BALLERINA: CRÍTICA DE CINE

         Ballerina cuenta la historia de una niña llamada Felicia, cuyo sueño es aprender a bailar. Su mejor amigo Víctor, le propone escaparse del orfanato donde ambos viven y poder cumplir sus sueños, él ser inventor y ella bailarina. Llegarán a París y sobre uno de los puentes sobre el Sena, se retan el uno al otro, para ver quién de los dos consigue su objetivo primero. Felicia en su primera noche, mientras camina por las calles parisinas, se topará con La Academia Nacional de Música.

        Ballerina está dirigida por Éric Warin y Éric Summer  en una coproducción entre Francia y Canadá. Una película muy entretenida, con buen ritmo y situaciones que te hacen esbozar sonrisas y otras, soltar alguna lágrima. Nos cautiva con una animación muy real, que por momentos olvidas que estás ante dibujos animados, lo que logra que tanto mayores como pequeños, se lo pasen francamente bien.

          Tiene todos los ingredientes de una película de animación: Personajes cargados de sueños, secundarios divertidos, la mala que nunca puede faltar, la buena protectora, música que todos conocemos o fácil de que se quede en nuestra mente, risas, lágrimas…

        La paleta de color utilizada, apropiadísima en cada escena. Las coreografías son de: Aurelie Dupont y Jeremie Belingard, embajadores mundiales de la Ópera de París; pero también cuenta con defectos, como tomarse licencias que no corresponden con la realidad en historia del momento, con un  baile entre los años 1886 y 1892, culturalmente importante.

       Observamos La Torre Eiffel a medio construir (Mediados de 1888 por la altura que presenta) y entre andamios de maderas, La Estatua de la Libertad, cuando la estatua fue regalada a los EE. UU. y llegó a dicho país el 17 de Junio 1886 y no en una pieza, sino en varias, mientras que La Torre Eiffel, comenzó a ser construida el 28 de enero 1887 y se terminó 1889 y por otra parte, se habla de la obra El Cascanueces para ballet, no siendo esta pieza estrenada, hasta 1892.

          En otras situaciones, estos detalles no serían tan evidentes, pero es que estamos ante tres piezas fundamentales del arte de  aquel siglo XIX. Quiero creer que estas erratas o licencias han sido debido al deseo de mostrar parte de la cultura de aquel siglo. Salvando este detalle, la película te hace pasar una hora y media de diversión, que en el fondo, para quienes amamos la animación, es lo más importante, sin olvidar el mensaje de que  nunca debemos abandonar nuestros sueños.

          Recomendable para todos los amantes de la animación y del baile en particular.

          Mi nota es 6,5

          REPARTO: Elle Fanning, Dane DeHaan, Maddie Ziegler,  Carly Rae Jepsen  (VOCES ORIGINALES)

          ESTRENO EN ESPAÑA: 27 Enero 2017

          PRODUCTORA: Coproducción Francia-Canadá; Caramel Film / Quad Productions / Main Journey.

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films

COLONIA: CRÍTICA DE CINE

        Florian Gallenberger (Sombras del tiempo) nos ofrece un drama basado en hechos reales: COLONIA, donde esa parte de la historia negra chilena, es sustituida por  un intrigante thriller.

          Es el año 1973, Daniel (Daniel Brühl) un fotógrafo de nacionalidad alemana, reside en Chile donde se declara simpatizante del gobierno de Salvador Allende. Su novia Lena (Emma Watson), azafata de profesión, aprovecha uno de los viajes a dicho país para visitarlo. Justo en esos días Pinochet da el golpe de estado y la policía secreta del dictador, se lleva preso a Daniel.

          Lena se entera de que ha sido trasladado a una zona llamada Colonia Dignidad, una secta regentada por un predicador, Paul Schäfer (Michael Nyqvist), y no duda en ir en su búsqueda. Lo que sucede allí dentro, es lo que el espectador debe descubrir.

          Como he comentado al principio, la historia propiamente dicha de aquel golpe de estado en Chile, se queda en la superficie, pues Florian ha dado más importancia en su guión a la acción y el suspense, al más puro estilo Hollywood, que a esa parte de la historia negra chilena; convirtiendo, Colonia, en un thriller absorbente y claustrofóbico.  

