THELMA: CRÍTICA DE CINE

          Thelma  está dirigida por el noruego Joachim Trier (El amor es más fuerte que las bombas), con guion propio compartido con Eskil Vogt.

          Thelma (Eili Harboe) es una joven estudiante que se traslada a Oslo para cursar su carrera de Biología en la universidad. Conocerá a Anja (Kaya Wilkins) de quien se enamorará. Ha recibido una educación cristiana muy estricta y está sobreprotegida por sus padres.  

          El despertar de Thelma a la sexualidad, no será lo único que experimente, pues misteriosamente va descubriendo que tiene ciertos poderes sobrenaturales, acompañados de ataques “epilépticos”

          Si no estuviéramos ante un thriller tan refinado, la obra podría ser clasificada como la clásica película de terror o suspense psicológico, pero Joachim la dota de una exquisita puesta en escena a través de una narración pausada, donde todo tiene importancia y así llegar a conocer y entender a Thelma: La sobreprotección, la familia, lo sobrenatural, la sexualidad, el amor y una férrea educación cristiana. Una narración lenta pero necesaria. Necesaria para ir descubriendo lo que su mente esconde y desea salir a la luz entre las luchas internas al ser consciente de su nueva situación, sus ataques, las preguntas que realiza a Dios sin recibir respuesta, las caricias de su compañera, en una delicada presentación del amor lésbico, mientras entra  en debate de sí es natural su relación con su amiga, pues así es como lo siente y desea, pero no como ha sido educada.

           Un drama psicológico que ya en las primeras escenas presientes que algo no es natural. Instante del padre llevando a una Thelma niña de caza y en vez de apuntar al ciervo, la apunta a ella por detrás,  a la cabeza; surgiendo preguntas como: ¿Qué esconde ese padre? ¿Qué teme de su hija? Cada minuto está perfectamente medido para mantener en guardia al espectador transformando al filme, en un equilibrado y meditado thriller paranormal.

          Las interpretaciones están de sobresaliente, con momentos memorables de sus progenitores: Henrik Rafaelsen y Ellen Dorrit Patersen, tan misteriosos como su propia hija, pero sin la menor duda destaca Eili Harboe, con su inquietante personaje.

          Una fotografía tan cálida como fría, en encuadres precisos que van de lo terrenal a lo extrasensorial a través de una iluminación delicada a cargo de Jakob Ihre, fotografía que se deja envolver en las notas de una partitura tensa,  romántica e intrigante compuesta por  Ola Flottum.

          Como comentaba al principio, no estamos ante un filme de terror al uso, pues está exento de gritos, de sangre, de vísceras, de carreras sin sentido, donde la fotografía es luminosa y no oscura, donde la banda sonora acaricia las notas y no provoca estruendos innecesarios. Joachim Trier nos lleva de la mano hasta el subconsciente, a través del más sofisticado terror psicológico.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen

          PRODUCTORA: Coproducción Noruega-Francia- Dinamarca-Suecia/ Motlys/Eurimages/Film I Väst/ Le Pacte/ Nordic Film och TV Fund/ Norwegian Film Institute/ Snowglobe Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

          VISTA EN LA MUESTRA SYFY 2018

100 DÍAS DE SOLEDAD: CRÍTICA DE CINE

             José Díaz y Gerardo Olivares, son los directores y guionistas de 100 días de soledad. Un documental basado en la experiencia de José Díaz.

          José Díaz decidió recluirse en una cabaña en el Parque Natural de Redes, en Asturias, un lugar que conocía bien, pues lo visitaba con frecuencia desde que era niño y en especial con su hermano, al que añora tras su muerte.

          Una cabaña carente de todo lujo, sin televisión, ni ordenador, ni reloj, ni electricidad, ni agua caliente e incluso sin cobertura para el móvil. Vivirá durante 100 días con lo básico y en completa soledad, recordando a los suyos (a su esposa, sus dos hijos y por supuesto a su hermano fallecido) y compartiendo los tres largos meses, con la naturaleza en su plenitud.

