LOVING VINCENT: CRÍTICA DE CINE

        Loving Vincent está dirigida por la pintora polaca Dorota Kobiela y el productor Hugh Welchman. La primera película de animación, realizada con la técnica del óleo.

          La historia nos sitúa en Francia, en el verano de 1891. El joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin. Cartero personal y amigo íntimo de Vicent Van Gogh. Dicha carta debe ser entregada en París a su hermano pequeño, Theo Van Gogh, un exitoso marchante de arte neerlandés y quien financió a su hermano, para que no muriese de hambre, comprándole sus cuadros. Cuando Armand llega a París  nadie sabe nada del marchante, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano se quitara la vida.

          Con esta narración encarnada por actores que al final detallo, representarán a los diferentes personajes que vivieron alrededor del gran maestro y fueron inmortalizados por él, en escenarios creados para la ocasión.

          Una historia básica, que surge  a través de las cartas que el pintor enviaba a su hermano pequeño Theo y que sirve de “pretexto” para llevar a la gran pantalla, la primera película realizada al óleo, a través de 65.000 fotogramas animados, pintados a mano por artistas de todo el mundo, y de esta forma, dar vida a un gran número de cuadros de Van Gogh.

          Loving Vincent es un homenaje a un gran maestro, trasladado a la gran pantalla con gran elegancia y profesionalidad. El espectador disfrutará durante casi hora y media, de parte de la obra del genio, pero de forma animada, con personajes que posiblemente el propio Vincent veía pasar mientras pintaba su obra e incluyendo  los retratos de aquellos que durante la proyección, nos hablarán de las excentricidades, manías y misterio que rodea su muerte. Sin olvidar sus cielos estrellados y pueblos que habitó.  

          El film cuenta con la excelente banda sonora a cargo de Clint Mansell y la extraordinaria fotografía animada por parte de Tristan Oliver y Lukasz Zal.

   

  Tras la proyección el espectador quedará totalmente impactado del derroche de trabajo, imaginación y buen hacer de todo el equipo por amor a la obra pictórica de un genio. Ver en animación parte de los cuadros del maestro Vicent, pintado cada fotograma en óleo y a mano, es toda una delicia y más en el contexto de la búsqueda de una verdad, que nunca será resuelta. 

          Recomendable para los amantes a la animación y sobremanera a la creación del gran pintor.

          Mi nota es: 8.5

          ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Enero

          REPARTO: (Animation) Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O´Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks, Shaun Newnham.

          PRODUCTORA: Coproducción Polonia-Reino Unido/ BreakThru Productions/ Trademark Films/ Silver Reel/ Odra Film/ Centrum Technologii Audiowizualzych/ Polski Instytut Sztuki Filmowej.        

 

         DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Karma Films.

LA PESTE: SERIE DE TELEVISIÓN

          El pasado lunes 8 del presente mes de enero, Movistar+ presentó a la prensa su nueva miniserie. La Peste.

          Seis episodios que se desarrollan en la segunda mitad del siglo XVI, en Sevilla, ciudad  que fue la metrópolis del mundo occidental y puerta de acceso de América en Europa.

          Una ciudad donde comulgaba lo mejor y lo peor, las grandes riquezas que florecían con facilidad debido al comercio internacional, junto a la hambruna y epidemias. La convivencia de los naturales del país, con los extranjeros. Cristianos, judíos, conversos, moriscos, esclavos, libertos, pícaros, ladrones, prostitutas… sin olvidar a los nobles y plebeyos.

          Ya en los dos primeros capítulos de la serie, que nos ha ofrecido Movistar+, nos muestra el gran trabajo de ambientación en sus decorados de interior y exterior. El cuidado vestuario y con una gama de colores, con respecto a la fotografía,  muy apagados,  para representar la decadencia de una zona de la ciudad, esa parte donde se situaban los prostíbulos reglamentarios, la cárcel como escondite o refugio e incluso los hospitales tumba, junto a las chabolas en las cuales habita la peste; para saltar al gran colorido y vistosidad que personifica la riqueza y ostentación de los nobles.

          Dos primeros capítulos en los cuales Alberto Rodríguez a través de una dirección pausada, nos va mostrando a los diferentes personajes, a la vez que los sumerge en un laberinto entre la vida y sobre todo la muerte desde varios prismas: peste, asesinatos... Las intrigas, la Santa Inquisición, las traiciones y lealtades que formarán parte de este thriller con guion de Rafael Cobos y Fran Araújo, junto al propio director.  A mi parecer y por lo visionado hasta la fecha, con gran acierto, reflejando la sociedad, el poder, la política y la religión de aquellos tiempos.

