EL BESO DE LA MUJER ARAÑA: CRÍTICA DE CINE

Bajo la dirección y guion de Bill Condon, esta nueva adaptación de la novela de Manuel Puig (basada en su exitoso musical) nos traslada a la Argentina de 1983. En el complejo tránsito entre la dictadura y la democracia, la celda de una prisión une a dos hombres muy opuestos: el activista político Valentín Arregui Paz (Diego Luna) y el gay soñador Luis Molina (Tonatiuh). Para evadirse de la crudeza del encierro, Molina narra a su compañero una fascinante historia de cine titulada El beso de la mujer araña, donde el glamour de Aurora (Jennifer Lopez) se entrelaza con su realidad en un juego de espejos donde los propios presos se convierten en protagonistas de la fantasía.

Hay películas de las que, aunque se hayan visto hace unas cuantas décadas, algunas secuencias permanecen intactas en nuestra retina – quizás por la sensibilidad que alberga la juventud – ante la dureza de una historia que navega entre la política y la sexualidad. Recuerdo la versión de Héctor Babenco como un drama psicológico potente, puro y descarnado, con escenas impactantes donde la relación entre los personajes resultaba más intimista.

En cambio, esta nueva entrega en las manos de Bill Condon se aleja de esa sobriedad para centrarse en el musical de Broadway de 1992. Es una propuesta arriesgada que transforma no solo la estructura original de la obra de Manuel Puig, sino también la intensidad del drama y la oscuridad de la cinta de 1985, dándole un matiz completamente distinto, sobre el que profundizaré a lo largo de esta reseña.

En primer lugar, lo que cautiva poderosamente es la simbiosis entre la fotografía y la música. Tobias A. Schliessler – quien ya demostró su maestría visual junto a Condon en Dreamgirls y La Bella y la Bestia – firma aquí una propuesta impresionante. Cada plano y el uso cromático actúan como narradores, separando con nitidez las dos realidades de la historia. Por un lado, la puesta en escena de la cárcel de los años 80 nos sumerge en la angustia y la opresión de la época; por otro, la fantasía cinematográfica de Molina nos transporta al glamour de los años 40. Es ahí donde el uso de un Technicolor vibrante y saturado aporta sofisticación e intensidad, creando un juego de espejos que invita al divertimento y la evasión, mientras el dolor se cuece a fuego lento en la celda.

Acompañando a esa potencia visual, la banda sonora se convierte en el latido del corazón del filme. La partitura original de John Kander y Fred Ebb – los artífices de Cabaret y Chicago – junto al libreto de Terrence McNally, eleva la obra a una dimensión distinta. La música no solo acompaña y decora la fantasía de Molina, sino que sirve de contrapunto dramático a la sordidez del encierro. A través de melodías que evocan el bolero, el tango y el esplendor del Broadway clásico, las canciones funcionan como el oxígeno que permite a los protagonistas sobrevivir. Es una música que sabe ser grandilocuente en los números que interpreta con brillantez Jennifer Lopez, pero que a la vez se vuelve íntima y desgarradora cuando el silencio de la celda se rompe por una confesión emocional o por los sonidos que les rodean.

Este despliegue técnico, que por momentos resulta chocante, no tendría alma sin el duelo interpretativo de sus protagonistas, donde la política y la piel se funden. Tonatiuh realiza un trabajo extraordinario al encarnar a un Molina que utiliza su fantasía como un acto de resistencia. Frente a él, un Diego Luna soberbio y visceral da vida a un Valentín cuyas convicciones se ven sacudidas no por la tortura, sino por la inesperada humanidad de su compañero.

La película proyecta su mayor luz en los detalles más crudos. Cuando Valentín enferma y, angustiado por la pérdida de control de su cuerpo, confiesa su humillación, es Molina quien, haciendo de tripas corazón frente al asco y al olor, lo adecenta y lo cuida con una dignidad conmovedora. Esa entrega se confirma cuando Molina manipula al alcaide para conseguir pollos asados y comida, asegurándole a Valentín que es un envío de su madre y a este que sacará de compañero la información que precisa.

Es en el despacho del alcaide donde se produce un diálogo revelador: ante la sospecha de que Molina se está enamorando, él responde con una lucidez aplastante: “No es amor, es compañerismo”. Es en ese gesto de solidaridad donde Condon logra demostrarnos que, incluso cuando la guerra exterior bloquea la empatía, la humanidad de Molina encuentra una grieta para redimirlos. En tiempos de represión, este compañerismo, esta amistad, acaba siendo el acto más revolucionario de todos.

En resumen, esta nueva incursión de Bill Condon es una actualización vibrante que conecta la represión de los 80 con la sensibilidad de hoy. Sin embargo, un consejo para quien se acerque a esta nueva adaptación: debe saber que Condon se toma licencias creativas y estructurales que alejan esta versión de la sobriedad y dramaturgia de Babenco para ofrecer algo más operístico y simbólico. Si se abraza como algo nuevo, aceptando su propia identidad, se descubrirá una obra imprescindible donde el compromiso humano sigue siendo el acto más revolucionario de todos. Una película que, sin duda, les dejará pensando.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Jennifer Lopez, Diego Luna, Tonatiuh Elizarraraz, Bruno Bichir, Josefina Scaglione, Lynn Favin, Aline Mayagoitia, Will Fitz, Driton “Tony” Dovolani, Kevin Michael Brennan, Thomas Canestraro, Christian Galvis, Odain Watson, David Turner, Debra Cardona, Vin Scialla y Maile Makaafi.

PRODUCTORA: 1000 Eyes// Artists Equity// Josephson Entertainment// Nuyorican Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:  El guionista, director y productor, Bill Condon, estudió filosofía en la Universidad de Columbia. Su primer contacto con el mundo del cine fue al trabajar como periodista para una revista cinematográfica, decidiéndose un día a probar suerte y debutar como director. Esa primera obra fue “Sister, sister” (1987) otras películas para la gran pantalla han sido “Candyman 2” (1995), “Dioses y monstruos” (1998), “Kinsey” (2004), “Dreamgirls” (2006), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte1” (2011), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte 2” (2012), “El quinto poder” (2013), “Mr. Holmes” (2015), “La bella y la bestia” (2017), “La gran mentira” (2019) y este año nos ofrece “El beso de la mujer araña” (2025). Para televisión ha dirigido los telefilmes “Asesinato”, “Mentiras blancas”  y “Muerte bajo el agua” las tres en (1991), “Relaciones peligrosas” (1993), “El inmortal” (1994), Capítulos para series como “Al otro lado” (2000), “Con C mayúscula” (2010) y “Tilda” (2011) y también cuenta con el videoclip “The Jonas Brothers: Fly with Me” (2009).

