JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO: CRÍTICA DE CINE

 

Judas y el Mesías negro está dirigida por Shaka King compartiendo el guion con Will Berson, basándose en una historia de Keith Lucas, Kenneth  Lucas, Shaka King y Will Berson. “¿Por qué la placa?... ¿Por qué no usar un cuchillo o una pistola, como un ladrón normal?”… “Porque una placa intimida más que un arma”.

El filme comienza con la entrevista a Bill O´Neal en 1989, preguntándole sobre sus actividades a finales de los 60 y principios de los 70. Se queda pensativo y nos lleva al año del asesinato de Martin Luther King a través de imágenes de archivo,  los disturbios que se originaron y el gran crecimiento de los Panteras Negra, quienes  alimentaban a los niños y cuidaban de la población negra. El líder de dicho grupo, Fred Hampton (Daniel Kaluuya) se convirtió en el enemigo público número uno para el FBI.

William O`Neal (Lakeith Stanfield) irrumpe en un bar haciéndose pasar por un agente del FBI, pero la jugada le sale mal y tiene que huir en un coche robado, siendo detenido por el agente del FBI Roy Martin Mitchell (Jesse Plemons) quien le propone un trato a cambio de retirar todos los cargos que tienen sobre él, para ello debe infiltrarse en los Panteras Negras; objetivo que consiguió al convertirse en uno de los jefes de seguridad del líder Fred Hampton (Daniel Kaluuya) y llevar consigo las llaves de varios cuarteles generales y casas francas de los Panther.

El partido Panteras Negra (Black Panther Party) fue una organización nacionalista negra, socialista y revolucionaria, que estuvo activa en Estados Unidos desde el año 1966 a 1982, creada para la autodefensa del pueblo negro e induciendo a la población negra a ejercer el derecho constitucional de tener armas. Entre sus actividades principales destacaban el asegurar  que todos los niños estuvieran alimentados, la lucha contra las drogas, la habilitación de clínicas gratuitas para la población y el impartir clases gratuitas de derecho y economía, autodefensa y primeros auxilios. William O`Neal dio su primera y única entrevista para la docu-serie “Eyes On The Prize 2”, fue miembro activo del Partido de las Pantera Negras y un informante pagado del FBI hasta principios de 1970, ganando el equivalente actual de más de 200.000 Dólares. Esta es la historia de algunos de sus componentes.

Shaka King, debido a que sus padres eran maestros de escuelas públicas, tuvo una educación en diversos vecindarios de Spanish Harlem y Fort Greene. Asistió a una escuela preparatoria predominantemente blanca en Bay Ridge y fue durante sus años de secundaria, cuando descubrió su pasión por la escritura creativa. Estudió Ciencias Políticas y cursó producción cinematográfica en Vassar Collage. Unos años más tarde ingresó en un programa de posgrado en Cine en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, en donde tuvo como profesor a Spike Lee. Su primer largometraje “Newlyweeds” 2013, fue su proyecto de tesis. Ha dirigido capítulos de series de televisión como: “People of Earth”  y “High Maintenance”, ambas en 2016, “Random Acts of Flyness” 2018 y “Shrill” 2019.  Realizó el cortometraje “Mulignans” 2014 y regresa al largometraje con “Judas y el mesías negro” 2020.

Judas y el mesías negro, nos ofrece una magnífica ambientación entre finales de los 60 a primeros de los 70, recordándonos con su estética visual a los filmes de aquella época a través de sus coches, mobiliario e incluso el vestuario creado por Charlese Antoinette Jones; pero sobre todo en el esmerado uso del color y la iluminación retro, entre planos muy sugerentes, en la mirada del director de fotografía Sean Bobbitt, quien logra sumergirnos, ya de entrada, en un tiempo entre décadas del pasado siglo XX. A tener en cuenta también, la inquietante partitura de Craig Harris y Mark Isham, que nos acompaña a lo largo del metraje.

Está claro que el anterior presidente de los Estados Unidos, con sus pensamientos retrógrados, levantó ampollas y cabreos entre el colectivo afroamericano, surgiendo movimientos como el Black Life Matters, que nos recuerda a otros tiempos que nadie debe olvidar, para que la historia no se repita. Sigo sin entender, como un país que se abraza a la bandera de la democracia y la libertad, presumiendo a los cuatro vientos de ser el país más avanzado, puede seguir tratando a una gran parte de su población como lo hace. Es por ello, que en estos últimos años, estamos observando que la industria del cine ante esa falta de tolerancia, violencia, maltrato y desigualdad, grita a través de la gran pantalla y de la pequeña, aquello que se ha escondido y se desea esconder tras cortinas de humo, con una fuerte crítica socio-política y Judas y el mesías negro, es un claro ejemplo, de lo que está sucediendo en la actualidad, en dicho país.

La película cuenta con un importante reparto actoral, a través del cual destacan sus dos protagonistas principales; ese traidor llamado William O`Neal, interpretado por Lakeith Stanfield y el líder de los Panteras Negra encarnado por un Daniel Kaluuya, en puro estado de gracia. Las interpretaciones de ambos, donde podrían tener una cierta paridad con Judas y el Mesías, elevan la tensión del filme, a través de dos personajes tan dispares y a la vez tan complementarios. Un tándem perfecto para un filme duro y desgarrador, narrando una historia pausada, que estremece de principio a fin.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Marzo en HBO Max.

REPARTO: Daniel Kaluuya, Lakeith Stanfield, Jesse Plemons, Martin Sheen, Ashton Sanders, Lil Rel Howery, Algee Smith, Jermaine Fowler, Robert Longstreet, Terayle Hill, Dominique Fishback, Nick Fink, Darrell Britt-Gibson, Amber Chardae Robinson, Adam Ratcliffe, Caleb Eberhardt, Zak lee, Alysia Joy Powell, Crystal Lee Brown, Amari Cheatom, Debbie Scaletta, Chris Hahn, Michael Buonomo, James Udom, Michael Harrity, Matt Hudson, Linda D. Gaines, Alonda Shevette, Steve Rizzo, Laura Allen, David Gragg, Peter Lawsn Jones, Mell Bowser, David Haynes, Aaron Kleiber, Tone Tank, Rober Petan, Todd C. Adelman, Anthony Garcia, Chris Drexel, Shalanda Fresh, Chris Breen, Bobby Rodriguez, Chris McCail, Brian Andrus, Suzie Coker, Longa Fry, David Goebel, Dominique Thorne.

PRODUCTORA: Bron Creative// MACRO// Participant Media

DISTRIBUIDORA: Warner Bros y HBO Max.

EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, El juicio de los 7 de Chicago, está dirigida y escrita por Aaron Sorki.

La película comienza con un prólogo de un noticiario en donde nos informan que ha sido enviada a Vietnam la División Aeromóvil y otras fuerzas, para incrementar los efectivos de 75.000 a 125.000 hombres de forma inmediata e irán aumentando el número cada mes; provocando un reclutamiento masivo obligatorio de jóvenes entre los 18 a los 24 años, acto que provocará las protestas anti-Vietnam, al que se sumaran  el asesinato de Martin Luther King, el de Robert F. Kennedy o el clima de división entre los demócratas, todo ello originará una gran manifestación  en Chicago, durante la Convención del Partido Demócrata. 

