viernes, 31 de agosto de 2018

EN LAS ESTRELLAS: CRÍTICA DE CINE

           Navegar entre la nostalgia, el amor, el cine y los sueños, son algunos de los temas que nos propone Zoe Berriatúa, en su segundo filme, con guion propio. En las Estrellas. Una mágica historia, que abraza al amante al cine.

          Víctor (Luis Callejo) es un director de cine sin mucha suerte. Siempre con varios proyectos en mente, pero nunca termina sus obras, por falta de dinero y medios. Con él vive su hijo de nueve años Ingmar (Jorge Andreu) a quien cuenta las historias que tiene en mente, los guiones que supuestamente está escribiendo e involucrándole de esta manera en el maravilloso mundo de la imaginación, de seres mágicos, de robots gigantes, de mundos imposibles; todos ellos procedentes de las películas que han visto a lo largo de los años.

          Tras el fallecimiento de su mujer Ángela (Macarena Gómez) con quien era plenamente feliz junto a su hijo, Víctor comienza a beber envuelto entre la fantasía y la realidad, sin asumir los problemas reales a los que se tiene que enfrentar.

          En el titular, decía que Zoe abraza con su nueva obra al amante del cine y además me atrevo a decir que lo mece en la butaca, con una narración sosegada, relajante y exquisita, acompañada por dos elementos imprescindible en cualquier filme. La plasticidad de la fotografía de Iván Román, entre una paleta de colores delicada y vistosa, imaginativa y bellamente expuesta a través de unos planos que nos traen la melancolía de un tiempo pasado a un presente agradecido. De un cine de género B que lograba hacer disfrutar a los espectadores, pues su único objetivo era entretener sin más pretensiones, sin grandes medios, pero con mucha honestidad. De salas modestas y otras lujosas. De ensoñación y realidad en un filme, que se deja alimentar por la mágica banda sonora de Iván Palomares.

          Después del gran éxito y sorpresa que provocó con su ópera prima “Los héroes del mal” y con una producción importante encabezada por Álex de la Iglesia, Berriatúa nos ofrece un maravilloso homenaje al séptimo arte a modo de fábula dramática, basada, como él mismo afirma, en su propia historia en la cual su padre conocido director, historiador y restaurador fílmico Luciano Berriatúa, le contaba aquellas historias que tenía pensado rodar y como le sucede a nuestro protagonista, nunca terminó ningún proyecto.

          La depresión por la muerte de su mujer, el alcohol como refugio, el desempleo que le asfixia, los sueños no cumplidos, el amor a su hijo, los desahucios, las deudas, los centros de acogida, las herencias malgastadas… Víctor convive con el drama representado por la realidad de la sociedad,  en contraste con la fantasía que alienta a la comedia; con claros símbolos como el pantano,  personificando el  infierno vivido en la Tierra y en el cual cae una y otra vez.

          La fantasía se desborda en la imaginación de Berriatúa, entre escenarios lunares, con frigoríficos convertidos en robots con alas, con lavadoras que le sirven para viajar a la Luna, con montañas de cartón piedra, con monstruos que asustaban en otras épocas y ahora nos provocan ternura, admiración y hasta merecido culto.

          Interpretaciones sumamente cuidadas. La pareja protagonizada por Luis Callejo y  Jorge Andreu, están insuperables, creíbles, los sentimos como padre e hijo y vivimos junto a ellos las aventuras y desventuras entre una realidad no deseada y una fantasía que les ayuda a sobrevivir en el día a día, como el alimento para la mente, como el sosiego para el alma. Luis Callejo combate contra un presente incierto, refugiándose en el recuerdo de su amada mujer y en el alcohol que le va hundiendo en lo más profundo y Jorge Andreu, el cariñoso hijo, que busca que su padre reaccione y salga de ese foso oscuro que le tiene atrapado; siempre con ternura, con las mejores palabras e invitándole una y otra vez a que le cuente esa historia que está escribiendo. Como tercer personaje a tener en cuenta, la maravillosa Macarena Gómez, un fantasma dulce, tierno, evocando a una gran Musa y la luz que Víctor precisa.