          Por tanto si miramos la obra desde el lado espectáculo, Florian logra su objetivo, pues estamos ante una película entretenida, que mantiene el pulso de la tensión con una ambientación espectacular, una iluminación angustiosa, una soberbia fotografía de Kolja Brandt y una banda sonora que sobrecoge, de la mano de Fernando Velázquez.

          Todos los personajes están magníficos, pero por encima de todos ellos, destaca Emma Watson, en un trabajo que traspasa la tela blanca.

          Si por el contrario vemos la obra desde el lado histórico, cojea por todas partes, pues simplemente se limita a presentar el golpe de estado y luego dejarse llevar por los acontecimientos, sin profundizar en ellos.

          Desde mi punto de vista, me quedo con el espectáculo. En resumen, en eso se basa el cine, un lugar de esparcimiento, diversión y entretenimiento, cuidando el producto a proyectar y esa parte, la cumple. A mi juicio, para profundizar en una historia como esta, están los libros y los centros de estudios.

          Que no se me malinterprete, no quiero decir con esto, que una película histórica no ahonde en los hechos, por supuesto que tiene que hacerlo; simplemente que la visión de un creador es muy respetable desde el enfoque que quiera presentar su obra. Además de esta apreciación personal, es complicado contar en poco más de una hora y media, todo el dolor, sufrimiento y pesadilla que se debió vivir en aquella, Colonia Dignidad, durante la dictadura.

          Sectas, prisiones ilegales, torturas, dictaduras… No es la primera vez que desfilan por la gran pantalla estos temas y posiblemente tampoco será la última, con mayor o menor acierto, en su ejecución.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de Enero.

     REPARTO: Emma Watson, Daniel Brühl, Michael Nyqvist, Julian Ovenden, Martin Wuttke, Vicky Krieps, Richenda Carey, August Zirner, Jeanne Werner.

    PRODUCTORAS: Iris Productions / Majestic Filmproduktion/ Rat Pack Filmproduktion.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: F-P MEDIA
  

LA LUZ ENTRE LOS OCÉANOS: CRÍTICA DE CINE

         Derek Cianfrance (Blue Valentine) llega a las salas con un exquisito drama, La luz entre los océanos, basada en la obra homónima de M.L. Stedman       

          Tom Sherbourne (Michael Fassbender)  acepta la oferta de farero en un pequeño pueblo marítimo de Australia, tras finalizar la I Guerra Mundial, buscando un lugar que le haga olvidar el tiempo pasado en el frente y el dolor allí visto y vivido. Conocerá a una hermosa joven, Isabel Graysmark (Alicia Vikander) de la que se enamora y tras casarse, vivirán solos en la isla, donde se encuentra el faro. Un buen día descubren un bote a la deriva, en cuyo interior hallarán el cuerpo sin vida de un hombre y el de un bebé que no para de llorar; al no haber tenido hijos y ante la insistencia de Isabel, Tom acepta resignado quedarse con el bebé y enterrar al hombre, sin informar a las autoridades, pero…

          Derek vuelve con una nueva historia, con guión propio, para seguir explorando el mundo de la pareja y reflexionar hasta dónde puede el amor llegar, si todo está permitido bajo este gran sentimiento y como se enfrenta uno a las consecuencias, cuando sabe que ha errado. Un drama sincero, directo y ante todo elegante, pues Derek con sumo temple, mantiene el equilibro de la obra. Obra dividida, de forma clara, en tres partes: La presentación de los personajes y sus mundos internos. El nudo, que nos ofrecerá la tensa trama que se va creando fotograma a fotograma, y un desenlace… del que prefiero no dar pistas.  

          Michael y Alicia crean tal complicidad entre ellos, que resultan convincentes, creíbles y sugerentes, hasta el punto de involucrarnos en el melodrama que se gesta y cierne ante ellos, consiguiendo que nuestros ojos se humedezcan en más de una ocasión. Ella: dulce, delicada, tierna y él: sensible y cargado de un amor y una paz, que transpira por todos sus poros.

          La bucólica fotografía de Adam Arkapaw y la deliciosa música de Alexandre Desplat, enriquecen esta historia, que a mi parecer, logran mantener la larga duración de la misma, único punto negativo, a mi juicio, de la película.

          Sigo sin entender la manía de algunos directores o montadores, de dar mayor metraje a una obra, cuando quitando unos minutos, sería perfecta.

          Recomendable para amantes del romanticismo y del drama en particular.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de Enero.

