CINE Y FESTIVALES (L)

PREMIOS CARMEN nos informa que María Galiana, recibirá el Premio Carmen de Honor de la Academia de Cine de Andalucía.

La Academia de Cine de Andalucía otorga su Premio Carmen de Honor a la actriz andaluza María Galiana (Sevilla, 1935) en la gala de la segunda edición de sus Premios Carmen del Cine Andaluz, que se celebrarán el 4 de febrero en Almería.

“María Galiana es una profesional icónica del cine andaluz y del cine español. Para esta Academia de Cine de Andalucía es una gran satisfacción entregar este Premio Carmen de Honor a una profesional de su talla, ganadora del Premio Goya por la emblemática Solas (Benito Zambrano). María Galiana es una mujer trabajadora y constante, que a sus 87 años mantiene una genuina implicación con su profesión, tanto sobre las tablas, como delante de las cámaras”, ha destacado la junta directiva de la Academia de Cine de Andalucía.

La actriz se ha mostrado honrada por el reconocimiento, que recibirá en la gala de los II Premios Carmen del Cine Andaluz y confiesa que, a sus 87 años, se siente orgullosa de “seguir trabajando al pie del cañón. A mi edad, salir a la calle ya es un logro para muchas personas, algo que yo hago todos los días”.

Galiana conserva una intensa actividad profesional y cultural, que la mantiene activa y “en gira permanente” por todo el país, ya sea con obras de teatro como El abrazo, el espectáculo Eterno Federico con el barítono Luis Santana, la bailarina Almudena Roca y el pianista José Manuel Cuenca, con el Cancionero de Federico García Lorca, o recitales con los poemas de Gabriela Mistral o Juana de Ibarbourou.

María Galiana es licenciada en Filosofía y Letras, trabajó como profesora de Historia del Arte en institutos de Sevilla y en los años 50 despertó su vocación como intérprete gracias a los grupos de teatro universitario. Su primer papel profesional para el cine lo realizó en 1988 en Pasodoble (José Luis García Sánchez). Antes de su gran éxito cinematográfico, Solas (Benito Zambrano),  participó en films como Malaventura (Manuel Gutiérrez Aragón), Belle Époque (Fernando Trueba), Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995), Libertarias (Vicente Aranda, 1996) o Yerma  (Pilar Távora, 1998).

En 1999 protagonizó Solas, la ópera prima de Benito Zambrano, junto a Ana Fernández, que le valió el Premio Goya a Mejor Actriz de Reparto.Tras ese film, ha participado en películas como Fugitivas (Miguel Hermoso), Roma (Adolfo Aristarain, 2004), María querida (José Luis García Sánchez) o Tapas (Juan Cruz y José Corbacho, 2005). En 2001, se convirtió en una de las actrices más populares del país cuando se estrenó Cuéntame cómo pasó, serie que sigue en activo en Televisión Española y de la que ella sigue formando parte.

Medalla de Andalucía en el año 2000, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura en 2004, ha recibido otros galardones como el Ondas en 1999, el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Tokio (2000), el de la Unión de Actores a la mejor actriz secundaria (2001) y el Premio Cinematográfico Familia (Olas de Oro) por su trayectoria humana y profesional en el campo del cine.

Los Premios Carmen del Cine Andaluz, organizados por la Academia de Cine de Andalucía, cuentan con el apoyo de la Consejería de Turismo, Cultura y Deportes de la Junta de Andalucía, Diputación de Almería,  Ayuntamiento de Almería y RTVA, en colaboración con la Fundación SGAE, EGEDA y Andalucía Film Commission.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “H” de Carlos Pardo Ros, premiada en el Festival de Sevilla, clausurará el Festival Márgenes.

Carlos Pardo Ros, que ha competido en Las Nuevas Olas No Ficción con H en el Festival de Cine Europeo de Sevilla,  obteniendo el Premio AC/E a la Mejor Dirección de Película Española concedido por Acción Cultural Española. El jurado compuesto por Joan Parsons, Dina Pokrajac y Frédéric Cornet ha comentado que quiere "celebrar esta película por la forma en que expresa el dolor mediante múltiples narraciones, llevándonos a un trance dramático a través de la repetición, la desorientación y la sensación de perder la individualidad en una primigenia experiencia colectiva. Una visceral obra de arte”.

La película clausurará el Festival Márgenes el domingo 27 de Noviembre a las 20:00 horas en la Cineteca de Matadero en Madrid. En esta dirección podéis encontrar más información. La crítica ha dicho que "llevará a cada espectador a un lugar diferente y a veces extremo" y que "es una experiencia alucinante y alucinada que no precisa de más estupefaciente que lo que nos metemos por los ojos y los oídos". Destacan la experiencia que el espectador vive en la sala de cine trasladándoles a "un estado de trance e hipnosis colectivo". Estas son algunas de las cosas que se han dicho de H, debut en el largometraje del cineasta Carlos Pardo Ros y una de las propuestas más radicales del cine español reciente, que tuvo su estreno mundial en Visions du Réel.

H parte de un hecho real, la cogida mortal que sufrió un corredor durante los sanfermines de 1969 que, contra lo que manda la tradición, acudió al encierro vestido de azul. Una cornada le atravesó el corazón matándolo al instante. Nadie sabía quién era aquel hombre que en sus bolsillos llevaba un llavero con la letra H. Tras muchas horas en la morgue, fue identificado. H era el tío de Carlos Pardo Ros.

Tomando como referencia el caso de su tío y todo el misterio que lo rodeó, Carlos Pardo Ros reunió a cuatro amigos suyos para ponerles a deambular por las calles de Pamplona en esas horas inciertas que conectan la noche con el amanecer en las que desapareció el rastro de H en plenos sanfermines. Vestidos de azul, como H, se convirtieron en sus fantasmas durante los diez días que duran las fiestas.

SINOPSIS: El 12 de julio de 1969, en el encierro de San Fermín, un toro mató a H de una cornada en el corazón. Hoy los fantasmas de H beben, ríen y bailan por esas mismas calles intentando escapar de un cuerpo que se acaba.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “Nunca pasó nada”, del director Gonçalo Galvão Teles, candidata por Portugal al Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana, aborda el tema del suicido de adolescentes partiendo de un caso real.

Nunca pasó nada, candidata por Portugal al Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana, supone el debut como director en solitario de Gonçalo Galvão Teles. La cinta plasma las preocupaciones vitales del cineasta, quien, en sus propias palabras, explica que "al ser director y también profesor, me enfrento cada día a los problemas de la adolescencia tardía y del paso a la madurez; así que, mi objetivo era hacer una película personal, reflexionando sobre los temas que me llenaron de ansiedad cuando era niño y de los que me han preocupado después como profesor y, ahora, como padre". 

La película, una producción de Fado Filmes, es el último trabajo del desaparecido actor Filipe Duarte, conocido en España por sus papeles en series como El tiempo entre costuras o Matadero. Le acompañan Ana Moreira (Tabú), Rui Morisson y el trío de jóvenes intérpretes Bernardo Lobo Faria, Alba Baptista y Miguel Amorim.

SINOPSIS: Un barrio en las afueras de Lisboa. Bloques de edificios, luces tenues, nadie puede dormir. Tres adolescentes -Pedro, María y Paulo- están de pie encima de un viaducto. Es una noche de viento, los coches se apresuran por debajo. Andan hasta la repisa.

Meses antes, António cierra por última vez la puerta de su casa en el país. Se está mudando a Lisboa, sacrificándose por su familia. Su hijo Jorge está inmovilizado por la crisis, Lena, la esposa de Jorge, mantiene una relación con su jefe y su nieto Pedro es casi un extraño para él.

Poco a poco, António y Pedro se acercan, mientras que Lena y Jorge se separan. Pero el trágico pacto que une a Pedro, María y Paulo, relega a la familia a un desesperado trance de decadencia y arrepentimiento, donde nadie puede pretender que nunca pasó nada.