       
   Zoe ha creado un mundo inexistente, donde la realidad se funde con la fantasía, apoyándose en la soberbia puesta en escena, el fabuloso vestuario y maquillaje, la fotografía ya mencionada,  el correctísimo montaje y unos efectos visuales tan fascinantemente sencillos, que te regocijas con ellos.  

“Los sueños, la fantasía, nuestra imaginación... es la mejor medicina para la mente y el alma”

          Mi nota es: 8,5

   
       ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Agosto

          REPARTO: Luis Callejo, Jorge Andreu, Macarena Gómez, Ingrid García Jonsson, Kiti Mánver, María Morales, Pablo Turégano, José Luis García Pérez, Liz Lobato, Magüi Mira, Álvaro Roig y Toni Rodríguez.

          PRODUCTORA: Bestia Produce/ Nadie es Perfecto/ Pokeepsie Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.

jueves, 30 de agosto de 2018

YUCATÁN: CRÍTICA DE CINE


El nuevo trabajo de Daniel Monzón  se llama, YUCATÁN, comedia para el lucimiento de todos sus personajes, que  cuenta con guion propio compartido una vez más, con Jorge Guerricaechevarría.

Clayderman (Rodrigo de la Serna) nos da la bienvenida a un crucero de lujo, pidiéndonos que nos olvidemos de todo, mientras éste transcurra. Que disfrutemos de él, desde el instante que zarpa. Mientras se desarrolla el primer número musical, iremos conociendo a parte del personal y algunos de los viajeros, en un montaje dinámico que perdurará durante toda la obra.

Entre esos personajes descubriremos que Lucas (Luis Tosar) y CLayderman, son dos estafadores profesionales, especializados en timar a los turistas. Eran buenos amigos hasta que ambos se enamoraron de la misma mujer, Verónica, la bailarina del barco (Stephanie Cayo) y decidieron separarse, el uno “trabajaría” el Mediterráneo y el otro el Atlántico, pero en esta ocasión, algo provoca que Lucas incumpla su promesa y suba a este crucero. ¿Qué será?

Por otro lado, conoceremos a una familia muy particular, encabezada por Antonio (Joan Pera) un panadero que aun habiéndole tocado en la primitiva una millonada, sigue viviendo y trabajando en su panadería.  Ha invitado a sus hijas y yernos a dicho crucero, los cuales aprovecharán y buscarán la forma de que su padre  divida la herencia, pero Antonio guarda varias cartas en la manga.

Cuatro trabajos consecutivos donde Daniel dirige una historia escrita junto a Jorge, tras el thriller Psicológico “La caja Kovak” y los dramas “Celda 211” y “El Niño”. Y la fórmula parece funcionar a la perfección, porque sin duda, Yucatán, se perfila como la gran comedia de fin de verano. Un entretenimiento elegante para todos los públicos, entre aventuras y desventuras, enredos y secretos, ladrones y honrados. Una comedia fresca, sana, limpia, con ironía fina y las maldades justas que surgen cuando el ser humano, huele más el dinero que el salitre del mar.

         Cuenta  con un elenco coral muy importante, no obstante, como he dicho en el titular, es un filme de personajes, donde destacaré a los tres actores principales: La bellísima Stephanie Cayo, que vuelve locos a dos hombres, mientras ella juega su propio juego,  Rodrigo de la Serna, el pícaro ligón que nunca puede faltar en una comedia de enredos y Luis Tosar, misterioso y embaucador.