          Mencionaré, antes de citar el reparto de actores, a dos grandes profesionales, por una parte a Julio de la Rosa, con una magnífica partitura musical y a Pau Esteve Birba, con la soberbia fotografía antes mencionada.

          Entre las interpretaciones destaco a Pablo Molinero, Sergio Castellanos y a una impecable Patricia López Arnaiz, quienes logran dotar a sus personajes de carácter y credibilidad, en un casting muy acertado.

          La serie está producida por Atípica Films para Movistar+ y cuenta con seis capítulos de 50 minutos de duración cada uno de ellos. Serie que os recomiendo desde ya y que se estrenará el 12 de Enero.

          REPARTO: Pablo Molinero, Paco León, Manolo Solo, Sergio Castellanos, Patricia López Arnaiz, Lupe del Junco, Tomás del Estal, Paco Tous, Cecilia Gómez, Antonio Gil y Javire Botet.

          Quiero finalizar dando las gracias a Movistar+ por su invitación al visionado y por supuesto a la apuesta tan importante que está llevando a cabo durante este año, con las series de producción propia.

AVANCE DE CINE: LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO

          “LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO” se está convirtiendo en una de las grandes favoritas para hacerse con los premios más importantes del año. Recientemente ha sido nominada a 6 Globos de Oro: Mejor Película Dramática, Mejor Actor Dramático (Tom Hanks), Mejor Actriz Dramática (Meryl Streep), Mejor Director (Steven Spielberg), Mejor Guión (Liz Hannah, Josh Singer) y Mejor Banda Sonora Original (John Williams).    

        También ha sido nombrada Mejor Película del año por la National Board of Review, otorgándole también sendos galardones a Meryl Streep y Tom Hanks como Mejor Actriz y Mejor Actor, respectivamente. También ha sido nominada por la Broadcast Film Critics Association a 8 Premios de la Crítica (Critics’ Choice Award): Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz, Mejor Reparto, Mejor Guión Original, Mejor Montaje y Mejor Banda Sonora. Además, la película ha recibido otras 4 nominaciones desde Los Angeles Film Critics Society (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje y Mejor Actor), y 2 nominaciones más desde la Detroit Film Critics Society (Mejor Reparto y Mejor Guión).

          El ganador del Premio de la Academia, Steven Spielberg, dirige un excepcional reparto encabezado por los ganadores del Oscar Meryl Streep y Tom Hanks. “LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO” supone la primera colaboración de Meryl Streep, Tom Hanks y Steven Spielberg en la gran pantalla. Además de dirigir, Spielberg también produce la película junto con Amy Pascal y Kristie Macosko Krieger. El guión es de Liz Hannah y Josh Singer y cuenta con un aclamado elenco que incluye a Alison Brie, Carrie Coon, David Cross, Bruce Greenwood, Tracy Letts, Bob Odenkirk, Sarah Paulson, Jesse Plemons, Matthew Rhys, Michael Stuhlbarg, Bradley Whitford y Zach Woods.

         Una producción de Amblin Entertainment, “LOS ARCHIVOS DEL PENTÁGONO” será distribuida en España por eOne Films Spain y llegará a los cines el 19 de enero.

SINOPSIS
En junio de 1971, el New York Times, el Washington Post y los principales periódicos de EE.UU. tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno que duró cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidenses. En ese momento, Katherine Graham (Meryl Streep), del Post, seguía buscando su lugar como la primera mujer editora del periódico, y Ben Bradlee (Tom Hanks), el volátil director, intentaba relanzar un periódico en decadencia. Juntos, formaron un equipo improbable, ya que se vieron obligados a unirse y tomar la audaz decisión de apoyar al New York Times y luchar contra el intento sin precedentes de la Administración Nixon de restringir la primera enmienda.

QUÉ FUE DE BRAD: CRÍTICA DE CINE

           Qué fue de Brad, cuenta con guion y dirección de Mike White. Un drama con tintes de comedia, donde muchos hombres pasados los 40, se identificarán.