Unos meses más tarde, fueron detenidos: Rennie Davis (Alex Sharp) organizador en Chicago del (MOBE), Tom Hayden (Eddie Redmayne), líder y presidente de la organización(SDS), Jerry Rubin (Jeremy Strong)  y Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), del Partido Internacional de la Juventud (YIPPIES), David Dellinger (John Carrol Lynch) líder de la Movilización para acabar con la Guerra de Vietnam (EL MOBE), Bobby Seale (Yahya Abdul-MateenII), presidente del partido de los Panteras Negras, Lee Weiner (Noah Robbins), estudiante universitario y activista comunitario y John Froines (Daniel Flaherty), químico y activista antiguerra. Los ocho en un principio, siete a partir de un momento del juicio, fueron juzgados en uno de los juicios más mediáticos de la historia del país.

Aaron Sorki, escribió el guion en 2007, con la intención de que fuera Steven Spielberg quien la dirigiera, pero la huelga de guionistas y problemas de presupuesto, provocaron que Spielberg abandonase el proyecto. Tendrían que pasar 11 años para que el guion cambiara de rumbo, siendo el propio Sorki quien la dirigiera entre Chicago y los alrededores de Nueva Yersey. Si bien he mencionado a quienes se sentaron como acusados, es de ley mencionar que los fiscales fueron Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) y Thomas Foran (J.C. MacKenzie) y en la defensa estuvieron, William Kunstler (Mark Rylance) y Leonard Weinglass (Ben Shenkman)

El guionista, productor, dramaturgo, actor y director, Aaron Sorkin, desde muy joven se interesó por la interpretación, estudió en la Scarsdale High School, fue miembro de los clubes de drama y teatro, graduándose en 1979, año en el que ingresó en la Universidad de Siracusa, graduándose en 1983 con un Bachelor of Arts. Decidió instalarse en Nueva York donde trabajó como actor de forma intermitente. Comenzó a escribir durante un fin de semana, mientras cuidaba la casa de un amigo, su primera obra “Removing All Doubt. Entre sus guiones más importantes encontramos: “Algunos hombres buenos” 1992 y “Mi querido presidente” 1995 de Rod Reiner, “La red social” 2010 de David Fincher o “Steve Jobs” 2015 de Danny Boyle. En 1998 crea la serie “Sports Night” continuando con otras series como “El ala oeste de la Casa Blanca” 1999, “Studio 60 on the Sunset Strip” 2006 y  “The Newsroom” 2012. Su primer largometraje para la gran pantalla llega con “Molly`s Game” 2017 finalizando, de momento, con “El juicio de los 7 de Chicago” 2020.

Sorki se enfrenta a su segundo largometraje, tras una amplia trayectoria como guionista y creador de series televisivas. Lo primero que me ha recordado este nuevo filme, en cuanto a la construcción de la historia e incluso ofreciendo un prólogo potente que nos llevará de nuevo a un intenso y dramático juicio, con un final impactante, como le gusta rematar sus guiones, es a su ópera prima “Molly´s Game”. De nuevo deja claro que lo suyo son los juicios y que se sabe mover como pez en el agua desde el momento en que traspasa las puertas de la sala de vistas, entre abogados defensores, fiscales, jueces, jurado, testigos, mentiras y verdades, política y sociedad y por supuesto, el público, entre los que nos coloca a nosotros, los espectadores, para ir sacando nuestras propias conclusiones, aprobando la postura de unos y criticando la de otros, entre los diversos flashbacks, hasta llegar a ese final en el que el espectador salta en la butaca.

El juicio de los 7 de Chicago, es una obra meditada, escrupulosamente medida y con una importante dirección actoral, no desfalleciendo ante el gran reparto coral con el que cuenta, entre caras muy conocidas y otras no tanto. Quizás esa perfección que tiene a la hora de escribir y dirigir, situando la cámara en el lugar preciso, los exuberantes y profundos diálogos y ese ambiente tan aséptico que se respira, la encorseten un poco, no dejando fluir y respirar a la historia y a los propios personajes, pero no cabe la menor duda que sabe crear tensión y ser tremendamente elegante, ante la exposición de temas tan duros.

Cuenta, como he comentado, con un gran elenco actoral que nos hace disfrutar de cada uno de los personajes, por poco que esté ante la cámara, por lo que no me voy a decantar por ninguno de ellos. Un filme en el que se respira tensión, drama, silencios que invitan a la reflexión, atención ante lo que se dice y lo que se muestra, y con respecto a lo que se muestra, ha confiado  en el director de fotografía Phedon Papamichael, que retrata a la perfección los interiores y exteriores en un amplio abanico de planos, que ayudan a agilizar el metraje, combinándolos con las imágenes de archivo con las que ha contado y para finalizar, destacar la banda sonora, de Daniel Pemberton, en quien ha vuelto a confiar. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Octubre 2020 (Aún está en la cartelera de Netflix)

REPARTO: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Matten II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson.

PRODUCTORA: Amblin Partners// Paramount Pictures// Cross Creek Pictures// Marc Platt Productions// Reliance Entertainment// DreamWorks SKG// MadRiver Pictures// ShivHans Pictures.

DISTRIBUIDORA: Netflix.

EL TEATRO LARA ESTRENA "JOHNNY CHICO" CON VÍCTOR PALMERO

 

EL TEATRO LARA nos informa que Víctor Palmero llega con una oda “fuckgender” del australiano Stephen House: JOHNNY CHICO.

Una cruda y emocionante pieza sobre la aceptación personal, avalada por la crítica internacional y bajo la dirección de Eduard Costa. Los viernes a las 20:15 horas. 

Llega a Madrid el valiente monólogo de Stephen House, sobre el conflicto de identidad personal y sexual que vive un joven marginal, que trata de subsistir en una gran ciudad recién llegado de un pueblo, escapando de la violencia familiar y la incomprensión. Pinceladas de ternura, humor, crudeza y emoción, pero sobre todo de realidad, componen esta obra aplaudida por la crítica internacional.

En Johnny chico no hay concesiones, ni tampoco perdón. Es sólo una historia más de un chico que no cuadra en la realidad en la que vive, ni en el cuerpo en el que convive; pero que, aún y así, trata de sobrevivir al mundo que le rodea a pesar de no encajar en él y busca lo mismo que, en el fondo, buscamos todos: ser amado y aceptado.

JOHNNY CHICO es Víctor Palmero.

Texto: Stephen House.

Dirección.

Eduard Costa.

Una producción de MORIARTY & HOLMES

Escenografía: Luis Crespo.

Música Original: Juanjo Ballester.

Iluminación: Mundi Gómez.

Video Mapping: Electric Five

Vestuario: @Perucha63

Producción Ejecutiva

Coque Serrano.