         He dejado para el final a Luis Tosar, porque si bien Daniel y Jorge llevan cuatro películas juntos, Luis, logra el triplete. ¿Un trío de ases? Sin la menor duda, pues sobre las pasadas ya tenemos referencia y en cuanto a la que tenemos entre manos, todo augura que llegará a buen puerto entre fanfarrias de alegría y fuegos artificiales, o lo que es lo mismo, es un filme perfecto para sentarse  y dejarse llevar, como al principio nos sugiere  Clayderman. No quiero olvidarme del resto de los actores y actrices, fantásticos en sus personajes, divertidos y nostálgicos cuando la historia lo requiere y entre esos secundarios, quiero mencionar a Joan Pera, como Antonio, ese padre o ese abuelo, del que nos sentiríamos orgullosos. Una gran interpretación.

         Pero Yucatán tiene mucho más, tiene lujo, tiene luces, tiene color, piscina, mar, comida, bebidas, algún que otro misterio y música, esta última en la batuta Roque Baños. Nos ofrece unos magníficos números musicales, bajo una cuidada estética y soberbia puesta en escena, como todo el resto del filme. Sí, te hace sentir verdaderamente que vas en un crucero, pues todos los detalles están cuidados y medidos, incluso la famosa foto con el capitán o una boda en alta mar. Presenta una elaborada coreografía en cada pasillo que nos muestra, en las diferentes habitaciones, la zona de recreo y todo el mundo que gira alrededor de la piscina,  las excursiones a tierra firme y los personajes con múltiples capas.

 No es solo una comedia, es mucho más… Descúbrelo subiendo a bordo. Buen viaje.

Mi nota es 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Agosto

REPARTO: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta, Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala, Xavi Lite, Cristóbal Pinto, Óscar Corrales, Joche Rubio, Aranzazu Coello y Alex Amaral.
       PRODUCTORA: Ikiru Films/ Telecinco Cinema.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España

miércoles, 29 de agosto de 2018

LA NOVIA DEL DESIERTO: CRÍTICA DE CINE


La novia del desierto es la ópera prima de las directoras y guionistas, Celia Atán y Valeria Pivato.  Un drama  a ritmo de road movie, mostrando el frágil y hermético espíritu de su protagonista.

Teresa (Paulina García) es una mujer de 54 años, que ha vivido toda la vida como empleada doméstica al servicio de una familia en Buenos Aires. Un buen día la familia se ve obligada a vender la casa y prescindir de su trabajo. El hijo de la familia la acompaña a la parada del autobús, que la llevará a su nuevo destino.

Durante la noche el autobús se avería y tendrán que esperar a que llegue otro. Ella decide pasearse por un mercadillo, un comerciante, al que apodan “el gringo” (Clauido Rissi) le ofrece comprar un vestido y mientras ella se lo prueba en la caravana que éste tiene, comienza un gran vendaval, con las prisas del gringo por salir de allí y ponerse a refugio, ella se queda en mitad de la calle, olvidándose el bolso con todas sus pertenencias en el interior de la caravana. Teresa tendrá que encontrar al gringo, para recuperar su bolso.

La novia del desierto nos ofrece uno de esos  extraños ejercicios cinematográficos que hipnotizan al espectador por la pureza y verdad  que destila, por el alma que posee y esa magia que te impide dejar de mirar la pantalla. En “La novia del desierto” todo funciona como un reloj a través de un preciso engranaje, que nadie ve, pero que se presiente.

Cuenta con una dirección correctísima, arropada por el fantástico guion que ambas directoras y guionistas, han elaborado. Una historia pequeña que logran hacer grande. Un viaje al interior de dos personajes muy diferentes, aun viviendo en situaciones precarias parecidas. Una mujer que desde muy joven fue llevada a la gran ciudad, para entrar al servicio de una familia. Su vida y su mundo han girado durante décadas en el interior de una casa y al cuidado de unas personas, que no son su familia y que se deshacen de ella como un mueble viejo. Y la de un hombre itinerante, sin un lugar concreto donde vivir, mientras sobrevive de las prendas que vende en los mercadillos. 

