ANIMALES HERIDOS: CRÍTICA TEATRAL

          La sala Lola Membrives del Teatro Lara, presenta la obra de Mariano Rochman, Animales Heridos. Un drama que profundiza en las relaciones de pareja y los recuerdos familiares.

          Sinopsis: Román regresa a su ciudad natal tras unos 10 años de ausencia. En casa se encontrará con su hermanastra Cecilia, que ha vivido sola, tras la muerte de los padres.

 

         Román arrastra un pasado convulso que no sólo le afecta a él, sino a quienes dejó en la ciudad, envuelto entre los recuerdos de amores  rotos o no resueltos y lazos familiares dolorosos. Cicatrices sin curar  que en cada recuerdo vivido, gritan buscando un antídoto, una solución, para la liberación que su ser precisa. Para ello recrearán un juego donde intervienen los conflictos, objetivos, circunstancias y urgencia.

         

Una dramaturgia más que interesante donde Mariano hila finamente, como en una tela de araña, las historias de esos recuerdos, de los sueños e instantes de aquello que fue o pudo ser, destilando cierta amargura y resignación, entre la pérdida y la búsqueda del amor. Lo vivido en su infancia y juventud, dentro del seno de una familia disfuncional y los traumas que aún le persiguen, aunque no sólo a él, sin olvidar la atracción sexual entre hermanastros de la misma edad y de sexos diferentes. La búsqueda de respuestas, mientras surgen otras preguntas. La necesidad del perdón y del entendimiento. El lograr extirpar de su mente lo que la nubla, para seguir un nuevo camino.

          Rochman no solo crea una obra perturbadora, dura, desgarradora y dramática, en parte inspirada en sus experiencias, sino que somete a sus dos actores a una batalla sin igual, donde Marta y Víctor entregan todo su ser a sus personajes. Presentan los fantasmas de la humanidad, o al menos de una parte de ella, cuando de amor y familia se trata. Seguramente algunos/as espectadores/as, se verán reflejados/as.  

          Víctor se enfrenta a un personaje fuerte y que logra en escena la total credibilidad, pero quien lleva el mayor peso, sin duda, es Marta, pues se reencarnará en todas las mujeres que han pasado por la vida de Román. Resaltar con que sencillez visual y bien estudiada, pasa de un personaje a otro, simplemente con el cambio de una prenda de vestir.

          Para terminar, dos elementos que quiero destacar son la sencilla y eficaz escenografía y su cuidada iluminación.

          Obra que recomiendo y donde seguramente, cada espectador/a sacará conclusiones  que difieren de las de otros/as, pues si algo tiene Animales heridos, es que en realidad, todos/as en momentos de nuestras vidas, hemos sido, somos y seremos heridos por los sentimientos, de los que está dotado el ser humano.

LA OBRA SE REPRESENTAS TODOS LOS JUEVES A LAS 20:15 HORAS.

TEATRO LARA: SALA  LOLA MEMBRIVES 

EQUIPO ARTÍSTICO:

REPARTO:

MARTA CUENCA es Cecilia y otros personajes

VÍCTOR ANCIONES  es Román.

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Mariano Rochman

VESTUARIO: Guadalupe Valero

ESCENOGRAFÍA: Juan Sebastián Domínguez

ILUMINACIÓN: Luz ET

MÚSICA: Mariano Rochman

FOTOGRAFÍA: Life Triumph y Raquel Rodríguez

DISEÑO GRÁFICO: José Gonçalo Pais

OPERACIÓN TÉCNICA: Raquel Rodríguez

PRODUCCIÓN: Doble Sentido Producciones

DISTRIBUCIÓN: Mara Bonilla Distribución

MI NOMBRE ES TE ATA: CRÍTICA DE CINE

            Mi nombre es Te Ata, un filme de Nathan Frankowski que exuda magia e invita a la relajación a través de la exquisita narración con guion de Jeannie Barbour y Esther Luttrell, y la sobresaliente interpretación de Q´orianka Kilcher. 

