MATAR A JESÚS: CRÍTICA DE CINE

          La colombiana Laura Mora Ortega, dirige “Matar a Jesús”, compartiendo guion con Alonso Torres y basándose en hechos reales, vividos en sus propias carnes.

          Paula (Natasha Jaramillo) presencia desde el interior del coche de su padre, como éste es disparado a sangre fría, mientras sale del auto. Oculta de lo disparos, logra ver al homicida, escapar en una moto.

          Tanto ella como su familia, se sienten abandonados por la policía, que no hacen nada por encontrar al criminal, incluso de entre sus pertenencias, ha desaparecido el reloj del padre. Paula decide buscar por su cuenta y se interna en los suburbios de Medellín, hasta localizar al joven asesino.

          Laura Mora no se anda por las ramas, nos narra una parte de su propia historia en toda su crudeza, desafiante, dolorosa y con mano firme, para mostrar también la realidad de su país en pleno siglo XXI. Un país como en una gran parte de esa América, que parece estar detenida en el tiempo del progreso, de la sociedad, navegando entre políticas que en vez de apoyar al ciudadano, lo marginan.

          El clímax narrativo se va enrareciendo sin apenas ser percibido, penetrando en nuestra mente con gran sutileza y máxima efectividad. Te hace sentir incómodo,no estando muy seguro, en un principio, quien o el qué lo está originando, pues hasta la aguda banda sonora de Sebastián Escofet, conspira con la trama y los naturales encuadres de la magnífica fotografía de James L. Brow. Una obra sencilla en apariencia y grande en su mensaje. Laura Mora se desahoga, expulsando todo el sufrimiento que alberga su alma, mientras escribe y filma esta obra.

          La naturalidad en las interpretaciones está cuidadísima,  y sus dos protagonistas principales: Natasha Jaramillo y Giovanni Rodríguez, sobresalientes.  

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Natasha Jaramillo, Giovanni Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio, Juan Pablo Trujillo, José David Medina, Juan Camilo Cárdenas.

          PRODUCTORA: Coproducción Colombia-Argentina

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: El Sur Films

HEARTSTONE, CORAZONES DE PIEDRA: CRÍTICA DE CINE

          Heartstone, corazones de piedra cuenta con guion y dirección del islandés,  Gudmundur Arnar Guomundsson.

          Thor (Baldur Einarsson) vive con su madre, separada y sin ninguna aspiración en la vida, junto a sus dos hermanas. Christian (Blær Hinriksson) convive con sus padres, quienes discuten con frecuencia, siendo la bebida uno de los causantes.

          Thor y Christian son grandes amigos y en ambos comienza a despertar la sexualidad de forma muy diferente, el uno experimentando atracción hacia las chicas del lugar y en el otro, hacia su propio amigo.

          Gudmundur debuta en el largometraje tras su reputada carrera en el cortometraje y en palabras propias al preguntarle sobre su ópera prima dice: “Es una historia con un claro mensaje hacia los más jóvenes, una historia de hermandad, de aceptación de uno mismo y de la importancia de la familia” Y en efecto son sus tres puntos fuertes: Familias con problemas y viviendo vidas monótonas. El refugio de los más jóvenes en la amistad y la lucha por la aceptación según su condición. 

          Arnar juega astutamente con todos los elementos de la adolescencia, que pasen los años que pasen, sobre todo si se vive en zonas rurales o pequeños pueblos, como es en el caso de este films, se repiten una y otra vez. Los juegos inocentes, la complicidad entre amigos, el despertar de la sensualidad y la sexualidad dentro de las pandillas, los conflictos familiares e incluso los brabucones del pueblo, siempre buscando bronca y pelea.

          Un filme donde la sensación de claustrofobia está cuidadamente retratada por la magnífica fotografía de Sturla Brandth Grøvlen, mostrando en el ambiente esa frialdad y el paisaje gris, aun siendo verano. Las lluvias, los charcos, la hierba anegada, los cielos encapotados, donde las noches no existen como tal y las zonas más rurales presentan abandono de población en grandes extensiones naturales. La banda sonora de Kristian Eidnes Andersen, acunará una narración a un tiempo que parece inmóvil.

          Una dirección amable y tremendamente pausada, como exponente al reflejo que confiere el clima sobre el carácter de sus habitantes, pues cada día parece una continuación del anterior. Donde no existen razones por las que alterarse, sino sucede algo de verdadera importancia, pues incluso el alcohol y las discusiones familiares, son parte de la monotonía diaria.

          Hay mucho a tener en cuenta en esta obra, pero sin la menor duda me quedo con las magníficas y conmovedoras interpretaciones de sus dos protagonistas principales. Baldur Einarsson lleva con total naturalidad el peso de la película sobre sus hombros, enfrentándose a los dramas que se originan a su alrededor, principalmente en el personaje de su amigo y compañero, Christian, interpretado por Blær Hinriksson. Un papel complicado y contenido, discreto y emotivo, desembocando en sensaciones, emociones, conflictos internos y pasiones, sabedor que no podrá seguir ocultando por mucho tiempo sus sentimientos.