"CRÍA CUERVOS" DE CARLOS SAURA SE PRESENTARÁ EN CANNES CLASSICS

 

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que: Video Mercury Films y FlixOlé presentan en Cannes Classics una versión restaurada en 4K de Cría cuervos, de Carlos Saura

La icónica canción ‘Porque te vas’, interpretada por Jeanette, volverá a sonar en el Festival de Cannes tres años después de acompañar el homenaje al cineasta Carlos Saura en la gala de apertura del certamen, celebrada pocos meses después del fallecimiento del cineasta. En esta ocasión lo hará con motivo de la proyección de la versión restaurada en 4K de Cría cuervos (1976), impulsada por Video Mercury Films en colaboración con FlixOlé, que se presentará en el festival francés como uno de los grandes títulos recuperados del cine europeo.

La película formará parte de Cinéma de la Plage, dentro de Cannes Classics, sección dedicada a la recuperación y puesta en valor del patrimonio cinematográfico. Su inclusión coincide con el 50 aniversario del estreno del filme y refuerza el reconocimiento internacional de una obra considerada unánimemente como uno de los hitos del cine español. No en vano, Cría cuervos obtuvo el Premio Especial del Jurado en Cannes en 1976 —ex aequo con La marquesa de O, de Éric Rohmer— y logró, además, nominaciones a Mejor Película Extranjera tanto en los Globos de Oro como en los Premios César.

En el marco de sus labores de conservación y difusión del patrimonio audiovisual español, Video Mercury Films y FlixOlé estarán de nuevo en La Croisette con una versión remasterizada de imagen y sonido del negativo original de 35mm, logrando como resultado la inédita versión de la cinta que se estrenará en clave mundial en Cannes. Por su sección dedicada a la historia del cine han pasado también otros títulos españoles como Tasio (Montxo Armendáriz, 1984), El camino (Ana Mariscal, 1963) y Carmen (Carlos Saura, 1983); esta última, también presentada anteriormente por distribuidora y plataforma en el encuentro internacional.

En la première de Cría cuervos participarán la cantante Jeanette, quien puso voz al tema musical compuesto por José Luis Perales, ‘Porque te vas’, popularizado mundialmente en la película de Carlos Saura. La acompañarán en el acto los hijos del director, Anna y Antonio Saura.

Símbolo de una España en Transición

Rodada en el verano de 1975, Cría cuervos se erige como testimonio de su tiempo. La película capta el clima de descomposición de los últimos meses del franquismo a través de una historia íntima que funciona como metáfora de un país en crisis. Producida por Elías Querejeta, con fotografía de Teo Escamilla y montaje de Pablo G. Amo, la cinta cierra la etapa de Saura donde la memoria silenciada y las secuelas de la Guerra Civil pululan crípticamente en sus largometrajes.

El filme narra la historia de Ana (Ana Torrent), una niña marcada por la muerte de su padre (Héctor Alterio), y por el recuerdo de su madre fallecida (Geraldine Chaplin). En ese entorno, dominado por el silencio, la ausencia y la contención emocional, la protagonista construye su propio mundo adulto, desdibujando los límites entre realidad e imaginación. Tanto es así que la pequeña cree tener el poder para decidir sobre la vida y la muerte.

Feroz y sutil a partes iguales, Cría cuervos articula una crítica a los estamentos represivos del franquismo a través de varias capas simbólicas. La herencia de la violencia entre generaciones —que da sentido al propio título, tomado del refranero español— se manifiesta tanto en el legado material del padre como en los impulsos de la niña. La figura paterna, militar autoritario, encarna el inmovilismo del régimen, mientras que su velatorio evoca el funeral de Estado que meses después marcaría el final de una era. A ello se suma el retrato de la hipocresía en el seno matrimonial, donde las mujeres ven relegadas sus aspiraciones en favor de un modelo social asfixiante.

Sobre el personaje de Ana Torrent recae, precisamente, la tensión entre ese mundo opresivo y la posibilidad de cambio. Su mirada —a la vez inocente y perturbadora— introduce una grieta en ese universo cerrado, anticipando la llegada de la Transición española.

Legado que ‘no se va’

A la velada crítica se suma el cuidado lenguaje cinematográfico del que se valió Saura para construir un relato mediante flashbacks y saltos temporales que conectan distintas etapas de la vida de la protagonista, con Geraldine Chaplin ejerciendo también de Ana en su versión adulta.  Por su parte, la cámara recorre los espacios domésticos con sobriedad, mientras que el uso de la luz refuerza el contraste entre personajes —con tonos más oscuros asociados a la figura paterna—. Todo ello se completa con la presencia del tema ‘Porque te vas’ en la banda sonora, convertida en un símbolo de evasión y melancolía.

La película no estuvo exenta de roces con el ala conservadora y militar del régimen. Sin embargo, los cambios políticos y sociales que atravesaban a un país cuyo discurso se abría al aperturismo favorecieron que el largometraje lograse sortear una censura todavía muy presente.

A medio siglo de su estreno, Cría cuervos mantiene intacta su capacidad de evocación y análisis. Su éxito en taquilla —con más de 1,2 millones de espectadores— y su repercusión internacional la consolidaron como una de las obras más influyentes del cine español contemporáneo. Su regreso a Cannes en versión restaurada en 4K permite redescubrirla en condiciones óptimas y reivindicar su vigencia como retrato de una sociedad en transformación, así como su lugar esencial en la historia del cine europeo.

La plataforma está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo, Movistar Plus+ y a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

Puedes encontrar el material gráfico de las películas y clips de vídeo en este enlace de Dropbox o en este de filemail.