          José se rueda así mismo con 5 cámaras y un dron y presenta a los espectadores la belleza espectacular de un  paraje aun virgen en condiciones muy duras para cualquier ser humano. Nada mejor que sus propias palabras, para saber lo que experimento:

          “Fui feliz, muy feliz, y además lo supe. Viví malos momentos, pero siempre eclipsados por los buenos. En cada caminata conté mis pasos hasta cien mil veces, manteniendo así activas las cuerdas vocales. Tras decenas de fracasos, conservé intacta la ilusión hasta el último momento. Viví sin la compañía de una televisión; el fuego me enseñó cómo hacerlo. Dispuse del tiempo a mi antojo, pero sin dejar de ser disciplinado. Sentí la dureza de la soledad de forma implacable, y aprendí mucho de ella. Subsistí a base de austeridad y todavía me sobraron muchas cosas. Las heladoras duchas me mostraron que tras el sacrificio viene el beneficio. Repuse litros y litros de sudor hidratándome con agua pura, preciado tesoro hoy en día. Ante mis ojos se cruzaron más árboles de los que mucha gente verá a lo largo de sus vidas. Asistí al espectáculo del otoño y disfruté de las nieves del invierno. Comprobé como mi sombra iba alargándose día tras día, hasta casi escaparse de mí. Vi las altas copas de los árboles dibujadas en cielos multicolores. Disfruté del celestial sonido que el silencio produce. Atravesé kilómetros de bosque en busca de animales, y, aunque no siempre los  encontré, seguí haciéndolo con la misma pasión. Hice mías las palabras de Nelson Mandela. “Fui capitán de mi alma, timón de mi destino”. Aunque lloré, sufrí, sudé, renegué…, fui inmensamente feliz”

          El documental está producido por José María Morales (Wanda Films) en coproducción con RTVE y con el apoyo de ICAA.

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          PRODUCTORA: Wanda Natura.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

AVANCE DE CINE: LAS ESTRELLAS DE CINE NO MUEREN EN LIVERPOOL

         Vértice Cine estrenará en España “Las estrellas de cine no mueren en Liverpool” un filme dirigido por Paul McGuigan, adaptando las memorias de juventud del actor británico Peter Turner en las que relata su relación sentimental con la actriz de cine clásico Gloria Grahame, quien ganó el premio Oscar a la mejor actriz secundaria en 1953 por Cautivos del mal.

          La película fue presentada en la pasada edición del Festival de Cine de Toronto cosechando muy buenas críticas. Las actuaciones de Annette Bening y Jamie Bell les han valido numerosas nominaciones cinematográficas, entre otras a los British Independent Film Awards o los Hollywood Film Awars, evento este último en el que Bell se alzó con el premio New Hollywood.

Sinopsis

          El 29 de septiembre de 1981 el actor británico Peter Turner (Jamie Bell) recibe una llamada inesperada: su ex amante, la ganadora del Oscar Gloria Grahame (Annette Bening), ha sufrido un colapso en un hotel de Lancaster. Mientras ella se niega a ser atendida por los médicos, a él no le queda más remedio que ir a buscarla para llevársela a su humilde casa familiar en Liverpool. Allí, mientras cuida de ella, revivirá todo lo que les unió durante años y también lo que les separó.

         La película se estrenará en nuestras salas el 18 de mayo de 2018

PETER RABBIT: CRÍTICA DE CINE

           Peter Rabbit, la creación de Beatrix Potter, llega a las pantallas españolas para entretener a toda la familia.

          Peter Rabbit (Voz de Dani Rovira) viste camisa azul y sin pantalones, es un conejo que vive junto a los suyos en el campo. Su madriguera está bajo un gran árbol entre medio de dos casas. En la una habita una joven pintora (Rose Byrne) amante de la naturaleza y los conejos y en la otra el viejo McGregor (Sam Neill) quien cultiva todo tipo de verduras, los grandes manjares de nuestros amigos.