Según el director "en 1996, tres adolescentes saltaron juntos de un paso elevado de treinta metros de altura en Lisboa. De las cartas de despedida que se encuentran en sus bolsillos, vale la pena recordar dos frases: "no me siento bien en este mundo, así que voy a otro, desde donde no puedo volver" y "voy a entrar en la noche oscura, mañana ya no estaré aquí". En el contexto de la grave crisis económica, social y humana que afectó a Portugal en los últimos años, este acontecimiento y estas frases adquirieron un simbolismo lo suficientemente fuerte como para irradiar el impulso que llevó al rodaje de Nunca pasó nada, donde hablamos de tres generaciones desconectadas, de la lucha contra la pobreza, el desarraigo y la pérdida".

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “Cabeza y Corazón” gana el Premio Europa Film Festivals-Europa Joven en el Festival Internacional de Cine de Gijón – FICX

Cabeza y Corazón, ópera prima de Ainhoa Andraka y Zuri Goikoetxea, ha sido aclamada tanto por el público como por la crítica del Festival Internacional de Cine de Gijón (FICX) durante su estreno mundial. Matías G. Rebolledo en La Razón la califica como una “película brava y aguerrida en la que el deporte casi es la excusa. Y es ahí precisamente donde radica la clave del triunfo que termina siendo Cabeza y Corazón, en utilizar la cancha casi como un lugar de respiro, de agitación y liberación violenta de emociones; de convertir, en definitiva, a la cámara en la sexta mujer de la pista”. También el director del Festival, Alejandro Díaz Castaño, la seleccionó entre las diez joyas que recomendaba al público como imperdibles. 

La película narra cómo la selección femenina de baloncesto en silla tiene, por primera vez en la historia, la posibilidad de clasificarse para unos Juegos Paralímpicos. Una mirada que podría ser la de una jugadora más retrata de manera íntima a unas deportistas que crecen física y psicológicamente a lo largo de un ciclo olímpico hasta conseguir la histórica clasificación. 

En palabras de las directoras “El reconocimiento que ha tenido Cabeza y Corazón en Gijón es muy importantes para nosotras porque se trata de un premio otorgado por el público. Recibir esa acogida por parte de la audiencia con quienes teníamos tantas ganas de compartir esta historia es muy especial. Que haya tenido este recibimiento, y poder compartirlo además con el equipo de las chicas que vinieron a presentar la película con nosotras, ha sido maravilloso”. 

SINOPSIS: La única participación de la selección femenina de baloncesto en silla en una cita paralímpica fue en Barcelona ‘92. Entonces no necesitó clasificarse ya que logró la plaza en calidad de país anfitrión.

Veinticuatro años después tienen la oportunidad de clasificarse para unos Juegos Paralímpicos. El equipo, a pesar de contar con menos medios que las selecciones de otros países, va abriéndose camino contra todo pronóstico en las competiciones internacionales.

Una mirada que podría ser la de una jugadora más retrata de manera íntima a unas deportistas que crecen física y psicológicamente a lo largo de un ciclo olímpico hasta conseguir la histórica clasificación para Tokio 2020-1.

La capitana del equipo, Sonia Ruiz, concluyó durante el estreno en Gijón: “Es la primera vez que nos retratan mirándonos a los ojos”. Junto con ella, el resto de jugadoras participaron en el coloquio con el público del FICX y acompañaron en esta primera proyección a las directoras. 

Tras su paso por Gijón, la película continuará su recorrido por festivales nacionales e internacionales, y se estrenará en salas comerciales en primavera. Las fechas y los cines se anunciarán próximamente en la página web y redes de Doxa Producciones. 

Cabeza y Corazón ha contado con el apoyo del ICAA y del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, ha participado como work in progress en Cineteca Madrid (residencia artística), Zinebi Networking y Les Temps Presse y ha sido adquirida por Telemadrid.

NUEVE CARTAS nos informa que la película “ANWAR (LLENO DE LUZ)” se presenta esta semana en Majadahonda con coloquio a cargo de su directora.

La película documental ANWAR (Lleno de luz) de Rosa García Loire se presenta este viernes 25 de noviembre en la localidad madrileña de Majadahonda. Será en un pase en Cines Zoco (Av de España, 51, Majadahonda, Madrid), a las 20:00, que contará con coloquio a cargo de la directora del film.

Esta historia de alpinismo, solidaridad y energía renovable protagonizada por el alpinista vasco Alex Txikon llega a la capital tras haber sido seleccionada para participar en la 15.ª edición de BBK Mendi Film Bilbao Bizkaia, Festival internacional de Cine de Montaña y Aventura, que se celebrará entre el 9 y el 18 de diciembre en la capital vizcaína. 

La película ha sido premiada en cuatro festivales internacionales: Boden International Film Festival, en Suecia, donde ha sido reconocida como Best First Time Documentary Film; Stockholm City Film Festival, en Suecia, galardonada con el premio My 1st. Documentary; Kiez Berlin Film Festival, galardonada con el Enviroment and Climate Feature; y BlueSki Film&Music Festival, en República Checa, seleccionada como Best Documentary. Además, el film se ha podido ver en San Sebastián, Lemoa, Tolosa o Barcelona (SUNCINE) tras su preestreno el pasado 2 de abril en el Palacio Euskalduna de Bilbao y su estreno internacional en la 70 edición del FESTIVAL DE CINE DE TRENTO.

Rodada en Nepal, Sierra Leona y Pakistán, ANWAR (Lleno de luz) nos sumerge en la expedición invernal de Txikon al Manaslu (Nepal). Es la primera ascensión no contaminante, alimentada por paneles solares. Con este sistema sostenible, que permite reducir la huella energética siguiendo los Acuerdos de París, empieza una labor solidaria de la mano de Fundación EKI.  Alex va a conocer el trabajo desarrollado por la Fundación en Sierra Leona, donde proporcionan sistemas de energía solar que permiten la autonomía energética en escuelas y hospitales aislados de la red eléctrica. Txikon propone replicar esta idea en una escuela muy especial en el valle Diamer, en Pakistán, la Günter Mountain School, uniendo dos culturas distintas pero al mismo tiempo iguales.

En palabras del protagonista, “este es un proyecto que nace del buen hacer en el que quiero destacar la dificultad del rodaje en plena pandemia, la importancia de los valores humanitarios y la creencia de que será capaz de hacer empatizar y reflexionar al espectador sobre la diferencia de oportunidades”.

Por su parte, la directora define la cinta como “una historia que nos hace viajar, que nos hace pensar, que nos emociona. Es un viaje por caminos entrelazados, escuelas que se hermanan, amigos que se quedan por el camino, intercambio cultural, personas que deciden dejar sus casas porque piensan que algo puede cambiar y que otro mundo es posible”.

Escrita y dirigida por la navarra Rosa García Loire  y producida por 601 Producciones Audiovisuales, S.L.,  ANWAR, de 80 minutos de duración, cuenta con la fotografía de Ignacio Maquirriain y Raúl de la Fuente. Miguel Hualde firma el sonido. La música y el diseño gráfico corren a cargo de Audionetwork y Welldone, respectivamente. El montaje lo realiza Natxo Leuza. Ignacio Galíndez se encarga de la dirección de  producción, y Juan San Martín, de la producción ejecutiva. La película cuenta con el apoyo de la Fundación EKI.

