓN: CRÍTICA DE CINE

            Pacific Rim: Insurrección, la larga espera se ha convertido en un despropósito cinematográfico infumable, sin ningún interés que invita a dar más de una cabezada, durante su proyección.

          Como reza la película, han pasado 10 años tras la primera invasión que sufrió la humanidad, pero la lucha no ha terminado. Además de algunos de los personajes de la primera entrega, entran en juego las nuevas generaciones, que como sucediera con los anteriores, también llevan sobre sus espaldas las frustraciones, miedos, familias rotas o el no sentirse comprendidos. Buscarán desarrollarse como pilotos de los Jaegers, los robots gigantes tripulados por dos personas, personas que deben  ser compatibles entre ellas. 

      Como siempre, surge un malo malísimo entre las filas de los humanos que logra abrir de nuevo el portal interdimensional, para que regresen  sus máximos enemigos, los Kaiju, y destruyan el mundo

 Esta nueva entrega está dirigida por Steven S. DeKnight, un conocidísimo director, guionista y productor de televisión, que cuenta entre sus series con obras que todos recordamos como: “Smallville”, “Espartaco: dioses de la arena” o “Buffy caza vampiros”  Si bien todas ellas fueron un éxito de audiencia, con esta película se estrella de bruces contra el suelo, más que sus propios robots.         
          Tal vez me esté haciendo mayor para este tipo de filmes, aunque por otro lado, obras como “Transformers: El último caballero” o la última entrega de los “Power Rangers”, me entretuvieron, y sigo siendo un adicto a la Ciencia Ficción, pero a la buena, no la que pretende tomar el pelo con pirotecnia de cartuchos sin pólvora o exceso de la misma. Los efectos visuales sin control, saturan, no entretienen. Vamos a ver si se aprende que más, no es mejor.

          Puedo admitir en una película de esta características que el guion sea flojo, aunque no tiene porque. Puedo admitir que no cuente con actores de primera línea, porque tampoco se van a lucir; pero lo que es totalmente inadmisible es que tras una primera parte aburridísima, con una pésima presentación de los personajes y supuesta trama, toda la acción se limite a luchas entre robots, donde las dimensiones de algunos rayan lo absurdo, recordando incluso a un Godzila evolucionado y con muy mala baba. 

          Un excesivo elenco de guionistas para este producto fallido: Travis Beacham, Emily Carmichael, Kira Snyder, Guillermo del Toro, Steven S. DeKnight, que no puedo entender cuál ha sido su cometido. ¿Escribieron una página cada uno y luego ni siquiera la revisaron?

          Sobre las interpretaciones prefiero no hacer el menor comentario, no merece la pena que pierda el tiempo.

          La fotografía de Dan Mindel es penosa. Hay momentos que no se sabe que se está viendo, por la mala iluminación y los colores llevados al límite, entre otros.

          Mi nota es: 5

          ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo.

          REPARTO: John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Jing Tian, Adria Arjona, Levi Meaden, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Burn Gorman, Ivanna Sakhano, Nick E. Tarabay, Dustin Clare, Karan Brar, Daniel Feuerriegel, Madeleine McGraw, Shyrley Rodriguez, Rahart Adams, Jin Zhang, Jaime Slater, Lily Ji, Luke Judy, Mackenyu.

          PRODUCTORA: Universal Pictures/ Double Dare You (DDY) / Legendary Entertainment/ Perfect World Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Universal Pictures International Spain.

VISTA EN LA MUESTRA SYFY 2018

THELMA: CRÍTICA DE CINE

          Thelma  está dirigida por el noruego Joachim Trier (El amor es más fuerte que las bombas), con guion propio compartido con Eskil Vogt.

          Thelma (Eili Harboe) es una joven estudiante que se traslada a Oslo para cursar su carrera de Biología en la universidad. Conocerá a Anja (Kaya Wilkins) de quien se enamorará. Ha recibido una educación cristiana muy estricta y está sobreprotegida por sus padres.  

          El despertar de Thelma a la sexualidad, no será lo único que experimente, pues misteriosamente va descubriendo que tiene ciertos poderes sobrenaturales, acompañados de ataques “epilépticos”

          Si no estuviéramos ante un thriller tan refinado, la obra podría ser clasificada como la clásica película de terror o suspense psicológico, pero Joachim la dota de una exquisita puesta en escena a través de una narración pausada, donde todo tiene importancia y así llegar a conocer y entender a Thelma: La sobreprotección, la familia, lo sobrenatural, la sexualidad, el amor y una férrea educación cristiana. Una narración lenta pero necesaria. Necesaria para ir descubriendo lo que su mente esconde y desea salir a la luz entre las luchas internas al ser consciente de su nueva situación, sus ataques, las preguntas que realiza a Dios sin recibir respuesta, las caricias de su compañera, en una delicada presentación del amor lésbico, mientras entra  en debate de sí es natural su relación con su amiga, pues así es como lo siente y desea, pero no como ha sido educada.