          McGregor muere de un infarto y Peter junto a sus amigos, entre los que se encuentra un zorro, montan una gran fiesta en el interior de la casa, pero la felicidad durará poco, cuando a ella se traslada el heredero, Thomas McGregor (Domhnall Gleeson).

          La película está basada en los cuentos de Beatrix Potter, donde Will Gluck dirige esta obra compartiendo guion con Rob Lieber. Un filme donde  interactúan con absoluta perfección, la magnífica animación junto a los seres de carne y hueso. Una obra destinada a la familia, pues puedo asegurar, que tanto pequeños como mayores, disfrutan de las locas aventuras de estos conejos y sus amigos.
              Desde el 2014, tras dirigir “Annie”, no habíamos visto a Will Gluck detrás de las cámaras y la espera ha dado sus frutos, pues sin duda este conejo rebelde va a despertar muchas sonrisas entre pequeños y mayores. Will se ha rodeado de un excelente equipo entre los efectos visuales y la animación, para confeccionar este alocado espectáculo cinematográfico. Cuando los animales están en planos medios o primeros planos, podemos apreciar cada detalle confundiendo la animación con la realidad.

         Posee un buen ritmo, un correctísimo montaje, una magnífica iluminación y color, que Peter Menzies Jr, junto al equipo de animación, han sabido sacar el mejor de los partidos, y que una vez más, la banda sonora, fortalecerá la acción trepidante de la obra. Música de Dominic Lewis.

          Como sucede con tantas películas destinadas a los más pequeños de la casa, este filme no estará exento de moralejas, donde el saber reconocer los errores y pedir perdón, se unirá al compañerismo, la unidad familiar, la soledad, el amor, la amistad… Un filme clásico en su estructura, predecible en su final, pero que ni lo uno ni lo otro, mermarán el divertimento durante los 95 minutos que dura la obra.

            Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: Animation, Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Bernardo Santos, Deborah Rock, Jill Buchanan, Vauxhall Jermaine, Ty Hurley  VOCES: Dany Rovira (Peter Rabbit), Silvia Abril (Pitusa) y Belén Cuesta (Pelusa)

          PRODUCTORA: Coproducción Estados Unidos- Australia; Sony Pictures Animation/Animal Logic Entertainment/ Olive Bridge Entertainment/ Animal Logic/ Columbia Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

VISTA  EN LA MUESTRA  SYFY 2018

LA CASA JUNTO AL MAR: CRÍTICA DE CINE

           La casa junto al mar es la nueva película del director francés, Robert Guédiguian quien comparte guion junto a Serge Valletti.

          Tres hermanos: Angèle (Ariane Ascaride) es actriz en París. Joseph (Jean-Pierre Darroussing) presentará a sus hermanos a su nueva novia, mucho más joven que él, Bérangère (Anaïs Demoustier) y Armand (Gérard Meylan) regenta el restaurante, que poseen debajo de la casa familiar, en la que vive junto al padre. Una propiedad que se encuentra en una pequeña cala cerca de Marsella. La decisión de reunirse surge por la delicada salud del padre.

          Durante los días que pasan juntos, revivirán los instantes de su juventud, lo que les unía y cuanto compartieron. Descubren que no necesitaban de casi nada para ser felices, habitando en una zona marítima que ha perdido la alegría de tiempos mejores, pues ahora está prácticamente abandonada. Nada parece ya estimularles hasta que una patera de árabes llega a una cala cercana, encontrándose con tres niños: dos chicos y una chica. Clara representación alegórica de ellos tres.