          María Thompson Fisher (Q,orianka Kilcher), a quien se la conocería por su nombre artístico Te Ata, fue una mujer que vivió en Chickasaw, lo que más tarde se denominó Oklahoma. Un espíritu libre, soñador, aventurero y en comunión perfecta con la naturaleza y la energía que desprendía cada poro de su ser. Tuvo que luchar para lograr sus sueños y entre esas personas, con su protector padre T.B. Thompson (Gil Birmingham) quien no deseaba que su hija sufriera el menor daño. Él había creado su particular “fortaleza”, su pequeño paraíso para la felicidad de su familia; pero Te Ata, buscaba conocer el mundo y que el mundo supiera lo orgullosa que estaba de ser quien era. 

          Cuando una historia ofrece tanta verdad, es difícil que no cautive a los espectadores y sin duda Nathan, posee la maestría y habilidad de narrar este filme basado en hechos reales, con suma exquisitez y buen gusto. Logra mantener el equilibro sobre ese hilo tan delicado, donde la fragilidad de lo narrado, podría evaporarse, pero por el contrario, lo mantiene creando en el espectador sensaciones y emociones maravillosas que permanecen en su mente por un largo periodo. El amor a  la naturaleza, a la Tierra que le aporta la fuerza, a la familia, a la libertad, el dar rienda suelta a su espíritu rebelde y el sentirse orgullosa de su raza.

          La historia real de una mujer que rompió toda clase de barreras y prejuicios, a pesar de las diferencias sociales y raciales de finales del siglo XIX,  donde su espíritu libre, magníficamente representado por el perro blanco que aparece en instantes claves del filme y su magnetismo personal,  la llevará hasta Broadway para descubrir verdaderamente cuál era su destino, sus metas e incluso su espacio donde ofrecer su arte y relatos.

          Mi nombre es Te Ata, cuenta con espléndidas interpretaciones pero sin la menor duda, Q´orianka Kilcher, es quien cautiva con su espectacular y sobrecogedora interpretación, entregando todo su ser al personaje a encarnar. La pulcritud en sus expresiones corporales, la excelencia en las coreografías mientras cuenta la historia, su voz cautivadora al narrar y cantar, sus miradas, sus silencios... Todo en ella parece ser bendecido por un ser especial y el magnetismo que le concede Te Ata, enamorando a la pantalla y a quienes disfrutan de su presencia.

          Una gran dirección, unas interpretaciones totalmente acertadas y un guion cargado de poesía, se enriquecen con las bucólicas  y bellas imágenes que nos ofrece en su gran abanico, la fotografía de Ben Huddleston, acompañado de la emocionante banda sonora del maestro Bryan R. Miller.

          Poco más o mucho se podría decir sobre esta obra que deja sin aliento al espectador, que le despierta sonrisas y lágrimas, que le atrapa fotograma a fotograma, sumiéndolo en un estado de relax total en  la butaca de cine y así poder disfrutar y admirar una historia tan bellamente contada, que es preferible que sea el propio espectador, el que en su mente, rubrique cada emoción vivida.

          "La ignorancia es la causa de nuestros miedos"

          Mi nota es un 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: Q´orianka Kilcher, Gil Birmingham, Graham Greene, Mackenzie Astin, Brigid Brannagh, Cindy Pickett, Jenni Mabrey, Marissa Skell, Boriana Williams, Don Taylor, Robert Ousley, Gordon Fox.

          PRODUCTORA: Chickasaw Nation Productions / Paladin (USA)

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory

1945: CRITICA DE CINE

            El húngaro Ferenc Török junto al autor de la novela Gábor T. Szántó, guioniza y dirige, 1945. Un filme de Posguerra que hace gala del dicho: “Se recoge lo que se siembra”

          En un pequeño pueblo de Hungría sus habitantes se preparan para la boda del hijo, Arpad (Bence Tasnádi) de uno de los funcionarios y máximo cacique del pueblo, Istvan Szentes (Péter Rudolf), con la ex prometida de su mejor amigo, Kisrozsi (Dóra Sztarenki)

          Lo que parece un día de alegría, se trastocará al conocer la visita de dos judíos ortodoxos que acaban de llegar en tren, portando dos grandes cajas de madera. Cajas que serán acomodadas en un carro tirado por un caballo. El camino hasta el pueblo les llevará una hora y los dos forasteros caminarán, con lentitud, tras dicho carro.