Paulina García y Claudio Rissi en dos espléndidos trabajos hasta conquistar y seducir a la cámara con su naturalidad, personalidad  y espontaneidad. Un acto reflejo que logra que el espectador les siga a través de un paisaje entre desértico y empobrecido, como manifiesto de una parte de la sociedad argentina que sobrevive y  malvive de lo que otros les pueden dar por el trabajo que pueden ofrecer. La huella eterna del fantasma de la soledad que les persigue y aun deseando huir de él, saber que su destino es estar solos. Paulina representa a la mujer reservada, silenciosa y en parte esquiva, algo que desconcierta al personaje de Claudio, más conversador y sociable. Ella está simplemente, deliciosa.

La banda sonora de Leo Sujatovich, se antoja casi inexistente, solo en los instantes precisos y cuando la naturaleza lo permite. El propio sonido ambiental, será el tercer caminante en el camino. El silencio y la reflexión servirán de alimento para unas almas sedientas de vivencias, en busca una paz añorada.  En cuanto a la fotografía de Sergio Armstrong, si bien cuenta con unos precisos encuadres, resulta inquietante el exceso de  planos fuera de foco total o parcial, así como la escasa iluminación en algunos instantes, donde logra distorsionar hasta los propios rostros. ¿Una búsqueda de deformar la realidad o evitar la existencia de la profundidad humana y terrenal? Sea como sea, consiguen nutrir e intrigar aún más la mente del espectador.

¿No se cansa de estar moviéndose todo el tiempo?...¿No se cansa de estar quieta?

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Agosto

REPARTO: Paulina García y Claudio Rissi
           PRODUCTORA: Ceibita Films/ El Perro en la Luna/ Haddock Films.



DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

martes, 28 de agosto de 2018

RELABEL COMUNICACIÓN INFORMA SOBRE LA NUEVA SERIE: HERNÁN CORTÉS

Relabel Comunicación informa que: Dopamine y Onza anuncian acuerdo para producir una serie sobre Hernán Cortés.

 Llevarán a las pantallas la superproducción histórica, uniendo capacidades en ambos lados del Atlántico

Dopamine, la compañía audiovisual mexicana de Grupo Salinas enfocada a la creación, desarrollo y producción de contenido original para plataformas internacionales y la española Onza Entertainment, de Grupo Onza y multipremiada por El Ministerio del Tiempo, han llegado a un acuerdo para llevar a las pantallas la superproducción histórica centrada en la figura de Hernán Cortés, uniendo capacidades en ambos lados del Atlántico.
Fidela Navarro, CEO de Dopamine, explicó: “Esta es una serie cuyo formato ha sido concebido en Dopamine, como parte de nuestra nueva visión del contenido y de apertura a otros modelos de negocio. La próxima celebración de los 500 años del encuentro entre dos mundos es una oportunidad para tratar esta parte de la historia y nada mejor que con socios españoles, sumando culturas, puntos de vista, talento, experiencia y recursos en desarrollo y producción.

José María Irisarri, presidente de Onza, comentó: “para nosotros sumarnos a este proyecto es una gran oportunidad de ahondar en nuestra estrategia de producción e internacionalización. El quinto centenario representa un gran momento histórico para abordar una gran serie de ficción sobre la figura histórica de Hernán Cortés. Igualmente estamos muy ilusionados de iniciar una relación de co-producción con Dopamine. Ojalá este sea el primero de muchos proyectos juntos.”

 Sobre Onza Entertainment

Onza nace de la idea de fusionar la capacidad transformadora del talento creativo, con el valor de la estrategia y gestión empresarial.
Onza Entertainment promueve un modelo de producción en estrecha colaboración con el talento creativo. Creemos en la alta capacidad y creatividad de los creadores de ficción, entretenimiento y factual de nuestro país y trabajamos junto a ellos para llevar a buen puerto sus proyectos.