          Una obra de sentimientos, de emociones a flor de piel que rodean a cada uno de los personajes,  con sus vivencias, sus instantes de soledad y aquellos en los que participaron. Vidas monótonas que se filtran en cada conversación, en cada gesto, en cada situación de los días que pasarán en la cala y en la convivencia con los pocos lugareños que aún no se han ido, algunos de ellos cansados de seguir allí, pero sabedores de que es su último retiro. Errando entre atardeceres y amaneceres, entre barcos de pesca, de faena en alta mar, de relaciones furtivas y de olor a salitre, mientras se escucha ese sonido tan característico de las olas rompiendo en las rocas o llegando a la orilla; imágenes que son recogidas en la delicada fotografía de Pierre Milon.  ¿Qué sucede realmente en las mentes de nuestros personajes, que el director no quiere desvelar? Tal vez ese misterio tan bien guardado, es lo que mantiene, entre otras cosas, al espectador expectante ante lo que está viendo y escuchando.

          Robert nos muestra un rincón del mundo donde todo resulta rutinario. Un espacio abandonado en el cual nuestros protagonistas parecen estar atrapados entre los recuerdos, a medida que los días pasan. Por más que lo intenten, parece inútil buscar nuevas salidas a sus aburridas vidas. Ya ni siquiera pueden contar con el padre que les ha mantenido unidos, debido a  su invalidez y el no poder reconocer a sus hijos.

          La crisis, la vejez, el deseo de recobrar la juventud, las risas olvidadas, los sueños frustrados, la importancia de lo perdido, el amor que se desvanece… Un filme claramente diseñado para el lucimiento de los actores, desde los principales hasta llegar al último de los secundarios, que hábilmente maneja como si de marionetas se tratara, el talento de Guédiguian, bajo un guion en apariencia sencillo, pero cargado de matices; virtud que usa con sutileza para mantener al espectador hasta llegar a un brillante final que cierra con broche de oro toda la historia que nos ha ido narrando, entre la nostalgia, la tristeza y simbolismos cargados de esperanzas.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

       

   REPARTO: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussing, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin, Yann Tregouët, Geneviéve Mnich, Fred Ulysse.

          PRODUCTORA: Agat Films/ France 3 Cinéma/ Canal+

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

GRINGO: se busca vivo o muerto: CRÍTICA DE CINE

         Nash Edgerton dirige la divertidísima comedia, GRINGO: se busca vivo o muerto, con guion de Matthenw Stone y Anthony Tambakis.

          Elaine Markinson (Charlize Theron) y  Richard Rusk (Joel Edgerton) son  dos ejecutivos agresivos de una empresa farmacéutica que llevan entre manos un nuevo producto, cuya fabricación se realiza en México.  Entre sus trabajadores cuentan con Harold Sayinka (David Oyelowo), amigo de Richard, quien tiene grandes sueños respecto a su trabajo dentro de la empresa.

          Los tres se desplazarán a México por negocios y allí Harold irá descubriendo que no todo es como él esperaba ni en los negocios ni en su vida personal, viéndose involucrado en una sucesión de acontecimientos,  en los cuales como si de una diana se tratara, su vida, esté con quien esté, se convertirá en  el objetivo a abatir.

          Edgerton dirige esta disparatada y divertidísima comedia negra, con una acción trepidante en constantes giros inesperados que logran elevar la acción y la comedia hasta llegar al final, sin decaer en ningún momento, algo por lo que hay que felicitarle de entrada. Un final que si bien previsible, también deseado por el espectador, tras el aluvión de acontecimientos  ofrecidos y vividos en las carnes de nuestro protagonista. Una obra perfectamente equilibrada, entre esas sorpresas finamente hiladas junto al humor irónico a través de lo visual y los diálogos. Inolvidable, sin hacer spoiler, de las preguntas: ¿Te gustan los Beatles? ¿Consideras que Sargent Pepper es su mejor álbum? Dicho así, parece no tener importancia, pero cuando esas preguntas las realiza un capo de la mafia en situaciones embarazosas para el interrogado, todo es diferente. Cada pieza de este espectacular puzzle encaja perfectamente, mostrando un resultado más que positivo y agradecido.