MOVIDA CELESTIAL: CRÍTICA DE CINE

 

Movida Celestial está escrita y dirigida por Aziz Ansari. En ella Gabriel (Keanu Reeves) es un ángel con una misión tediosamente moderna: evitar que los conductores sufran accidentes por el uso del móvil al volante. Uno de esos conductores es Arj (Aziz Ansari), cuya situación despierta en el ángel una curiosidad casi humana. Gabriel descubre, a pie de calle, que Arj sobrevive en la precariedad, saltando de un empleo temporal a otro mientras suspira por Elena (Keke Palmer), su compañera en una ferretería.

El destino cruza a Arj con Jeff (Seth Rogen), un millonario tecnológico que lo contrata como asistente. Sin embargo, un error provocado por la tentación – El uso indebido de una tarjeta de empresa para una cena de lujo – termina en un despido fulminante. Es en ese momento de “injusticia justificada” cuando Gabriel decide intervenir y cruzar sus destinos, intercambiando sus vidas por completo. Si bien la intervención del ángel es noble, las consecuencias de jugar a la justicia social sobre el terreno no serán, ni de lejos, celestiales.

En esta ocasión Keanu cambia las armas por las alas, o lo que es lo mismo, abandona la dura vida de un sicario como John Wick por la altruista de un ángel, aunque el resultado con su primera decisión resulte bastante más caótica  que divina. Ansari utiliza la figura de Gabriel no para darnos un sermón místico, sino para poner frente al espejo las costuras de nuestro sistema, especialmente en un país como Estados Unidos que sirve de reflejo a otros del llamado primer mundo. La película disecciona esa brecha abismal entre el “currito” Arj, que sobrevive en la economía de los trabajos basura, y el exceso obsceno de un Jeff que, desde su opulencia, ignora lo que sufre gran parte de la población por subsistir. Al intercambiar sus vidas, la cinta deja de ser una simple comedia de enredos para convertirse en una mordaz reflexión: ¿el dinero realmente nos cambia, o solo amplifica lo que ya somos? Una vuelta de tuerca a la eterna duda de si el dinero realmente da la felicidad o si, simplemente, te permite elegir tus propias desgracias.

La genialidad de Ansari reside en despojar a lo divino de su misticismo para convertirlo en una extensión de nuestra propia estructural laboral. El cielo no se ve, pero se siente a través de esos ángeles apostados en azoteas, cornisas y otros espacios; ejerciendo sus trabajos con la misma rutina de quien ficha en una oficina. Es en una de estas azoteas donde Martha (Sandra Oh), la jefa de Gabriel, le arrebata las alas convirtiéndole en humano. Este “despido laboral” obliga al personaje a adaptarse a la Tierra como un mortal más, aprendiendo a lidiar con la cotidianidad: trabajar, comer, fumar o placeres como el baile – que no se le da nada mal -, mientras intenta resolver el entuerto que ha provocado.

Si algo logra Aziz Ansari, es crear personajes cargados de humanidad y franqueza, con sus virtudes, defectos, miedos y sueños. “Movida Celestial” nos brinda excelentes interpretaciones que se disfrutan por su naturalidad. Aziz se reserva el personaje más jugoso, a mi modo de ver: su Arj es un currante de los que nos podemos encontrar a la vuelta de la esquina, un hombre que se enamora a primera vista y que, inicialmente, está convencido de que el dinero es la solución a todos sus males, aunque pronto comprenderá que el verdadero amor se conquista con el corazón y no con la cuenta corriente.

En este ecosistema de personajes tan mundanos, el contrapunto perfecto lo pone Seth Rogen (con quien ya disfrutamos de su Matt Remick en la serie The Studio). En esta ocasión recibe el personaje más “canalla” y despreocupado; su Jeff es la encarnación del privilegio, un tipo que no es necesariamente malvado, pero cuya desconexión con la realidad lo vuelve peligrosamente egoísta. Cerrando el trío, que no el cuarteto, nos topamos con un Keanu Reeves colmado de matices. Su Gabriel es el corazón de la historia, moviéndose entre la solemnidad de un ser eterno y la vulnerabilidad de un aprendiz terrenal. Resulta fascinante y muy divertido ver cómo Reeves o debería decir Gabriel, abraza su “castigo” con una curiosidad casi infantil. El guion nos regala momentos impagables en su transición a la humanidad, como la escena que mantiene con Jeff en una hamburguesería, dormir en el coche junto a Arj o verle con un uniforme de pinche de cocina fumando en la calle en su tiempo libre.

Finalmente, completando el cuarteto, está ella: el gran amor de Arj, Elena, interpretada por Keke Palmer, una mujer con un sueño claro: ser sindicalista para defender a sus compañeros. Palmer construye un personaje realista, honesto y profundamente político, aportando la sensibilidad necesaria para recordarnos que, a veces, la dignidad es lo único que no se puede intercambiar.

La película cuenta con un excelente guion, con frases incisivas que penetran como dardos en la mente hasta tocar las fibras que el director, guionista, productor y actor ha buscado, creando esta delirante y extravagante comedia con la que disfrutas y reflexionas, a partes iguales, sobre lo que verdaderamente nos hace felices.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Aziz Ansari, Seth Rogen, Keanu Reeves, Keke Palmer, Sandra Oh, Joe Anoa´i, Cari Shayne, Olivia Summers, Evan Shafran, Erik Estrada Loaiza, Stephan Henderson, Ricky Guillart y Tiana Bes.

PRODUCTORAS: Lionsgate//  Oh Brudder Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine.

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR: El actor, guionista, comediante y director, Aziz Ansari, estudió en la Academia Marlboro en Bennetsville, en la Escuela de Ciencias y Matemáticas de Gobernador de Carolina del Sur y se graduó en la Universidad de Nueva York, en la Escuela de Negocios Stern con especialización en negocios. Ha trabajado en numerosas piezas de televisión y cine principalmente como actor y humorista. Debutó en la dirección con el mediometraje para televisión “Aziz Ansari live in Madison Square Garden” 2015 continuando con capítulos para series como “Master of None” 2015, “Master of None presenta: Momentos de amor” 2021 y ahora debuta en la dirección con “Movida celestial” 2026. También cuenta con el mediometraje para televisión “Aziz Ansari: Nightclub Comedian” 2022.