          Por otra parte en el pueblo, Istvan teme que  los dos judíos sean familiares de antiguos lugareños, los cuales fueron deportados o asesinados. La noticia corre como la pólvora entre los demás vecinos, temiendo que otros supervivientes de la guerra regresen, y reclamen las propiedades de las que se han ido apoderando en su ausencia.

          Desde casi los primeros minutos del visionado de este filme, al menos desde mi punto de vista, 1945 nos trae recuerdos  de un inolvidable clásico, también rodado en blanco y negro como es “solo ante el peligro” y que además estoy convencido que Ferenc conoce sobradamente, la existencia de dicha obra. La planificación de la historia,  la narración pausada, el tiempo real en que ambas están rodadas, muchos de los planos utilizados e incluso donde tanto la banda sonora como la fotografía, toman el relevo de la palabra.

          Una banda sonora que va alterando el sistema nervioso del espectador minuto a minuto, con toda la intención para provocar el clímax preciso, a medida que se conoce la vida de sus habitantes, sus secretos y respectivos comportamientos, bajo la batuta de Tibor Szemzö y la plasticidad y nervio visual aportado por la soberbia fotografía de Elemér Ragályi, reforzando y recreando cada elemento de su  puesta en escena.

          1945 cuenta con una cuidadísima narración en un tiempo de posguerra, concretamente la II Guerra Mundial y cómo la implicación y participación de los vecinos de un pueblo, claro reflejo de muchos otros, en sus luchas internas, se implica en la Historia inculpando o favoreciendo a los unos o a los otros. Las rencillas, los ideales políticos, la codicia, los estatus, los caciques y los sumisos, se codearán con el honor y el perdón, mientras en las mentes de los indeseables, el fantasma de la culpabilidad les perseguirá en busca de venganza, más divina que terrenal.

          Acertadísimo el elenco de actores en unas adecuadas interpretaciones, hasta el punto de sentirse por una hora y media, trasportados a un tiempo no deseado, aunque en parte no tan lejos de la realidad cotidiana del hoy en día. Desgraciadamente no hace falta mirar hacia el pasado, para ver que el ser humano, poco o nada ha cambiado cuando el poder o los bienes ajenos, se tienen al alcance.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus.

PRODUCTORA: Katapult Film.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

PREESTRENO DE RISE: LA NUEVA SERIE DE MOVISTAR+

           El martes día 13,  Movistar+ presentó a los medios el preestreno de “Rise” en el Teatro Alcalá de Madrid, a las 19:30 horas, pocas horas antes de su estreno en Estados Unidos.

          Fernando Jerez, director de #0 y contenidos Premium de Movistar+, comentó: “RISE” junto con “RIVERDALE”, “EL JOVEN SHELDON” o “Mr. ROBOT”, “FAMA A BAILAR”, o “LA RESISTENCIA”, entre otros contenidos, representan la apuesta de la plataforma por atender la demanda del público milennial. Una plataforma con cuatro millones de hogares debe incorporar todos los géneros y tener una mirada amplia para llegar a públicos muy diferentes”

          Tras la proyección del capítulo piloto, Fernando Jerez, mantuvo un coloquio con los periodistas: Álvaro Onieva, Alberto Rey, Marina Such e Isabel Samaniego.

    

      Rise” nos narra la historia del profesor Lou Mazzuchelli (Josh Radnor). Tras una crisis personal busca inspiración y para ello se hace cargo del departamento del teatro del instituto donde imparte clases desde hace 17 años como profesor de lengua y literatura. Tracy Wolfe (Rosie Pérez) ha dedicado toda su vida al departamento de teatro y no comprende porqué ha sido sustituida por Lou. En un principio los roces entre ambos son inevitables, pero poco a poco descubrirá el espíritu soñador de Lou y decide unirse a él,  por el bien de los chicos y del teatro.