          Brad (Ben Stiller) lo tiene todo en la vida: una mujer maravillosa, Melanie (Jenna Fischer), un hijo encantador y muy buen estudiante, Troy (Austin Abrams),  un buen puesto de trabajo y salud. Pero Brad parece no darle importancia a lo que en su mundo existe, sino el que rodea a los demás, concretamente las vidas de sus antiguos amigos de universidad, en quienes ve los triunfos y ninguna derrota, mientras que en su vida, sólo ve frustraciones.

          Con este argumento, Mike White, nos solicita que escuchemos, sobre todo escuchar, pues la gran mayoría de la película está en voz en off, la voz de Ben Stiller, que va relatando a los espectadores cuan desgraciado se siente y lo afortunados que son sus colegas.

     

  Un drama no exento de sátira, en un magnífico guion, que también firma el propio director y que durante el viaje que mantiene con su hijo, buscando la universidad para estudiar al año siguiente, le acompañan todos los fantasmas de los que se ha rodeado, que como en un aquelarre extraño le obligan a enfrentarse a las dudas, los miedos, la envidia, la codicia, el deseo de triunfo, las frustraciones, la ofuscación… y mantener un cara a cara con todos y cada uno de ellos. Los fantasmas, recuerdos o pensamientos que normalmente surgen en la mente de cualquier persona llegando a los 40  y la visión que de ellos tenemos, que no siempre es la acertada. Esa llamada crisis de los 40, cuando se echa la mirada atrás, en vez de seguir haciéndolo hacia adelante.

        
         Los sentimientos y las emociones están a flor de piel, durante las casi dos horas que dura la proyección, en la cual el actor Ben Stiller, se desnuda internamente para vestir la piel y el alma de Brad, a quien encarna con absoluta credibilidad. Me atrevería a decir que la mejor interpretación de su vida, en un filme que gira en torno a su personaje y él lo defiende con uñas y diente, logrando que el espectador se sienta identificado o vea en él, alguien muy cercano, en cada una de sus miradas, gestos, silencios.

      Un drama ligero, con esos toques de humor fino, con los que el director ha sabido dotarlo, para suavizar la tensión y disfrutar también de la presencia, aunque sea corta de, Jenna Fischer y la correcta y agradable interpretación de, Austin Abrams, encarnando a su hijo. Una sátira hacia todo aquello que damos valor en la vida y en realidad no necesitamos, no nos hace verdaderamente felices, pero… El ser humano es así.

        
       Si una pega se le podría poner, es tal vez, la lentitud en algunos momentos pues,  sobre la mitad de la cinta, parece decaer, pero es tan  leve que se perdona, consiguiendo elevarla hasta llegar a un justo final. Y lo que más valoro de este filme, es su sinceridad aplastante, sus directas reflexiones, la  honestidad y lo sutilmente conmovedora que resulta.

          Recomendable para quienes echan la vista atrás y  saber reflexionar con claridad.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Enero

          REPARTO: Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Luke Wilson, Jemaine Clement, Michael Sheen, Erin Agostino, Denisa Juhos, Pamela Figueiredo, Bruce Dawson, Nathaly Thibault, Shazi Raja, Larry Eudene, Meghan Gabruch, Richard Jutras, Dawn Ford.

          PRODUCTORA: Amazon Studios/ Montreal Casting/ Plan B Entertainment/ Sidney Kimmel Entertainment

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.

AVANCE DE CINE: CAVERNÍCOLA

CAVERNÍCOLA, ya tiene su cartel definitivo.

Para empezar con fuerza y con mucha ilusión, se nos ha ocurrido dar la bienvenida al nuevo año con un regalo para todos vosotros y vuestro público: ¡el cartel final de CAVERNÍCOLA!  

Os confirmamos que Hugo Silva, Chenoa y Mario Vaquerizo son los encargados de dar voz y alma en la versión en castellano a los protagonistas de la última aventura de Aardman: Dug, Val y Lord Nooth, que Vértice Cine estrenará en España el próximo 2 de febrero.

SINOPSIS

Dug, cavernícola, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con "el juego sagrado". ¡Un partido llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth. 

SOBRE LA PELÍCULA

Cavernícola es el próximo film del oscarizado director de Wallace y Gromit y Chicken Run: Nick Park. Ha recreado para la ocasión, bajo el amparo de los estudios de animación Aardman (La oveja Shaun), un curioso lugar situado entre la Edad de Piedra y la Edad de Bronce.

El reparto de voces en su versión inglesa está encabezado por los actores Eddie Redmayne (La teoría del todo),  Tom Hiddleston (Thor) y Maisie Williams (Juego de Tronos). Les acompañan en esta aventura también Timothy Spall, Johnny Vegas, Selina Griffiths, Mark Williams, Gina Yashere, Simon Greenall, Richard Webber y Richard Ayoade.

