ENTREVISTA A SANTI SENSO: ACTOR Y DIRECTOR

Hoy os traigo a un director y actor que conocí por deseo del destino en uno de sus actos íntimos, de los cuales también hablaremos en esta entrevista. Hablo de Santi Senso

J.S.- Santi, como suelo hacer con todos mis entrevistados, comienzo con unas preguntas personales, que no íntimas. ¿Cómo era Santi de niño?

S.S.- Inquieto, expectante, arriesgado, mal estudiante pero con muy buen oído para el coro del colegio de curas, diferente a los demás pero a la vez necesario, esto es algo que me he dado cuenta ya de mayor, organizaba las fiestas, los viajes, era confidente de muchos y  muchas amigas guardando muchos secretos, celestino, abogado de pleitos pobres, pacificador, y a la vez “carne de cañón”.

Hay una frase que siempre me habita y es que “YO NUNCA HICE NADA PARA LLAMAR LA ATENCIÓN, Y ESO ES LO QUE MÁS LLAMABA LA ATENCIÓN”.

J.S.-  ¿Cuál era el juego favorito de Santi y por qué?

S.S.- Los juegos de posguerra, el clavo, los guarrinos, mosca, zorra, al cinturón; supongo que no tenía mucha elección o eso o jugar a juegos de niñas que me parecían más educativos y no tan violentos. Me he criado y educado en un barrio del centro de Cáceres “Hispanoamérica” Mi pandilla era todo el barrio, más de 70 niños y niñas de distintas edades, éramos una tribu, una comuna con su jerarquía y si querías mantenerte en ella, debías hacer muchas cosas que no querías. Yo la mayoría de las cosas no las hacía y por eso era muy rechazado y a la vez muy deseado.

J.S.- La familia, el amor, la amistad. ¿Qué valor tienen en tu vida y en qué orden los clasificarías?

S.S.- Afortunadamente son tres que no puedo separarlas. Mis padres y hermanos siempre han formado parte de mis círculos de amigos del barrio, del instituto o los de mi grupo de teatro “CHEIRA” y el amor ha sido algo que nos ha mantenido unidos.

J.S.- Como tantos que hemos abandonado nuestros lugares de origen, tú decides un día dejar Cáceres para trasladarte a Madrid. ¿Cuál fue el motivo de cargar aquella maleta?

S.S.- En mi maleta solo llevo una cosa “TIERRA EXTREMEÑA” para masticarla, para reafirmar y no olvidar quien me parió y me sigue alimentando. Nunca me fui.

J.S.- Cine, teatro, televisión… Vamos por partes y comenzaremos con el cine. Estudiaste con maestros como: Jaime Chávarri, Eva Lesmes, Mariano Barroso, Geli Albadalejo, Eduardo Milewiez ¿Qué supuso adquirir conocimientos con profesionales tan diferentes entre ellos?

S.S.- Ellos y ellas me educaron como lo hace cada día mi vecina Carmen, la gatita Martina que me da los buenos días y las buenas noches desde su ventanita de la corrala, como lo siguen haciendo mis amigos y familiares difuntos, y como lo hace la persona a quien AMO. Tengo muy aceptado que no solo me dan ellos y ellas sino que yo también les doy, sólo así podremos compartirNOS durante un acto de entrega donde “Si regalas generosidad, un día la generosidad te sonreirá, te saludará. El generoso no sólo es el que da, sino el que se deja dar, recibir”.

Pero si una cosa debo destacar y agradecer a mis compañeros de profesión, es que reafirmaron lo feliz que me hace ser comunicador, intérprete, ACTOR.

J.S. La primera intervención ante la gran pantalla fue en el 2002 con el largometraje “La vida de San Antonio de Pauda”  del director Humberto Marino, pasando por cortometrajes como “La última Carta” 2003 de Jerónimo García, “Reina y Mendiga” 2004 de Vicente Villanueva, “América Cofee” 2005 de Manuel Eirás o el documental “Casting” de Koen Suikgeest que fue nominado al Goya 2006. ¿Qué recuerdas de aquellos inicios?

S.S.- Realmente mi primera intervención en el cine fue en la película “1492, La Conquista del Paraíso” junto a Gérard Depardieu y dirigida por Ridley Scott en el año 1992 y fue así: Acompañé a mi madre a las filas para apuntar a mi hermano German como extra en la película que se rodaría en Cáceres, y una señora se acercó a mí y me dijo: “Tú ven conmigo que eres muy guapo”  Y me vi inmerso en un rodaje sin saber de qué iba la película ni  quiénes eran los actores; hasta me manifesté con unos cuentos revolucionarios para que nos pagaran más e hicimos una sentada en la plaza de Santa María en la parte antigua, y conseguimos que nos pagaran más. Con mi primer suelo me compré un balón de fútbol por 1000 pesetas.

La verdad ni sé el porqué de esta compra, porque yo no jugaba al fútbol, supongo que era para integrarme con mis amigos del barrio, el resto del dinero se lo di a mi madre.

J.S.- Tu primer papel protagonista llegará de la mano de Dani Diosdado con su largometraje “Sesión” ¿Qué supuso enfrentarse a la responsabilidad de un papel protagonista?

S.S.- Siento esta película como mi primer Acto Íntimo en cine y mi primer encuentro con la idiosincrasia de la industria y los intereses que mueve el cine y así fue: Yo tenía una idea para juntarnos un grupo de actores que previamente al rodaje no podíamos saber quiénes completaban el elenco, trabajaríamos individualmente el personaje con disfunciones sexuales y amaríamos una patología supervisada por el director. Durante 3 días de convivencia en una casa de campo, viviríamos una terapia grupal llama “Sesión”.