          Un filme amable, con grande dosis de crítica sobre el mundo empresarial, de los buitres deseando salvar sus posaderas sin ningún tipo de escrúpulos, de las mafias encubiertas, del poder del dinero, de las envidias y rencillas,  y del status social, del machismo y del feminismo… hasta de referentes políticos actuales, bien conocidos.  

          Si Nash logra sus objetivos en la dirección con buena nota, no menos el elenco de actores con los que cuenta, todos perfectamente en la piel de sus personajes, moviéndose con soltura en los espacios que deben ocupar. David Oyelowo, está magnífico, creíble, divertido, emotivo… con el que el espectador disfruta y acompaña en sus aventuras y desventuras, más desventuras que aventuras, hay que aclarar. Charlize Theron, además de su acertada interpretación entre el cinismo y “loba” de los negocios, está deslumbrantemente bella y seductora, y Joel Edgerton, se convierte en ese personaje despreciable con el que disfrutas cuando en su vida, cambian las tornas.

          Un thriller con un gran montaje, una impecable fotografía de Eduard Grau y una banda sonora, tan trepidante como la acción del filme, de Christophe Beck.

          Por todo lo expuesto, mi nota es 7,5

      

    ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Argarano, Alan Ruck, Paris Jackson, Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis, Charles E. Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea.

          PRODUCTORA: Blue-Tongue Films/ Denver and Delilah Productions/ Amazon Studios/ Double Barrel VFX/ Pictures in a Row.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

PERDIDO: CRÍTICA DE CINE

          Christian Carion con guion propio dirige, Perdido, un intenso drama narrado sin prisas y eficaz en su desarrollo.

          Julien Perrin (Guillaume Canet) es un hombre que viaja por gran parte del mundo, pasando largas temporadas fuera de casa, lo que provoca que su mujer Marie Blanchard (Mélanie Laurent) le pidiera el divorcio por estar alejado de ellos, pues ambos tienen un hijo, Mathys (Lino Papa), quien está a cargo de su madre. Marie tiene una nueva pareja y está pasando por un mal momento. Un día Julien recibe la llamada de su ex mujer comunicándole que su hijo Mathys ha desaparecido del campamento donde lo habían llevado ella y su nueva pareja para de esta forma, estar un tiempo juntos, sin la presencia del pequeño. Julien, al ver que su hijo no aparece, decide lanzarse en su búsqueda.

          Perdido, es en apariencia un filme sencillo, pero muy lejos de esa realidad, realidad que iremos descubriendo a medida que el metraje avanza, entre sus dolorosas capas: El sentido de la culpa por los errores cometidos, la obsesión por el trabajo, la protección infantil, el coraje paternal, todos ellos y algunos más, a través del viaje que emprenderá en busca de su hijo desaparecido, del supuesto o no secuestro, del miedo a no encontrarlo con vida; por la negligencia de  unos padres que han pensado más en ellos mismos, que en cuidar de la vida que un día engendraron.

          Carion somete al espectador a una narración tal vez demasiado pausada, pero en parte necesaria, pues busca constantemente en su meditada exposición, que nada quede al azar, aunque deje algunos flecos sueltos y aún preguntándonos el por qué, no desmerece a la historia contada, sino que provoca el debate tras la proyección. Una película no exenta de una extraña tensión que a medida que avanza en el tiempo, eleva y crispa los nervios del espectador por la agonía que sufre su personaje principal, por la violencia desatada, que Christian, con buen atino y gusto no muestra de forma escabrosa, sino que lo deja para nuestra imaginación, apoyándolo en los sonidos, aunque  en realidad, no sé qué es peor.

     Una obra con magníficas interpretaciones, todas totalmente creíbles y me atrevo a decir, que imprescindibles; destacando al padre coraje y vengativo que representa  Guillaume Canet y al que seguiremos gustosos en todas sus andanzas, esperando el momento de esclarecer el misterio que rodea a la desgarrada ausencia de su hijo y lo que haya podido sucederle.