Sobre Dopamine

Es una compañía audiovisual de Grupo Salinas enfocada a la creación, desarrollo y producción de contenido original para plataformas globales, bajo cualquier modelo de gestión, negocio y sociedad.
Es un One-Stop-Shop porque cura historias, trabaja con los mejores productores y tiene la capacidad financiera que la posiciona como una propuesta única en las Américas.

lunes, 27 de agosto de 2018

¿QUIÉN ESTÁ MATANDO A LOS MOÑECOS?: CRÍTICA DE CINE




LA PELÍCULA MÁS INSOLENTE, PROVOCATIVA, GAMBERRA, CRÍTICA Y ADULTA DEL AÑO.
¿Quién está matando a los moñecos? está dirigida por Brian Henson con guion de Todd Berger y Dee Robertson. Las carcajadas están aseguradas.
Nos encontramos en una ciudad donde humanos y moñecos conviven, aunque para los humanos los moñecos son considerados ciudadanos de segunda. Phil Philips (Bill Barretta) es un moñeco ex – policía, que fue expulsado del cuerpo tras un error durante una detención.  Actualmente trabaja como detective junto a su secretaria humana, Bubbles (Maya Rudolph), enamorada en secreto de él.
         Los miembros de “La Pandilla Dicharachera”, están siendo asesinados. Fueron un grupo famoso de marionetas de un programa infantil de la década de los 80, que una productora tiene la intención de reponer, tras comprar los derechos. Philips busca pistas para resolver el caso, hasta que es detenido por sospechoso, al ser hallado en la escena de uno de los crímenes. Es cuando volverá a encontrarse con su ex compañera, humana, Connie Edwards (Melissa McCarthy), con quien no se lleva precisamente bien, pero el destino los unirá para trabajar juntos.
Hace ya tiempo el mundo de la animación e incluso el de las marionetas, dejó de ser exclusividad de los más jóvenes. Cada vez nos encontramos con más películas y sobre todo series, por poner dos ejemplos que me vienen a la cabeza, “South Park” o “Padre de Familia” destinadas a un público adulto, pero tras ver ¿Quién está matando a los moñecos? a los teleñecos e incluso a los personajes de Barrio Sésamo, lo voy a mirar de otra manera. A mis ojos han perdido su castidad. Estamos sin duda  ante la película de marionetas más gamberra, deslenguada y sexual nunca vista, por donde desfilarán las drogas, la bebida, las críticas sociales, políticas y hasta  en las diferencias del color de la piel.
Puedo afirmar que no es gratuita la publicidad de “Sin cesura”  y quiero hacer una advertencia muy importante y por eso lo pongo con mayúsculas, como el propio titular: “ES UNA PELÍCULA PARA ADULTOS,  POR NINGUNA RAZÓN LLEVAR A UN NIÑO” Y tampoco es una película para todos los paladares. La amas o la odias.
El cine negro policiaco coquetea con la comedia más audaz nunca filmada. Por un lado presenta todos los ingredientes de ese cine negro con sus tramas y personajes: Policía caído en desgracia, metido a detective y bebiendo más de la cuenta, secretaria enamorada de su jefe, la chica bombón que pretende seducir al detective y llevarlo a su terreno, policías buenos y malos, listos y bobos y esas tramas oscuras, que siempre tienen un componente, sexual o emocional.
Brian Henson no se ha cortado un pelo en llevar a la gran pantalla este guion tan desenfrenado escrito por Todd Berger y Dee Robertson, logrando que humanos y marionetas interactúen con total naturalidad, pues a medida que pasa el metraje, el espectador deja de ver la diferencia entre los unos y los otros, originando con ello, que las grandes locuras que provocan los títeres, desconcierten al espectador hasta lanzar fuertes carcajadas o ruborizarse. Os lo digo en serio, ni los guionistas ni el director, tienen filtro.
No voy a hablar de las interpretaciones, aquí no da lugar, lo que sí hay que destacar es la magnífica fotografía de Mitchell Amundsen y la ocurrente banda sonora de Rupert Gregson-Williams.
Termino, haciendo hincapié, que estamos ante una película para adultos, en esta ocasión los niños que se queden en casa, pero los adultos no. Os aseguro que no habréis visto nada parecido.