Vicente de 30 años Satiriasico o Donjuanismo, lo que viene siendo en una enfermedad femenina “ninfómana” ya que no existe el término ninfómano.

Este personaje y lo vivido durante y después del rodaje, me desveló hasta donde puede el ser humano llegar para conseguir sus propósitos a costa del sufrimiento, y jugar con los sentimientos de los demás. Os invito a ver la película ya que no os dejará nada indiferentes, e incluso seguro que os reconoceréis en alguno de los testimonios.

J.S.- Tu aspecto físico, tu cabello casi siempre largo, tu barba, tus ojos claros; dan el perfil perfecto del personaje que interpretarías bajo las órdenes de Guillermo Benet “Hijo del hombre” en el papel de Jesucristo. ¿Qué supuso acometer un personaje histórico tantas veces llevado a la gran pantalla?

S.S.- Hijo del Hombre, Semay,  33 Hágase mi voluntad, y hasta decenas de nombres hasta llegar a “Canción para después de la Batalla” lo que sería mi segundo Acto Íntimo en cine y mi segundo tropiezo con la idiosincrasia del cine y la ambición desmesurada del ser humano.

Jesús que no Jesucristo, ya que en esta película es un hombre que no se siente mesías y desea VIVIR, tener hijos, disfrutar de su hermano y llegar a ser un anciano, desafiando sus creencias y a su Dios hasta el último momento increpando y reivindicando su deseo de VIVIR y NO MORIR. ¿Por qué debemos aceptar lo que nos impone el mundo?

J.S.- Cambiemos de formato y nos vamos a la pequeña pantalla. A través de ella te hemos podido ver en series como protagonista en “Amar en tiempos revueltos” TVE, pasando por  “El elegido” o “Brigada policial” en la Sexta o “Sexo en Chueca” de Tele 5, hasta llegar a “Águila Roja” ¿Qué diferencia notable apreciaste en la forma de trabajar entre el cine y la televisión?

S.S.- Diferencias más bien pocas, todo debe ser rodado de una forma muy rápida y en la mayoría de la ocasiones, no hacer más de una toma porque nunca hay tiempo y es caro el hacer más tomas. El cuidado del actor en rodajes de TV y Cine está en ver un poquito de luz en alguna mirada del equipo que te diga: “Estoy contigo, no estás solo, sigue por ahí, bravo” La mayor parte del tiempo estás perdido, pero eso a mí me pone, me seduce y sale lo más visceral de mí.

J.S. En la serie, que si no estoy equivocado está en su última temporada, “Águila Roja” interpretabas al Secretario Real. ¿Qué supuso intervenir en una producción como esta?

S.S.- Formé parte de un capítulo muy especial: el número 100 y regalé, compartí mis frases con mi “compi de barbas” ya que yo tenía el texto y él no hablaba. Me pareció que sumaba más que si éramos siameses, decir el texto juntos. Supuso una aceptación del Ego y que mi personaje brillaría mucho más, con la verbalización de mi compi.

J.S.- Saltemos al formato más apreciado por los grandes actores, el teatro. Andrés Lima, Claudio Tolcachir, Juan Echanove, Cristina Rota, Leonardo Eiríz… Entre otros muchos han sido tus profesores, subiéndote a las tablas bajo las órdenes de Leonardo Eiríz con “Lorca x Lorca” o “Edipo Rey” continuando con “Rebelión en la granja” de Isidro Timón. ¿Qué sientes cuando estás directamente ante el espectador?

S.S.- Me paralizo al sentirles expectantes, les escucho y les doy abiertamente lo que siento sin prejuicios ni censuras, pero si con respeto.

De esos profesores que mencionas,  en su día yo fui espectador de sus palabras y sus gestos; algún día cuando se atrevan vendrán a disfrutar de lo que crearon en mí, un “loco lindo”.

J.S.- Tus clases de canto y voz en el conservatorio de Cáceres y con profesores como Ángel Ruiz, Mía Paterson, Concha Doñaque; te darán la oportunidad de participar en el musical, con obras como: “La Paz”  dirigido por Juan Margallo (Teatro Clásico de Mérida) “Yo soy aquel negrito” de A. Gil Aparicio. “El diluvio que viene” de P.P. Juárez y Miramon Mendi José Luis Moreno y “La reina de las nieves” de Manuel Román. Interpretar y cantar a la vez. ¿Cómo se prepara un actor ante un musical?

S.S.- Con mucha disciplina y rigor, algo que yo no llevaba muy bien y no por el trabajo en sí, sino por el agotamiento emocional y repetido sin dar cabida a lo inesperado, a la sorpresa, ya que todo está muy medido y ajustado en los musicales. Honestamente, me aburría un poco.

J.S.- Además del musical “La paz” mencionado en la anterior pregunta, participas en obras como “Lisistrata” interpretada por Paco León y dirigida por Jerome Savary  y “Agripina” de los directores Eugenio Amaya y Mauricio Celedón y protagonizada por Cristobal Jodorowsky en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Todos los amantes del teatro sabemos que es un lugar de culto y donde desean actuar muchos actores. ¿Cómo se siente uno en él, sabiendo que está siendo observado, desde esas gradas tan especiales?

S.S.- Cierro los ojos al contestar esta pregunta y me veo delante del altar situado detrás del escenario, lugar donde rezaban los actores antes de pisar la arena del escenario, huele a incienso y siento el calor de las antorchas y el murmullo de los espectadores como entran por lo vomitorios. Silencio, risas, lágrimas, sobrecogimiento, aplausos.

J.S.- Pero no será el último festival en el que participarás, pues tienes la oportunidad de hacerlo en tu lugar de nacimiento. Cáceres, con la obra de Moliere “Don Juan” dirigida por Joan Daniel Laval ¿Fuiste profeta en tu tierra?