MALENA GONZÁLEZ ASISTIRÁ A LA GALA DE LA XIII Edición de los Premios Platino Xcaret

 

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que la actriz y productora venezolana Malena González se suma a las celebridades que asistirán a la Gala de la XIII edición de los Premios Platino Xcaret

Malena González continúa afianzando su presencia en la escena audiovisual internacional y se suma a las celebridades que asistirán a la Gala de la XIII edición de los Premios Platino Xcaret, uno de los encuentros más relevantes del cine y la industria iberoamericana, que tendrá lugar mañana en el Teatro Gran Tlachco, en la Riviera Maya (México).

Con una sólida trayectoria que abarca más de dos décadas, la intérprete ha construido una carrera versátil que transita con naturalidad entre el cine, la televisión y el teatro, destacando en el ámbito cinematográfico por su apuesta por proyectos de autor y su creciente labor como productora.

UNA AMPLIA FILMOGRAFÍA EN EL CINE IBEROAMERICANO

Su filmografía incluye títulos clave del cine iberoamericano contemporáneo como 'La distancia más larga', de Claudia Pinto, película ampliamente reconocida en festivales internacionales, entre ellos el Premio Platino Camilo Vives a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana, así como 'Solo para dos', de Roberto Santiago y 'Muerte en Berruecos', de Caupolicán Ovalles.

Entre sus trabajos más recientes destacan 'Histeria' y 'Rabbit', ambas bajo la dirección de Carla Forte. Su interpretación en esta última le valió el Premio Jorge Jellinek a la Mejor Actriz en el Festival Cine del Mar de Uruguay.

UNA DESTACADA LABOR COMO PRODUCTORA

En su último trabajo como actriz, Malena González forma parte del Reparto de 'Bonded', thriller sobrenatural dirigido por Gisberg Bermúdez y producido por Anaga Media Productions, de la que forma parte. Rodada en inglés entre Tenerife y Austin, la película reúne a un elenco internacional encabezado por Demián, Gala y Bruno Bichir, junto a Ingrid García Jonsson, Michael Stobbe, con la participación especial de Paz Vega.

En paralelo a su trabajo actoral, Malena González ha desarrollado una destacada labor como productora, apostando por historias con identidad propia y proyección internacional, consolidándose como una figura activa dentro del ecosistema audiovisual de Iberoamérica. El último proyecto que ha liderado como productora, junto con Victoria Maselli y Carmen Aguado, es 'Los silenciados', dirigido por Flavio Pedota.

UN GRAN TALENTO INTERPRETATIVO

Formada en la Universidad de Boston, donde se graduó con honores, y con una amplia preparación en Estados Unidos, España y Venezuela, la actriz domina varios idiomas y registros interpretativos, lo que le ha permitido desarrollar una carrera internacional y adaptarse a producciones en distintos mercados.

Desde sus inicios en el teatro hasta su consolidación en el cine, Malena González representa una generación de creadores iberoamericanos que combinan talento interpretativo y visión de producción, posicionándose como una de las voces a seguir en la industria.

UN HIJO: CRITICA DE CINE

 

La coproducción entre España y Portugal, Un hijo, supone el debut en el largometraje de ficción de Nacho La Casa, quien comparte guion con Juan Apolo para adaptar la premiada novela de Alejandro Palomas. “La magia como último refugio”

La historia nos presenta a Guille (Ian Cortegoso), un niño de 8 años cuya madre, azafata de vuelo, se despide de él por unos días dejándolo al cuidado de su padre, Manuel (Hugo Silva), que demuestra tener un fuerte temperamento.

En el colegio, ante la clásica pregunta de qué quieres ser de mayor, Guille  sorprende al afirmar que desea ser Mary Poppins. Lo que para sus compañeros es motivo de burla, para el profesor Roberto (Jesús Carroza) y la psicóloga (Macarena García) se convierte en un enigma a descifrar,  pues el niño explica que quiere ser como ella porque puede volar, pero para ello hay que decir la palabra mágica: Supercalifragilisticoespialidoso.

Es aquí donde la narrativa alza el vuelo: el duelo se refugia en la magia, transformando un deseo infantil en un mecanismo de supervivencia y protección. Sin embargo, la fragilidad de la pérdida a una edad tan temprana abrasa al espectador desde la butaca mientras este intenta dilucidar lo que esconde Manuel con tanto celo, recordándonos que, a veces, la fantasía no es un juego, sino la única forma de soportar una realidad que se ha roto en mil pedazos y que los mayores no llegan a comprender.

Ese enigma se materializa en los dibujos que Guille realiza – aquello de lo que no puede hablar directamente, pero desea que se conozca –, como el dibujar siempre una lavadora, testimonio de su angustiosa rutina doméstica: lavar él mismo cada mañana sus sábanas mojadas durante la noche antes de que su padre se despierte. Desde el reflejo de su padre que llora frente al monitor hasta el rastro de pipí en la cama; todo son trazos y acciones cargados de un simbolismo que la psicóloga deberá descodificar. A través de ellos, la película nos sumerge en una atmósfera de suspense emocional donde cada color, cada línea y cada hábito desvelarán el grito de auxilio silencioso de un pequeño que habita un hogar donde la vida parece haberse detenido.

Me sigo reafirmando en que los niños son los mejores actores del mundo y no es momento para enumerar grandes estrellas siendo tan pequeños, pero una vez más así sucede. El éxito de esta dramática historia descansa sobre los hombros del joven Ian Cortegoso, pues su trabajo es, sencillamente, una revelación que nos aplasta con sus miradas, el tono en las palabras y los gestos que nos desarman. Ian no interpreta a Guille, habita su soledad. Es capaz de sostener primeros planos donde su mirada, cargada de una madurez temprana y dolorosa, nos cuenta todo lo que el guion calla. Lo más impresionante, desde mi punto de vista, es la contención: esa capacidad de transmitir el amor que profesa a su padre, mientras este está roto por dentro. Logra que su obsesión por Mary Poppins no parezca un capricho, sino un acto de heroísmo urgente, convirtiendo cada gesto, en una lección de amor puro que desarma al espectador; como sus encuentros con la mujer del autobús, a la que va relatando todo aquello que el director se priva de mostrar en imágenes.