HISTORIAS PARA NO CONTAR: CRÍTICA DE CINE

Historias para no contar, está dirigida y escrita por Cesc Gay. “¿Qué historia te reservas que nunca contarías?. Gay se atreve con cinco”

El filme se divide en 5 relatos cortos. El primero de ellos, “Tengo ganas de verte”, nos narra la relación de dos amigos,  Laura (Anna Castillo) y Álex (Chino Darín) que se reencuentran en el parque, después de un tiempo sin verse, paseando a sus perros. Ambos viven en el mismo edificio aunque él ha estado fuera una larga temporada. Álex y Laura se sienten atraídos pero  hay un inconveniente, Laura está casada con Raúl (Javier Rey). La segunda pieza, bajo el título de “Sandra”, nos presenta a Luis (Alex Brendemühl) que llega a la casa del matrimonio formado por sus amigos Carlos (Antonio de la Torre) y Ana (María León), tras los saludos deciden salir a tomar unas copas y mientras la pareja se arregla, Luis decide esperarles en el bar. Al tomar asiento, Luis se fija en una joven, Sandra (Eva Reyes), que está llorando mientras lee un libro, tras preguntar si se encuentra bien, se inicia una conversación que es interrumpida por los amigos de Luis, éstos se dan cuenta que puede haber algo entre ellos y buscan la manera de emparejarles. El tercer corto, “Los martes y los jueves”, nos lleva hasta la antesala de un casting en el cual coinciden tres amigas: Carol (Alexandra Jiménez), Blanca (Maribel Berdú) y Ángela (Nora Navas), ésta última acaba de pasar el casting. Mientras fuman un cigarrillo y conversan, ven a un joven con el que parece que las tres han tenido sexo, las conversaciones entre ellas resultan de lo más punzantes. Ya hemos pasado el ecuador y en la cuarta entrega, “Me has hecho feliz estos meses”, Andrés (José Coronado) queda con Bárbara (Alejandra Onieva) en un restaurante para comer, tiene la intención de declararse pero, cuando se dirige al baño escucha a Bárbara hablar con una amiga por el móvil, lo que oye parece molestarle. ¿Qué sucederá?. Y entramos en la quinta y última de las historias de esta entretenida comedia, “París”, en ella dos amigos han terminado de jugar una partida de tenis, Edu (Quim  Gutiérrez) y Jota (Brays Efe). Edu se siente incómodo porque dos años atrás le fue infiel a su mujer Sofía (Verónica Echegui) y está convencido de que ella lo sabe, se lo cuenta a Edu y éste le aconseja que no mueva nada, que lo deje estar. ¿Qué decidirá finalmente Edu?.

Sí, lo sé, esta vez me he explayado con la sinopsis a la que no considero como tal, pues simplemente lo que hago es presentar a los personajes y lo que les  inquieta, perturba o atormenta, como diría Esperanza Gracia y es que nuevamente Cesc Gay, nos sumerge en una de sus historias de enredos de parejas entre los celos, la infidelidad, la culpabilidad, los malentendidos, las diferencias de edad, los amores perdidos, las mentiras e incluso la identidad de género, sin olvidar el sexo como uno de los pilares principales, y todo ello en cinco historias cortas, que harán las delicias del espectador y en donde estoy más que seguro, muchos y muchas, por no decir una gran mayoría, se sentirán identificados con algún personaje.

Como habéis podido leer en ese pequeño resumen de las cinco piezas que componen esta obra, cuenta con un extraordinario elenco actoral, de lo más granado del cine español, un total de 18 actores y actrices, pues demás de los mencionados, nos encontramos con Javier Cámara, Diego Molina Garau y Eudald Font y no nos olvidemos de los dos perretes. Todos ellos darán vida a esta obra teatralizada en decorados de interiores de casas, bares, discopub, canchas de tenis o pequeños espacios exteriores; siempre con la intención de que el espectador no se distraiga y de ese modo permanezca atento a cuanto se dice o se hace; característica indiscutible del cine de Gay, quien una vez más se apoya en la dirección de su director de fotografía, Andreu Rebés.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre.

REPARTO: Chino Darín, Antonio de la Torre, Javier Rey, Anna Castillo, Àlex Brendemühl, María León, Eva Reyes, José Coronado, Alexandra Jiménez, Alejandra Onieva, Maribel Verdú, Nora Navas, Quim Gutiérrez, Brays Efe, Verónica Echegui, Javier Cámara, Eudald Font y Diego Molina Garau.

PRODUCTORA: Imposible Films// Movistar Plus+// Nocontarfilm// RTVE// TV3

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

BIOGRAFIA: El autor teatral, guionista y director de cine, Cesc Gay, estudió cine en la Escuela Municipal de Audiovisuales de Barcelona (EMAV) y debutó como director y guionista con “Hotel Room” 1998, para continuar con “Krámpack” 2000, “En la ciudad” 2003, “Ficción” 2006, “V.O.S.” 2009, “Una pistola en cada mano” 2012, “Truman” 2015 la cual entre otros premios importantes obtuvo 5 Premios Goya (Mejor película, director, Mejor actor (Ricardo Darín), Actor de reparto (Javier Cámara) y montaje, “Sentimental” 2020 y ahora nos ofrece “Historias para no contar” 2022. También ha dirigido la obra teatral “Los vecinos de arriba” 2016 en Barcelona, el cortometraje “Álex” 2010, el documental “50 años de: Canciones” 2009 y  la serie “Félix” 2018. 

TODA LA INFORMACIÓN SOBRE EL FESTIVAL REC 2022

NÚRIA COSTA nos informa que el Festival REC 2022 presenta las mejores Óperas Primas internacionales.

La XXII edición del Festival REC 2022 (del 30 de noviembre al 7 de diciembre), proyectará una selección de 10 de las mejores Óperas Primas internacionales, que configuran una muestra completa del talento emergente nacional e internacional.

Uno de los platos fuertes del festival será SURO de Mikel Gurrea, que tras presentarse en la sección oficial del Festival de San Sebastián, acaba de obtener el premio a la mejor ópera prima en el Festival de cine de Tudela. Una producción rodada en catalán que llega después de participar en el RECLab 2021 —de hecho, fue el único laboratorio WIP por el que pasó en España- lo que confirma la capacidad de las jornadas profesionales del REC para crear una cantera e impulsar las producciones que participan en el éxito comercial.

El REC 2022 programa propuestas internacionales con una mirada amplia, que destaca por su diversidad de temáticas y estilos, desde la comedia hasta el thriller. Así llega la excepcional SAINT OMER de Alice Diop que, tras ganar el Gran Premio del Jurado en Venecia, donde también se levantó como la Mejor Ópera Prima, además de triunfar en el Festival de Cine de Sevilla y a ser la candidata francesa a los Óscar 2023.

EL REC 2022 también presentará SONNE de Kurdwin Ayub —Mejor Ópera Prima en el Festival de Berlín— una impactante producción que llega de Austria para hacer una mirada crítica desde dentro del universo de los influencers y su transformación como modelos sociales.

Dos de las producciones más premiadas del año a nivel internacional también aterrizará en el certamen tarraconense: TENGO SUEÑOS ELÉCTRICOS de Valentina Maurel, que acaba de obtener el Premio a Mejor Película en Thessaloniki, tras ganar en el Festival de Locarno y en San Sebastián (sección Horizontes Latinos); y AFTERSUN de Charlotte Wells, una propuesta que no para de obtener premios por su carácter preciosista. La película pone el foco en el poder de cada instante y la evolución de las relaciones personales a través del tiempo.

Otras de las propuestas destacadas de esta edición son THE ORDINARIES, de Sophie Linnenbaum, que tras su estreno en el prestigioso festival de Karlovy Vary llegará al REC con la presencia de su directora; y 21_PARAÍSO de Néstor Ruiz Medina, un largometraje que muestra en pantalla el conflicto que existe sobre aquello que todos mostramos y escondemos de nuestra intimidad en entornos virtuales, construyendo una historia de amor de ambientación rural poco convencional sobre nuestra exposición en las redes sociales.

La categoría Ópera Prima 2022 también reúne propuestas que hablan de los conflictos que sacuden nuestro planeta en un momento clave, que forman parte, a veces, de la cara B de nuestra actualidad. Un filme que explora este terreno es DELTA de Michele Vannucci, una producción italiana que explica cómo el cambio climático causa movimientos migratorios y cómo afecta a los cambios sociales. Los coproductores italianos de Alcarràs presentan un formato de thriller en un entorno privilegiado. Su director aterrizará en Tarragona para presentar este estreno en España.

El cineasta Park Sang-min será otro de los nombres que visitarán el REC 2022 para presentar HAVEN'T DONE ANYTHING, una producción de Corea del Sur que llega para plantearnos cómo nos comunicamos y qué es noticia, a través del mundo de los youtubers. Una divertida e inclasificable propuesta que llegará a los espectadores del REC acompañada de su director y productor.