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DIGIMON ADVENTURE: LAST EVOLUTION KIZUNA: CRÍTICA DE CINE

DIGIMON ADVENTURE: LAST EVOLUTION KIZUNA, está dirigida por Tomohisa Taguchi con guion de Akiyoshi Hongo y Akatsuki Yamatoya.

El prólogo comienza con el tema del Bolero de Ravel, viendo como las luces de la ciudad, en plena noche, bailan al compás, ante la admiración de los transeúntes. Al amanecer las noticias informan que un extraño fenómenos ha llegado a la ciudad y que no repercutirá en la vida de los ciudadanos; pero en ese instante aparece un ave de grandes dimensiones y empieza a soplar un fuerte viento.  Se entabla una persecución entre los personajes ya conocidos de la saga  y el ave en cuestión, para enviarlo de vuelta a su dimensión, a partir de ahí, empieza la nueva aventura, en la cual nuestros protagonistas son contratados para descubrir que está sucediendo a nivel mundial, pues unas 300 personas han quedado en coma, sin ninguna explicación. Todos ellos son niños elegidos, todos ellos cuentan con su Digimon personal.

Sobre el director Tomohisa Taguchi os puedo comentar que comenzó en televisión, dirigiendo series como: “Persona 4 The Golden Animation” 2014, “Twin Star Exorcists” 2016, “Sôsei no onmyôji” 2016,  “Kino´s Journey: The Beautiful World-The Animated Series” 2017,  “Kino no tabi” 2017, “Persona 5: The Animation” 2018, el cortometraje “Digimon: To Sora” 2000. Largometrajes como “Persona 3 The Movie: #2 Midsummer Knight´s” 2014, “Persona 3 The Movie: #4 Winter of Rebirth” 2016  y este año trae a las pantallas “Digimon Adventure: Last Ecolution Kizuma”

“Somos demasiado jóvenes para aceptar el futuro que nos imponen otros,  hacemos todo lo que está en nuestra mano para llegar siempre más alto. Estas no son unas memorias. Esta es una nueva aventura sobre nosotros y los Digimon” Así comienza esta tercera entrega de la serie animada Digimon y con ella se conmemora el 20 aniversario de la franquicia. Un filme en donde nuestros personajes pueden viajar por todo el mundo a través de puertas digitales, buscando respuestas ante las adversidades que se les cruzan en el camino, principalmente el descubrir que está pasando con los niños que han entrado en coma. El enfrentarse a ese cambio tan importante, el paso de la infancia a la madurez, en una evolución natural y tener que mirar adelante, aunque duela dejar atrás los recuerdos, los juegos y hasta algunos amigos. La pérdida y las despedidas, como punto de mira ante los que tarde o temprano nos debemos encarar, para convertirnos en adultos y que al igual que nuestros cuerpos, nuestras vidas e historias, también evolucionen hacia el futuro que nos espera. 

La animación que nos ofrece Digimon Adventure Last Evolution Kizuna, es sencilla en los rasgos y ágil en los movimientos, destacando la precisión con la que nos muestra los pequeños detalles, los edificios, los cristales de las ventanas y sobre todo, la lluvia, esa lluvia que se desliza por los ventanales y los escaparates o la que vemos caer en las calles. Una obra que goza de una exquisita paleta de color. Colores muy vistosos y alegres, con los que los más jóvenes y los no tan jóvenes, disfrutamos.

El filme en su versión española cuenta con un cuidado doblaje recayendo la dirección del mismo en Blanca Rada, quien además da voz a Tai, el protagonista. Otros dobladores que han intervenido son Rafael Calvo (Agurmón y Greimón), Marta Sáinz (Gatomón y Sora), Rocío Azofra (Kari), Eugenio Barona (Gabumón y Omegamón), Pepa Agudo (Mimi, Angemón y Patamón), Diana Torres (Piyomon, T.K.) y Mariano García (Matt) entre otros.

En definitiva, una película muy entretenida y que en un principio se ofrece como cierre a la historia original, mostrando esa relación tan especial entre Tai y Agumon, su Digimon, como la última aventura que vivirán juntos; por lo que es muy recomendable, especialmente, para todos aquellos que han seguido sus aventuras durante estos años atrás. Una obra que remata, con la cuidada banda sonora de Ayumi Miyazaki en colaboración con otros compositores. 

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Marzo

PRODUCTORA: Toei Animation

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Visión. 

LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY: CRÍTICA DE CINE

 

Los estados Unidos contra Billie Holiday, está dirigida por Lee Daniels compartiendo guion con Suzan-Lori Parks, en una adaptación de la novela de Johann Hari. “En 1937 se  debatió la ley contra los linchamientos a los afroamericanos, ley que no prosperó”

Billie Holiday (Andra Day) fue una afamada cantante de jazz, adicta a las drogas y al alcohol, que tuvo una vida tormentosa desde niña.  Amada por sus fans y perseguida por el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos, al frente del cual estaba el comisionado Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund) quien detestaba a Billie y a los afroamericanos. Mantuvo una extraña relación amorosa con Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), el agente federal encubierto a las órdenes de Anslinger, relación que continuó, incluso cuando ella supo quién era él.

El productor, escritor y director de cine, Lee Daniels, no tiene una educación formal en cine, pues tras cursar dos años en la Universidad Lindenwood, fundó una agencia de enfermería, que vendería por 2 millones de dólares, dinero con el que se abrió camino en el mundo del espectáculo, iniciándose como director de casting y mánager, para terminar creando su propia productora “Lee Daniels Entertainment”. Su ópera prima en la dirección fue “Shadowboxer 2005, continuando con “Precious” 2009 (Obtuvo varios premios internacionales, entre ellos los Oscar a mejor guion adaptado y mejor actriz de reparto para Mo`Nique), “El chico del periódico” 2012 y “El mayordomo” 2013. También ha dirigido, producido, escrito y creado las series “Empire” 2015 aun en emisión y “Star” 2016 también en emisión. Este año nos ofrece “Los Estados Unidos contra Billie Holiday”

Una parte de la vida de Billie Holiday, en gran medida, sigue siendo un misterio, aunque existan varias biografías, incluyendo la que ella misma escribió poco antes de morir y que algunos críticos consideran que está llena de inexactitudes, mientras otras de esas biografías  son “abrazadas” por ese  halo de leyenda que la rodeó a lo largo de su vida,  como artista. Dos veces casada, manteniendo relaciones con hombres y mujeres, según reseñan algunas crónicas o viviendo una vida al límite entre las drogas y el alcohol, que finalmente provocaron su muerte por cirrosis. En esta ocasión, la obra adaptada ha sido el libro “Tras el grito” de Johann Hari, que como describe en su portada es “un relato revolucionario y sorprendente sobre la verdadera historia de la guerra contra las drogas.

