La edición número 40
del Festival de Otoño llega
a su tercera y última semana haciéndole un guiño a su propia historia con la
presencia estelar de Robert Lepage y el estreno, con su compañía Ex
Machina, de la pieza 887 en
el Teatro del Bosque de Móstoles (24, 25 y 26 de noviembre). El artista
quebequense visita por novena vez el festival con la contundencia de sus obras
siempre por delante, obras que siendo profundamente teatrales, rezuman una
mística propia y un trabajo tecnológico que, casi de forma alquímica,
transforma la máquina en magia y la Historia en poesía.
Con una duración de
“tan solo” 2 horas (nada al lado de las 6 horas de La trilogía de los
dragones o de las 9 horas de Lypsynch), el ritual se repite en este
monólogo que escribe, dirige e interpreta el propio Lepage, haciendo de 887 la
más autobiográfica de sus piezas. El carácter eminentemente caprichoso de la
memoria humana es uno de sus temas principales. 887 es el número de la Avenida
Murray de Quebec en el que estaba el estrecho apartamento donde vivió Lepage de
niño junto a sus tres hermanos, sus padres y su abuela enferma. Una familia de
clase trabajadora que revive en este montaje gracias a la sofisticada destreza
escénica que despliega Ex Machina como ninguna otra compañía en el mundo.
A partir de ese
recuerdo iniciático, la obra propone una incursión en la cuestión de la memoria
como mecanismo de supervivencia y como recurso artístico, en la memoria
personal y en la colectiva, en la selectiva y la que olvida, y por qué olvida
lo que olvida. Y también en esa gigantesca memoria global que son los
mecanismos de almacenamiento digital que hoy en día guardan nuestros datos. A
caballo entre el teatro y la conferencia, Lepage expone al espectador las tribulaciones
de un actor que, para sobrevivir, debe recordar.
Recta final con gran presencia internacional
La presencia
internacional en esta última semana de festival no se queda ahí. Al contrario,
presenta toda una traca final con nombres cardinales y consolidados a nivel
mundial. Grandes expectativas levanta, por ejemplo, la llegada a Madrid de la
performer francesa Phia Ménard con su compañía
Non Nova y la
presentación de una de sus piezas más conocidas y celebradas, VORTEX (Teatros
del Canal, 22 y 23 de noviembre), que lleva haciendo más de 10 años por todo el
mundo. Proveniente del circo y experta en el arte de los malabares, en 2008 su
vida dio un giro total, en lo personal porque concluyó su transición de hombre
a mujer y en lo profesional porque radicalizó una práctica que, en su aspecto
más tradicional, había dejado de tener sentido para ella. Así es como empezó a
experimentar con materiales más extremos y empezó haciendo malabares con bolas
de hielo. De ahí pasó al viento.
VORTEX genera un
pequeño huracán en una pequeña y eólica pista de circo, a partir de un vórtice
ventoso que genera un dispositivo de ventiladores dispuestos en círculo. Para
hacer visible la naturaleza paradójicamente indomesticable del viento, Ménard
utiliza el plástico, un material que evoca -dice ella- “los cubos de basura, la
gasolina, el petróleo, el consumismo, la contaminación, cosas que acaban por
estropear nuestro día a día, pero el plástico está tan presente en nuestras
vidas que ya ni parece artificial”.
Otro peso pesado de la
escena internacional es Tiago Rodrigues. El director y dramaturgo
portugués, actual director artístico del Festival de Avignon, visita el
Festival de Otoño con la obra Dans la mesure de l’impossible (En
la medida de lo imposible), que se podrá ver en los
Teatros del Canal (26 y 27 de noviembre). Se trata de una producción de La
Comédie de Ginebra y fue con sus actores y actrices con los que Rodrigues
alumbró la idea de trabajar sobre la labor humanitaria de organizaciones como
Cruz Roja o Médicos sin fronteras, buscando entender el impulso de acción sin
contrapartida (al menos entendida en el sentido capitalista), el anhelo de
querer un mundo mejor sabiendo que es muy difícil pero que comporta una gran
satisfacción no exenta de contradicciones.