En palabras de Nick Park:

“Vamos a conocer a la tribu de Dug, un adorable grupo de inadaptados a quienes ponen voz excepcionales talentos británicos. Son esencialmente un grupo de hombres de las cavernas ineptos y de mujeres. Entre ellos Treebor, interpretado por Richard Ayoade, un gigante apacible que se asusta de su propia sombra; Magma, la madre de Treebor, no se anda con chiquitas, pone su voz Selena Griffiths, y Mark Williams interpreta a Barry, cuyo mejor amigo es una roca. El jefe Bobnar, interpretado por el brillante Timothy Spall, encabeza el pelotón, como líder es la figura paternal de una tribu de brutos.

 

AVANCE DE CINE: C´EST LA VIE

“C´EST LA VIE” de los directores Eric Toledano y Olivier Nakache  se irá de festivales, antes de estrenarse en nuestras salas el 26 de enero del próximo año.

La nueva película de los directores  Eric y Olivier, que será distribuida en España por A Contracorriente Films se estrenará en nuestro país tras los éxitos logrados con sus anteriores trabajos “Intocables” y “Samba”, pero antes clausurará el Festival de Toronto, y pocos días después tendrá lugar la premiere europea en la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. A diferencia de “Intocable” y “Samba” que clausuraron el festival de Donostia en 2011 y 2014 respectivamente, esta comedia competirá en la Sección Oficial y luchará por la Concha de Oro.

Esta nueva producción de QUAD y Gaumont traslada al espectador a la trastienda de una boda. Para la novia y el novio es la noche más importante de sus vidas. Pero es como cualquier otra noche para Max, de la empresa de Catering, Guy el fotógrafo, James el cantante y todos los demás que trabajan en la gran fiesta desde la preparación hasta la salida del sol.

C’EST LA VIE cuenta con un reparto coral compuesto por Jean Pierre Bacri (“Como una imagen”, “Como en las mejores familias”), ganador de un premio César en 1997 como actor secundario por su papel en “On connaît la chanson”; el popular actor francés Gilles Lellouche (“Cuenta atrás”, “Conexión Marsella”); la actriz canadiense Suzanne Clément (“Mommy”, “Laurence Anyways”) y Jean-Paul Rouve (“La vida en rosa”), entre otros. 

En los cines franceses se estrenará el próximo octubre de la mano de GAUMONT y en España será A Contracorriente Films quien nos la ofrecerá a partir del 26 de enero de 2018

Se espera que sea una de las películas de mayor éxito del cine francés.

MOLLY´S GAME: CRÍTICA DE CINE

          Molly´s Game del debutante Aaron Sorkin, nos somete a un thriller electrizante a través de una historia densa, portentosa y donde la pareja protagonista, huele a Oscar.

          Molly Bloom (Jessica Chastain) es una esquiadora de talla mundial, que se ve en la obligación de abandonar dicha disciplina a consecuencia de una caída aparatosa que la llevó a una serie de intervenciones en su columna vertebral y aunque se recuperó, no pudo entrar en el equipo olímpico tal y como soñaba.

          Antes de comenzar con sus estudios de abogada, decide tomarse un año sabático, yéndose a Los Ángeles donde trabajará como camarera y más tarde y debido a una serie de acontecimientos a su alrededor, terminar siendo la jefa de prestigiosas y clandestinas partidas de póker, hasta que un día 17 agentes del FBI la detienen. La defenderá el abogado Charlie Jaffey (Idris Elba) ante los numerosos casos por los que es acusada.

          No hay spoiler en lo comentado, pues estamos ante una historia real que arranca con un insuperable prólogo sobre el mundo del esquí de alta competición, en el cual Molly era una gran promesa hasta su fatal caída. Una historia donde hay mucho que contar y su director, lo hará en un tiempo prudencial de metraje, aunque supere las dos horas, pues en el camino de Molly se cruzarán otras vidas, otros personajes y situaciones no siempre beneficiosas, desde la mafia rusa, las traiciones, la soledad, las frustraciones, el machismo, el poder, el dinero, los valores innatos del ser humano,  la política, la lucha por la supervivencia…Todos, cada uno de ellos y algunos más, serán cruciales en la historia.  