Otros filmes que los espectadores podrán ver en la edición de este año del Festival REC hablan sobre las relaciones más íntimas que establecemos con las personas que amamos marcando la línea de las propuestas más intimistas y evocadoras de esta edición.

Entre ellas THE YEAR BETWEEN de Alex Heller, es una oda divertida y asombrosa a la (post)adolescencia, a la paternidad, a la amistad y a la montaña rusa emocional que es convivir familiarmente con el desorden. Reconocida con el Premio del Público en el Festival de Chicago / Gran Premio del Jurado al Festival de Nashville, y que llega como estreno en España.

Todas estas cintas optarán al Premio Òpera Prima del festival que otorgará un jurado integrado por: Peter Badac, productor checo miembro de la Academia de cine Europea; Mikel Mas, director y productor, ganador del Gaudí per "Mironins" (2021); y Clara Larraín, productora y actriz chilena.
La mayor parte de las películas presentadas en la sección Ópera Prima son estrenos inéditos en España.

Reinas de festivales

Además de programar estas joyas del cine independiente, descubrimientos con una voluntad de promover y potenciar el joven talento del festival, en la edición de este año, el REC proyectará las películas ganadoras de los Festivales de Cannes (Triangle of Sadness de Ruben Ostulnd), de Locarno (Regla 34 de Júlia Murat), y San Sebastián (Los Reyes del Mundo de Laura Mora), película esta última que será además el film de clausura de esta edición del REC. 

La 22 edición del festival REC acogerá proyecciones especiales de películas como El sostre Groc (El techo amarillo), el documental dirigido por Isabel Coixet sobre el caso de abusos sexuales de la escuela de teatro de Lleida. O el nuevo trabajo del cineasta japonés Kore-eda, Broker, protagonizada por Song Kang-ho (Parasitos), que tras su paso por el festival de Cannes, llegará al REC antes de su estreno en cines en toda España.

La programación del REC festival se complementará con sesiones de cine y vermut, conciertos y charlas. Del 30 de noviembre al 7 de diciembre en Tarragona.

Industria: El RECLab crece como una apuesta de presente y futuro

Entre las novedades de este año, cabe destacar el aumento de peso de las propuestas, actividades y sesiones del RECLab. Después que el programa oficial Ópera Prima de este año incluya una película con ADN REC y con una gran proyección en todos los festivales en los que se ha presentado como es SURO, queda patente la labor que se ha llevado a cabo en las últimas ediciones del laboratorio profesional, destinado a propuestas cinematográficas aún no finalizadas.

De esta forma, el RECLab 2022 crece en número de días, propuestas y relevancia específica dentro del festival. Este año, las jornadas profesionales dedicadas a las posibilidades de desarrollo y mercado para los nuevos proyectos cinematográficos se llevarán a cabo del 1 al 4 de diciembre, a través de un programa que incluye un workshop profesional, el Primer Test, el espacio de desarrollo y ensayo para proyectos cinematográficos en fase de postproducción que buscan recibir el asesoramiento de una cuidada selección de expertos internacionales.
El Primer Test es un proyecto del REC Festival Internacional de Cine de Tarragona (PLAY Acció Cultural), con el apoyo de ACE e ICAA y la colaboración de Catalan Films, Deluxe, el Festival L'alternativa, el Festival de Málaga, el Cinemart Rotterdam y el Tallin Black Nights Film Festival.  

Traca final del Festival de Otoño con Lepage, Jatahy, Phia Ménard, Tiago Rodrigues, Gabriel Calderón y Federica Porello.

La edición número 40 del Festival de Otoño llega a su tercera y última semana haciéndole un guiño a su propia historia con la presencia estelar de Robert Lepage y el estreno, con su compañía Ex Machina, de la pieza 887 en el Teatro del Bosque de Móstoles (24, 25 y 26 de noviembre). El artista quebequense visita por novena vez el festival con la contundencia de sus obras siempre por delante, obras que siendo profundamente teatrales, rezuman una mística propia y un trabajo tecnológico que, casi de forma alquímica, transforma la máquina en magia y la Historia en poesía.

Con una duración de “tan solo” 2 horas (nada al lado de las 6 horas de La trilogía de los dragones o de las 9 horas de Lypsynch), el ritual se repite en este monólogo que escribe, dirige e interpreta el propio Lepage, haciendo de 887 la más autobiográfica de sus piezas. El carácter eminentemente caprichoso de la memoria humana es uno de sus temas principales. 887 es el número de la Avenida Murray de Quebec en el que estaba el estrecho apartamento donde vivió Lepage de niño junto a sus tres hermanos, sus padres y su abuela enferma. Una familia de clase trabajadora que revive en este montaje gracias a la sofisticada destreza escénica que despliega Ex Machina como ninguna otra compañía en el mundo.

A partir de ese recuerdo iniciático, la obra propone una incursión en la cuestión de la memoria como mecanismo de supervivencia y como recurso artístico, en la memoria personal y en la colectiva, en la selectiva y la que olvida, y por qué olvida lo que olvida. Y también en esa gigantesca memoria global que son los mecanismos de almacenamiento digital que hoy en día guardan nuestros datos. A caballo entre el teatro y la conferencia, Lepage expone al espectador las tribulaciones de un actor que, para sobrevivir, debe recordar.

Recta final con gran presencia internacional

La presencia internacional en esta última semana de festival no se queda ahí. Al contrario, presenta toda una traca final con nombres cardinales y consolidados a nivel mundial. Grandes expectativas levanta, por ejemplo, la llegada a Madrid de la performer francesa Phia Ménard con su compañía

Non Nova y la presentación de una de sus piezas más conocidas y celebradas, VORTEX (Teatros del Canal, 22 y 23 de noviembre), que lleva haciendo más de 10 años por todo el mundo. Proveniente del circo y experta en el arte de los malabares, en 2008 su vida dio un giro total, en lo personal porque concluyó su transición de hombre a mujer y en lo profesional porque radicalizó una práctica que, en su aspecto más tradicional, había dejado de tener sentido para ella. Así es como empezó a experimentar con materiales más extremos y empezó haciendo malabares con bolas de hielo. De ahí pasó al viento.

VORTEX genera un pequeño huracán en una pequeña y eólica pista de circo, a partir de un vórtice ventoso que genera un dispositivo de ventiladores dispuestos en círculo. Para hacer visible la naturaleza paradójicamente indomesticable del viento, Ménard utiliza el plástico, un material que evoca -dice ella- “los cubos de basura, la gasolina, el petróleo, el consumismo, la contaminación, cosas que acaban por estropear nuestro día a día, pero el plástico está tan presente en nuestras vidas que ya ni parece artificial”.

Otro peso pesado de la escena internacional es Tiago Rodrigues. El director y dramaturgo portugués, actual director artístico del Festival de Avignon, visita el Festival de Otoño con la obra Dans la mesure de l’impossible (En la medida de lo imposible), que se podrá ver en los Teatros del Canal (26 y 27 de noviembre). Se trata de una producción de La Comédie de Ginebra y fue con sus actores y actrices con los que Rodrigues alumbró la idea de trabajar sobre la labor humanitaria de organizaciones como Cruz Roja o Médicos sin fronteras, buscando entender el impulso de acción sin contrapartida (al menos entendida en el sentido capitalista), el anhelo de querer un mundo mejor sabiendo que es muy difícil pero que comporta una gran satisfacción no exenta de contradicciones.

A partir de las conversaciones con delegados de organizaciones humanitarias diversas, director e intérpretes construyen un relato que expone los dilemas de un grupo de hombres y mujeres que se mueven entre zonas conflictivas y un hogar tranquilo y seguro, entre la inmediatez de la acción y la reflexión posterior, la capacidad de autocrítica y la búsqueda de fuerzas internas para seguir ganándole tiempo a lo que puede estar por llegar. Con furia o con poesía, o con ambas, todas las historias conmueven pero no se diluyen en un sentimentalismo forzado. Es una puesta en abismo al calor de una carpa donde las vivencias percuten como las baquetas sobre los timbales que aporrea en escena el músico portugués Gabriel Ferrandini.