          REPARTO: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz, Anthony Hayes, Caren Pistorius, Leon Ford, Benedict Hardie, Florence Clery

          PRODUCTORA: Coproducción EE.UU – Reino Unido – Nueva Zelanda / DreamWorks SKG / Heyday Films / Participant Media.

           DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAPlaneta
  

CUESTIONES CON ERNESTO CHE GUEVARA: CRÍTICA TEATRAL

          

El reestreno en España de “Cuestiones con Ernesto Che Guevara” es un billete para viajar al pasado en un brillante texto del filósofo y escritor argentino, José Pablo Feinmann, para conocer, cuestionar y reflexionar, sobre la figura de este personaje y mito del siglo XX.

          El actor, Juan Gravina encarna al Comandante Che Guevara y la actriz, Marina Skell a la profesora e historiadora, Adriana Navarro, que desde el presente viajará al pasado para entrevistar al Che en su última noche, antes de ser asesinado.

          Cuestiones con Ernesto Che Guevara, nos adentra de una hipótesis de lo que puso pasar en la última noche del comandante, retenido en la Escuela de La Higuera, si hubiera sido visitado desde el presente por una investigadora y periodista que ha recibido una beca para realizar un exhaustivo estudio del Che, y recrear juntos pasajes de su vida. Un encuentro donde la profesora Navarro mantendrá un debate con el Che, exponiendo y defendiendo ambos sus creencias sobre cómo acabar con las grandes injusticias que padece el planeta, los pueblos, como le gusta definirlos al Che…

          Un juicio sin jueces ni abogados, donde la profesora Navarro pondrá sobre las cuerdas al Che y sus ideales, pero éste los defenderá, como hizo hasta la muerte.

          Un juicio sin jueces ni abogados, donde la profesora Navarro, presentará a los espectadores actos cometidos por el hombre que se convirtió en mito, para que valoremos,  si estuvo acertado o no.  Durante el transcurso de la obra, nos mostrará algunas de sus debilidades humanas, mientras Navarro le somete cada vez a preguntas más intensas, buscando la duda y el arrepentimiento y donde Guevara se irá desnudando frente al público; a la vez que también iremos descubriendo el por qué la investigadora ha buscado ese encuentro.

          De vez en cuando ambos serán interrumpidos por personajes que pudieron pasar aquella noche por dicho lugar, entre ellos Fidel Castro o el soldado boliviano que cuidaba de que no se escapara.

          Juan Gravina resulta tan certero, auténtico y convincente, en el personaje del Che Guevara, que nos hace creer cada palabra como si cada una hubiera sido pronunciada por él. Como si hubiéramos regresado todos al pasado de la mano de Marina Skell, reencarnando a una Adriana Navarro fabulosa, pasional y entregada, hasta el punto que prácticamente desde el minuto cero, nos olvidamos que estamos en un teatro, para ser voyeur de una parte de la historia.

          La obra cuenta con un tercer actor, José Luis Lozano, quien aparece por momentos en escena representando a los demás personajes, entre ellos los mencionados anteriormente. Su versatilidad para cambiar de personajes y hacerlos creíbles,  es asombrosa.

          Pero no hay obra buena si detrás no existe un gran director y esta obra ha contado con Carlos de Matteis. Un excelente director de actores y que logra mantener la tensión, la fuerza y la garra del texto, en la escena y trasladarla a cada una de las butacas del teatro, para el disfrute de los espectadores.  

          La Cía Plot Point revisa esta magnífica obra y nos la presenta en la Sala ArtEspacio que lleva su mismo nombre,  desde el miércoles 16 de enero.

          Muy recomendable para amantes del teatro

Ficha artística

Compañía: Plot Point

Autor: José Pablo Feinmann

Dirección: Carlos De Matteis

Actores:  Juan Martín Gravina, Marina Skell y José Luis Lozano / Rodrigo Villagrán

La obra se puede ver:

Sala ArtEspacio Plot Point

C/ Ercilla 29    Madrid

Metro Embajadores.

Días:

20 – 25 y 27 del mes de Enero en horario de 20:00 horas.

Sábados 4 – 11 – 18 – 25  del mes de Febrero  en horario 20:00 horas.

Nota: La obra fue estrenada en Buenos Aires en 1998 y se presentó en París en 2011. Se ha convertido en un clásico de la escena madrileña, ya que lleva tres años en cartel de forma continua.