          Los personajes principales son: Lou Mazzuchelli (Josh Radnor) Profesor de lengua y literatura en el instituto Stanton. Tracy Wolfe (Rosie Pérez) Directora del departamento de teatro del instituto. Lilette Suarez (Auli´i Cravalho), posee una voz increíble y un talento nato para el teatro, pero es una chica insegura llena de miedos y sin creer en ella misma. Robbie Thorne (Damon J. Gillespie) es el chico más popular del instituto, es el jugador estrella del equipo de fútbol, pero posee una gran voz y talento para la interpretación. ¿Fútbol o teatro? Simon Saunders (Ted Sutherland) siempre ha sido el actor principal de las obras hasta la llegada del nuevo director, quien  le ofrece el quinto personaje, un personaje menor pero con una gran carga emocional. A través del personaje, ¿logrará vencer sus fantasmas y exponerse como realmente es? Gwen Strickland (Amy Forsyth) es otra de las jóvenes talentosas. Atractiva, imponente, con un duro carácter y una prodigiosa voz, está acostumbrada a tener los mejores papeles y la atención de todos, pero… Michael Hallowell (Ellie Desautels) Forma parte del coro del instituto destacando por su voz, por lo que Lou le recluta para el grupo. Michael encontrará un entorno en el que se sentirá acogido y no juzgado ni por su transexualidad, ni por su aspecto físico. Maashous Evers (Rarmian Newton) Es el técnico de luces del teatro, además de estudiante. Es tímido, misterioso y discreto. Maashous oculta un gran corazón y el deseo de encontrar un entorno en el que sentirse querido y seguro. Doug Strickland (Joe Tippett) es el entrenador del equipo de fútbol del instituto y no estará dispuesto a que a su jugador estrella, se lo lleve Lou al teatro. Para él solo existen dos prioridades: El fútbol y su hija: Gwen.

          La narración no se quedará dentro de la comunidad de estudiantes, entre las paredes del instituto o del propio teatro, sino que traspasará y calará entre los ciudadanos y familiares de los personajes. Historias envueltas en alegrías y dramas, como sucede en la vida real.

          “Rise” es una serie de NCBUniversal y de los productores de “FRIDAY NIGHT LIGHTS” y el musical “Hamilton”. Se ha estrenado este miércoles en Movistar Series (dial 11) a las 22:30 horas en VOS, solo 24 horas después de su estreno en EE.UU. Los episodios estarán disponibles bajo demanda cada semana, después de su emisión en lineal. La primera temporada consta de 10 episodios. 

        Visto el primer capítulo, solo puedo decir que la serie engancha. Cuenta con un buen guion, una dirección correcta y unas interpretaciones muy creíbles. Una serie familiar donde el público adolescente, seguramente se sentirá identificado, con algunos de los personajes.

          Gracias una vez más a Movistar+ por hacernos partícipes de uno de vuestros estrenos.

EL INSULTO: CRÍTICA DE CINE

        El Insulto está dirigida por el libanés Ziad Doueiri (El atentado). Nuevamente comprometiéndose con una obra sólida, sobre la situación que asola  su país.

        Toni, es un cristiano hebreo (Adel Karam) mecánico y felizmente casado con Shirine (Rita Hayek) quien espera un hijo, residiendo en la ciudad de Libia. Un día mientras riega las plantas de su terraza el agua cae sobre Yasser (Kamel El Basha) palestino  y capataz de la obra que se está realizando en su calle.  Los dos tienen un fuerte enfrentamiento verbal. Yasser insulta a Toni y este pide que se retracte, algo  por lo que Yasser no está dispuesto a pasar. Ese será el detonante de que ambos se vean enfrentados a un juicio, con graves repercusiones a nivel nacional.  

          Nadine (Diamand Bou Abboud) se ofrece a llevar el caso de Yasser, mientras que el experimentado Wajdi Wehbe (Camille Salamé) será el abogado de Tony. Durante la vista, además de todos los acontecimientos que irán encendiendo la mecha existente entre ambas religiones y la fractura que existente en la sociedad actual, el espectador descubrirá que ambos abogados, son padre e hija.

          Una nueva incursión en el cine, sobre los conflictos a los que cada vez, desgraciadamente, estamos más acostumbrados. Un incidente entre dos vecinos que debería haberse saldado con una simple disculpa, pero la ausencia de la misma, por la soberbia y enfrentamientos más allá de los propios, se convertirá en una contienda a nivel nacional. Una película con grandes dosis de política entre los odios y resentimientos, donde queda claro que el orgullo debería medirse, cuando las consecuencias pueden ser catastróficas para toda una nación. Cuando la falta de entendimiento entre los dirigentes políticos, causa tanta amargura, sufrimiento y muerte. Cuando el orgullo se convierte en nuestro peor enemigo y no se aprende a pedir perdón o perdonar.