Mi nota es: 8
ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Agosto
REPARTO: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Joel McHale, Leslie David Baker, Jimmy O. Yang, Cynthy Wu, Colleen Smith, Pamela Mitchell, Mitch Silpa, Brian Palermo, Drew Massey, Dorien Davies, Bill Barretta, Jen Sung, Brekkan Spens, Allison Bills.


PRODUCTORA: Jim Henson Company/ Henson Alternative/ On The Day Productions/ STX Entertainment.
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.


domingo, 26 de agosto de 2018

AVANCE DE CINE: 4LATAS


4 LATAS, la nueva película de Gerardo Olivares, comenzó su rodaje el lunes 30 de abril en Marruecos, Senegal y España y será distribuida en España por: Wanda Visión.
Junto a Jean Reno, el reconocido actor francés, nacido en Casablanca y de padres gaditanos, Hovik Keuchkerian y Gerardo Olivares, cruzará el desierto del Sahara en esta road movie titulada 4Latas. 
Sinopsis.
Al saber que su amigo Joseba (Quique San Francisco) está enfermo, Tocho (Hovik Keuchkerian) y Jean Pierre (Jean Reno) deciden ir a verlo a Mali. Recordando los viajes que hicieron los tres juntos en los 80, cruzando África en coches que luego vendían en Mali y Níger, se aventuran a atravesar el Sahara con un 4Latas que aún conserva su hija, Ely (Susana Abaitua). Un viaje repleto de emociones y de divertidos encuentros que cambiará la vida de todos para siempre.
Completan el reparto principal Arturo Valls y Francesc Garrido. 
Este es un proyecto muy personal para el director cordobés. En palabras de Gerardo Olivares, "La idea de esta película surge de un viaje que hice por el desierto en un Seat Panda (1990), allí conocí a unos franceses que bajaban coches de segunda mano. He querido reflejar en esta película las experiencias que de alguna manera he vivido en mis viajes por el Sahara"
El rodaje empezó el lunes, 30 de abril, en localizaciones de Marruecos, Senegal, Gran Canaria y Fuerteventura. Es una producción de Wanda Vision, Es.Docu y Cruzando el desierto AIE, con la participación de RTVE. 

sábado, 25 de agosto de 2018

REVENGE: CRÍTICA DE CINE

         Sólida, impactante, demoledora, son algunos adjetivos con los que se puede describir a la violenta “Revenge” de la francesa Coralie Fargeat.

          Richard (Kevin Janssens) llega a su gran mansión en medio de un paraje desértico con una joven, Jen (Matilda Lutz), todo parece normal: sexo, caricias, miradas, complicidad, hasta que descubrimos que Richard está casado y ella es la compañía de un  fin de semana, un fin de semana donde además Richard ha quedado con sus amigos para ir de caza. Stan (Vincent Colombe) y Dimitri (Guillaume Bouchède).

          Tras pasar la primera noche entre risas, música y bebida, a la mañana siguiente Jen comprueba que Richard no está. Será Stan quien le comunique que ha salido, mientras comienza a acosarla. Un acoso que tras los rechazos por parte de Jen, terminan en violación. Al llegar Richard y enterarse, en vez de increpar a sus amigos, intenta hacer comprender a la chica que no hay motivo para estar molesta, que es normal, es demasiado bella y… Ella pide volver a casa y él se niega, Jen sale corriendo a través de la terraza y los demás tras ella; al llegar al borde de un precipicio se detiene, Richard se acerca y la empuja, ella queda empalada en un viejo tronco, pero…

          El primer largometraje de la directora Coralie Fargeat, con guion propio, de entrada, no pasa desapercibido. Ha logrado un filme de género llevado al extremo del dolor físico y psíquico, porque Fargeat no quiere ser correctamente política, no desea ofrecer nada gratuitamente y sí denunciar, sin ningún tipo de pudor, el machismo, la violación y las vejaciones a la mujer. El mostrar el poder que proporciona el dinero y el creerse por ello intocables, tomando a la mujer como objeto de usar y tirar, sin ningún tipo de remordimiento.