Cruzando el charco de nuevo, el ciclo Orilla abierta vuelve sobre Marina Otero para ver la segunda de las piezas de la bailarina y coreógrafa argentina que le sirven como carta de presentación en España. Love Me (Réplika Teatro, 25 y 26 de noviembre) está escrita junto al dramaturgo, también argentino, Martín Flores Cárdenas y cierra el díptico inaugurado con Fuck Me. Después del sexo, el amor. El reverso de la fuerza. El cuidado o la violencia.

Love Me también es una despedida de Buenos Aires y un viaje hacia el origen (su bisabuelo era español, y a España se ha venido a vivir la artista recientemente). En ese doble movimiento de desarraigo y búsqueda de una vieja raíz familiar en otro continente, se revela una doble lectura o dos formas de leer la violencia. Una tiene que ver con la violencia ejercida por su propio bisabuelo, que pegaba a su mujer y, para no matarla, como dice Marina, la abandonó y volvió a España para morir aquí solo. Otra es la violencia de los movimientos migratorios, todos esos sinsabores, rencores, odios, injusticias que abonan relaciones tensas, que demuestran lo difícil que le es al ser humano convivir con el otro que es como él.

También con producción de La Comédie de Ginebra llega, por otro lado, una obra teatral basada en una película. Cine y teatro siempre conviven en la obra de Christiane Jatahy. La directora y realizadora brasileña se trae a las tablas el aroma y los conceptos que estaban en Dogville, de Lars Von Trier. Lo ha titulado Entre chien et loup (Entre perro y lobo) y estará en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional (25, 26 y 27 de noviembre).

Si la cinta del director danés jugaba al teatro dentro del cine, Jatahy no solo intenta darle la vuelta a esta premisa sino que trata de pensar un futuro más esperanzador y menos violento del que propone la película. El asunto central es la aceptación. Dogville era un relato cruento sobre una enigmática mujer -Nicole Kidman- que encuentra refugio en una pequeña comunidad. El deseo de encajar la empuja a esclavizarse progresivamente, aceptando los deseos de los demás. Aceptar para que te acepten, hasta que no se puede aceptar más. Toda la obra se sitúa en esa línea divisoria, esa frontera, esa grieta que se abre entre la luz y la sombra, entre el día y la noche, entre el perro y el lobo, como reza el título, entre la bondad y la amenaza, una dialéctica que se plasma formalmente a través de la tensión generada entre actor y personaje, entre realidad y ficción, entre pasado y presente, entre cine y teatro.

Cerrando la presencia latinoamericana en esta edición del Festival de Otoño, desde Uruguay llega Ana contra la muerte (Teatro de La Abadía, 25, 26 y 27 de noviembre), una obra escrita y dirigida por Gabriel Calderón que cuenta con un elenco femenino conformado por Gabriela Iribarren, Marisa Betancur y María Mendive, tres de las más grandes actrices del actual teatro uruguayo. Ellas tienen entre manos una historia devastadora, pero imprescindible.

La obra es un grito metafórico conformado por diálogos entre tres mujeres a partir del calvario que vive una de ellas, Ana, que ve cómo su hijo se apaga enfermo de cáncer. Una obra dura sobre una madre que confiesa que sería capaz de “robarle la enfermedad” a su hijo con tal de salvarle. No es un drama sentimental, aunque pueda mover al llanto, porque es también un motor de preguntas: ¿Qué hay detrás del rechazo a la muerte tan consustancial al ser humano? ¿Qué hay detrás de la manipulación de la memoria que a veces llevamos a cabo casi como mecanismo de defensa? ¿Qué hay detrás de los privilegios que algunas personas tienen ante la muerte por su posición social y económica?

Volviendo a Europa, la única presencia italiana en el festival llega esta semana de la mano de Federica Porello, que combina teatro, danza y lo que ella llama danza de objetos en NOWHEN (AhoraCuando) (Sala Cuarta Pared, 25 y 26 de noviembre). La pieza, incluida en el ciclo Cuerpo (In)finito, ha contado con la colaboración, entre otros, de Xavi Moreno, Fanny Thollot, Pep Aymerich y la compañía Malpelo, e incorpora textos de la poeta y artista visual líbano-estadounidense Etel Adnan, del antropólogo británico Tim Ingold y del terapeuta Mike Boxhall, y de los escritores Italo Calvino y Samuel Beckett, entre otros.

Asistimos a una especie de sinfonía donde palabras, movimientos, sonidos, luces, objetos e ideas suman sin descartar el silencio, la inmovilidad o la oscuridad, suman desde la disgregación, desde el caos, y dando espacio a la posibilidad de disolución y resolución. El personaje que encarna Federica atraviesa y se deja atravesar por ese entorno, sigue un camino a medida que se despliega, un camino que empieza en ningún sitio y acaba en ningún sitio, que es como decir que ni empieza ni acaba. Su único propósito en este ecosistema fluctuante es el de mantenerse en la sutil línea que separa y une gravedad y ligereza.

Poliana Lima, Pablo Remón y Serrucho

La presencia nacional en esta edición número 40 del Festival de Otoño culmina con tres nombres muy consolidados en sus respectivas disciplinas. Podemos decir que Poliana Lima, para empezar, es ya medio española (lleva 12 años afincada en nuestro país), aunque su origen brasileño está muy presente en esta nueva pieza que vivirá su estreno absoluto en el Teatro de La Abadía (22 y 23 de noviembre) bajo el título Oro negro (también dentro del ciclo Cuerpo (In)finito). Cuando leemos esas dos palabras juntas pensamos inmediatamente en el petróleo, un material poético al que la bailarina y coreógrafa llega haciendo un viaje hacia su cuerpo y su ser, que amalgama un rosario de procedencias, linajes y registros genéticos diversos.

Rodeada de un equipo sobresaliente, con Chumo Mata bailando con ella, Javier Cuevas en la dramaturgia, Lucas Condró como asistente coreográfico, Carlos Marqueríe en las luces y Óscar Villegas en el sonido, Poliana Lima vuelve sobre una de las grandes preguntas que la ha acompañado siempre y que todo ser humano, en algún momento de su vida, se hace en momentos críticos del proceso vital y creativo: ¿Quién soy?

Preguntarse es perforarse, es excavar hacia el interior de uno mismo, y así es como en un proceso de investigación en Viena, en 2019, Poliana llega a la palabra ‘petróleo’, en una especie de mapa conceptual que contenía palabras como el verbo ‘escarbar’ y como el sustantivo ‘recurso’. En el petróleo confluyen no solo esa idea de ir al centro, de perforarse, sino también la idea de combustible, de recurso, de algo escondido y de la violencia que se ejerce contra la tierra para extraerlo, una enorme energía para extraer otra fuente de energía.

Un derroche estrechamente vinculado al consumismo, algo que tiene también mucho que ver con la pieza que presenta el colectivo Serrucho,  Interior noche (Sala Mirador, 25 y 26 de noviembre). Después de Archivo, la magnífica pieza inmersiva que presentó en el Festival de Otoño de 2019, Serrucho vuelve con una obra de teatro de objetos que utiliza el tiempo como material de trabajo y juega con la superposición de fragmentos espacio-temporales imposibles.

“Desde nuestra desconexión del tiempo astronómico -nos cuentan ellos- los días pasan más rápidos y nuestras horas se miden en dinero. Las convenciones temporales basadas en los ciclos de la naturaleza se han visto sustituidas por una híper acelerada visión mercantil. ¿Qué supone eso para nuestras vidas? ¿Y para el mismo tejido espacio-temporal?” Preguntas sobre el tiempo en su concepción social, en su concepción material y hasta en su concepción teatral, porque el tiempo escénico no es el tiempo de la vida y para comprobarlo nada mejor que entrar en este Interior noche y relacionarse con los objetos que el espectador, armado con una luz frontal, encontrará en el escenario.