Tal vez lo que menos le interese al espectador, es esa batalla y persecución contra las drogas, en que estaba envuelto el país, sino la historia de esta mujer viviendo entre las luces y las sombras, más sombra que luces, vaya por delante y por supuesto, la magia de su voz y las letras de sus canciones. Letras que hablan de dolor, miseria, maltrato, violación, desamor, de la familia, la infancia o la prostitución; entre otros temas de los cuales destacó una canción, la que se convertiría en insignia en todas sus actuaciones y que su público tanto de raza blanca como negra, le pedían una y otra vez, mientras el gobierno la odiaba hasta el punto de prohibir que la cantara. Ese tema es “Strange Fruit” por el que se la detuvo en algunas ocasiones y que en el año 1999 fue considerado por la revista Time, como la mejor canción del siglo XX.

Los Estados Unidos contra Billie Holiday, es la vida de una mujer que no se aminoraba ante nada ni nadie, luchadora en unos tiempos convulsos y que se enfrentó incluso a los federales, ante el constante acoso que recibía por su parte. Un drama duro y profundo sobre la fama, la pérdida, la soledad, las traiciones o su mayor enemigo, la heroína. Las drogas y el alcohol, como le ha sucedido a otras grandes estrellas, que buscaron en esas sustancias psicoactivas el refugio ante la realidad que les tocó vivir. Un filme por el que Lee Daniels, en algunas ocasiones, pasa de puntillas sin profundizar en algunos aspectos que considero relevantes para conocer un poco más a la artista y a la mujer, tal vez, como suele suceder, el problema radica en un guion un tanto descuidado. 

Capítulo aparte merecen, Adra Day, la gran estrella de este filme, espectacular y absolutamente impecable, en una interpretación que se apodera por completo del personaje o tal vez es el personaje el que se adueña de su ser. Convincente de principio a fin entre el drama que la atormentaba y el resplandor de diva que proyectaba en el escenario, gracias a ese torrente de fragilidad, sensualidad, entereza y romanticismo que emanaba. Andrew Dunn, quien con su íntima y elegante fotografía, ha sabido captar cada expresión, cada movimiento e incluso cada sentimiento y emoción. La partitura dramática en la batuta de Kris Bowers y para terminar, la espléndida ambientación. 

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Marzo

REPARTO: Andra Day, Trevante Rhodes, Natasha Lyonne, Garrett Hedlund, Rob Morgan, Tone Bell, Da´Vine Joy Randolph, Evan Ross, Dana Gourrier, Melvin Gregg, Erik LaRay Harvey, Tristan D. Lalla, Kwasi Songui, Alika Autran, Blake DeLong, Jeff Corbett, Miss Lawrence, Mark Antony Krupa, Karl Graboshas, Randy Davison, Sylvia Stewart, Dusan Dukic, Arthur Holden, Damian Joseph Quinn, Richard Jutras, Nealla Gordon, Alexander Bisping, Philippe Hartmann, Catherine Lemieux, Letitia Brooker, Ray Shell, Christopher Wyllie, Yvanna-Rose Leblanc y Eric Clark.

PRODUCTORA: Lee Daniels Entertainment// New Slate Ventures// Roth-Kirschenbaum Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

LA LIGA DE LA JUSTICIA DE ZACK SNYDER: CRÍTICA DE CINE

 

LA LIGA DE LA JUSTICIA de Zack Snyder cuenta con guion de Chris Terrio. La esperadísima versión del director, no defrauda a nadie.

Vemos a Superman (Henry Cavill) sacrificándose y muriendo en presencia de sus compañeros Wonder Woman (Gal Gadot) y Batman (Ben Affleck), mientras Cyborg (Ray Fisher) está custodiando una de las tres cajas madre, en su casa.

Steppenwolf (Ciarán Hinds) bajo el mandato de Darkseid (Ray Porter) tiene la misión de hacerse con las tres cajas madre, que tras la muerte de Superman han despertado. Las tres cajas madres están custodiadas, una por Cyborg, otra por las amazonas y la tercera por los Atlantes. Bruce Wayne (Batman) conoce el peligro que se avecina y busca crear la alianza junto a Wonder Woman (Gal Gadot), Aquaman (Jason Momoa), Cyborg (Ray Fisher) y Flash (Enza Miller). Todos saben que sin Superman la empresa va a resultar imposible, aunque  Cyborg, les comenta que es factible traerle a la vida.

En el año 2017 llegó a las pantallas “La liga de la justicia”, tras muchos problemas de producción. Por un lado el guion se vio sometido a diversas modificaciones y por otro, Zack Snyder abandonó el proyecto  tras la muerte de su hija Autumn, a quien dedica la película actual. Es el quinto filme del Universo Cinematográfico de DC, en una versión del director de casi cuatro horas de duración y la visión original de Snyder antes de los cambios exigidos por el estudio y tras abandonar, por el caso ya expuesto. El filme se presenta en formato 4:3 para conservar plenamente la perspectiva creativa del director. 

El guionista, productor y director, Zack Snyder, aunque en un principio estuvo interesado en seguir los pasos de su madre en la pintura, decidió finalmente estudiar en el Art Center College of Design, en Pasadena, California, la carrera de cine. Como otros cineastas, sus primeros pasos estuvieron relacionados con la publicidad, trabajando para importantes marcas y dirigiendo videos musicales como “Lizzy Borden: Love Is a Crime” 1989, “Peter Murphy: You´re So Close”,  “Morrissey: Tomorrow” y “Soul Asylum: Somebody to Shove” los tres en 1992. “ZZ Top: World of Swirl” 1994, “Rod Stewart: Leave Virginia Alone” 1995 y “My Chemical Romance: Desolation Row” 2009. Entre los cortometrajes encontramos, “Superman 75º Aniversario” 2013 y “Snow Steam Iron” 2017. En 1990 dirige el documental “Playground”. En el largometraje se inició con “Amanecer de los muertos” 2004 continuando con “300” 2006, “Watchmen” 2009, el filme de animación “Ga`Hoole: La leyenda de los guardianes” 2010, “Sucker Punch” 2011, “El hombre de acero” 2013, “Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia” 2016, “La liga de la justicia” 2017 que tuvo que abandonar, haciéndose cargo Joss Whedon, para finalizar con el “Ejército de los muertos” y la versión definitiva de “La liga de la Justicia”, ambas en 2021.

La liga de la justicia, es una historia de Zack Snyder, Chris Terrio y Will Beall, cuyos personajes fueron creados por Jerry Siegel y Joe Shuster y en su nueva versión, cuenta con una duración de 3:52:29. Una duración excesiva para algunos y agradecida para otros tantos, pues sin la menor duda, Snyder ha puesto toda la carne en el asador para mayor gloria de los superhéroes de DC, que habían quedado un tanto deslucidos en su versión del 2017. Ahora Zack demuestra de lo que es capaz y sobre todo, lo que deseaba ofrecer al público en general. Es una pena que no se haya podido disfrutar en la gran pantalla, pero sí en nuestros hogares y la posibilidad de verla tantas veces deseemos e incluso deleitarnos con algunas escena que resultan  memorables.