Frente a la luz de Guille encontramos la aspereza de Manuel. Hugo Silva realiza un trabajo valiente al encarar a un padre atrapado en una masculinidad quizás heredada; ese hombre que, a ojos del público, puede parecer frío o incluso machista al intentar forjar a un hijo “fuerte” a través del rugby o prohibiéndole llorar. Resulta especialmente revelador el instante en que, hablando con la psicóloga, hace el gesto de las comillas con los dedos al decir que sabe que su hijo es “especial”, un gesto que delata su incapacidad para comprender el mundo interior de Guille. Sin embargo, tras esa coraza de temperamento volátil, se intuye a un hombre amoroso pero aterrado, que intenta blindar a su pequeño contra el sufrimiento sin entender que es precisamente esa falta de sensibilidad compartida, lo que los está distanciando. Silva logra transmitir la desesperación de quien no sabe cómo pedir ayuda mientras ve cómo su mundo se rompe en mil pedazos, ante la ausencia de su mujer.

Pero la narración, que va creciendo en intensidad a medida que el filme avanza, no se detiene en lo doméstico, sino que se expande a través de personajes como Roberto y la psicóloga, quienes actúan como testigos y guías de un drama infantil que el padre se niega a aceptar. Manuel no solo lucha contra la pérdida, sino contra el propio comportamiento de su hijo, quien evita los juegos rudos prefiriendo recoger flores con una amiga o llevar un gorro que le regaló Mary Poppins. Mientras Jesús Carroza aporta una calidez humana que nos abraza, Macarena García logra transmitir esa mezcla de profesionalidad y angustia necesaria ante el reto de descodificar el simbolismo de los dibujos. Son ellos los primeros en comprender que el niño está atrapado en un duelo silencioso y rodeado por una sociedad que aún no está preparada para entender el maravilloso mundo de la mente de un infante, la cual se debe cimentar con amor y, sobre todo, sabiendo escuchar.

Detrás de esta delicada pieza se encuentra Nacho LaCasa, quien debuta en el largometraje con una elegancia narrativa y visual encomiable. Su mayor acierto es el uso del fuera de campo cinematográfico: el director decide, de forma inteligente, privarnos de las escenas de violencia física o dialéctica o el dilatarlas en el tiempo, permitiendo que sea la mirada y la palabra de Guille – relatándoselo a señora del autobús, cuya identidad descubriréis al final – las que nos cuenten el conflicto. Al ocultar lo evidente la película gana en profundidad y respeto hacia su protagonista. “Un hijo” no busca un golpe de efecto, aunque los haya, sino la comprensión del alma; es un claro ejercicio de estilo en el cual el silencio y lo sugerido son mucho más ensordecedores que cualquier grito, aunque también existan. Una ópera prima que nos recuerda que la magia no es solo un truco de cine o de prestidigitador, sino, a veces, la única tabla de salvación para un corazón roto.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Macarena García, Hugo Silva, Ian Cortegoso, Jesús Carroza, Javier Aguayo, Chema del Barco, Silvia Larrauri, Daniel Mantero, Esther Noya, Tania Watson y Eva Tirado.

PRODUCTORA: Capitán Araña// Guion Alto// Veleta Films AIE// Vicinema// RTVE// Movistar Plus+// Canal Sur.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

PREMIOS PLATINO XCARET 2026

 

A las 8 en punto de la noche, del sábado 9 de mayo, comenzó la gala de los Premios Platino Xcaret 2026 en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en Playa del Carmen, Quintana Roo, México. La ceremonia que fue conducida por Carlos Torres y Cayetana Guillén.

LOS GANDORES DE ESTA EDICIÓN HAN SIDO

CINE

Mejor película iberoamericana

O Agente Secreto (El agente secreto, Brasil)

Mejor comedia iberoamericana de ficción

La cena (España)

Mejor dirección

Kleber Mendonça Filho por O Agente Secreto (Brasil)

Mejor guion

Kleber Mendonça Filho por O Agente Secreto (Brasil)

Mejor actor en cine

Wagner Moura por O Agente Secreto (Brasil)

Mejor actriz en cine

Blanca Soroa por Los domingos (España)

Mejor película de animación

Olivia & las nubes (República Dominicana)

Mejor película documental

Apocalipse nos Trópicos (Brasil)

Opera prima de ficción iberoamericana

Sorda (España)

Mejor actor de reparto

Álvaro Cervantes por Sorda (España)

Mejor actriz de reparto

Camila Pláate por Belén (Argentina)

Mejor dirección de fotografía

Mauro Herce por Sirat (España)

Mejores efectos especiales

Pep Claret por Sirat (España)

Mejor dirección de Sonido

Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas por Sirat (España)

Mejor música original

Tomaz Alves Souza y Mateus Alves por O Agente Secreto (Brasil)

Mejor dirección de Arte

Thales Junqueira, por O Agente Secreto (Brasil)

Mejor montaje

Eduardo Serrano y Matheus Farias, por O Agente Secreto (Brasil)

Premio al Cine y Educación en Valores

Belén (Argentina)

Mejor diseño de vestuario

Helena Sanchís por La cena (España)

Mejor maquillaje y peluquería

Nacho Díaz y Ana y Belén López-Puigcerver por El cautivo (España)

TELEVISIÓN

Mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana

El eternauta (Argentina)

Mejor actor en serie de televisión

Ricardo Darín por El eternauta (Argentina)

Mejor interpretación femenina en serie de televisión

Paulina Gaitán por Las muertas (México)

Creador de miniserie o teleserie

Bruno Stagnaro por El eternauta (Argentina)

Mejor serie de larga duración

Beleza Fatal (Brasil)

Mejor actriz de reparto

Andrea Pietra por El eternauta

Mejor actor de reparto

César Troncoso por El eternauta (Argentina)

Mejor música original

Federico Jusid por El eternauta (Argentina)

Mejor montaje

Alejandro Brodersohn y Alejandro Parysow por El eternauta (Argentina)

Mejores efectos especiales

Ezequiel Rossi, Pablo Accame e Ignacio Pol por El eternauta (Argentina)

Mejor dirección de Arte

Pepe Domínguez del Olmo por Anatomía de un instante (España)

Mejor dirección de Sonido

Daniel de Zayas por Anatomía de un instante (España)

Mejor dirección de Fotografía

Álex Catalán por Anatomía de un instante (España)

Mejor diseño de Vestuario

Fernando García por Anatomía de un instante (España)

Mejor maquillaje y peluquería

Marcos Cáceres y Dolores Giménez por Menem (Argentina)

CINE Y FESTIVALES (CCVIII)

NUEVE CARTAS nos informa que “CHICAS TRISTES” de Fernanda Tovar, competirá en Tribeca tras triunfar en Cartagena de Indias.