A partir de las
conversaciones con delegados de organizaciones humanitarias diversas, director
e intérpretes construyen un relato que expone los dilemas de un grupo de
hombres y mujeres que se mueven entre zonas conflictivas y un hogar tranquilo y
seguro, entre la inmediatez de la acción y la reflexión posterior, la capacidad
de autocrítica y la búsqueda de fuerzas internas para seguir ganándole tiempo a
lo que puede estar por llegar. Con furia o con poesía, o con ambas, todas las
historias conmueven pero no se diluyen en un sentimentalismo forzado. Es una
puesta en abismo al calor de una carpa donde las vivencias percuten como las
baquetas sobre los timbales que aporrea en escena el músico portugués Gabriel
Ferrandini.
Cruzando el charco de
nuevo, el ciclo Orilla abierta vuelve sobre Marina Otero para
ver la segunda de las piezas de la bailarina y coreógrafa argentina que le
sirven como carta de presentación en España. Love Me (Réplika
Teatro, 25 y 26 de noviembre) está escrita junto al dramaturgo, también
argentino, Martín Flores Cárdenas y cierra el díptico inaugurado
con Fuck Me.
Después del sexo, el amor. El reverso de la fuerza. El cuidado o la violencia.
Love Me también es
una despedida de Buenos Aires y un viaje hacia el origen (su bisabuelo era
español, y a España se ha venido a vivir la artista recientemente). En ese
doble movimiento de desarraigo y búsqueda de una vieja raíz familiar en otro
continente, se revela una doble lectura o dos formas de leer la violencia. Una
tiene que ver con la violencia ejercida por su propio bisabuelo, que pegaba a
su mujer y, para no matarla, como dice Marina, la abandonó y volvió a España
para morir aquí solo. Otra es la violencia de los movimientos migratorios,
todos esos sinsabores, rencores, odios, injusticias que abonan relaciones
tensas, que demuestran lo difícil que le es al ser humano convivir con el otro
que es como él.
También con producción
de La Comédie de Ginebra llega, por otro lado, una obra teatral basada en una
película. Cine y teatro siempre conviven en la obra de Christiane Jatahy.
La directora y realizadora brasileña se trae a las tablas el aroma y los
conceptos que estaban en Dogville, de Lars Von Trier. Lo ha
titulado Entre chien et loup (Entre
perro y lobo) y estará en el Teatro María Guerrero
del Centro Dramático Nacional (25, 26 y 27 de noviembre).
Si la cinta del
director danés jugaba al teatro dentro del cine, Jatahy no solo intenta darle
la vuelta a esta premisa sino que trata de pensar un futuro más esperanzador y
menos violento del que propone la película. El asunto central es la
aceptación. Dogville era un relato cruento sobre una enigmática mujer
-Nicole Kidman- que encuentra refugio en una pequeña comunidad. El deseo de
encajar la empuja a esclavizarse progresivamente, aceptando los deseos de los
demás. Aceptar para que te acepten, hasta que no se puede aceptar más. Toda la
obra se sitúa en esa línea divisoria, esa frontera, esa grieta que se abre
entre la luz y la sombra, entre el día y la noche, entre el perro y el lobo,
como reza el título, entre la bondad y la amenaza, una dialéctica que se plasma
formalmente a través de la tensión generada entre actor y personaje, entre
realidad y ficción, entre pasado y presente, entre cine y teatro.
Cerrando la presencia
latinoamericana en esta edición del Festival de Otoño, desde Uruguay
llega Ana contra la muerte (Teatro
de La Abadía, 25, 26 y 27 de noviembre), una obra escrita y dirigida por Gabriel
Calderón que cuenta con un elenco femenino conformado por Gabriela
Iribarren, Marisa Betancur y María Mendive, tres de las más grandes actrices
del actual teatro uruguayo. Ellas tienen entre manos una historia devastadora,
pero imprescindible.