          Jessica brilla de nuevo con luz propia atrapando al espectador desde el minuto cero. Es la reina de la pantalla grande. Vuelve a ser abducida, pues es lo que parece que le sucede a esta gran actriz cada vez que se enfrenta a un personaje, un personaje en esta ocasión que deberá luchar en un mundo de hombres para abrirse camino y en el cual por mucho que la traicionen, sus valores morales y éticos prevalecerán intactos, ante el asombro de quienes conocen su historia. No le importa quedarse en la ruina, que piensen incorrectamente sobre ella o ir a la cárcel, si con ello puede evitar que inocentes sufran la humillación por lo que sus padres o parejas, han hecho o han podido hacer.  En un acto de gran generosidad, Molly y Jessica, Chastain y Bloom pactan devorarse mutuamente, para ofrecer lo mejor de las dos al público, y sin la menor duda lo logran, vaya si lo logran. Jessica huele a Oscar, aunque exista mucha competencia.

          Normalmente Chastain cuenta con grandes actores masculinos a su lado, a los que “tritura” sin compasión. En esta ocasión la complicidad con su compañero, nos ofrece un delicioso dúo de fuerza, carácter y verdad en la pantalla. Él es el gran actor británico, Idris Elba, en  el papel de abogado defensor. Cuando ambos están juntos en la pantalla, esta explota y el espectador lo percibe y disfruta.

          El afamado guionista Aaron Sorkin, en esta ocasión toma también las riendas de la dirección para ofrecernos una obra intensa, basada en la historia real de Molly Bloom. Una obra tan incisiva y elocuente, como casi siempre son sus guiones, con diálogos y monólogos, perspicaces y eficientes a partes iguales, para continuar en su línea y siendo el complemento perfecto a lo que el espectador ve en la gran pantalla; en esta ocasión derrochando además, nervio en el  movimiento de cámara, riqueza en planos perfectamente equilibrados, avalados con la magnífica fotografía de Charlotte Bruus Christensen y el soberbio montaje. Sorkin lo tiene muy claro, sabe lo que quiere contar y cómo hacerlo.  Con la maestría que le caracteriza, su crítica hacia  la sociedad norteamericana sigue siendo tan elegante y sutil, como punzante en el resultado. Su genialidad una vez más, al servicio de la gran pantalla.

            Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Enero

          REPARTO: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Samantha Isler, Chris O´Dowd, Graham Greene, Jeremy Strong, Bill Camp, Brian d´Arcy James, Claire Rankin, J.C. MacKenzie.

          PRODUCTORA: Entertainment One/ The Mark Gordon Company/ Pascal Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain

WONDERSTRUCK.EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS: CRÍTICA DE CINE

         Wonderstruck.El Museo de las Maravillas está dirigido por Todd Haynes. Dos épocas, dos niños y un mismo desenlace.

         Ben (Oakes Fegley) es un jovencito que vive en el año 1977, en Minnesota. Su madre (Michelle Williams) muere en un accidente y desconoce quién es su padre. Vive junto a sus primos y tía, quien le cuida como un hijo más.  Una tarde de tormenta, mientras se refugia en la antigua casa y habitación donde vivía con su madre, da con una pista de quien puede ser su padre y donde encontrarlo, toma el teléfono y en ese preciso instante, un rayo descarga sobre él, quedándose sordo. Obsesionado por saber de su padre, decide escaparse de casa y viajar hasta New York. 

          En 1927 nos encontramos con la jovencita Rose (Millicent Simmonds), quien vive en New Jersey, es sorda y conoce el lenguaje de los signos. Convive con su padre, un hombre severo y extremadamente protector, su madre es una famosa actriz del cine mudo, Lillian Mayhew (Julianne Moore) residente en New York. Cansada del trato que le da su padre, decide viajar en busca de su madre.

          Brian Selznick escribió en 2011 el libro titulado “Maravillas” y él mismo lo ha adaptado a guion cinematográfico para ser dirigido con suma pulcritud y temple por Todd Haynes.

          Un film no exento de cierto riesgo, no solo por la manera en que presenta las tramas, sino por el modo de ofrecer un tema tan delicado como es la  discapacidad auditiva y no obstante, Todd, logra atrapar al espectador a través de una dirección contenida, de una exquisita narración visual, de las acertadísimas interpretaciones y de los magníficos efectos de sonido o ausencia del mismo, durante parte de la obra. El sonido, esa parte tan importante y delicada en una película y en ocasiones tan poco valorada por el público, cobra en este filme protagonismo propio, logrando la tensión que se vive bajo la pérdida de la audición. El silencio absoluto en el día a día, en un mundo en constante movimiento, el estar rodeados de ruidos de toda índole y donde la palabra hablada tiene gran importancia.