En aquel año 2017 era inevitable que existiera rivalidad entre los superhéroes del universo cinematográfico de Marvel y los de DC, aunque pienso que cada uno tiene su espacio y hacer comparaciones entre los unos y los otros, si bien algunas saltan a la vista, es absurdo. Sí, que Cyborg tiene similitudes con Iron Man o que Flash se asemeje a Spider-Man e incluso que las Gemas aquí son Cajas Madre. Da igual, todos los superhéroes pueden convivir entre los humanos, porque todos son bienvenidos, mientras traigan la paz. El problema es que los seres humanos sí buscan la rivalidad y en ocasiones, quienes lo sufrimos somos los demás, en este caso, los espectadores, que tuvimos que asistir a una desafortunada película del Universo DC. El tiempo pone a cada uno en su sitio y  rectificar es de sabios, así que toca disfrutar de las grandes aventuras que nos han preparado estos superhéroes, que no olvidemos que también luchan contra las fuerzas del mal.

Resulta muy grato, no develo nada, ver de nuevo a Superman en su mejor momento, aunque el despertar no le sentó demasiado bien, así como a personajes tan emblemáticos como a Martha Kent, esa madre coraje interpretada por Diane Lane, a la novia fiel que es Lois Lane, encarnada en Amy Adams, al carismático Joker a quien da vida Jared Leto o al archienemigo de Superman, Lex Luthor, bajo el actor Jesse Eisenberg, por mencionar a algunos de ellos; pues gracias al metraje de este filme, cada personaje, secundario o principal, tienen su tiempo y espacio. Algo que se agradece.

Un filme épico que nos lleva por los diferentes hábitats naturales en los que viven nuestro superhéroes, a través de ese viaje que decide realizar Bruce Wayne con idea de reunirles a todos, tras la fatídica muerte de Superman y en donde el maestro de fotografía Fabian Wagner, nos regala unas imágenes extraordinarias, en un amplio catálogo de planos y conservando la estética de la luz y el color tan característicos en las obras de Zack Snyder. Escenarios en medio de las montañas nevadas, las profundidades del mar, las tierras de las amazonas y los espacios en los cuales se desarrollarán las batallas. Una fotografía nítida, que sabe captar con elegancia el dramatismo frente a los diferentes mundos y los habitantes de los mismos, que por instantes nos recuerdan las viñetas de los Cómic. Una obra abrazada y acompañada por la extraordinaria y palpitante música de Junkie XL.

Sobre quienes encarnan a los superhéroes, comentar que todos resultan creíbles y que aquí, seguramente cada uno tiene su favorito, como es natural. A mí quien me sigue llamando la atención por su desparpajo, naturalidad, juventud, que todo le causa asombro y emoción, es Flash, interpretado por Enza Miller, a quien hemos visto en filmes tan diferentes como: “City Island” 2009 de Raymond De Felitta, “Madame Bovary” 2014 de Sophie Barthes, “Experimento en la prisión de Sanford” 2015 de Kyle Patrick Alvarez o “Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald” 2018 de David Yates. Pero vuelvo a repetirme, todos asumen con credibilidad y dignidad, sus personajes.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Marzo

REPARTO: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Amy Adams, Joe Morton, Amber Heard, Jared Leto, J.K. Simmons, Connie Nielsen, Ciarán Hinds, Robin Wright, Diane Lane, Jesse Eisenberg, Joe Manganiello, Jeremy Irons, Willem Dafoe, Ryan Zheng, Ray Porter, David Thewlis, Billy Crudup y Lisa Loven.

PRODUCTORA: Warner Bros// DC Comics// DC Entertainment.

DISTRIBUIDORA: HBO Max.

PREMIOS FUGAZ CORTOESPAÑA: GANADORES A NIVEL LOCAL

PREMIOS FUGAZ CORTOESPAÑA informa que con más de 700 trabajos presentados y 4 millones de visualizaciones, el certamen “Rodando Por La Igualdad” en TikTok, publica la lista de ganadores a nivel local

Con más de 700 trabajos presentados y 4 millones de visualizaciones acumuladas en la red social TikTok, el certamen audiovisual “Rodando por la Igualdad”, organizado en torno al pasado Día Internacional de la Mujer, ha publicado la lista de obras ganadoras a nivel local, un total de 55 piezas elegidas entre los diversos municipios, provincias y mancomunidades de todo el país que han participado en la iniciativa.

A través de pequeños trabajos de hasta un máximo de 60 segundos, las personas participantes de los más de 50 certámenes celebrados al mismo tiempo en todo el territorio nacional, han volcado su talento y creatividad alrededor del hashtag #rodandoporlaigualdad, para abordar el tema de la desigualdad de género en su más amplio sentido.

Canciones creadas para la ocasión, impactantes alegatos en primera persona o sorprendentes efectos visuales, son algunos de los elementos que se han empleado para tratar asuntos como la igualdad en el deporte, en oportunidades laborales, en tareas domésticas o la denuncia de relaciones tóxicas, entre otras muchas cuestiones.

Pero “Rodando Por La Igualdad” aún no ha finalizado, ya que las obras ganadoras de los distintos certámenes locales competirán entre sí hasta el 25 de marzo, en un concurso nacional donde se elegirán los tres mejores trabajos de todo el país, y que contará con un premio extra para los vencedores. En concreto, los galardones a nivel nacional consisten en un primer premio dotado con 1.000 euros y 500 euros en formación online o presencial en la escuela audiovisual EFTI de Madrid, un segundo premio dotado con 500 euros y un tercer premio dotado con 250 euros. También habrá un premio para la obra que consiga más likes de entre las 55 ganadoras, consistente en un lote de productos de “Tierra de sabor”. Así, sumando los certámenes locales y la competición nacional, se van a repartir más de 18.000 euros en premios.

Las comunidades con el mayor número de certámenes celebrados han sido Madrid (once), Islas Canarias (ocho), Comunidad Valenciana (ocho), Castilla y León (cinco) y Andalucía (cuatro). Asimismo, ha destacado el caso de Albacete, cuya diputación organizó un certamen para la totalidad de la provincia. La lista la han completado convocatorias en ayuntamientos de Aragón, Asturias, Cantabria, Castilla La Mancha, Cataluña, Extremadura, Galicia, Baleares, La Rioja, Murcia y Navarra.

La productora Cortoespaña, especializada en el cortometraje e impulsora de la iniciativa, se puso como objetivo “estimular la capacidad creativa y potencia rla reflexión y la concienciación por la igualdad de género” y se eligió la plataforma TikTok por “su alta penetración en los estratos más jóvenes de la sociedad y por la facilidad de creación audiovisual que proporciona”.

“Muchos son los esfuerzos que la sociedad tiene que realizar para tratar el tema de la igualdad de género”, han apuntado desde la organización, cuyos miembros tienen “el convencimiento de que el papel de la educación es vital y el camino hacia el cambio se encuentra en ofrecer a los sectores más jóvenes de la población todos los recursos posibles para sensibilizar y visibilizar el problema”.

Con más de diez años de experiencia en iniciativas culturales y acostumbrados a los certámenes de carácter presencial, el equipo de CortoEspaña ha visto necesario explorar nuevos formatos audiovisuales, a causa de la actual crisis sanitaria. Es por ello que ahora están centrando sus esfuerzos en propuestas de carácter online, aunque continúan organizando actos presenciales, siempre que las condiciones sanitarias lo permitan.