LOVING: CRÍTICA DE CINE

        Jeff Nichols (Take Shelter) en Loving, nos ofrece una delicada, sentida y emocionante película, donde el amor tiene mucho que decir, aunque su protagonista masculino lo resuma en una sencilla pero significativa frase: “Dile al juez, que la amo”

          Loving está basada en una historia real, la de Richard Loving (Joel Edgerton) y su maravillosa esposa Mildred (Ruth Negga). Su único pecado fue vivir en Virginia y estar prohibidos los matrimonios interraciales. Richard es blanco y Mildred es negra.

     

     En aquel año 1958 esta pareja padeció el ataque de la sociedad racista de Virginia.
     
       Sufrieron arrestos, encarcelamientos e incluso el destierro de una tierra en la que ambos convivían en armonía con los demás, sin hacer daño a ningún semejante y trabajando como cualquiera de los habitantes, para sobrevivir.

          Pero ellos no se resignaron al destierro, más cuando comenzaron a tener hijos y añoraban los campos donde sus pequeños pudieran disfrutar y crecer en libertad, sin los peligros de la ciudad.

       

   Jeff Nichols ejecuta un filme que respira clasicismo en cada palabra, en cada silencio, en cada gesto de sus personajes, en los decorados, en el vestuario, en cada imagen de la fotografía realizada por Adam Stone, en la sutil y penetrante banda sonora de David Wingo… Un todo, para llegar a rematar una película humanista, que cala hasta los huesos.

          Desde la primera a la última de las interpretaciones resultan creíbles y exquisitas en la composición de cada personaje. Pero es de justicia resaltar a la pareja protagonista, pues brillan con luz propia.

          Si hubiera que definir el trabajo de Joel Edgerton en el papel de Richard con una sola palabra, sería imposible, porque Richard, simboliza la templanza, la seguridad, la confianza, el amor con mayúsculas… Todo esto y mucho más, lo transmite Joel con su ser y con su alma, bajo una asombrosa sencillez.

          Pero el gran broche de oro es sin ninguna duda Ruth Negga, como Mildred. El pudor, el sosiego, el saber estar, la dulzura, el amor silencioso, la reivindicación propia y solidaria; provoca y hace temblar cada fotograma, con su deslumbrante presencia.

          Poco más queda por decir o tal vez mucho, pero pienso que Loving es una de esas películas que no hace falta hablar de ella, sino disfrutarla cómodamente en la butaca del cine. Escuchando, observando, comprendiendo y valorando  lo importante que es la libertad del ser humano, que la vida nos ofrece con generosidad y que algunos, todavía hoy en día, intentan secuestrar sin motivos más que el de la dominación, de un ser hacia otro.

          Recomendable para todos los amantes del cine y de los valores humanos.

          Mi nota es de: 8,5

          ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de Enero.

          REPARTO: Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass, Bill Camp, David Jensen, Alano Miller, Sharon Blackwood, Chris Greene.

          PRODUCTORA: Big Beach Films / Raindog Films

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

TONI ERDMANN: CRÍTICA de CINE

         Toni Erdmann es el nuevo trabajo de la directora alemana Maren Ade (Entre nosotros) Un arriesgado ejercicio de comedia dramática, con una duración de 162 minutos.

          Inés (Sandra Hüller) trabaja en una gran empresa establecida en Bucarest. Hace una visita relámpago a su familia y su padre, Winfried Conradi (Peter Simonischek) amenaza a su hija con visitarla algún día. Esa amenaza se vuelve realidad y Winfried observa que el ritmo de trabajo de su hija es frenético, un día le pregunta sobre si es feliz y no sabe responderle, creando en ella, cierto desconcierto. Pero Winfried, que en sus ratos libres le gusta disfrazarse y hacer sonreír a los suyos, no está dispuesto a volver a casa y tras despedirse de su hija, la sorprende un buen día en una fiesta, pero no como su padre, sino como Toni Erdmann, recreando a un excéntrico empresario, para estar lo más cerca de su hija e intentar descubrir que le sucede…

          Mare Ade, cuyo guion también firma muy acertadamente, nos ofrece una película original, muy distinta, con cambios constantes de situaciones, donde el personaje femenino va a estar sometido a incesantes pruebas, descubrir si es capaz de salir de ellas y soportar el duro trabajo que realiza para su empresa.

          Una obra irónica, con diálogos punzantes e imágenes críticas a través de las cuales se respira,  por instantes,  la situación social y económica que atravesamos, pues no es todo oro lo que reluce. 