El largometraje Chicas tristes, la ópera prima de Fernanda Tovar, competirá en la próxima edición del Festival de Cine de Tribeca, que se celebrará del 3 al 14 de junio en Nueva York. El film de Tovar participará en la sección International Narrative Competition. 

Chicas tristes continúa así una fructífera trayectoria que le ha llevado a participar en el 65º. Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) donde acaba de ser galardonado con el Gran Premio del Jurado en la Competencia Iberoamericana de Largometrajes. Un reconocimiento que se suma el Oso de Cristal y el Gran Premio del Jurado en la 76.ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín, donde compitió en la Sección Generation. 

Esta coproducción entre México, España y Francia ha sido producida por Carlo D'Ursi de Potenza Producciones y Montgo Films; Daniel Loustaunau de Colectivo Colmena; y Samuel Chauvin de Promenades Films. 

Chicas Tristes es la historia de dos mejores amigas que se preparan para una competencia internacional de natación cuando se enfrentan a un suceso de violencia sexual que cambia su vida, confrontándolas con las emociones de acompañar a una amiga que atraviesa momentos oscuros.

Escrito y desarrollado con el apoyo de FONCA Jóvenes Creadores, Cine Qua Non Lab e IMCINE, el proyecto participó en Talents Guadalajara Project Market (2021), Proyecta de Ventana Sur (2022) y en el programa Next Step de la Semana de la Crítica, donde recibió el premio CÉCI Moulin d'Andé. 

La película se ha realizado con el apoyo del Estímulo Fiscal EFICINE Producción (México), con la participación de las empesas BAYER, ASUR y ASERTA así como del ICAA (España), el CNC - Aide aux cinémas du monde y la SACEM (Francia). En la etapa de postproducción, fue seleccionada en WIP LATAM del Festival de San Sebastián y en Impulso Morelia del Festival Internacional de Cine de Morelia, donde obtuvo los premios José María Riba, Latam Cinema y Caffeine Post.

SINOPSIS: Paula y La Maestra son inseparables y las nadadoras más fuertes de su equipo, hasta que un incidente en una fiesta las obliga a elegir entre el silencio y hablar, poniendo a prueba su amistad.

KATIA CASARIEGO nos informa que “LA VENTANA ABIERTA” de Ana Graciani, tendrá su premier mundial en la Sección Oficial de FANT BILBAO.

“LA VENTANA ABIERTA”, escrita y dirigida por Ana Graciani, tendrá su estreno mundial en la 32 edición de FANT Bilbao, dentro de la Sección Oficial competitiva el próximo 12 de mayo.

La película está protagonizada por Unax Ugalde, Adriana Camarena y Mara Guil. Completan el reparto Alberto López, Adriana Espina y Sofía Allepuz.

La ventana abierta es una historia de suspense ambientada en el invierno inhóspito de la costa rural andaluza.

Sinopsis: Cuando Rubén llega hasta un remoto pueblo costero andaluz arrastrado por el viento del levante y por el recuerdo de Merche, la mujer con la que ha construido una relación online durante meses, se topa con un paisaje hostil: puertas cerradas, miradas esquivas… y una única ventana abierta.

Y detrás de esa ventana solo encuentra a Vera, la hija adolescente de su pareja. Cuanto más habla con ella, más resquebrajado aparece el mundo que Merche le había construido.

Entonces, Rubén empieza a sospechar que lo más desconcertante no es la ausencia de Merche… sino todo lo que él creía saber sobre ella.

LA VENTANA ABIERTA es una producción de La Claqueta PC, La Cruda Realidad, Acheron Films y Amania Films en coproducción con Filmgate Miami (EE.UU.). Cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la participación de Canal Sur Radio y Televisión. A Contracorriente Films distribuirá la película en España.

MUBI adquiere “COWARD” de Lukas Dhont, para múltiples territorios antes de su Estreno Mundial en la Sección Oficial a Competición del Festival de Cine de Cannes.

MUBI, distribuidora, servicio de streaming y productora, ha adquirido los derechos de Coward, la nueva película de Lukas Dhont, para Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Italia, España, Turquía, Latinoamérica, Australia y Nueva Zelanda. Coward tendrá su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes este mes, donde competirá en la Sección Oficial. MUBI anunciará la fecha de estreno en cines en las próximas semanas.

Coward es la nueva película de Lukas Dhont tras Close (2022), nominada a Mejor Película Internacional en los Premios Óscar.

Coward está protagonizada por Emmanuel Macchia en su debut cinematográfico como Pierre y Valentin Campagne (Los colores del tiempo, Caso 137) como Francis.

Mientras la Primera Guerra Mundial se prolonga, Pierre, un soldado recién llegado al frente, está ansioso por demostrar su valía. Tras las líneas del frente conoce a Francis, quien decide levantar el ánimo de sus compañeros organizando una obra de teatro. La violencia continúa pero ambos hombres intentan encontrar maneras de escapar de la brutalidad de la guerra, aunque sea por un instante.

Coward reúne a Dhont con muchos de los colaboradores de sus anteriores películas, Girl y Close: el coguionista Angelo Tijssens, el productor Michiel Dhont, el director de fotografía Frank van den Eeden, Eve Martin en el diseño de producción, Valentin Hadjadj como compositor, Alain Dessauvage como montador y Yanna Soentjens a cargo del sonido. 