          Una obra en la cual  sus protagonistas viajan en busca de su propia identidad como sucede en el caso de Ben o del afecto personal que reclama Rose. La amistad, la vida, el enfrentarse a los problemas, el madurar antes de lo marcado por la propia vida o los recuerdos a los que aferrarse; crean un universo propio, único, en el que se ven obligados a desenvolverse bajo los constantes peligros que les acechan. Una historia intensa que va crescendo plano a plano, escena a escena, hasta llegar a ese final que desemboca en una hermosa alegoría. Interpretaciones mimadas, destacando a la pequeña Millicent Simmonds y al jovencísimo Oakes Fegley  

          Entre los aspectos técnicos, además de lo comentado sobre el  magnífico sonido, hay que destacar la soberbia fotografía de Edward Lachman, con una más que correcta iluminación en el transcurso de  la década de los 70 a través de una cuidada paleta de color, para dar paso a las estampas en blanco y negro que evocan y recrean los años 20, "jugando" entre los encuadres, los ligeros desenfoques o las superposiciones, por poner algunos ejemplos. El trabajo de diseño de vestuario de la mano de Sandy Powell, refleja con exactitud ambas décadas. La batuta de Carter Burwell dirigiendo una delicada y correcta partitura y no puedo olvidarme del extraordinario montaje, el cual nos atrapa entre las constantes rupturas del orden temporal, en dicha narración. 

          Todos estamos en el fango, pero algunos miramos a las estrellas.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Enero.

          REPARTO: Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves, Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner, Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raúl Torres, Millicent Simmonds, John P. McGinty, Mark A. Keeton.

          PRODUCTORA: Amazon Studios/ Killer Films

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

CORTOMETRAJES A LOS GOYAS 2018

A Contracorriente Films y Sherlock Films apuestan por las pequeñas obras, por esos cortometrajes que en muchas ocasiones se convierten en  pequeñas joyas cinematográficas y que a más de un director, le ha ayudado a realizar su primer largometraje.

Los que ahora os presento, los he visto en pase de prensa y ambos están nominados a mejor cortometraje a los Goya 2018.

El primero de los visionados ha sido “Los Desheredados” dirigido por Laura Ferrés, estrenado ya en cines y que está nominado a mejor Cortometraje en la Categoría de Documental.  

Los Desheredados se alzó durante la última edición del Festival de Cannes con el Premio Descubrimiento Leica Cine de la Semana de la Crítica. Ha logrado varios premios internacionales y continúa su andadura de festivales.

Está producido por Valerie Delpierre y es el segundo cortometraje de la directora quien se graduó en dirección cinematográfica en ESCAC.

Un cortometraje a caballo entre el documental y la ficción, basándose en la historia de su propio padre, quien debido a la crisis, tuvo que cerrar su pequeño negocio.

Laura, junto a su padre Pere, quien se interpreta así mismo, nos van mostrando en cada plano la sensación de vacío, de desesperación, de pérdida y abandono en la cual aun siendo consciente de lo que se les avecina, se resignan aferran a lo que han creado, hasta el cierre definitivo.

 “Extraños en la Carretera” de Carlos Solano, quien ya nos presentó, tras terminar sus estudios en ESCAC, “Somos Amigos” logrando numerosos premios y su primera candidatura a los Goya 2016. Este año está nominado en la Categoría de mejor Cortometraje de Ficción.

Su nuevo trabajo viene de la mano de Be Sweet y Cornelius Films que, tras su paso por los mejores festivales nacionales, ha conseguido su segunda nominación a los Goya.

El cortometraje está protagonizado por Miki Esparbé y Macarena García, con guion de Carlos C. Tomé y dirección de Carlos Solano, quien nos narra un thriller intenso y muy bien realizado donde la confianza tiene mucho que decir, y nada más se puede contar.

Cortometraje que aconsejo ser disfrutado en la gran pantalla y que se estrenará el 12 de enero. Así que atento a las salas donde se proyecte.

Auguro a este joven, Carlos Solano, un gran futuro, pues si a su edad tiene el temple de mantener tensión y equilibro, en un corto como el que nos presenta, me gustaría saber de lo que es capaz, con un largometraje entre sus manos.