S.S.- Siempre digo que soy profeta en mi tierra, ya que así lo quieren y me demandan los que allá siguen habitándola. Eso me hace responsable y debo cuidar de cada acto dentro del marco del Festival de Teatro Clásico o fuera de él. No sólo la responsabilidad está en lo profesional, sino en lo humano, en lo terrenal.

J.S.- Llegamos a tus “Actos íntimos” y dice la leyenda que cuando alguien vive un acto íntimo de Santi Senso, queda atrapado para siempre en sus redes, pero la leyenda se vuelve realidad cuando uno lo experimenta y puede contarlo. ¿Cómo nacen los actos íntimos?

S.S.- Con el descubrimiento de los secretos de mi familia y las cartas de amor de mis padres, leyendo la ropa interior de mi abuela, con la aceptación de que no era muy común en un adolescente estar cantando todo el día y de la máquina de escribir, con la que con más de 300 pulsaciones por minuto escribirían, lo que 20 años después se escenificaría con la más bella vulnerabilidad, los llamados y amados “Actos Íntimos”.

J.S.- “Hiela el calor” fue el primero de ellos a los que han continuado “ORGIAme, la depravación del Yo”, “Desnudando a los Clásicos”  “La religión de Sade” “YO INDIGENA, la conquista de uno mismo”  “Manada” “El Descanso de Caronte”, entre otros ¿Qué crees que tienen los actos íntimos que atrapan a los espectadores que acuden a ellos?

S.S.- Que primero me atrapan ellos y ellas a mí, me provocan y me hago cargo de ello y por eso y solo por eso, pueden conectar con la propuesta de mirarNOS a los ojos y sentirNOS VIVOS, VIVAS. Que la dramaturgia se escriba en el momento y nunca más pueda ser representada de la misma forma.

J.S.- “LOOK AT ME FOR WOMEN OF BROOKLYN”  Será el acto íntimo que crearás en Nueva York junto a pintoras de dicha ciudad ¿Cómo resultó la experiencia?

S.S.- Sin pactar, con la espera de pintores en una clase común de pintar a un modelo desnudo, y mi deseo de impregnar y dejar sobre el tapiz del taller, esas gotas de sudor con las que humedecer los cuatro pinceles de las cuatro pintoras que se atrevieron a asistir, y que las líneas corrieran por sus lienzos sin pretensiones, sin técnica, sin apenas mirar el resultado sin dejar de apartar la mirada sobre el modelo móvil, ofreciendo una coreografía y no una sola pose.

J.S.-  Tú última obra es “Pornocapitalismo a Sangre viva” Presentada en el festival “Surge de Madrid”. ¿Qué críticas tuviste de dicha obra?

S.S.- La más reveladora que echaban de menos  ser tocados, invadidos y mi no desnudez física. Ahí es donde sentí la crítica constructiva donde la desnudez de los Actos Íntimos no está en el físico, sino en lo emocional y en el deseo de ser tocados, penetrados, y que el orgasmo emocional les llegue días después en sus trabajos, en el salón de la casa o por la calle. Los Actos Íntimos transcienden, son eternos. Ahora tras mi viaje por Sudamérica, cuando llegue  a Madrid continuaré con la gira, con esta obra, por España y festivales, donde habrá novedades, como la incorporación de la actriz venezolana Arlette Torres, además de Cary Rosa Varona y Federico Pouso

J.S.- Aprovechando que has estado en Sudamérica, cuéntanos algo de esta nueva experiencia por aquellas tierras.

S.S.- Ir a Sudamérica es como sentirme en casa por la forma en que me acogen. Allí he protagonizado el musical “Tan Lejos” dirigido por Felipe Havranek en el Teatro de Anglo, obra que se estrenó el 12 de octubre y de la que guardo un gran recuerdo. Una obra donde interactúo con los espectadores e intento mostrar que todos somos responsables de nuestros actos, que son nuestra herencia, que debemos dejar atrás los odios, competitividad, los rencores… que la vida es muy corta. La obra trata también de la inmigración y lo complicado que es salir de la zona de confort.
Luego Rodé “Ojos Grises” junto al actor Leonardo Sbaraglia y dirigida por Santiago Ventura. Una película de ciencia ficción retro. Una crítica social sobre la pérdida de los sentimientos en la sociedad actual y donde esa pérdida ha provocado que los seres humanos no vean en color, sino en gris. Interpreto al personaje de un asistente de un doctor que investiga precisamente, el porqué de la pérdida de los colores.
He habitado   casas particulares, calles, escuelas como La Escuela Implosivo Artes Escénica y en el Instituto Nacional de las Artes Escénicas en Montevideo y en el Teatro NÜN de Buenos Aires.
Una gran experiencia que seguramente repetiré muy pronto, porque resulta muy estimulante cambiar de aires.

J.S.- ¿Cuáles son tus nuevos proyectos?

S.S.-   Primero lo que te he comentado, continuar con la gira de “Pornocapitalismo, a sangre viva”  Después voy a impartir una serie de Master Class  en La Central de Cine para actores y actrices del mundo del audiovisual, tanto de cine como televisión, donde entrarán en contacto con ese estado de vulnerabilidad para interpretar. Estado del que carece normalmente el cine y la televisión, al darle mayor importancia a la técnica… Por ahora, hasta aquí te puedo contar. Más adelante ya te iré informando, porque como bien sabes, no me gusta estar en activo.  

J.S.- Llegamos a la última pregunta y todo un clásico. ¿Qué te hubiera gustado que te preguntara y no he hecho?

S.S.- Si consigo conciliar el sueño después de todo esto.