          Con la mayor determinación, Coralie, denuncia estos temas desgraciadamente tan en boga en nuestra sociedad. Talla, como creadora que es, la figura de la mujer vengadora que olvida la dulzura de su corazón para convertirlo en roca, tan agreste como el lugar donde se encuentra. Una mujer que sufre, que sangra, que grita, que se retuerce de dolor, que se droga con plantas para poder realizar un acto descarnado de operación sobre ella misma, entre fuertes alucinaciones.

          A esa mujer la tenemos que poner nombre y ese es el de la actriz que la interpreta, Matilda Anna Ingrid Lutz. Una interpretación sobresaliente, encarnando a un personaje que lo ha perdido todo, incluso su vida y en su renacer, buscar la venganza de quienes han destruido su existencia, pero no su alma; simplemente por el capricho de tres ricos sin escrúpulos. Un personaje que logra que el espectador se ponga de su lado desde el minuto cero, impulsándola para llevar su vendetta hasta el final. Un espectador que la alienta, cuando cae. Porque Jen,  Matilda, cala hasta lo más hondo en el cerebro de quien está siguiendo su desdichada aventura.  

La simbología de la caza, que rodea parte de la película, en un ambiente estéril, es el lamento desgarrador de su directora ante la sociedad. Gritando basta ya. Basta, ante el acoso sea de la índole que sea. Basta de las vejaciones por las que muchas deben pasar en el día a día, en el trabajo, en el hogar… No hay que llegar a morir, para reconocer, los conflictos que algunas viven. NO, digamos basta ya ante los violadores, los acosadores y los maltratadores. La justicia tiene que hacer su trabajo, porque tal vez un día no sea ficción cuando la venganza no pueda detenerse. El macho, dejó de ser dominante, cuando abandonó las cavernas y Fargeat, deja claro que está muy cabreada, que posiblemente ha escrito el guion bajo la cólera de haber visto una nueva agresión, a través de cualquier medio de comunicación.

          Todo el tema técnico está muy bien resuelto, un buen montaje, una perfecta ambientación… Pero por encima de todo, destacar otro de los elementos importantes de la película, su fotografía. Robrecht Heywaert realiza un ejercicio soberbio. La iluminación de exteriores, sea de día o de noche, cuenta con una nitidez perfecta, al igual que los espacios en el interior de la mansión. El color que otorga a  algunos planos, los ángulos exactos con la cámara fija  o en mano, te harán sentir ser un miembro más de la acción. Es difícil de explicar, sino se ve la película. Resultó ser una de las películas más aplaudidas y comentada del Nocturna Madrid 2017

          Para terminar decir al espectador que se prepare para ver una película dura, llevada al límite, donde por instantes el espectador se sentirá incómodo y hasta violentado, pero por encima de todo, se percibe el  rechazo  hacia esos personajes masculinos y la admiración por la gran heroína, en una interpretación magistral, como he comentado y no me cansaré de repetir. Esperemos que nunca una mujer llegue hasta esos límites y la justicia en todos los países, sepa poner freno a tanto machismo y reconozca de una vez por todas, la igualdad entre sexos.
                  Mi nota es: 8,5
                ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Agosto

          REPARTO: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchède.      

                 PRODUCTORA: M. E.S. Productions / Monkey Pack Films/ Logical Pictures/ Charades.