          La duración del filme juega en ocasiones en su contra, ofreciéndonos un comienzo muy interesante y una hora final, soberbia. Un broche de cierre insólito, pero necesario para quedar resuelto, todo el conflicto que ha ido surgiendo durante la obra.

          Las interpretaciones de padre e hija o lo que es lo mismo Peter Simonischek y  Sandra Hüller, excelentes en sus personajes, logrando que seamos partícipes y descubramos junto a ellos,  lo que verdaderamente  importa en la vida. Disfrutaremos con la gran humanidad que destila Toni Erdmann y sus locas ideas para no sólo hacer más llevadera la vida a su hija, sino para que ésta medite. Por otro lado, su magnífica partner Inés, será consciente del círculo vicioso, en el que vive.

          En definitiva estamos antes una obra pausada, con momentos extravagantes y originales que causan situaciones surrealistas, bajo una historia profunda.

          Recomendable para amantes del cine en general y de la comedia dramática, en particular

          Mi puntuación es de 7.5

          ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de Enero.

          REPARTO: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea.

          PRODUCTORA: Komplizen Film / Coop99 Filmproduktion / KNM

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Golem Distribución S.L.

SHIN GODZILLA: CRÍTICA DE CINE

           Shin Godzilla es la nueva entrega del gran lagarto atómico, que trae con él, sorpresas inesperadas.

          Godzilla, resucita de nuevo en Tokio para crear el caos allá por donde pasa, destruyéndolo todo. El país se pone en máxima alerta e intentarán, además de evacuar las ciudades por donde camina el monstruo gigantesco, buscar la fórmula para destruirlo, pues esta vez Godzilla no solo ha evolucionado, sino que en cada uno de los ataques, esa evolución parece continuar en progreso.

          Godzilla, sin duda es uno de los monstruos más conocidos de la historia del cine de terror, junto con el mítico King Kong. Después de haber coqueteado fuera del país nipón, regresa pasados 13 años, tras “Godzilla:Final Wars” de Ryuhei Kitamura en el 2004 y lo hace con un despliegue espectacular de personal y medios.

          Shin Godzilla vuelve a pisar fuerte sobre Tokio, en esta ocasión con un guión inteligente por parte de Hideaki Anno, que mezcla la tragedia y la catástrofe, con dosis de humor fino e irónico. Diálogos ágiles y cargados, en algunos instantes, de crítica social y política, no solo hacia el país nipón, sino hacia occidente.

          Hideaki Anno (Creador de la serie de anime Neon Genesis Evangelion) y Shinji Higuchi (Experto en efectos especiales y que en 2015 estrenó la adaptación a imagen real del manga Ataque a los titanes) ahora se unen para  dirigir un filme vertiginoso en imágenes, donde la primera mitad de la película, planteamiento de toda la situación y puesta en acción, resulta espectacular y magistral, difícil de superar, pero desgraciadamente, ese dinamismo va decayendo y con ello dejando ver algunas lagunas, que ya el monstruo no puede ocultar, pasados los años. Demasiado lento, demasiado grande, demasiado estático e incomprensible, en los momentos de sus descansos y algunas apariciones.

          Cuenta con una magnífica fotografía a cargo de Kosuke Yamad y una banda sonora absorbente del maestro Shirô Sagisu

          Mi nota es de: 6

          Estreno en España: 20 Enero

          REPARTO: Satomi Ishihara, Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Akira Emoto, Kengo Kôra, Jun Kinimura, Ren Ohsugi, Mikako Ichikawa, Pierre  Taki, Mark Chinnery.

          PRODUCTORA: Toho Company / TFC

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films

LOS DEL TÚNEL: CRÍTICA DE CINE

          Los del túnel, está dirigida por Pepón Montero (Serie Plutón B.R.B. Nero) y con guión propio escrito junto a Juan Maidagán (Serie Camera Café)

          Un grupo de personas ha sobrevivido durante quince días en el interior de un túnel tras sufrir un grave desprendimiento, dejándoles encerrados. Entre los supervivientes hay un policía, Julio (Raúl Cimes) que ante todos queda como el héroe porque les ha ayudado a mantener la cama. En el lado opuesto, está al que consideran el idiota del grupo, Toni (Arturo Valls), será este último quien cobre el protagonismo principal, al plantearse por qué es el idiota del grupo y cómo es su vida realmente. Mientras él cae en esa tremenda crisis emocional, los demás parecen estar felices de haber sobrevivido y tener como héroe a Julio. Pero algo cambiará durante una de las cenas.