NOTA

FOTOS de Almudena Cadalso

TOTAL LOOK de Black&Liberty

ESTILISMOS de Fede Pauso

AL AMPARO DE UNOS DIOSES AJENOS: PRESENTACIÓN POEMARIO

           La semana pasada se presentó la nueva obra poética de Guillermo Arróniz  López, en el Museo Cerralbo de Madrid, titulada “Al amparo de unos dioses ajenos”.

OBRA DE QVIRON LETHEBAIN

Un ejemplar donde las palabras homenajean a la arquitectura, pintura, escultura y fotografía. Tanto a las obras como a sus autores, pues sin las manos, la mente y la magia del artista, la creación no existiría.

QUIOSCO DEL MUSEO CERRALBO

Para tal acontecimiento, además de su pareja Qviron, que desde la sombra le ayuda a preparar todos los eventos, Guillermo se rodeó del prologuista del libro, Octavio Aceves, quien con sus palabras suaves, templadas y sinceras, presentó el poemario y a su autor.

          Guillermo tomó la palabra para deleitarnos con algunos de los poemas contenidos entre dichas páginas, y como ya viene siendo habitual, envolvió el acto de solemnidad, en esta ocasión apoyándose en el gran violonchelista: Beltrán Alonso.  

EL MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN

En la voz de Guillermo pudimos escuchar los poemas dedicados  al “Quiosco del Museo Cerralbo”. “Gran farol del claustro”. “Cubre tu rostro con un velo y esparce cenizas sobre tu cabeza” de Qviron Lethebain. “El violín canario” (Fotografía por hacer). “San Sebastián” de Berruguete. Museo Nacional de Escultura de Valladolid. “La Piedad de Nicodemo” de Miguel Ángel Buonarroti.  “Lord Byron o his death bed” de Denis Odevaere. “El martirio de San Sebastián” de El Greco. Catedral de Palencia. Y para que la magia no se rompiese, entre uno y otro, se escucharon las piezas musicales: El estudio número siete de Jean Louis Du Port. Un fragmento de la ópera Jerjes de Haendel. El adagio de la Sonata en La Mayor de Boccherini y la suite número 5 de Bach (Sarabande)

Todo ello en una sala con una magnífica sonoridad, un lleno absoluto y un nuevo éxito de presentación para un poemario al cual auguro, todo lo mejor.

 

LA HISTORIA DE JAN: CRÍTICA DE CINE.

¿Algún día podré jugar con mi hijo al futbol? Esa es una de las primeras preguntas que le hace Bernardo a su mujer Mónica, cuando se enteran que su hijo tiene el síndrome de Down. Una frase dicha entre el dolor, la resignación y sabiendo el largo camino y lucha que les queda por delante.

Por delante el espectador tiene 94 minutos en un documental  cargado de positivismo, de energía vital, de sueños y esperanzas que nunca se rompieron, aunque los ojos en muchas ocasiones se inundaban en lágrimas y el cansancio físico, se apoderaba de ellos.

Bernardo Moll Otto y Mónica Vic, son los padres del pequeño Jan, que tras el primer impacto de la noticia, aunque ambos ya lo intuían desde su nacimiento, no solo afrontan la patología de su hijo, sino que Bernardo compra una cámara para grabar el día a día de su historia.

Un día a día donde las secuencias, planos, imágenes desfilan por la gran pantalla para mostrar una realidad que están viviendo miles de familias. Una realidad que muestra a esos niños y niñas, sufrir como todos, pero sin poderse comunicar de la misma manera. Donde anhelan con un futuro en el que verse integrados en la sociedad de una forma natural, sencilla, como cualquier niño, cualquier adolescente, cualquier adulto.

Un matrimonio que envuelve a su hijo en amor y le dotan de todo aquello que precisa para que el día de mañana, en ese futuro que ha decidido ese padre grabar desde su nacimiento, sea un niño feliz, como lo es Jan, tras pasar por muchas pruebas.

Un documento filmado con temple, con muchos matices, donde no se busca la lágrima fácil, sino entrar en la historia de Jan, conocer ese mundo, descubrir cómo se cuida, se trata y se siente junto a un chico con este síndrome.

Documento que se sustenta con el guión sólido, tomado del blog que también, en ese día en el que les dieron la noticia, Bernardo decidió escribir para dar a conocer su historia.  Hoy en día, no han dejado de escribir en él, pues es la historia de un campeón, es la historia de un luchador, es la historia de una familia coraje que representa a todas esas familias con hijos que padecen esta patología, u otras parecidas.

Sé que este documental, esta película, desgraciadamente no va a tener una gran distribución como lo pueden tener las grandes películas que se acercan a las salas comerciales, pero si tú, amigo lector de esta reseña, tienes la oportunidad de verla, no lo dudes, pues su visionado debería ser obligatorio para todo el mundo.

Estreno: 4 de Noviembre

Dirige: Bernardo Moll Otto

Distribuidora: Sherock Film / Contracorriente Films
 

LA DANSEUSE (LA BAILARINA) : CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

             La Danseuse (La bailarina) es la ópera prima de la directora y fotógrafa francesa, Stéphanie Di Giusto, quien irrumpe en el séptimo arte por la puerta grande, pues "la bailarina", partamos de entrada, es una película más que interesante de ver y disfrutar.

             "La bailarina" nos cuenta la historia de Loïe Fuller (Soko), una mujer adelantada a su tiempo, que tenía muy claro cuál era su destino y sueño a alcanzar; el ser bailarina, pero no una más. Se convirtió en un icono de la Belle Époque, bailarina de la Ópera de Paris e inspiración para Toulouse-Lautrec y los hermanos Lumière.