La obra es un grito
metafórico conformado por diálogos entre tres mujeres a partir del calvario que
vive una de ellas, Ana, que ve cómo su hijo se apaga enfermo de cáncer. Una
obra dura sobre una madre que confiesa que sería capaz de “robarle la
enfermedad” a su hijo con tal de salvarle. No es un drama sentimental, aunque
pueda mover al llanto, porque es también un motor de preguntas: ¿Qué hay detrás
del rechazo a la muerte tan consustancial al ser humano? ¿Qué hay detrás de la
manipulación de la memoria que a veces llevamos a cabo casi como mecanismo de
defensa? ¿Qué hay detrás de los privilegios que algunas personas tienen ante la
muerte por su posición social y económica?
Volviendo a Europa, la
única presencia italiana en el festival llega esta semana de la mano de Federica
Porello, que combina teatro, danza y lo que ella llama danza de objetos
en NOWHEN (AhoraCuando) (Sala
Cuarta Pared, 25 y 26 de noviembre). La pieza, incluida en el ciclo Cuerpo
(In)finito, ha contado con la colaboración, entre otros, de Xavi Moreno, Fanny
Thollot, Pep Aymerich y la compañía Malpelo, e incorpora textos de la poeta y
artista visual líbano-estadounidense Etel Adnan, del antropólogo británico Tim
Ingold y del terapeuta Mike Boxhall, y de los escritores Italo Calvino y Samuel
Beckett, entre otros.
Asistimos a una especie
de sinfonía donde palabras, movimientos, sonidos, luces, objetos e ideas suman
sin descartar el silencio, la inmovilidad o la oscuridad, suman desde la disgregación,
desde el caos, y dando espacio a la posibilidad de disolución y resolución. El
personaje que encarna Federica atraviesa y se deja atravesar por ese entorno,
sigue un camino a medida que se despliega, un camino que empieza en ningún
sitio y acaba en ningún sitio, que es como decir que ni empieza ni acaba. Su
único propósito en este ecosistema fluctuante es el de mantenerse en la sutil
línea que separa y une gravedad y ligereza.
Poliana Lima, Pablo Remón y Serrucho
La presencia nacional
en esta edición número 40 del Festival de Otoño culmina con tres nombres muy
consolidados en sus respectivas disciplinas. Podemos decir que Poliana
Lima, para empezar, es ya medio española (lleva 12 años afincada en nuestro
país), aunque su origen brasileño está muy presente en esta nueva pieza que
vivirá su estreno absoluto en el Teatro de La Abadía (22 y 23 de noviembre)
bajo el título Oro
negro (también dentro del ciclo Cuerpo (In)finito).
Cuando leemos esas dos palabras juntas pensamos inmediatamente en el petróleo,
un material poético al que la bailarina y coreógrafa llega haciendo un viaje
hacia su cuerpo y su ser, que amalgama un rosario de procedencias, linajes y
registros genéticos diversos.
Rodeada de un equipo
sobresaliente, con Chumo Mata bailando con ella, Javier Cuevas en la
dramaturgia, Lucas Condró como asistente coreográfico, Carlos Marqueríe en las
luces y Óscar Villegas en el sonido, Poliana Lima vuelve sobre una de las
grandes preguntas que la ha acompañado siempre y que todo ser humano, en algún
momento de su vida, se hace en momentos críticos del proceso vital y creativo:
¿Quién soy?
Preguntarse es
perforarse, es excavar hacia el interior de uno mismo, y así es como en un
proceso de investigación en Viena, en 2019, Poliana llega a la palabra
‘petróleo’, en una especie de mapa conceptual que contenía palabras como el
verbo ‘escarbar’ y como el sustantivo ‘recurso’. En el petróleo confluyen no
solo esa idea de ir al centro, de perforarse, sino también la idea de
combustible, de recurso, de algo escondido y de la violencia que se ejerce
contra la tierra para extraerlo, una enorme energía para extraer otra fuente de
energía.