          La primera sorpresa que se lleva el espectador es ver a un Arturo Valls que aunque tiene algunos puntos de humor, su personaje, Toni, se revela como el más dramático de todos, algo que cuesta asimilar al principio, conociendo la faceta diaria de Arturo y más cuando la forma de ser de Toni, resulta insoportable por momentos. Arturo – Toni, llevará a cabo un ejercicio de búsqueda y lucha por salir de su túnel personal.

          Y es que el túnel físico en el que ellos han estado encerrados dos semanas, ha servido para remover las paredes de los túneles personales, cayendo algunos en la espiral de no saber cuándo está dentro y cuando fuera.

          Una película donde los engaños juegan a ser verdades. Donde el paso del tiempo ha hecho mella en algunas parejas. Donde se busca compartir sentimientos y  emociones. Donde la soledad no sea un lastre. Donde se sueña a ser un héroe o donde se desea simplemente sobrevivir, pero saber que se está vivo.   

          Pepón dirige esta cinta difícil de clasificar, pero que se deja disfrutar con sumo agrado, dosificando con medida justa los momentos cómicos y los dramáticos, y para ello cuenta con un magnífico reparto coral, que está a la altura de cada personaje a interpretar.

          Recomendable para los amantes de la comedia española, con dosis de drama.

          Mi puntuación es de: 6,5

          ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de Enero

        

  REPARTO: Arturo Valls, Raúl Cimas, Natalia de Molina, Neus Asensi, Manolo Solo, Teresa Gimpera, Emma Caballero, Manel Barceló.

          PRODUCTORA: Estela Films S.A. / Pipa Films / Pólvora Films.

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Entertainment One Films

PERDÓNAME CUANDO ME HAYA IDO: CRÍTICA TEATRAL

          

       La Compañía Lienzo en Blanco presenta: Perdóname cuando me haya ido, obra que nos cuenta la historia de una joven, Emma (Lucía Esteso) que regresa al seno familiar tras 10 años de ausencia. Al llegar sólo se encontrará con su hermana, Marta (Andrea Hermoso) 

          Un mantra dará pie al comienzo de este drama intenso, donde el dolor desgarrador y el rencor de dos hermanas, separadas durante diez años y por la falta de entendimiento, someterán a Lucía y Andrea a un ejercicio interpretativo de alto voltaje, entre miradas encontradas o lanzadas a puntos determinados, que junto a las expresiones corporales, se apoderan del espacio escénico.

LUCÍA ESTESO

          El tándem de actrices nos hacen sumirnos en los sentimientos nacidos de los miedos, de la soledad, del abandono, de los deseos de libertad, de la resignación obligada, de la familia, de los fracasos o temor a los mismos; generando y dando rienda suelta, en  enfrentamientos dialécticos, a las mentiras, los engaños, los resentimientos, la necesidad de ser perdonados y la frustración al no encontrar dicho perdón, de lágrimas por impotencia y algunas por entendimiento fugaz.

          A resaltar además de las dos excelentes interpretaciones,  la cuidada y espléndida dirección y dramaturgia de Rosel Murillo Lechuga, que también crea la ambientación lumínica junto a Marcos Olivares, en un escenario carente de todo adorno, que se agradece, pues ayuda a profundizar en el interior de los personajes, y cuanto nos quieren contar, logrando ser creíbles desde su inicio. 

ANDREA HERMOSO

“Es más fácil entenderse que ver una ola en el desierto”

Perdóname cuando me haya ido, se puede disfrutar:

Todos los miércoles del 11 al 25 de Enero, en horario de 20:30 horas. 

Teatro del Arte

C/ San Cosme y San Damián 3   (Metro Lavapiés)

FICHA TÉCNICA

Dirección y dramaturgia: Rosel Murillo Lechuga

Interpretación: Lucía Esteso y Andrea Hermoso

Vestuario y Escenografía: Marcos Olivares

Diseño de luces: Marcos Olivares Gómez y Rosel Murillo Lechuga

Producción: Lienzo en blanco

Fotografía: Lucía Bailón (Somosdepapelphoto)

Diseño de cartel: Mayte Barrera

Prensa: Gran Vía Comunicación

Duración: 60 minutos