          Un filme donde la fotografía de Eric Dumont, tiene mucho que decir y lo hace de forma acertada, entre sus paisajes nevados, entre montañas solitarias, de albergues desérticos guardando en terrible secreto, de carreteras interminables en busca de un resignado final, pero final al fin y al cabo, que le saque de la incertidumbre… Y por supuesto, esa compañera infatigable, casi siempre dándose la mano, como es la banda sonora, está vez en la partitura de, Laurent Pérez del Mar. Tensa, resignada, evocadora, dura, angustiosa y por breves instantes, relajante.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en España: 16 de Marzo

          REPARTO: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert.

          PRODUCTORA: Nord-Ouest Production

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

A SILENT VOICE: CRÍTICA DE CINE

           A Silent Voice de la directora japonesa Naoko Yamada nos sumerge en un duro drama sobre los problemas en la adolescencia y más concretamente en la  japonesa.

          Shoya Ishida es un joven estudiantes de primaria que busca destacar sobre los demás, va de duro, del malote del colegio y se siente bien al ver como los demás o le admiran o le temen. Un buen día llega una chica nueva, Shoko Nishimiya, una niña sorda quien se convertirá en la diana de las travesuras de Shoya, aunque este siente algo especial por ella, que no desea demostrar. Shoko deberá abandonar el colegio, ante el acoso que recibe de algunos de sus compañeros.

          Pasan los años y Shoya se arrepiente de su pasado y buscará la forma de contactar con su ex compañera de estudios, Shoko, para obtener su perdón, pero no será tan fácil como él espera, pues todos los “fantasmas” se confabularán en su contra.

          Naoko Yamada, trabaja en los estudios de animación Kyoto Animation y en su nuevo proyecto dirige la adaptación que Reiko Yoshida adapta de la novela manga de Yoshitoki Oima. Una obra que consta de siete volúmenes.

          Un Filme duro, desgarrador, tremendamente sincero; a través del cual Naoko  presenta una narración sin rodeos o florituras, por muy dramático que nos parezca el tema. Cuestiones como el Bullying o el suicidio entre los adolescentes, está presente durante toda la obra. El Bullying como el gran problema de toda una sociedad que aun  con campañas de concienciación, parece no tener fin y lo que es peor, el suicidio infantil, que desgraciadamente en un país como el nipón, es más frecuente de lo que muchos pueden pensar.

          Una obra de denuncia y alerta hacia los adultos, los responsables absolutos de preservar el bienestar de los infantes, desde los padres a los educadores; narrada con delicadeza. Un filme que se "ahoga" en el deseo de pedir perdón, sin saber realmente como hacerlo o en esos instantes que ya no tienen remedio. Una película que retrata la falta de comunicación entre jóvenes y adultos, entre los padres y educadores con respecto a si son los hijos o los alumnos, en una sociedad, principalmente la nipona, donde las prisas, el desapego  y el trabajo han sustituido a los sentimientos o relaciones afectivas más elementales y necesarias.  Aquellos que gritan por fluir libremente como en el caso de la amistad, el ser escuchados, el afecto o el romance, pues no olvidemos que los niños, los adolescentes, son los absolutos captadores de todo lo que pasa a su alrededor y los adultos, el claro ejemplo a seguir. 

          La fotografía de Kazuya Takao y Kohei Funamoto para esta animación, es impecable, como fascinante resulta la banda sonora de Kensuke Ushio, manteniendo la tensión e  in crescendo hasta arrancar las lágrimas al espectador.

          Una obra que debería ser de obligada visión para padres e hijos e incluso en los colegios para concienciar, a los alumnos y profesorado.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: (Voces Originales) Shoya Ishida (Miyu Irino), Shoko Nishimiya (Saori Hayami), Toshi Mashibasa (Toshiyuki Toyonaga), Yaeko Nishimiya (Akiko Hiramatsu)

          PRODUCTORA: Kyoto Animation.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Visión