            Además de bailar, diseñaba minuciosamente sus puestas en escena, creando juegos con luces de colores, efectos de espejos y los vestidos utilizados entre otros, para intentar sorprender en cada salida al escenario, a los espectadores. Cuando Fuller estaba en lo más alto de su carrera, aparece una joven de nombre Isadora Duncan (Lily-Rose Depp)…

           Loïe Fuller se arropará en sus momentos de debilidad y fragilidad en Louis (Gaspar Ulliel) y Gabrielle (Mélanie Thierry) quien se convertirá en su sombra, como amiga y manager.

          Una obra de sufrimientos, de éxitos, de miserias, de logros personales, de zancadillas, de amores, de sueños e imaginación. Una obra donde su directora Stéphanie la dota por partes iguales, de frágil, delicada, fuerte y vigorosa. Una obra donde además de los personajes principales, destacaría la espléndida y sugerente fotografía de Benoît Debie, que corteja a la ambientación y los decorados de la época, convirtiéndose en parte imprescindible de la historia.

        Toda la película se presenta en una armonía perfecta. En el estado puro que la danza ofrece con su tremendo esfuerzo tan desconocido por el  espectador, y el resultado que éste ve con total naturalidad cuando se ejecuta en la escena, sobre las tablas, bajo los focos y frente a un telón que cada día al abrirse busca mostrar algo que sorprenda. Una sintonía entre los personajes sobre los que destacaría la impecable interpretación de Soko, la delicada actuación de Mélanie Thierry, sin olvidar a un Gaspard Ulliel, enfermizo y melancólico, estados tan propios de un final de siglo XIX

 

           Nada se escapa a los ojos, oídos y la percepción de la directora, quien tiene la habilidad y el temple de mostrarlo de tal forma, que no sepamos que lo que estamos viendo es una película, hasta el final de la misma.

          Muy recomendable para los amantes del cine y de la danza en especial.

          Mi nota es de: 8

           ESTRENO EN ESPAÑA: 4 NOVIEMBRE

REPARTO: Soko, Lily-Rose Melody Depp, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel, François Damiens, William Houston, David Bowles, Louis-Do de Lencquesaing, James Flynn, Petra Buckova, Frans Boyer, Charlie Morgan.

PRODUCTORA: Les Films du Fleuve / Les Productions du Trésor / Sirena Film / Wild Bunch

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VERTIGO FILMS  ESPAÑA

 

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REGRESAN LAS ENTREVISTAS EN SU SEXTA TEMPORADA

Hola a todos/as  los/as Lectores/as de este blog.

Un año más, al llegar estas fechas, regresan las entrevistas en profundidad, que este año entra en su sexta edición.

Seis años consecutivos donde desde el primer día, intento traeros a hombres y mujeres que se dedican al mundo del espectáculo, aunque en alguna ocasión también de otras profesiones, porque las considero interesantes.

Hombres y mujeres que no tienen normalmente una gran difusión, como se merecerían tener y que desde mi modesto blog, os los presento cada quince días.

Hace no mucho un lector me preguntó una vez más, por qué cada 15 días. El motivo es muy sencillo. Busco que el blog sea dinámico, tenga variación en sus temas, que como veis, el mundo del cine ha entrado con mucha fuerza y es que es un producto muy demandado.

No había hablado de este apartado cinematográfico hasta ahora, pero os contaré que tendréis críticas puntuales, pues desde hace un tiempo colaborado con una revista de cine por la cual accedo a los pases de prensa que les ofrecen.

Seguramente, durante este otoño – invierno, incluida la primavera, entrarán otros apartados, que espero sean de vuestro agrado.

Me despido de todos vosotros, no sin antes agradeceros vuestras visitas al blog.

Un abrazo.

Javier Sedano

HITCHCOCK, MÁS ALLÁ DEL SUSPENSE: LA EXPOSICIÓN

Desde el  5 de octubre al 5 de febrero en la Fundación Telefónica de la calle Fuencarral de Madrid, se está celebrando la exposición: “Hitchcock, más allá del suspense”  Una exposición que pretende descubrir nuevas facetas del maestro del suspense, que aún tres décadas después de su muerte, sigue fascinando por la forma en que dirigió sus obras y  que en su tiempo ofreció a los espectadores de los cines, provocándoles tensión y terror.

La exposición es una retrospectiva que comienza con algunas imágenes sugerentes de sus películas y su biografía, con fechas muy importantes: 1899 Su nacimiento. 1925 la dirección de su primera película “El jardín de la alegría”. 1938 cuando David O. Selnick le contrató para afincarse en Estados Unidos y rodar “Rebeca” hasta llegar a su amplia filmografía que lo componen 57 películas.

A través de panales bien diferenciados y una magnífica iluminación, podremos disfrutar de fotogramas ampliados, secuencias de películas proyectadas en grandes pantallas o monitores, storyboards, bocetos de decorados, vestuario y peluquería, sin olvidar los carteles de la época y los misterios de sus diseños; pequeños cortometrajes,  fotografías, vestidos, revistas. Un amplio abanico donde el visitante realiza un recorrido audiovisual que a medida que llega al final, va sintiendo aún más la fascinación por este gran creador, que no se limitaba con dirigir una película, sino que se  ocupaba de la comercialización de la misma, de los mínimos detalles, de rodearse del mejor equipo al que exprimía al límite, de su obsesión por las mujeres que interpretarían a las buena y malas en sus películas, con claras diferencias entre las unas y otras, de cómo burló a la censura de su tiempo, de la influencia que su esposa Alma Reville tuvo en su trabajo... Nada se dejaba al azar en el mundo cinematográfico de Hitchcock y esta exposición, lo recoge fielmente.

Muy recomendable para los amantes del cine y fans del director.