           Un drama psicológico que ya en las primeras escenas presientes que algo no es natural. Instante del padre llevando a una Thelma niña de caza y en vez de apuntar al ciervo, la apunta a ella por detrás,  a la cabeza; surgiendo preguntas como: ¿Qué esconde ese padre? ¿Qué teme de su hija? Cada minuto está perfectamente medido para mantener en guardia al espectador transformando al filme, en un equilibrado y meditado thriller paranormal.

          Las interpretaciones están de sobresaliente, con momentos memorables de sus progenitores: Henrik Rafaelsen y Ellen Dorrit Patersen, tan misteriosos como su propia hija, pero sin la menor duda destaca Eili Harboe, con su inquietante personaje.

          Una fotografía tan cálida como fría, en encuadres precisos que van de lo terrenal a lo extrasensorial a través de una iluminación delicada a cargo de Jakob Ihre, fotografía que se deja envolver en las notas de una partitura tensa,  romántica e intrigante compuesta por  Ola Flottum.

          Como comentaba al principio, no estamos ante un filme de terror al uso, pues está exento de gritos, de sangre, de vísceras, de carreras sin sentido, donde la fotografía es luminosa y no oscura, donde la banda sonora acaricia las notas y no provoca estruendos innecesarios. Joachim Trier nos lleva de la mano hasta el subconsciente, a través del más sofisticado terror psicológico.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen

          PRODUCTORA: Coproducción Noruega-Francia- Dinamarca-Suecia/ Motlys/Eurimages/Film I Väst/ Le Pacte/ Nordic Film och TV Fund/ Norwegian Film Institute/ Snowglobe Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

          VISTA EN LA MUESTRA SYFY 2018

100 DÍAS DE SOLEDAD: CRÍTICA DE CINE

             José Díaz y Gerardo Olivares, son los directores y guionistas de 100 días de soledad. Un documental basado en la experiencia de José Díaz.

          José Díaz decidió recluirse en una cabaña en el Parque Natural de Redes, en Asturias, un lugar que conocía bien, pues lo visitaba con frecuencia desde que era niño y en especial con su hermano, al que añora tras su muerte.

          Una cabaña carente de todo lujo, sin televisión, ni ordenador, ni reloj, ni electricidad, ni agua caliente e incluso sin cobertura para el móvil. Vivirá durante 100 días con lo básico y en completa soledad, recordando a los suyos (a su esposa, sus dos hijos y por supuesto a su hermano fallecido) y compartiendo los tres largos meses, con la naturaleza en su plenitud.

          José se rueda así mismo con 5 cámaras y un dron y presenta a los espectadores la belleza espectacular de un  paraje aun virgen en condiciones muy duras para cualquier ser humano. Nada mejor que sus propias palabras, para saber lo que experimento:

          “Fui feliz, muy feliz, y además lo supe. Viví malos momentos, pero siempre eclipsados por los buenos. En cada caminata conté mis pasos hasta cien mil veces, manteniendo así activas las cuerdas vocales. Tras decenas de fracasos, conservé intacta la ilusión hasta el último momento. Viví sin la compañía de una televisión; el fuego me enseñó cómo hacerlo. Dispuse del tiempo a mi antojo, pero sin dejar de ser disciplinado. Sentí la dureza de la soledad de forma implacable, y aprendí mucho de ella. Subsistí a base de austeridad y todavía me sobraron muchas cosas. Las heladoras duchas me mostraron que tras el sacrificio viene el beneficio. Repuse litros y litros de sudor hidratándome con agua pura, preciado tesoro hoy en día. Ante mis ojos se cruzaron más árboles de los que mucha gente verá a lo largo de sus vidas. Asistí al espectáculo del otoño y disfruté de las nieves del invierno. Comprobé como mi sombra iba alargándose día tras día, hasta casi escaparse de mí. Vi las altas copas de los árboles dibujadas en cielos multicolores. Disfruté del celestial sonido que el silencio produce. Atravesé kilómetros de bosque en busca de animales, y, aunque no siempre los  encontré, seguí haciéndolo con la misma pasión. Hice mías las palabras de Nelson Mandela. “Fui capitán de mi alma, timón de mi destino”. Aunque lloré, sufrí, sudé, renegué…, fui inmensamente feliz”

          El documental está producido por José María Morales (Wanda Films) en coproducción con RTVE y con el apoyo de ICAA.

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          PRODUCTORA: Wanda Natura.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.