Y si de tiempo hablamos, podemos hablar de los cinco años que han pasado desde que Pablo Remón escribió, dirigió y estrenó Barbados, etcétera. Entonces se propuso volver sobre esta obra pasado un lustro y reescribirla y reinterpretarla, con la misma pareja de actores, Emilio Tomé y Fernanda Orazi. Y así que pasen cinco años, aquí está la primera de las revisiones, Barbados en 2022 (Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, del 23 al 27 de noviembre), un estreno absoluto que acoge el Festival de Otoño con la curiosidad de saber qué habrá pasado en este tiempo.

La razón de esta apuesta utópica, la de reescribir la obra cada cinco años hasta que ya no se pueda hacer, es “hacerla permanecer siempre viva”, según Remón. Volvemos a ese vacío sobre el que percuten las palabras de dos actores que tienen la isla de Barbados como punto de fuga, como espacio imaginario. Igual que en un poema, la cosa va más de sentir que de entender. Las palabras construyen imágenes, personajes, historias, situaciones, “construyen un mundo”, dice su autor. En este caso, el mundo de una pareja. “¿Qué es una pareja, más allá del pasado que les une?”, sostiene el director. Los actores narran la historia de una pareja, con humor, con extrañeza, con gozo, con diversión, con mentiras, con inventos, con oscuros, con aventura, con amor. Cada vez que se cuenta, el relato varía, y varía según lo cuente uno u otro. Los recuerdos son caprichosos. ¿Cómo comunicarse en pareja si la memoria nos juega estas malas pasadas? La respuesta está en Barbados.

Para finalizar, la última semana de festival se vivirá también en los municipios de la Comunidad de Madrid. Como se indicaba más arriba, Robert Lepage comparecerá en Móstoles, y por su parte, Teatro Percutor lo hará en La Cabrera (Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte, 25 de noviembre) con su acercamiento a Moby Dick de Melville para títeres y objetos en AHAB, viaje al infierno; Los Torreznos visitan Coslada con su conferencia performática La Cultura (Teatro Municipal, 26 de noviembre); y la compañía La Promesa estará en con Un animal en mi almohada, una historia sobre violencia machista escrita y dirigida por Vanessa Espín, en San Sebastián de los Reyes (Auditorio Adolfo Marsillach, 25 de noviembre) y en San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III, 26 de noviembre).

LA MUJER REY: CRÍTICA DE CINE

La mujer rey está dirigida por Gina Prince-Bythewood con guion de Dana Stevens.

La historia nos sitúa en el siglo XIX en el Reino de Dahomey, uno de los estados más poderosos de África. En él nos encontramos con Nanisca (Viola Davis), la general del ejército de las amazonas de Dahomey,  bajo el reinado de Ghézo (John Boyega), quien la tiene en gran estima por su gran valor y el haber sido la impulsora de su llegada al trono.

Las amazonas de Dahomey viven en el interior de la fortaleza flanqueada por un gran muro con dos grandes puertas, a las que un día llama un hombre, para entregar a su hija Nawi (Thuso Mbedu), pues además de negarse a casarse resulta demasiado rebelde.  Nawi entrará a formar parte de las nuevas amazonas y se hará amiga de una de las más valoradas, Izogie (Lashana Lynch). Nanisca, Izogie y Nawi, junto al resto de las Agojie, mantendrán batallas cruentas contra quienes violan su honor, esclavizan a su gente y amenazan con destruir todo por lo que han trabajado.

Como ya os comentaba, estamos ante una historia basada en hechos reales, pues el reino de Dahomey fue un antiguo Estado africano que destacó por su ejército de mujeres y como uno de los centros de la trata de esclavos durante los siglos XVIII y  XIX. Dicho reino se encontraba en el oeste del país Yoruba, en la región costera de la actual República de Benín. Si deseáis conocer más datos sobre la historia de este interesante pueblo, lo podréis encontrar en la Wikipedia.

La guionista y directora, Gina Prince-Bythewood, se graduó en el Pacific Grove High School en 1987 y asistió a la Escuela de Cine de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), en dicha universidad recibió la beca Gene Reynolds de dirección y la beca Ray Stark Memorial para estudiantes universitarios destacados. Finalmente se graduó en 1991. Se inició en el cortometraje con “Stitches” 1991 y en este formato ha dirigido “Progress”, “Damn Whity”  y “Bowl of Pork” todos en 1997 y “The Golden Girls: Reimagined” 2020. Para televisión dirigió el corto “Reflections”  2007 y episodios de las series “CBS Schoolbreak Special” 1995, “El show de Bernie Mac” 2003,  “Girlfriends” y “Todo el mundo odia a Chris” ambos en 2005,  “Fuego abierto” 2017, “Capa y Puñal” 2018, “Women of the Movement” 2022 y el telefilme “Actos Desesperados” 2000. En el largometraje debutó con “Love & Basketball” 2000, “La vida secreta de las abejas” 2008, “Beyond the Lights” 2014, “La vieja guardia” 2020 y este año 2022 nos ofrece “La mujer rey”

Un filme épico basado en hechos reales, como hacía tiempo no nos ofrecía la gran pantalla, al más puro estilo hollywoodiense entre esplendidos decorados y vestuario, exuberantes espacios naturales y un importante elenco actoral rodeado de un significativo número de extras. La narración se centra en dos temas principales: la colonización y la esclavitud por una parte y de la otra, cobrando una mayor relevancia, las historias que encierran las mujeres soldado, llamadas Agojie, destacando las de Nanisca y Nawi.

Ya en el prólogo se nos muestra una de las batallas que las Agojie  mantenían con otras tribus, en este caso con el imperio Oyo, con el firme propósito de liberar a los habitantes de Dahomey que habían sido apresados y cuyo destino era la venta a esclavistas. El reino de Dahomey también se beneficiaba con la trata de personas a la vez que evitaba ser colonizado, hasta que a Ghézo le aconsejan abandonar la venta de personas y que dedique todos los esfuerzos a la explotación de los recursos naturales de los que disfrutan, como el aceite de palma, provocando con estas nuevas ideas una fuerte división interna. Pero, aunque vamos conociendo los conflictos externos e internos de este pueblo, generando sanguinarios enfrentamientos, el peso de la película recae en las mujeres que forman ese ejército, quienes resultaban iguales o más feroces que el formado por los hombres.

Las historias que llevan a sus espaldas algunas de estas mujeres Agojie, y lo que les llevó a ingresar en el cuerpo bajo normas muy estrictas y una férrea disciplina, es lo que más llamará la atención del espectador y para ello Gina Prince-Bythewood, ha contado con un extraordinario elenco actoral entre las que destacan, la carismática Viola Davis, quien nos demuestra una vez más, que no hay papel que no pueda interpretar; en esta ocasión a través de un personaje dual en disputa con su lado emocional y el físico. La historia que aprisiona su corazón frente al arrojo que evidencia como general del ejército. Un personaje rico en matices que Davis, solventa de manera sorprendente. Lashana Lynch, en su potente personaje de Izogie, calando en el espectador por cuanto dice, cuanto calla y por sus potentes expresiones y miradas y el tercero, formando la triada perfecta, Thuso Mbedu, como Nawi, a la que prefiero que descubráis vosotros mismos.

La mujer rey cuenta con impresionantes escenarios naturales rodados en Sudáfrica en lugares como Bonamanzi Game Reserve y Port Edward. En Ciudad del Cabo y alrededores, en el cual se construyó el palacio del rey Ghezo y entre otros marcos como la reserva natural de Wiesenhof, la desembocadura del río Palmiet o el castillo de Buena Esperanza. Nos ofrece una espectacular fotografía de Polly Morgan resaltando la belleza de los parajes gracias a las texturas, la luz y el color empleados, y termino mencionando la épica banda sonora en la partitura de Terence Blanchard y Lebo M. Un filme equilibrado entre las escenas de violencia, los rituales, las danzas, los cánticos y el aliento de unas guerreras haciendo historia a través de la propia historia, aunque el guion se tome algunas importantes licencias históricas y pueda pecar de un excesivo metraje.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre.