Un derroche
estrechamente vinculado al consumismo, algo que tiene también mucho que ver con
la pieza que presenta el colectivo Serrucho, Interior
noche (Sala Mirador, 25 y 26 de noviembre). Después
de Archivo, la magnífica pieza inmersiva que presentó en el Festival de
Otoño de 2019, Serrucho vuelve con una obra de teatro de objetos que utiliza el
tiempo como material de trabajo y juega con la superposición de fragmentos
espacio-temporales imposibles.
“Desde nuestra
desconexión del tiempo astronómico -nos cuentan ellos- los días pasan más
rápidos y nuestras horas se miden en dinero. Las convenciones temporales
basadas en los ciclos de la naturaleza se han visto sustituidas por una híper
acelerada visión mercantil. ¿Qué supone eso para nuestras vidas? ¿Y para el
mismo tejido espacio-temporal?” Preguntas sobre el tiempo en su concepción
social, en su concepción material y hasta en su concepción teatral, porque el
tiempo escénico no es el tiempo de la vida y para comprobarlo nada mejor que
entrar en este Interior noche y relacionarse con los objetos que el
espectador, armado con una luz frontal, encontrará en el escenario.
Y si de tiempo hablamos,
podemos hablar de los cinco años que han pasado desde que Pablo Remón escribió,
dirigió y estrenó Barbados, etcétera. Entonces se propuso volver sobre
esta obra pasado un lustro y reescribirla y reinterpretarla, con la misma
pareja de actores, Emilio Tomé y Fernanda Orazi. Y así que pasen cinco años,
aquí está la primera de las revisiones, Barbados en 2022 (Centro
de Cultura Contemporánea Condeduque, del 23 al 27 de noviembre), un estreno
absoluto que acoge el Festival de Otoño con la curiosidad de saber qué habrá
pasado en este tiempo.
La razón de esta
apuesta utópica, la de reescribir la obra cada cinco años hasta que ya no se
pueda hacer, es “hacerla permanecer siempre viva”, según Remón. Volvemos a ese
vacío sobre el que percuten las palabras de dos actores que tienen la isla de
Barbados como punto de fuga, como espacio imaginario. Igual que en un poema, la
cosa va más de sentir que de entender. Las palabras construyen imágenes,
personajes, historias, situaciones, “construyen un mundo”, dice su autor. En
este caso, el mundo de una pareja. “¿Qué es una pareja, más allá del pasado que
les une?”, sostiene el director. Los actores narran la historia de una pareja,
con humor, con extrañeza, con gozo, con diversión, con mentiras, con inventos,
con oscuros, con aventura, con amor. Cada vez que se cuenta, el relato varía, y
varía según lo cuente uno u otro. Los recuerdos son caprichosos. ¿Cómo
comunicarse en pareja si la memoria nos juega estas malas pasadas? La respuesta
está en Barbados.
Para finalizar, la
última semana de festival se vivirá también en los municipios de la Comunidad
de Madrid. Como se indicaba más arriba, Robert Lepage comparecerá en
Móstoles, y por su parte, Teatro Percutor lo hará en La Cabrera
(Centro Comarcal de Humanidades Sierra Norte, 25 de noviembre) con su
acercamiento a Moby Dick de Melville para títeres y objetos en AHAB,
viaje al infierno; Los Torreznos visitan Coslada con
su conferencia performática La Cultura (Teatro
Municipal, 26 de noviembre); y la compañía La Promesa estará en
con Un animal en mi almohada,
una historia sobre violencia machista escrita y dirigida por Vanessa Espín, en
San Sebastián de los Reyes (Auditorio Adolfo Marsillach, 25 de noviembre) y en
San Lorenzo de El Escorial (Real Coliseo Carlos III, 26 de noviembre).