          Como he comentado esta exposición se abrió el 5 de octubre y continúa hasta el 5 de febrero en horario de 10:00 a 20:00 horas de lunes a domingo.

Existes algunos días donde hay visitas guiadas (gratuitas) las cuales recomiendo.

Os dejo la página oficial donde podéis encontrar más información:   https://espacio.fundaciontelefonica.com/evento/hitchcock-mas-alla-del-suspense/

LA CHICA DEL TREN: CRÍTICA DE CINE

“La chica del tren” es la última obra del director Tate Taylor (Criadas y señoras) Una película que a primera vista, al menos en la primera mitad de la misma, nos puede resultar: confusa, extraña e incomprensible, pero a medida que sobrepasamos ese ecuador, nos sentirnos más intrigados y comenzamos a comprender lo que Taylor nos ha estado ocultando con tanta perversidad.

“La chica del tren” nos narra la historia de tres mujeres cuyas vidas se entrelazan bajo la mirada de una de ellas, Rachel (Emily Blunt) una divorciada sumida en el alcohol que cada día toma un tren y a través de su ventanilla observa y fantasea, sobre las parejas que viven en las casas que bajo su mirada, se cruzan; unas casas que le recuerdan a un tiempo no muy lejano, pues cerca de ellas vivió con su ex marido.

Una historia basada en el best seller de Paula Hawkins y que en esta adaptación, Tate Taylor confecciona un thriller de intriga tan singular como absorbente. Tan extraño como comprensible y duro en el final, pues juega con despistar al espectador en un montaje tan disparatado, que  por instantes se confunden los flashbacks y los constantes cambios narrativos, con la realidad vivida por el personaje de Rachel, donde Emily Blunt borda su papel entre las luces y la oscuridad de su atormentada mente.

La dirección de actores, sobre todo la de sus dos protagonistas femeninas, está cuidada y mimada, para de esta manera deleitarnos con un tándem perfecto en sus interpretaciones; como peones que les toca representar en esta pieza dramática viajando en esos trenes y entre esas casas, ser partícipes del sufrimiento ocasionado por el alcohol, las separaciones, los maltratos, las inseguridades, la maternidad, la soledad… Piezas de nuestra sociedad que aún arrastramos como lastres, creyendo que nunca encontraremos la estabilidad deseada. Pero siempre hay una salida, aunque tal vez en ese intento, no acertemos a tomar el tren correcto.

“La chica del tren” por tanto, no es sólo un ejercicio interpretativo, ni psicológico, ni siquiera de una dirección excéntrica; sino tal vez, un ejercicio para no caer en las redes que el ser humano traza en ocasiones para su único beneficio.

Mi nota es de: 7

Estreno en España: 21 de Octubre.

  REPARTO: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Edgar Ramirez, Justin Theroux, Allison Janney, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Lana Young, Nicole Bonifacio, Marko Caka, Daniell M. Williamson, Alexander Jameson, Sidney Beitz.

PRODUCTORA: DreamWorks Studios/ Amblin Entertainment/ Marc Platt Productions.

NOTICIAS SORPRENDENTES: ¿HAS VISTO LOS BILLETES DE 30 EUROS?

¿Cuántas veces hemos hablado que tal persona es más falsa que un duro de hojalata, o de una moneda de cinco euros? Pues hay algunos atrevidos que no solo falsifican los billetes tradicionales, sino que van más allá.

Eso es lo que pasó en Westfalen (Alemania) donde a una cajera le entregaron un billete de 30 euros, sí, han leído bien. 30 EUROS para pagar unos paquetes de cigarrillos, y lo peor no fue la poca vergüenza del falsificador, sino que la cajera lo aceptó y le entregó la vuelta. Ole, así se llevan  las cuentas.

La joven cuando se dio cuenta ya era tarde y entregó el billete a la policía al realizar la denuncia. Dicho billete, como es natural, ha desconcertado a la policía alemana, no por ser falso, sino porque el falsificador lo creara con esa cantidad, pues lo normal es que fuera más fácil ser descubierto al ponerlo en circulación.

Al interrogar al defraudador, la policía tras su dentención, comentó que días atrás se había encontrado esos billetes de 30 euros y que decidió hacer una broma a su mujer, pero que por error entregó uno en dicho establecimiento. ¿Error?

         Error o intención, sea como sea, la policía alemana ha afirmado que el falsificador será acusado de fraude y alteración del papel moneda.

         Que hay tontos lo sabemos, que hay caraduras también y no hablemos de sinvergüenzas, el caso es dar con ellos y algunos lo hacen con saña. ¿Qué será lo próximo?

UN VERANO EN BROOKLYN: CRÍTICA DE CINE

Un verano en Brooklyn, lejos de lo que se pueda pensar por el título, es un dramón en toda regla. Ira Sachs dirige y colabora en el guión junto a Mauricio Zacharias, de una obra que no dejará indiferente a nadie.

Una película donde la falta de trabajo, la crisis, los traslados de domicilio, las herencias, la presiones familiares… Son las causantes de crear fuertes tensiones entre aquellos que se ven afectados.