La lista de piezas ganadoras a nivel local se puede consultar en la web oficial del certamen “Rodando Por La Igualdad” a través del siguiente enlace.  https://drive.google.com/drive/folders/1c3HendbXWRGQ7bwK1loITFdWCwJCgEl9

“Rodando por la igualdad” es una iniciativa promovida por la plataforma CortoEspaña y organizada y respaldada por los organismos públicos pertinentes (Ayuntamientos, Diputaciones, Mancomunidades) en cada respectivo certamen. EFTI, Centro Internacional de Fotografía y Cine, y Tierra de sabor, apoyan también la iniciativa y participan en la dotación de sus premios a nivel nacional.

LISTADO COMPLETO DE MUNICIPIOS PARTICIPANTES EN “RODANDO POR LA IGUALDAD”

Andalucía: Alcalá de Guadaíra, Córdoba, Rincón de la Victoria, San Roque Aragón: La Puebla de Alfindén, Tarazona, Zaragoza Asturias: Cangas del Narcea, Siero Cantabria: Santander, Torrelavega Castilla La Mancha: Diputación de Albacete, Cuenca Castilla Y León: Cabezón de Pisuerga, Miranda de Ebro, Palencia, Salamanca, Villamayor Catalauña: Badia del Vallés, Canovelles Madrid: Algete, Coslada, Mancomunidad El Alberche, Las Rozas, Mancomunidad Missem, Móstoles, Navalcarnero, San Agustín de Guadalix, San Sebastián de los Reyes, Torrelodones, Villanueva Del Pardillo Comunidad Valenciana: Benidorm, Burjassot, Denia, La Vall d'Uixó, Mancomunidad Marina Baixa, San Vicente del Raspeig, Torrent, Xàbia Extremadura: Montehermoso Galicia: Cambre, Lugo, Mos Islas Baleares: Consell de Ibiza Islas Canarias: Arafo, Arico, Güímar, Cabildo de La Gomera, La Oliva (Fuerteventura), Santa Cruz de Tenerife, Santa Lucía de Tirajana, Santa Úrsula La Rioja: Logroño Murcia: Alcantarilla Navarra: Pamplona.

 CortoEspaña es la mayor plataforma de exhibición y promoción del cortometraje español. Cuenta con más de diez años de experiencia en iniciativas culturales, durante los que ya ha trabajado con más de 200 ayuntamientos. Además de organizar los Premios Fugaz, galardones de referencia en el panorama del cortometraje español, también lleva a cabo otras muchas actividades en la creación y promoción de la cultura y el cine. Desde el 2020 ha trabajado con más de 100 municipios en la realización de certámenes audiovisuales en TikTok.

CINE INÉDITO EN MOVISTAR+ ABRIL 2021

Cine inédito de abril en Movistar+ CINE INÉDITO: Películas no estrenado en salas en España que llegan directamente a Movistar+. “Archenemy”, cine de superhéroes para un público diferente, entre nuestras inéditas de abril. Y además, el drama intimista “Lo que queda de nosotras” con Heather Graham y la comedia francesa “Le dindon” con Dany Boon, encabezan nuestra gran variedad de estrenos que no han pasado por salas comerciales y que, sin embargo, podrán disfrutarse en Movistar+.

“LO QUE QUEDA DE NOSOTRAS”. Desde el jueves 8.

Tierno e intimista drama en clave femenino, aclamado por la crítica, sobre cuatro mujeres (dos madres y dos hijas del mismo padre) que estrechan relaciones tras la muerte del hombre. Entre las dos madres se crea una complicidad que va en aumento a medida que también comienzan a compartir los problemas de sus hijas adolescentes. “Lo que queda de nosotras” está protagonizada por Heather Graham, Sophie Nélisse, Abigail Pniowsky y Jodi Balfour.

“ARCHENEMY”. Desde el lunes 12.

Cine de superhéroes para un público diferente. SpectreVisión, la productora cofundada por el actor Elijah Wood que está revolucionando el cine alternativo de género con filmes originales y arriesgados como “Mandy” o “Color Out of Space”, es la responsable de esta película de superhéroes en clave realista. Protagonizada por Joe Manganiello y dirigida por el realizador de Adam Egypt Mortimer, “Archenemy” mantiene la duda durante gran parte de la película de si el protagonista es o no es un superhéroe.

TRILOGÍA “PLANETA SOLTEROS”. Desde el martes 13 y al miércoles 14.

La saga polaca de comedias supertaquilleras en la que Maciej Stuhr da vida a Tomek, un presentador de televisión que despierta pasiones entre las mujeres y envidia entre los hombres. Cuando Tomek conoce en su programa a la tímida maestra de escuela Ania (Agnieszka Wiedlocha), comienza toda una serie de enredos que harán unirse y separarse a la pareja una y otra vez a lo largo de las tres divertidas y tiernas películas.

“LE DINDON”. Desde el domingo 18.

Dany Boon y Guillaume Gallienne  son los protagonistas de esta comedia francesa que actualiza la obra de teatro “Ojo por ojo, cuerno por cuerno” escrita por Georges Feydeau en 1896, un vodevil costumbrista sobre la infidelidad lleno de enredos y humor subido de tono.

“THE CLOSET”. Desde el lunes 19.

Película coreana de terror psicológico que mezcla intriga y cierto sentido del humor en una historia de niños que desaparecen en el armario de una casa encantada. Presencias extrañas, un padre que sabe que su hija desaparecida sigue con vida y un investigador paranormal se unen en esta cinta coreana de estructura y puesta en escena muy occidental.

“POR LOS NIÑOS”. Desde el martes 20.

Nominado a la mejor ópera prima en el Festival de Cine de Berlín de 2020, este drama alemán independiente sigue a un joven padre cuya vida se va a pique. En este drama social, dirigido por la debutante Barbara Ott, el protagonista está a punto de ser expulsado de su casa por impago y tiene problemas con su jefe y sus exparejas. Decidido a retener a sus hijos y a pagar su deuda, el temperamental joven busca una salida imposible en un combate de boxeo amateur, lo que termina provocando una oleada de problemas aún mayores.

“CENA EN AMÉRICA”. Desde el miércoles 21.

Comedia con forma de 'road movie' y cierta dosis de drama que sigue a una chica punk de clase acomodada que, huyendo de la policía tras cometer un pequeño delito, termina conociendo al líder de su grupo punk favorito. Esta oda a la rebeldía de la joven protagonista y al músico de punk que la libera estuvo nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance de 2020 y ha ganado otros muchos galardones en festivales de cine independiente como los de Neuchâtel, Tallín, Odesa o Virginia.

EL LADO HUMANO: DOCUMENTAL COVID-19

 

El  jueves 18 de marzo se presentó en el Colegio de Médicos de Madrid “EL LADO HUMANO”. La cinta muestra los testimonios reales de médicos y pacientes como nunca se ha mostrado.