                  DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Film.

viernes, 24 de agosto de 2018

ALPHA: CRÍTICA DE CINE


Albert Hughes dirige ALPHA, una emotiva y espectacular película, que cuenta con guion de Dan Wiedenhaupt  basándose en una historia del propio Albert.

La Tierra 20.000 años atrás, durante la última glaciación. Conoceremos a una de las tribus que habitaba Europa. Tau (Jóhannes Haukur Hóhannesson) es el jefe, el Alpha del grupo, compartiendo su vida con Rho (Matassia Malthe) y su hijo Keda (Kodi Smit-McPhee) del que se siente orgulloso y llevará a su primera cacería con el resto de los cazadores.

Durante la misma, Keda es embestido por un bisonte  arrojándole al acantilado que presenta la montaña, por la que es imposible descender. Todos piensan que  está muerto  y tras presentar la ofrenda, regresan  a casa, con la carne de los animales. Pero Keda no ha muerto, se despierta con una pierna fracturada. A la mañana siguiente es atacado por una manada de lobos, logra defenderse  hiriendo a uno de ellos con su lanza, mientras los demás huyen y allí, en medio de la nada, se encontrarán joven y lobo, frente a  frente.


Albert Hughes, tras rodar junto a su hermano gemelo Allen Hughes varias películas como “Dinero para quemar”, “Desde el infierno” o “El libro de Eli” esta última en el 2010, se independiza para enfrentarse a un filme muy distinto, dejando atrás temas como la violencia o las drogas, para mostrarnos la esencia del ser humano y su comunión con el medio habitado, en los tiempos del paleolítico Superior.


Alpha ofrece un espectáculo visual sin igual, difícil de describir si no estás frente a la gran pantalla y digo bien: LA GRAN PANTALLA, pues la grandiosidad que recrea, los paisajes que muestra, la sobrecogedora, elegante, impactante y deslumbrante fotografía de  Martin Gschlacht, junto a la música que arropa no solo a cada fotograma, sino a los espectadores, compuesta por, Joseph S. DeBeasi y Michael Stearns, no tiene cabida en otro espacio.

La gran aventura de un joven y un lobo, ambos heridos y abandonados por los suyos, que deberán aprender a convivir, a conocerse, a protegerse, y  depender y confiar el uno en el otro. Una fascinante fábula en un tiempo donde no existía más que la vida, una vida abriéndose camino con lentitud, sin prisas, porque el llamado ser humano, aun no pensaba ni actuaba como lo hace hoy en día.

Una historia de supervivencia, de aprendizaje, en medio de una naturaleza salvaje, con una meteorología adversa y el tener que evitar y enfrentarse a todo tipo de peligros, para lograr regresar a casa antes del crudo invierno. El lobo se vuelve compañero y el joven se convierte en hombre. Todo narrado y presentado con una maestría y delicadeza absoluta por parte de Albert Hughes; devolviéndonos a ese cine con encanto, con carisma, con magia, brillante en su exposición, respaldado por unos excelentes efectos visuales y un correctísimo montaje. Un filme que hechiza, que traspasa las pupilas y los oídos, hasta llegar a la mente y al corazón.

Interpretaciones muy correctas destacando a Kodi Smit-McPhee, encarnando a Keda, quien lleva todo el peso de la película junto a su compañero de fatigas, el expresivo e inteligente perro.
“Mi padre siempre me decía, que la supervivencia nunca es segura; y cuando ya no quedan líderes a los que seguir, debes convertirte en uno”



         Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Agosto


         REPARTO: Kodi Smit-McPhee, Jóhannes Haukur Jóhannesson,  Marcin Kowalczyk, Leonor Varela, Matassia Malthe, Mercedes de la Zerda,  Priya Rajaratnam, Nestor de la Zerda, Jens Hultén y Spencer Bogaert.


           PRODUCTORA: Studio 8.





DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.