REPARTO: Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes-Tiffin, Thuso Mbedu, Jayme Lawson, Adrienne Warren, Sheila Atim, Masali Baduza, Jordan Bolger, Angélique Kidjo, Thando Dlomo, Jimmy Odukoya, Shaina West y Chioma Antoinette Umeala.

PRODUCTORA: Jack Blue Productions// JuVee Productions// TriStar Productions// Welle Entertainment// Entertainment One.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing España.

MUNDO EXTRAÑO: CRÍTICA DE CINE

 

Mundo Extraño, está dirigida por Don Hall con guion de Qui Nguyen.

En las tierras de Avalonia nos encontramos con el explorador Jaeger Clade (voz Dennis Quaid), que sueña con alcanzar la cima de una gran montaña, con él lleva a su hijo Searcher Clade (voz Jake Gyllenhaal). Durante una expedición, con otros aventureros, el joven Searcher descubre unas plantas que emiten radiaciones luminosas. El joven desea detener la expedición para observarlas y el padre discute con él. Finalmente Jaeger se va solo.

25 años más tarde Searcher Clade se ha convertido en granjero, cultivando las plantas que siendo muy joven descubrió y que han ayudado al progreso del pueblo. Está felizmente casado con Meridian Clade (Gabrielle Union), quien pilota una nave y con quien tiene un  hijo adolescente, Ethan Clade (Jaboukie Young-White), que desea vivir aventuras más allá del pueblo en el que viven. Ethan guarda un pequeño secreto. Un día Searcher recibe la visita de Callisto Mal (Lucy Liu), la presidenta de las tierras de Pando y le comenta que una extraña plaga está destruyendo las plantas, perdiendo su capacidad de iluminar. La familia Clade y Callisto emprenderán una expedición para hallar la causa de la plaga, pues la existencia del pueblo depende de la energía que proporcionan las plantas. 

El actor de doblaje, guionista y director de cine, Don Hall, se graduó en la Universidad de Lowa con una licenciatura en bellas artes en dibujo y pintura. Debutó en la dirección con “Winnie the Pooh” 2011 junto Stephen J. Anderson para continuar con “Big Hero 6” 2014 con Chris Williams, “Vaiana” 2016 junto a John Musker, Ron Clements y Chris Williams, “Raya y el último dragón” 2019 con Carlos López Estada, Paul Briggs y John Ripa y este año en solitario nos presenta “Mundo extraño” 2022. También ha dirigido el corto “Vaiana: De pesca” 2017 junto a John Musker, Chris Williams y Ron Clements y la miniserie para televisión “¡Baymax!” 2022 junto a Dan Abraham, Lissa Treiman, Dean Wellins y Mark Kennedy.

En un Mundo Extraño, en donde la realidad se funde con la fantasía, todo es posible gracias a la imaginación y creatividad surgida de las mentes y manos de ilustradores capaces de insuflar vida a personajes humanos y no humanos, habitando espacios prodigiosos y únicos. Un filme que disfruta de una extraordinaria paleta de color como nunca o pocas veces se ha visto en la gran pantalla, para el deleite de los más pequeños y no tanto, entre decenas de detalles que rodean a dichos seres, algunos con facciones tan perfectas que resultan prácticamente humanas y los otros, ideados por esas mentes lúcidas y asombrosas, de los que nos enamoramos, como es el caso del fiel compañero y travieso perro de tres patas o el curioso y simpático Splatt, que procede del mundo a explorar.

Luz, vida, color, aventuras, acción y derroche de ingenio, en un universo dentro de otro mundo aún más sorprendente y todo ello, abrazando a la familia Clades y compañeros inseparables de viaje. Una vez más, como ya nos tiene acostumbrados la factoría Disney, el eje de la historia lo forma la familia y la unidad, en esta ocasión a través de tres generaciones –abuelo, padre y nieto-, presentes desde prácticamente el inicio hasta el final, sin olvidarse de tocar otros temas de máxima actualidad como la concienciación medioambiental, la importancia de conservar y potenciar la vida se nos presente en el estado que decida hacerlo, la búsqueda de nuevas energías o la inclusión de la diversidad sexual. 

Con un sello familiar tan importante como Disney, los mayores y pequeños verán con total naturalidad que el amor y la amistad no conocen de fronteras, como sucede con la pareja interracial formada por  Searcher Clade y su esposa Meridian o el amor que el adolescente Ethan Clade siente por su amigo Diazo. Quien quiera entender, que entienda. El ser humano está dotado para abrir su mente a un gran abanico de posibilidades para formar pareja, creando la familia con la que se ha soñado y ser felices; tomemos por tanto ejemplo de los miembros de la familia Clades, quienes juntos son capaces de hablar, escuchar  y comprender, viviendo y disfrutando e incluso enfrentarse a cualquier problema que se les ponga en el camino, pues el poder de la unidad familiar, no tiene límites.

Estamos por tanto ante una brillante, entretenida, conmovedora e inteligente película de animación, con guiños a filmes presentes en nuestras mentes y dotada de un ritmo desenfrenado, que no cesa hasta llegar al final. No podrás apartar la mirada de la pantalla mientras disfrutas de la magnífica banda sonora de Henry Jackman.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre.

PRODUCTORA: Walt Disney Animations Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures Spain.

CLOSE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Bélgica, Francia y Holanda, CLOSE, está dirigida por Lukas Dhont compartiendo guion con Angelo Tijssens.

Léo (Eden Dambrine) posee una mente despierta que aprovecha para contar historias  y crear situaciones con las que divertirse junto a su gran amigo  Rémi (Gustav de Waele), quien toca el Oboe y es miembro de una pequeña orquesta. Ambos disfrutan de cada instante durante sus vacaciones de verano. Léo tiene como costumbre quedarse a dormir en casa de Rémi. Todo resulta natural entre los dos, hasta que comienzan las clases de 2º de Primaria y una niña, en un momento determinado, le pregunta a Léo si él y Rémi son pareja. Sorprendido le responde que no, que son amigos, como hermanos, como lo puede ser ella con su mejor amiga; pero la pregunta se queda grabada a fuego en la mente de Léo y poco a poco se va cerrando en sí mismo. Comienza a ocupar sus horas libres en deportes como el Hockey sobre hielo, a rodearse de nuevas amistades, aunque su mente esté ocupada en otros asuntos, mientras en el cambio, decide alejarse de Rémi.  Y una vez más, hasta aquí puedo escribir y recomendaros, que no os perdáis esta maravillosa película.

El guionista y director, Lukas Dhont, se licenció en la Real Academia de Bellas Artes  en la rama de Audiovisuales por el conservatorio Kask. Se inició con los cortometrajes “Corps perdu”  y el corto documental “Huid von Glas” ambas en 2012, el también corto “L`Infini” 2014 hasta llegar al debut con el largometraje “Girl” 2018, continuando con el corto “Our Nature” 2021 y llegando a este 2022 con “Close”

Demoledor drama exponiendo un tema y una realidad tan quebradiza como la amistad golpeada por el acoso en la vida de dos preadolescentes, conscientes del mundo en el que viven. Un filme directo al alma del espectador, en una narración delicada que golpea a puño cerrado las mentes enfermas, despejando dudas y avergonzando a quien habla por hablar, causando con ello tanto sufrimiento. Aclarando conceptos a quien tiende a confundir, para demostrar que al amor no se le puede encarcelar ni privar de su existencia y mucho menos, cuando a la verdadera amistad, a la amistad más pura y tierna, se la confunde con aquello que algunos llaman depravación. El amor es universal, como tantas veces me habréis escuchado y no conoce de género, salvo quienes lo utilizan para dividir a la sociedad.