Coward es una producción de Reunion, Lumen, Topkapi Films & Versus (Opus) en coproducción con France 2 Cinéma, VTM, RTBF, Proximus, BeTV y Orange. La película ha sido producida en asociación con The Common Humanity Art Trust y Portobello Productions. Coward se ha realizado con el apoyo fundamental del Fondo Audiovisual de Flandes (VAF) del Gobierno flamenco, el fondo económico Screen Flanders, Screen Brussels, la Federación Valonia-Bruselas (FWB), Wallimage, CINÉ+ OCS, CNC, PICTANOVO Hauts-de-France, Sacem, el Fondo de Cine de los Países Bajos, el Programa de Incentivos a la Producción Cinematográfica de los Países Bajos y EURIMAGES, y la participación de France Télivisions.

Coward ha sido posible gracias a la ayuda de la Medida de Refugio Fiscal del Gobierno Federal belga, Casa Kafka y Lumière Invest.

La película está distribuida en el Benelux por Lumière y en Francia por Diaphana Distribution.

SONY PICTURES nos informa que “LEONES EN INVIERNO” de Albert Pintó, llegará próximamente a las salas de cine.

Sony Pictures International Productions España presenta Leones en invierno, una producción de Esto también pasará y Bowfinger Intl Pictures, en coproducción con Glow Animation, Leones en Invierno AIE y Litolux, en asociación con Sony Pictures Entertainment Iberia, con la participación de Prime Video,  RTVE y  Crea SGR en asociación con Mogambo y Film Factory con el apoyo de la Comunidad de Madrid y el ICAA. Rodada durante 7 semanas en diversas localizaciones de Madrid y Canarias, Leones en invierno, se estrenará próximamente en exclusiva en cines de España de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia.

Leones en invierno, es la nueva película dirigida por Albert Pintó y producida por Álvaro Ariza, que supone el reencuentro de ambos con el actor Luis Zahera, tras el éxito de Tierra de Nadie, cuya producción ejecutiva ha corrido a cargo de Mª Luisa Gutiérrez.

Completan el reparto actores de primera línea como Roberto Álamo, Luis Callejo,  José Manuel Poga, Inma Cuesta, María Romanillos, Amaia Aberasturi  y además, cuenta con la colaboración especial de Ana Wagener, Irene Escolar, Nicolás Furtado y Jordi Mollà.

La película, con guion de Juma Fodde, conocido por su trabajo en películas como Lobo feroz (2023), No dormirás y El hombre del saco, es un intenso thriller dramático que se pone en implacable marcha a partir de una tragedia que cruza los caminos de personajes al margen de la ley.

Según palabras de su productor, Álvaro Ariza:  "Como productor de Leones en invierno, sabía que no había margen para querer y no poder, todo lo que no alcanzara el diez lo viviría como un fracaso. Es una apuesta ambiciosa y muy exigente. Cada día de rodaje era un reto, con secuencias de acción que nos empujan al límite y una historia de personajes que nos invitaban a la reflexión. Para ello era importante rodearme del mejor equipo, el mejor casting y por supuesto de ir acompañado de la mano de Albert Pintó. Sin él me hubiese pensado si podría hacer esta película.

Leones en invierno es, ante todo, un thriller que se adentra en lo más incómodo: las distintas formas de enfrentarse a la pérdida y esa verdad incómoda de que la violencia siempre encuentra una grieta por la que abrirse paso. La película no busca respuestas fáciles, sino confrontarnos con una idea persistente: la violencia, por más justificada que parezca, solo engendra más violencia.

A lo que añade el director, Albert Pintó: “Leones en invierno es, en definitiva, una historia sobre el duelo y la violencia, sobre el peso del pasado y la imposibilidad de salir indemne cuando uno decide cruzar ciertas líneas. Una película que mira de frente a personajes rotos, imperfectos y profundamente humanos, y que plantea una pregunta incómoda pero esencial: cuando llega el peor momento de nuestras vidas, ¿somos realmente quienes creíamos ser?”

SINOPSIS: La pérdida inesperada de una hija nos llevará a la diferente gestión del duelo de cada uno de sus progenitores y nos desvelará cómo, en ese dolor inmenso, nuestro padre protagonista se quiebra dejando en libertad el león que lleva dentro y que creyó tener firmemente enjaulado en su pasado.  Las ansías de encontrar la verdad y de hacer justicia a su manera, le llevarán a una trama de corrupción, poder y crimen organizado y mientras el responsable de la muerte de su hija luchará por ocultar la verdad, el padre de la víctima  irá cruzando líneas rojas, adentrándose en un camino que no tiene retorno y es que hay algo más peligroso que un padre defendiendo a sus hijos y es un padre que ya no tiene hijos a los que defender.

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa que “LATÓ 3” de María Borrell Gomà, se estrenará este fin de semana en DOCS BARCELONA.

Después del cierre del pub del pueblo, un grupo de amigos se reúne para hacer una obra de teatro rememorando sobre su historia y contar los motivos que obligaron a cerrarlo. Esta es la premisa de PLATÓ 3, una interesante mirada sobre la juventud en el medio rural, dirigido por Maria Borrell Gomà, y que se presenta este fin de semana en el DOCS BARCELONA, dentro de la sección Docs&Cat.

Encabezan la produccion FRACTAL y CANADA de la mano de Marc Guanyabens, Alba Barneda, Lope Serrano, Nicolás Méndez, Maria Borrell Gomà, Lluïsa Puig y Clara Badia, con la colaboración de la Pompeu Fraba. PLATÓ 3 transcurre en Puigverd de Lleida, localidad, situada en la comarca del Segriá.

Los protagonistas de PLATÓ 3 son Albert Baldomà Batlle, Maria Borrell Gomà, Enric Bosch Barrufet, Dennis Queralt Miró, Miquel Bosch Morales, Gemma Reñé Herrera, Lídia Serrat Simó, Gerard Herrera Farreres, Laura Pich Bautista, Joan Casals Gallart, Carles Bosch Morales, Marina Rodrigo Simó, Guillem Andrés Llobera y Marc Andrés Llobera

SINOPSIS: En un rincón de un pueblo fronterizo de la llanura de Lleida, se levantaba el pub Plató 3. Años después de su cierre, un grupo de jóvenes decide reunirse en una vieja cooperativa de fruta para ensayar una obra de teatro sobre las mejores noches de su vida. Lo que no saben es que, en esas noches, había viejas sombras con las que tendrán que reencontrarse.