Eso sucede en el seno familiar de Jake (Theo Taplitz) que un buen día recibe la llamada de un amigo de la familia para comunicarles que ha muerto su abuelo. Jake junto a su madre Kathy Jardine (Jennifer Ehle) y su padre Brian Jardine (Greg Kinnear) se ven obligados a trasladarse a Brooklyn, donde el anciano tenía su casa y una tienda en la parte baja de la misma, la cual regenta una inmigrante chilena, Leonor (Paulina García) quien vive junto a su hijo Tony (Michael Barbieri).
Jake y Tony descubrirán mientras se conocen que tienen muchas cosas en común, como jóvenes que son, incluso las disputas con los chicos del barrio. Mientras, otra batalla se avecina, la de la herencia que Brian y su hermana han recibido y la presión por el alquiler de la tienda, cuya zona se ha revalorizado. Es entonces, en esa guerra económica en la que se ven envueltos los dos jóvenes, cuando toman una determinación…

Un drama social, por el que desfilan temas como el paro, la lucha por mantener un negocio a flote, la integración en una nueva ciudad, el escuchar y ser escuchados, los sueños rotos y otros por vivir; son algunos de los asuntos sociales que rodean a los personajes de esta película.

Un verano en Brooklyn, a simple vista parece un filme menor, de los que crees que no va a dejar ningún tipo de huella,  pero en ello radica su magia, su gran engaño, pues en más de una ocasión el espectador analizará en su mente, sin quererlo, momentos recreados en la historia.  Una obra tratada de forma tan delicada y con unas interpretaciones tan sutiles, que lo visto, podría pasar en nuestro barrio, por la sencillez con que se presenta.

Ira Sachs, firma una obra humana, profunda, intensa y llena de matices. Nada se dice por decir. Cada palabra, cada gesto, cada espacio, está porque es necesario que así sea.

 

Mi nota es de: 7

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri, Greg Kinnear, Jennifer Ehle, Paulina Garcia, Alfred Molina, Clare Foley y Talia Balsam.

¿DE QUÉ DEPENDE LA AUDIENCIA?

          ¿Por qué un programa puede captar la atención de la audiencia y otro no?

          Si la respuesta fuera tan fácil, ninguna cadena estaría pendiente de las cuotas de pantalla, pues todas desean tener el mayor número de telespectadores pegados a sus emisiones, de ello dependerá la continuación de las mismas o no.

          Sobre este tema he debatido en algunas redes sociales con amigos y conocidos y muchos hemos pensado porqué un programa que ha sido número uno, de pronto empieza a caer en picado y lo primero que se nos viene a la mente es que, la gente al final se cansa de ver y escuchar más de lo mismo.

          Hay dos programas en TV5 que últimamente se están preguntando que sucede con sus audiencias. Esos programas son “Sálvame de Lux” y “GH”.

          “Sálvame de Lux” ha ido perdiendo audiencia desde que “Tu cara me suena” de A3 ha vuelto a emitirse, y la conclusión para mí es muy fácil de entender, pues las diferencias son abismales.

          “Sálvame de Lux” saca las miserias, los problemas y las angustias de determinados personajes más o menos conocidos, algunos tan desconocidos que ni el telespectador sabe quiénes son hasta que les dicen que es la tía de la prima de…, mientras que “Tu cara me suena” busca divertir, entretener, hacer reír e incluso cantar en familia.

          “Sálvame de Lux” sigue el mismo patrón semana a semana y apenas cambia a los personajes, pues es de esos programas que se retroalimentan una y otra vez desde hace años, sin sorprender, sin buscar novedades… porque sus personajes no dan más de sí; mientras que “Tu cara me suena”  por el contrario son nuevos personajes, nuevas caras, nuevos artistas, nuevas puestas en escena; todo diferente, aunque mantenga la esencia de en qué consiste dicho programa.

          Pasamos a las noches de los domingos y llega “El debate de GH” un programa que ya en su emisión de los jueves ha perdido fuelle hace tiempo. Sobre este programa y los motivos de que su share cada vez sea menor se podría hablar mucho, daría para un capítulo aparte; pero me detendré en el programa del domingo “El debate de GH”.

          Este domingo pasado ha caído 1,7% de lo que ya estaba cayendo semanas anteriores y el motivo principal ha sido la emisión de un programa en TV1 “OT, el reencuentro” donde ha sorprendido a todos con una audiencia del 24,8% en su primera parte y eso que otro programa entraba con fuerza “Salvados” de la Sexta TV, con el documental “Astral” que obtuvo un 14%

          ¿Cuál ha sido el motivo de la caída del programa del debate de GH y la gran subida de “OT, el reencuentro” después de 15 años de aquel programa líder en la audiencia de los lunes?

          Pues como dije en un debate del muro de un amigo en Facebook, apuntaba a que el éxito estaba en que:

1) No se ahoga al telespectador con un programa tan sumamente repetido, una y otra vez, sin ninguna novedad que sorprenda a quien lo está viendo.

2) Se trata con respeto a los entrevistados y a la audiencia, con temas que pueden interesar. No hay gritos, no hay insultos, no hablan todos a la vez hasta el punto de que el telespectador no sabe que están hablando. Saturación.

3) Se tiene en cuenta el tiempo de duración de un programa, más vale dejar con las ganas que abusar. Es ilógico que un programa que tiene su continuación el martes y luego el jueves, dure 5 horas o más.

4) Cuando la publicidad juega en contra del programa. No se puede estar cortando un programa cada 15 minutos para dar otros 10 de publicidad. Eso bloquea, cansa y provoca cambiar de cadena.

Creo que las cadenas deben estudiar muy bien los programas que emiten y no quedarse dormidos en los laureles pensando que lo que ha funcionado, seguirá haciéndolo por los siglos de los siglos. Hay que arriesgar, hay que pensar en el telespectador, hay que innovar, hay que introducir nuevas propuestas y nuevas caras,  que provoquen que el telespectador deje el mando en la mesa y no esté cambiando por culpa del aburrimiento o del exceso de publicidad.

Es posible que en otra ocasión la crítica la centre en otros programas de otras cadenas, pero esta vez cae en estos, pues creo que son muchos los que opinan como lo estoy haciendo yo, de lo contrario, no perderían audiencia como lo están haciendo día a día y los enfados que se leen por las redes sociales.