El jueves 18 de Marzo, se ha presentado en el Auditorio de Ilustre Colegio de Médicos de Madrid, de El Lado Humano, documental rodado durante la primera ola de la pandemia y que se consolida como un homenaje auténtico a todos los que estuvieron en primera línea de la lucha contra la Covid-19.

En la presentación estuvieron presentes el director y productor del documental Carlos Caraglia y algunos de los médicos y pacientes que intervienen en el film, Rosa Capilla (Jefa de urgencias-Hospital Puerta de Hierro) José Luis Moreno Hurtrez (Jefe de UCI-Hospital Vithas Madrid-Arturo Soria) Manuel Gómez y Teresa Elúa (Paciente ingresado 80 días en UCI y su esposa)

Y también el Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid, Enrique Ruiz, el presidente del ICOMEM Manuel Martínez -Sellés, el Director General del Grupo hospitalario Vithas, Pedro Rico y el Profesor Emilio Bouza, presidente del Comité Científico del covid-19, con más de 50 años el en ejercicio de la medicina.

La cinta, ha sobrecogido a todo al público asistente: Médicos, sanitarios, pacientes, fuerzas y cuerpos de seguridad que emocionados aplaudieron y agradecieron el trabajo del cineasta. “las cosas se olvidan, pero este documental quedará”, decía una representante del summa112.

Estas son algunas declaraciones que se produjeron durante el emocionante acto:

Carlos Caraglia director del documental: “Ha sido la experiencia mas extrema de mi vida” “Había mucho riesgo, pero yo soy un reportero y  el riego va implícito en mi trabajo”

José Luis Moreno Hurtrez: (Jefe de UCI-Hospital Vithas Madrid-Arturo Soria) “Teníamos miedo, mucho miedo, pero no nos quedaba otra que seguir….Hemos aprendido muchísimo, no solo a nivel técnico sino en la relación con los pacientes y con mis compañeros. Ya nada será igual.

Rosa Capilla (Jefa de urgencias-Hospital Puerta de Hierro): “No queremos una paga extra... lo que queremos un reconocimiento profesional”

Manuel Martínez -Sellés, presidente del Colegio de Médicos, quien agradeció “el trabajo de Carlos Caraglia y de todos los profesionales que estuvieron en esos primeros meses de servicio y entrega total de lucha contra la covid-19”.

Enrique Ruiz Escudero, Consejero de Sanidad de la Comunidad de Madrid, quien ha dedicado “un sentido recuerdo los sesenta y tres médicos, los nueve enfermeros y los veinticuatro farmacéuticos que han fallecido trabajando en primera línea”

Pedro Rico, CEO del Grupo Vithas, “agradecer a Carlos Caraglia que integrase en el documental  a toda la sanidad, tanto pública como privada, ya que todos sus médicos y sanitarios padecían los mismos sufrimientos, temían los mismos temores, y lloraban los mismos muertos.”

Profesor Emilio Bouza, presidente del Comité Científico del covid-19 en ICOMEM ha recordado “He vivido tres grandes crisis: la colza, el primer año más duro de la epidemia del SIDA, pero nunca había vivido nada de la magnitud de lo que hemos vivido en esta epidemia”. También ha dedicado unas palabras a “los jóvenes médicos que se han ganado un sitio en la historia de la medicina”. 

Marisol Representante de Summa 112: “Pensé que lo tenía superado pero al haber visto el documental, me doy cuenta que sigo estando rota”

Manuel Gómez (Paciente ingresado 80 días en UCI) bromeó: “No voy a decir nada más, porque de tanta emoción vais a lograr lo que no logró el covid, que “crepe””

Teresa Elúa (esposa de Manuel Gómez): “Estuvimos muy bien cuidados gracias a todos los médicos y sanitarios, pero doy cuenta que la gente se está olvidando de aquello”

Ricardo Gutierrez (Portavoz del Cuero Nacional de Policía de Madrid: agradeció “Has convertido la tragedia en una obra de arte y quizás este documental salve vidas”…. “Con la pandemia hemos aprendido a trabajar en sinergia con todos los demás implicados: bombero, sanitarios, Summa, Samur, Ume y en el ámbito personal me ha enseñado a llorar”

Sin lugar a dudas, historias repletas de verdad y emotividad

EL DOCUMENTAL ESTÁ DISPONIBLE EN LA PLATAFORMA FILMIN

MONSTER HUNTER: CRÍTICA DE CINE

 

Coproducida por Estados Unidos, Japón, Alemania y China, Monster Hunter, está escrita y dirigida por Paul W.S. Anderson. “Es posible que ante la percepción de nuestros ojos, se escondan nuevos mundos que desconocemos”

El equipo bravo, un grupo de militares, desaparecen en medio de una tormenta y otro grupo de compañeros, con la teniente Artemis (Milla Jovovovich) al mando, deciden averiguar el motivo de dicha desaparición en medio del desierto, en el cual encuentran a su paso unos bloques de piedra que parecen marcadores antiguos. Se verán atrapados en el interior de una tormenta y cuando esta cesa, se dan cuenta que han sido transportados a otro mundo,  un mundo habitado por monstruos terrestres y dragones violentos, con los que tendrán que luchar para sobrevivir. Cuando Artemis se queda sola, conocerá a un cazador (Tony Jaa), que lleva tiempo sobreviviendo en dicho lugar. Juntos buscarán la forma de sobrevivir, aunque ambos hablen idiomas diferentes. 

El productor, guionista y director, Paul W.S. Anderson, desde muy joven, con tan solo nueve años, realizaba películas con una cámara de Super-8.  Estudió en Newlands Preparatory School de Gosforth y en la Royal Grammar School de Newcastle, graduándose como el estudiante más joven de la Universidad de Warwick con un B.A., en cine y literatura. Se ha especializado en filmes de ciencia ficción y considerado como uno de los creadores del género de películas basadas en videojuegos, pero comenzó como guionista para la serie británica “El C.I.D.” que se emitió de 1990/92 y protagonizó a Alfred Molina en las dos primeras temporadas. Junto al productor Jeremy Bolt fundó la productora “Impact Pictures” en 1992.  Debutó en el cine con “Shopping” 1994 continuando con “Mortal Kombat” 1995, “Horizonte final” 1997, “Soldier” 1998, “Resident Evil” 2002, “Alien vs. Predator” 2004, “Death Race: La carretera de la muerte” 2008, “Resident Evil 4: Ultratumba” 2010, “Los tres mosqueteros” 2011, “Resident Evil: Venganza” 2012, “Pompeya” 2014 y “Resident Evil: Capítulo final” 2017. Para la televisión ha dirigido “Pulsión” 2000 y la serie “Origin” 2018. Este año regresa a la gran pantalla con “Monster Hunter” 2020.