NOTAS DE LA DIRECTORA

“No sé responder si este grupo de amigos merecemos una película. Nadie me lo ha preguntado, pero por si acaso me adelanto: no lo sé. Tampoco sé quién se la merece, una película. Si hay historias más importantes que otras, si hay amigos que merecen trascender, si hay batallitas que merecen ser guardadas en un cajón de un cine o que la gente hable de ellas al salir de una proyección. Tampoco sé si alguien, al ver esta película, pensará en los suyos, de amigos. Me gustaría. De hecho, me emocionaría mucho que alguien pensara en ellos. Supongo que haces una película de tus amigos para que la gente los quiera y la única manera que he encontrado yo para que eso pase es que, en esta historia, todo el mundo encuentre algo que le recuerde a las suyas; de noches, de amigos, de batallas. Eso me parece importante y eso sí que me parece que merece explicarse. En una película o en una sobremesa de una cena entre semana con aquella brigada de los veintipico con quienes os emborrachabais de vez en cuando. Y que todo os lo sabíais; las veces que habíais cogido el coche pasando por caminos sin controles, las novias y los amantes de los veranos, las pipas y bancos del día siguiente. Eso es importante porque es bonito. Y no me pondré categórica en nada más en mi vida, pero en la belleza de esa brigada, de la mía, la tuya y vuestra y la suya también; en esa brigada sí que confío todo. Así que, cuando salgáis del cine, no sé si pensaréis que nos lo hemos merecido. Pero valdrá la pena si, por un momento, habéis sentido que salíais de fiesta con nosotros una noche en el Plató 3”.

NOTA DE LAS PRODUCTORAS

“Cuando vimos las primeras escenas de Plató 3 nos quedamos con la piel erizada y la boca abierta. Era como ver a los jóvenes de Alcarràs haciendo teatro: había algo profundamente auténtico y genuino en el retrato de aquellos personajes.

El proyecto nació en el marco de la Universitat Pompeu Fabra, y desde CANADA y Fractal Films decidimos apostar por él y por el enorme talento que había detrás. María Borrell, con el inquebrantable apoyo de Lluïsa Puig y Clara Badia, ha construido, con mucho trabajo y paciencia, una película que nos habla de la importancia de tener espacios donde reunirnos y pasárnoslo bien.

Plató 3 es una reivindicación de la fiesta como elemento esencial de socialización, pero, sobre todo, una carta de amor a todos los grupos de amigos”.

NUEVE CARTAS nos informa que “COMO TODO MORTAL” competirá esta semana en DocsBarcelona tras triunfar en el Festival de Málaga.

Tras el gran éxito cosechado en la 29ª. edición del Festival de Málaga, «Como Todo Mortal», dirigida por María Molina Peiró, tendrá su premiere catalana en la Sección Oficial Visions de la 29ª. edición de DocsBarcelona. El certamen se celebra del 7 al 17 de mayo en la ciudad condal.

La película tendrá dos pases dentro de DocsBarcelona. El primero será el 13 de mayo a las 20:45 en la sala 5 de los cines Renoir Floridablanca. Tras esta proyección, habrá un Q&A con la directora. El segundo pase será el 15 de mayo a las 18:30 en la sala 6 en los mismos cines. Ya se encuentran disponibles las entradas para ambos pases. 

«Como Todo Mortal» tuvo su estreno nacional en la Sección Oficial de Documental de la 29ª. edición del Festival de Málaga donde la directora, María Molina Peiró, recibió la Biznaga de Plata a Mejor dirección de documental. Tras esto, el filme tuvo su estreno internacional en la Sección Oficial Next:Wave de la 23ª. edición del Festival Internacional de Cine documental de Copenhague - CPH: DOX.

«Como Todo Mortal» entrelaza documental y ciencia ficción para explorar los estratos de un paisaje cuyo pasado colonial dialoga con teorías sobre la colonización temprana de la vida en la Tierra y el futuro de la colonización espacial. La película invita a reflexionar sobre los enredos vitales de los que formamos parte, cuestionando la escala humana, los límites de la vida y nuestra insaciable sed de progreso, uniendo la lírica de la ciencia ficción con la vida cotidiana de un pueblo minero andaluz.

El film, producido por la neerlandesa Near/by film y la catalana 15L Films, cuenta con la coproducción asociada de CaixaForum+ y el apoyo de Netherlands Film Fund, ICAA (Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales), Eurimages, Amsterdam Fund for the Arts, y Fonds 21. Además, ha recibido el Premio Márgenes y la Mención especial del Jurado en DocsLisboa a la Mejor película en desarrollo, el Kunst Award de Amsterdam Funds, y se ha desarrollado en las residencias de preproducción cinematográfica de Cineteca y Matadero de Madrid y la residencias Raw del Festival Márgenes. 

La directora María Molina Peiró explica: «En Como Todo Mortal quiero invitar a reflexionar sobre un complejo ecosistema que va desde la riqueza del subsuelo de Río Tinto hasta los sueños de colonización espacial. Un paisaje donde la escala temporal y espacial del hombre se cuestionan continuamente, y donde la lírica de la ciencia ficción convive con la vida y la memoria de un pueblo minero andaluz».

«Como Todo Mortal» estará disponible en CaixaForum+ en 2027. CaixaForum+ es la plataforma de streaming gratuita de la Fundación ”la Caixa” dedicada a la divulgación de la cultura y la ciencia, un espacio digital que supera las 1.200 horas de contenido con títulos de alta calidad que incluyen música, artes, literatura, cine, ciencia y pensamiento, diseñados para acercar el conocimiento a todos los públicos.

SINOPSIS: En un planeta lejano, un robot explora el paisaje en busca de minerales y señales de vida. A años luz, en una de las minas más antiguas del mundo, sus habitantes viven rodeados de pueblos sepultados bajo toneladas de residuos minerales, mientras unos astrobiólogos investigan una biosfera oculta que plantea una inquietante hipótesis evolutiva. Entretejiendo documental, flamenco y ciencia ficción, Como Todo Mortal excava los estratos sociales, históricos y especulativos de un paisaje entre la exploración y la explotación, entre Andalucía y Marte.