SNOWDEN: CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

El maestro Oliver Stone (Platton, JFK, Wall Street) conocido por  llevar a la gran pantalla y profundizar en los momentos más relevantes y oscuros de la historia norteamericana, nos ofrece su último trabajo “Snowden”

          “Snowden” está basada en la historia de Edward Snowden (Joseph Gordon – Levitt) quien tras abandonar el ejército americano por un aparatoso accidente y tras la preparación adecuada, pasará a formar parte de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) y de la CIA. Lo que va descubriendo con el paso del tiempo, es algo que comienza a obsesionarle en el día a día y uno de esos días, tras recopilar información muy valiosa decide reunirse con determinados periodistas para filtrar documentos muy importantes, documentos donde mostrará el programa de vigilancia que a nivel mundial posee la NSA. Un programa al cual todos estamos o hemos estado expuestos, incluso muestra lo fácil que puede resultar para los servicios de inteligencia, conectar una  Webcam en cualquier domicilio sin estar el ordenador encendido o entrar en tus datos y conversaciones de móvil.

          Oliver Stone dirige con gran acierto este biopic cargado de tramas e intrigas que por una parte sacude una página oscura de la NSA y la CIA por el revuelo que provocó en su momento Snowden en 2013, y por otro lado, origina que el espectador se revuelva en la butaca por la inmediatez de la historia y sobre todo por la exposición que, aun sabiendo que cualquier cosa que publicamos en las redes sociales se queda en ellas para siempre, no somos conscientes del alcance que pueden tener para los servicios de inteligencia internacionales.

          Stone nos sorprende muy positivamente y nos sumerge  en este thriller de suspense y espionaje en pleno siglo XXI, con un metraje largo, que por ponerle alguna pega, puede resultar excesivo, aunque también es cierto que, durante las dos horas y cuarto que dura, ofrece escenas con gran  dinamismo, sobre todo en los minutos finales, donde se superponen las imágenes de ficción, con las reales de la época. En cuanto a la dirección de actores, nada que objetar, sin excesos, haciéndoles totalmente creíbles y desgranando el libro de Luke Harding cuyo guion elaboran el propio Oliver Stone y Kieran Fitzgerald.

          Con “Snowden” Oliver Stone vuelve a la gran pantalla para entretener y seducir con su forma de contar historias, al espectador.

          Mi nota es de: 7,5

REPARTO: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olymphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymen Butler, Ben Schnetzer

PRODUCTORAS: Open Road Films / Onda Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VÉRTIGO FILMS.

EL MUNDO ENTERO: CRÍTICA DE CINE

“El mundo entero” es el medio metraje autobiográfico del guionista y director, Julián Quintanilla.

Como él mismo dice “Después de la muerte de mi madre en 2001, a los 49 años de edad, sentí la necesidad de seguir comunicándome con ella de alguna manera. Y el cine se convirtió para mí en el medio, no sólo para hacerlo, sino para dar continuidad a una historia que el destino quiso dar por acabada, pero que para mí no lo está”

Para encarnar a su madre, la Chary, ha elegido a una actriz carismática donde las haya, atrevida, luchadora y una mujer que disfruta de los pequeños momentos de la vida, Loles León, con quien ya trabajó en su cortometraje “Implicación”. Elección muy acertada, porque no sé cómo sería la Chary, pero en Loles vemos a esa mujer luchadora, a esa mujer coraje que quedó embarazada estando soltera y crió a un hijo gay, sin ocultar nunca su condición sexual. Una mujer que dejó huella en San Roque, un barrio de Badajoz, sin ninguna pretensión, salvo la de ser feliz con lo que tenía y viendo a su hijo abrirse camino en la vida.

Loles traspasa la pantalla y hace reír a carcajadas a los espectadores provocando aplausos inesperados, pero también nos hace reflexionar, cuando ve las injusticias, cuando cree no poder hacer más, de lo que le gustaría hacer.

La Chary se apodera de Loles y Loles disfruta con la personalidad de la Chary.

Julián además de ser el guionista y director, se interpreta así mismo, en esta su ópera prima, para hacer esas preguntas a su madre y obedecerla a regañadientes en la misión que cada año le encomienda, tras la visita realizada al cementerio para hablar con ella. No, no está loco, habla con ella, porque sabe que de alguna forma, su madre le escucha y lo aconseja.

Una película tierna, dura, sincera y que Julián la envuelve en comedia, pues él está lleno de esa vida, que le insufló desde niño su madre.

La música de Víctor Reyes (Ganador del Emmy por El Infiltrado) corretea por las esquinas del barrio, entre sus habitantes, junto a la Chary y Julián.

Una ópera prima no exenta de algunos errores. Siendo honesto, a mí juicio le falta ritmo o tal vez un montaje más dinámico, sea como sea, cuando finaliza el medio metraje, estás impregnado del mensaje que deja, de esa lucha contra la homofobia, que todavía hoy en día, sigue existiendo y eso, es lo verdaderamente importante.

Felicidades a Julián Quintanilla, Loles León, los actores secundarios (Cándido Gómez, Soledad Benítez, Eric Francés, Daniel Delgado, Daniel Martínez, Tato Cabrera y Moisés Ortega) y el equipo técnico. No dejéis nunca de trabajar en algo tan hermoso, como es el mundo del cine.

“El mundo entero” se podrá ver todos los sábados, a las 19:30 horas, en la sala madrileña Artistic Metropol. El precio de la entrada será de 3 euros y se pueden adquirir en Entradium. 

 

 P.D. Seleccionada para el Festiva Internacional de Cine de San José (California) Sección Oficial a Concurso.
Mucha suerte