Close es un filme que nace para concienciar mentes confusas y mezquinas,  liberar las almas oprimidas y templar los corazones afligidos. Posiblemente pocas veces las lágrimas correrán por las mejillas del espectador de manera tan espontánea, ante lo expuesto en cada plano y escena, pues la historia se presenta con una realidad pasmosa, una sencillez asombrosa y una verdad que duele y quiebra nuestro ser.

Claudicamos ante las magníficas interpretaciones que con gran sensibilidad dirige Lukas Dhont, destacando a su actor principal Edén Dambrine en una interpretación contenida entre sus estremecedoras expresiones corporales. No precisa de palabras para saber lo que piensa y cuando conocemos sus pensamientos…Hay tanto dolor, resentimiento, culpa, deseos, sueños rotos, vacío, amargura, soledad y oscuridad, que su pre adolescencia muta a una madurez temprana, en un tiempo que le devora y se vuelve irrespirable, sabiendo que más pronto que tarde deberá enfrentarse a su secreto más inconfesable. Atrás quedaron las risas, los juegos inocentes en retos amistosos, la naturaleza que les arropaba mientras se desplazaban en sus bicicletas, los campos de flores que cultiva la familia de Léo y la complicidad. He destacado a Edén porque indudablemente lleva todo el peso de la narración, pero junto a él, su compañero Gustav De Wale, en el papel de Rémi, despierta vulnerabilidad y credibilidad a partes iguales.

Lukas Dhont da de lleno en la diana con una obra redonda y que espero sea vista por un público mayoritario, pues películas como estas son muy necesarias para despertar conciencias y acallar muchas bocas venenosas y amargadas. Recordad que una crítica puede hacer mucho, pero que es el boca a boca del espectador, el que revienta las taquillas. Yo he puesto mi granito de arena, entre las lágrimas derramadas en la sala, y ahora está en vuestras manos, convertirlo en una montaña. Finalizo destacando la bucólica y luminosa fotografía de Frank van den Eeden y la deliciosa banda sonora de Valentin Hadjadj.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre.

REPARTO: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Émilie Dequenne, Léa Drucker, Igor van Dessel, Kevin Janssens y Marc Weiss.

PRODUCTORA: Menuet Producties// Diaphana Distribution/ Topkapi Films// Versus Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

LOS CONSTRUCTORES DE LA ALHAMBRA: CRÍTICA DE CINE

Los Constructores de la Alhambra, está dirigida por Isabel Fernández compartiendo guion con Margarita Melgar. “Nuestras obras son sublimes, nuestras almas son humanas, así es como debemos juzgar esta historia”

Estamos en el 1342 y Jusuf I (Abdel Hamid Krim) gobierna el Reino de Granada como sultán. Decide construir un edificio que refleje el esplendor de su civilización y perdure en el tiempo: Los palacios de la Alhambra, para ello cuenta con su visir, Ibn al-Jatib  (Amr Waked), quien domina casi todas las disciplinas entre las que se encuentran la poesía y la medicina. Al morir el sultán sube al poder su hijo Muhammed V (Adil Koukouh), involucrando a Ibn al-Jatib en sus nuevas políticas. El visir se verá obligado a decantarse entre las ideas de su antiguo mundo y el nuevo que comienza a surgir.

Los constructores de la Alhambra es un magnífico documental ficcionado que expone una historia de otros tiempos, los que encierran los muros de la monumental Alhambra de Granada entre el periodo comprendido de 1342 al 1492, año en el que Muhammad XII, conocido por los cristianos como Boabdil, el último sultán del reinado nazarí de Granada, entregó la Alhambra a los Reyes Católicos. En las negociaciones con los cristianos batalló para proteger el edificio y a sus ciudadanos.

A través de los escritos de Ibn al-Jatib conoceremos parte de la historia de  Granada en el Siglo XIV y seremos testigos del valor que otorgaban al conocimiento, que dividían en dos ramas: Las Ciencias de los Antiguos entre las que se hallaban las matemáticas, la medicina, la astronomía o la agronomía que iban de la mano de la literatura, pues la poesía es innata al pueblo árabe, y la segunda, las Ciencias del Islam compuestas por la teología, el derecho y la filosofía.

Entre imágenes cotidianas de estos habitantes del ayer, presenciaremos la gran labor que llevan a cabo los restauradores del hoy, recuperando, tras largas investigaciones, lo perdido en el tiempo y plasmado en las paredes, techos y columnas, como huella de su existencia. Una narración fluida retratando con detalle la importancia de la caligrafía árabe, considerada como una de las grandes artes de la cultura islámica no solo por ser un elemento decorativo, sino por formar parte del cuerpo de la arquitectura o las celebraciones como el Maurí, hasta llegar a uno de sus anhelos hechos realidad, El Maristán, el proyecto social más ambicioso en sus tiempos, pues no tuvo como misión única el tratar a los enfermos, sino el ofrecer un apoyo a la gente enferma. Como ellos afirmaban “No solo un lugar para curarlos sino para ayudarlos”. Un espacio que por la disposición y cualidades, superaba al de Egipto, gracias a su construcción majestuosa y de gran belleza, su amplio patio, por la fama de sus médicos y sobre todo, por lo saludable de sus aires y sus aguas.

Una obra rodada en La Alhambra y el Generalife, Dar Al-Horra, Corral de Carbón, El Bañuelo, Casa de Zafra, Cuarto Real de Santo Domingo, Iglesia del Salvador, Carmen de los Mártires y Universita Karlova. Goza de las intervenciones de los historiadores: Adela Fabregas (Catedrática de historia medieval. Universidad de Granada), José Miguel Puerta Vílchez (Profesor de Historia del Arte Islámico. Universidad de Granada), Josef Zenka (Profesor de Historia Islámica. Charles University. Praga), Amalia Zomeño (Investigadora de Lenguas y Culturas del Mediterraneo. CSIC), Julie Marquez (Profesora de Civilizaciones de la España Medieval. Universidad Lumière Lyon 2), Jesús Bermúdez López (Arqueólogo de Conservación. Patronato de la Alhambra y Generalife), Julia Carabaza (Catedrática de Lengua Árabe. Universidad de Granada), Antonio Orihuela (Arquitecto Investigador. Escuela de Estudios Árabes. CSIC), Antonio Malpica (Catedrático de Historia Medieval. Universidad de Granada), Elena Correa (Jefa de restauración. Patronato de la Alhambra y  Generalife), Rafael Pérez Gómez (Matemático. Universidad de Granda)

Este documental ficcionado, se nutre de las cuidadas representaciones teatralizadas, el excepcional vestuario de Virginia Serna, la refinada fotografía de Tote Trenas, con un delicado uso del color y la iluminación, y la música que abraza cada rincón que se nos muestra, en ocasiones, con dos músicos en directo portando sus instrumentos autóctonos y bajo la batuta de Kurt Adametz y Manel Guerrero. Un documental de obligado visionado, pues lo que aquí he expuesto, tan solo es un retazo de cuanto encierra esta magnífica obra.

La guionista, productora y directora, Isabel Fernández, en 2013 fundó la productora Al Pati que desarrolla y produce películas comprometidas con temas sociales, explorando las fronteras entre el documental y la ficción. Entre sus obras encontramos “El fill son pare” 2010, “El pati del darrere” 2015, “La ciutat dels turistes” 2017 y este año estrena “Los constructores de la Alhambra” 2022.

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de Noviembre.

REPARTO: Ibn al – Jatib (Amr Waked), Ibn Zamrak ( Sofian El Benaissati), Umm Alhasam ( Farah Hamed Ali), Yusuf 1 (Abdel Hamid Krim), Mohamed V  (Adil Koukouh), Ibn Al-Yayyab ( Jorge de Juan), Fatima Bint  Al- Ahmar (Alicia Mohino), Ibn Jaldun (Mehdi Regragui), Ismail (Diego de León García), Abu Ishaq Al- Shativi  (Manuel Rodríguez), Mohamed V (Adolescente)  (Arinti Ruiz), Mohamed V (Niño) (Pablo Jiménez)

PRODUCTORA: Al Pati Produccions// El de las Dos vidas AIE// Polar Star Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Versión Digital.