Paul W.S. Anderson ha llevado a la gran pantalla el videojuego creado por Capcom y Kaname Fujioka y lo adapta tal cual, pues el guion es prácticamente inexistente, limitándose a cuatro frases y dándolo todo en las batallas. Las eternas batallas acompañadas por la frenética banda sonora de Paul Haslinger y la fotografía a cargo de Glen Macpherson. Un filme para amantes de la acción extrema y por supuesto del videojuego, por el que desfilan no solo los personajes humanos, sino todo tipo de bichos, al cual más depredador. Está claro que cuando decidieron dirigir esta película, los bichos estaban hambrientos, pues cualquier cosa que se mueve, se la llevan para dentro. Un filme que no llama a engaños, lo que ofrece lo da, en exceso, sí. Es una de esas películas que no deja respirar ni a los personajes ni a los espectadores.

Un producto con un destino preferente, el mercado chino y japonés, donde sin ninguna duda arrasará, no en vano ha contado con la productora Toho, especializada en películas de monstruos y alarde en efectos especiales. Entre sus monstruos nos encontramos con el más internacional y del que cada poco tiempo, nos llega una nueva entrega, Godzilla. Monster Hunter no desaprovecha la ocasión para rendir un homenaje al lagarto gigante, al encontrarse ciertas similitudes con el extraño dragón de esta película. En resumen, un filme escrito y dirigido para los amantes del género.   

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Marzo.

REPARTO: Milla Jovovich, Tip Harris, Ron Perlman, Tony Jaa, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist.

PRODUCTORA: Capcom// Impact Pictures// Constantin Films// Tencent Pictures// Toho.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

NOMADLAND: CRÍTICA DE CINE

 

NOMADLAND está dirigida por Chloé Zhao compartiendo el guion adaptado con Jessica Bruder, autora del libro.  

Tras fallecer su marido, perder su trabajo durante la recesión y guardar sus pertenencias en un almacén, Fern (Frances McDormand) se sube a su furgoneta, que tiene preparada con todo lo necesario para vivir en ella, y decide echarse a la carretera, en un viaje hacia el Oeste americano, viviendo como una nómada de nuestros tiempos, en busca… ¿De respuestas fuera de la sociedad convencional que la ha dejado “huérfana”? o ¿Intentando dejar atrás un pasado que la persigue como un fantasma?

La productora, guionista y directora, Chloé Zhao, estudió en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, producción cinematográfica. Su primer cortometraje llegó en 2009  “The Atlas Mountains” para continuar con “Daughters” 2010 con el que ganó diversos premios. Su ópera prima en el largometraje se estrenó cinco años más tarde “Songs My Brothers Taught Me”, para continuar con “The Rider” 2017 con la que obtuvo un importante éxito de público y crítica, logrando diversos premios internacionales, entre ellos el Art Cinema Award: Ganador Quincena de Realizadores, en el Festival de Cannes. En 2020 presenta “Nomadland” con la cual ya ha obtenido premios internacionales, entre ellos dos Globos de Oro (Mejor película dramática y directora)  o el  León de Oro en Venecia a la mejor película, convirtiéndose además, en una fiel candidata a los Oscar de este año. También ha rodado “Eternals” este 2021, para Marvel Studios, que se estrenará en nuestro país en Noviembre.

Chloé Zhao vuelve a visitar y profundizar en las entrañas del corazón y la mente de un nuevo personaje, embarcándole de nuevo en un viaje especial, un viaje a su interior desde el exterior, entrando en contacto con la naturaleza, la libertad, la identidad de ser humano y con  aquellos a los que se les conoce como los desahuciados, los olvidados, a los que la sociedad abandona, considerando que ya no son productivos. Una feroz crítica a la sociedad norteamericana escuchando frases como: “No solo aceptamos la tiranía del dólar, la tiranía del mercado, sino que nos entregamos a ella”

De nuevo ese cine independiente norteamericano, nos vuelve a mostrar la cara más dolorosa de ese país que se empeña en ofrecer al exterior, una imagen totalmente diferente, maquillada y disfrazada, a la que viven en realidad, una gran parte de sus ciudadanos, en el día a día. Esa américa profunda que tantos filmes importantes nos ha regalado, brindándonos personajes ricos en matices como el de Fern, interpretado magistral y emocionalmente, por Frances McDormand, que aun recordamos en “Tres anuncios a las afueras” 2017 de Martin McDonagh, cuyo papel le valió el Oscar de ese año. Un filme duro y por momentos incómodo, reflexivo y pasional, excesivamente pausado pero bellamente retratado, narrando una historia desde el alma, pasando por el corazón y descansando en el cerebro. Un ejercicio honesto al que Zhao, nos está acostumbrando.

“El desierto de los corazones olvidados”, como me gusta definir a este filme, en medio de agrestes pero hermosos espacios desérticos evocando, algunos de ellos, a paisajes lunares, Chloé nos invita a sentarnos y reflexionar entre vagabundos, hippies, gentes que viven de lo que la naturaleza les ofrece, sin cuestionarse cuál es su lugar o los nómadas de corazón y vocación; para conocer en primera persona sus historias y de esta forma “codearnos” con Linda Mary, que se convertirá en su mejor amiga, Bob Wells el líder de la comunidad y promotor del vandwellingd, a un veterano de Vietnam que solo busca vivir en paz, tras lo sufrido en la guerra, a una afroamericana que tras perder a sus padres de cáncer, decidió emprender su viaje personal o a quien tocará su corazón, Dave. Una Road Movie que examina temas como la vejez, la muerte, la soledad, las enfermedades, la pérdida de la familia o el deseo de aventura; entre pueblos vacíos, carreteras infinitas, paseos en la noche alejados del bullicio de la sociedad con el único propósito de encontrar su lugar, su propia felicidad; sin aferrarse a lo material. Una forma de vida difícil de entender para quienes no solo no pueden prescindir de lo que ya tienen, sino que aspiran a más. Un mundo desconocido, en el que no viajan solo en sus furgonetas, sino a lomos del dolor y de la pérdida. De los recuerdos de quienes se fueron y de los lugares en los que vivieron. De los sueños rotos, que se aferran a uno por muchos kilómetros que se recorran, porque en realidad, como le dice Bob Wells, “Nunca hay un adiós definitivo… Nos veremos en el camino”

El filme cuenta con una fotografía gélida y cálida a partes iguales, en la mirada de Joshua James Richards, captando con delicadeza lo que Zhao nos quiere transmitir, así como Ludovico Einaudi, a través de su magnífica banda sonora, exhortándonos a la reflexión; porque además de otras muchas lecturas, Nomadland es un filme que nos sugiere acomodarnos en la butaca y dejarnos llevar por esas carreteras solitarias, conociendo un mundo por descubrir y a gente muy especial. Un filme que su directora ha querido dedicar a los que tuvieron que partir, a esos seres queridos que tal vez, si el universo lo requiere, los volvamos a encontrar en el camino.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Marzo en cines y a partir del 30 de abril en Disney+Star (Sin coste adicional)

REPARTO: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Gay DeForest y Patricia Grier.

PRODUCTORA: Highwayman Films// Cor Cordium Productions// Hear/Say Productions

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Searchlight Pictures y Walt Disney Pictures.