         Ziad rueda con maestría y temple este drama social, ofreciendo al espectador una de cal y otra de arena, sin tregua e incluso sin dejar meditar más allá de lo necesario. Intenta no posicionarse, sabiendo que está jugando con fuego y aunque es astuto en el planteamiento, parece que la balanza se inclina ligeramente hacia una de las posturas, pero es prácticamente imperceptible y más,  ante esa escena final entre los dos “enemigos”

          Una obra que por instantes se ve inmersa en un fuerte discurso político, en frases cargadas de rencor y otras reconciliadoras, en particular en el enfrentamiento verbal que mantienen, además de Tony y Yasser, los dos abogados durante el transcurso de la vista, buscando defender a sus clientes. El espectador es consciente, porque así lo desea Ziad, de que dicho juicio no busca el veredicto de quien de los dos tiene o no la razón, pues en realidad a quien Ziad juzga sin contemplaciones, es a ese país fisurado por la sinrazón reinante y la imperiosa necesidad por llegar a una reconciliación entre palestinos y hebreos.

          Magistrales interpretaciones, bajo un soberbio guion del propio director junto a Joelle Tauma, creando unos personajes que desbordan sinceridad, honestidad, rabia, dolor, resignación, odios, cruel realidad;  para rasgar las fibras de la pantalla y atravesar las nuestras propias.

          Cuidadísimos los aspectos técnicos, un montaje correctísimo, una banda sonora impactante a cargo de Éric Neveux y una espléndida fotografía de Tommaso Fiorilli, con un exquisito equilibrio del color y la luz, siempre pendiente del espacio filmado.

          "Si las heridas no se cierran, seguirán sangrando"

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

         REPARTO: Adel Karam, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salameh, Rita Hayek, Diamand Bou Abboud, Talal Jurdi, , Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar.

        PRODUCTORA: Coproducción Líbano-Francia.Bélgica; Ezekiel Films/ Scope Pictures/ Tessalit Productions/ Rouge International/ Cohen Media Group/ Ciné+ / Douri Films/ CNC/ L´Aide aux Cinémas du Monde/ Canal+

         DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films

15 MUESTRA DE CINE FANTÁTICO SYFY 2018: RESEÑA

       La 15 Muestra de Cine Fantástico SYFY, cerró sus puertas el domingo, con un gran éxito de público. Cada tarde noche, las tres salas del Cine del Palacio de la Prensa de Madrid, se llenaban al completo, para disfrutar del programa preparado desde la organización.

       Un programa variado y para todos los gustos: Zombis, hombres lobos, terror psicológico y paranormal en sus variantes, sangre, vísceras, ciencia ficción… Pero, comencemos por el principio. El pistoletazo de partida fue el jueves con la presentación y la proyección de “Un pliegue en el tiempo” como apertura y aperitivo a lo que nos deparaba la muestra.

El viernes entre otras películas, destaco:

       Brawl in Cell Block 99 que ha resultado una de las sorpresas de la 15 Edición SYFY 2018. Una obra dura, absorbente, demoledora, hipnótica; narrada e interpretada con un realismo espectacular.   Por momentos parece que el filme va a decaer por su lentitud, luego descubres para bien, que cada minuto es necesario. Vince Vaughn, Jennifer Carpenter y Don Johnson, están simplemente fantásticos.



        Downrange sitúa al espectador en un lugar privilegiado para hacerle disfrutar de esta locura absoluta que pone a prueba los nervios del espectador más tranquilo, ante la situación de unos jóvenes que tras un pinchazo se ven detenidos en medio de una carretera por donde no pasa nadie. El problema viene cuando un francotirador, comienza a tirotearles. Tan realista que estremece. Tan brutal que no puedes dejar de mirar a la gran pantalla. Tan “sádica” que no se sabe qué esperar y cuál va a ser el siguiente movimiento o destino de la nueva bala.

       El Sábado en la sesión matinal se pudo ver el filme “Peter Rabbit” cuya crítica completa encontraréis en el blog. Un filme para toda la familia, divertido y con un buen ritmo. Una obra donde interactúan con absoluta perfección, la magnífica animación junto a los actores de carne y hueso.  Ya por la tarde se pudo ver:

         La referencia Zombi que nunca puede faltar en un certamen o muestra de cine fantástico; vino de la mano del filme irlandés “The Cured” donde en ese mundo post-apocalíptico se ha encontrado una cura contra el virus, pero lo que parece un remedio, se convertirá es una lucha por la reintegración de los curados a la sociedad y enfrentarse al ser o no perdonados por los que nunca lo padecieron. Una obra con claras referencias políticas sobre el tema del IRA.

       Salyut 7, película de nacionalidad rusa, muy aplaudida, nos sitúa en el año 1985, en plena guerra fría, cuando la estación espacial soviética no tripulada llamada Salyut 7, deja de responder a los comandos que ordena el Centro de Control. Tendrán que tomar cartas en el asunto, para poder controlarla y que no estalle y caiga sobre los Estados Unidos, provocando un grave conflicto político. Está basada en hechos reales, donde Klim Shipenko nos ofrece una demostración de buen cine, con un presupuesto muy bajo. La calidad del filme, de su magnífica fotografía, de la sobrecogedora banda sonora, los efectos visuales y las interpretaciones, cautivan desde el primer minuto al último, al espectador.

      El director estadounidense John Cameron Mitchell en  How to talk to girls at parties, nos traslada a los ajetreados años 70, concretamente en Londres y donde un tímido adolescente Punk de nombre Enn, junto a sus amigos, se cuelan en una extraña fiesta entre la psicodelia y lo futurista. Enn se enamorará de una de las chicas, Zan, cuya naturaleza no es de este planeta. Una película tan extravagante como hipnótica, que de forma curiosa el espectador se dejará atrapar hasta el final, aun sabiendo que lo que tiene ante sus ojos, es muy difícil de clasificar y definir.

      Para el cerrar, el domingo nos esperaba algunas sorpresas agradables como: The Endless, una cinta donde se mezclan temas como las sectas, el cambio de dimensión y la vida en bucle. Tres temas que por individual ya han dado películas más que interesantes y que aquí, la formación de este triángulo de lo sobrenatural, logra un filme atractivo, donde no precisa de muchos efectos y sí, de disparar la imaginación del espectador.

       Llegamos a una de las películas, tal vez, más esperadas de la Muestra, la película noruega Thelma. Lo sobrenatural combinado con la religión, una severa educación y la homosexualidad femenina, serán los detonantes de este drama psicológico, en un filme que mantiene en guardia al espectador a través de una narración lenta, pero atractivamente presentada. Magnífico guion, dirección e interpretación del personaje femenino: Eili Harboe.

       La muestra debería haber finalizado con Pacific Rim: Insurrección, pero al final tuvo que ser sustituida por 7 hermanas, filme que trata un futuro distópico el cual está sobrepoblado y sus gobernantes deciden que cada pareja solo pueda tener un hijo, si tuvieran más se criogenizarían para en tiempos mejores, volverles a la vida. En un seno familiar nacen 7 hijas gemelas y su padre, al morir la mujer en el parto,  se las ingenia para que las 7 sobrevivan bajo una estricta educación. Las 7 chicas llevarán los nombres de los días de la semana. Un thriller con un buen ritmo, una acertada dirección al igual que las interpretaciones y donde la ambientación y los aspectos visuales, logran captar la atención de las aventuras y desventuras de las jóvenes protagonistas.

       Para terminar, dar las gracias a toda la organización de la Muestra SYFY 2018, donde destacaré dos de sus puntos fuertes: En primer lugar la cuidada programación, filmes para todos los gustos a través un gran abanico temático y en segundo lugar, el respeto y el trato que dispensan  al público y la prensa. Un sobresaliente para todo el equipo humano, al igual que una vez más, ese sobresaliente al personal del Cine Palacio de la Prensa. Siempre tan atentos, sin dejar de sonreír y respondiendo a cualquier pregunta que se les hacía. Gracias a todos por la invitación y esperamos vernos en la 16 Muestra de Cine Fantástico SYFY.

¡LARGA VIDA AL CINE FANTÁSTICO!