          Mi nota es 6,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Baldur Einarsson, Blær Hinriksson, Gunnar Jónsson, Søren Malling, Nína Dögg Filippusdóttir, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Nanna Kristín Magnúsdóttir, Dijá Valsdóttir, Katla Njálsdóttir, Daniel Hans Erlendsson.

          PRODUCTORA: SF Film Production ApS

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Abordar Distribución

LA DELGADA LINEA AMARILLA: CRÍTICA DE CINE

            La delgada línea amarilla cuenta con guion y dirección del mexicano Celso García, en cuya ópera prima narra una historia que mantiene al espectador atento desde las primeras imágenes.

          Toño (Damián Alcázar), Gabriel (Joaquín Cosío), Mario (Gustavo Sánchez Parra), Atayde (Silverio Palacios) y Pablo (Américo Hollander) son contratados por un ingeniero (Fernando Becerril) para pintar  la línea divisoria de una carretera entre dos puntos que distan más de 200 km., en un tiempo de dos semanas. 

          Esta curiosa Road Movie, a caballo entre el drama y la comedia, le sirve a Celso García para presentar en la gran pantalla su ópera prima. Una obra premiada en numerosos festivales internacionales. Es la primera vez que menciono un dato como este y si lo hago es  porque sinceramente una película tan elemental, con una historia en apariencia tan sencilla y unos recursos básicos, logran todos los objetivos pensados y deseados.

          El gran  peso del filme, sin duda, recae en una dirección ejecutada con el máximo equilibrio y precisión, bajo el apoyo de unas interpretaciones perfectas y totalmente creíbles, quedando clara la complicidad entre los cinco actores, a través de  sus espectaculares papeles. Esa complicidad se palpa desde el minuto uno, trasladando al espectador al lado más humano de los personajes y provocando en nuestras mentes, cuestiones del día a día.

          Unos personajes donde el “camino” les ha ofrecido vidas muy diferentes entre sí, vivencias y recuerdos en los cuales cada uno ha sabido sortear con mayor o menor acierto, según su carácter y manera de enfrentarse al destino, a cada situación, a cada instante…en definitiva, a la existencia única y personal del ser. La madurez de cuatro de ellos en frente a la juventud que representa Pablo. Un personaje que vive entre la nostalgia de haber abandonado su hogar y el deseo de aprender en cada paso que ha decidido dar, sirviendo de enlace durante el filme, con sus preguntas, para ir conociendo y comprendiendo a sus compañeros y lo que les ha llevado al trabajo que tienen en ese momento encomendado. Un viaje de más de 200 km., para la reflexión sobre la importancia de vivir y de no dejar atrás nada sin resolver que les pueda alterar el sueño.

          Celso García trata el material a narrar con suma delicadeza, como si lo tuviera entre algodones y no desear que nada ni nadie, sufra más heridas que las que ya llevan entre los recuerdos, en las mochilas de sus vidas. Una obra poética en un espacio de polvo y asfalto. De silencios y conversaciones. Un ejercicio de honestidad entre lo acertado y los fallos de los actos humanos, de la lucha por la supervivencia y…

          La exquisita fotografía de Emilio Villanueva nos hace partícipes de ese viaje y de cada instante que esos personajes viven, envueltos en una delicada banda sonora a cargo de Daniel Zlotnik, para un filme amable y muy necesario en nuestros tiempos.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Gustavo Sánchez Parra, Silverio Palacios, Américo Hollander, Fernando Becerril, Tara Parra, Sara Juárez, Enoc Leaño, Fermín Martínez.

          PRODUCTORA: Coproducción México-Francia/ FOPROCINE/ Springall Pictures/ Fidecine/ Mamut Cine.

          DISTRIBUIDORA en España: Syldavia Cinema.

RELABEL COMUNICACIÓN EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA 2018

Relabel Comunicación presenta en el Festival de Málaga, las siguientes películas.

DOMINGO 15 - NO DORMIRÁS de Gustavo Hernández – Sección Oficial a Concurso.

Contará con la presencia de Belén Rueda y los productores de la película, Pablo Bossi, Cristina Zumárraga, Mª Luisa Gutiérrez e Ignacio Cucucovich.

Pases: 09:00 – Teatro Cervantes – Pase de prensa // 10:20 – Photocall – Muelle 1  // 10:50 – Teatro Cervantes – Rueda de prensa + entrevistas concertadas // 19:45 – Teatro Cervantes – proyección oficial.

SINOPSIS.

“En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro radical experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra.  Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar.

Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco compitiendo por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, a un trágico desenlace.”

ESTRENO EN CINES el 15 de junio.

DOMINGO 15 - JEFE de Sergio Barrejón – Málaga Première.

Contará con la presencia de Luis Callejo, Juana Acosta, Carlo D´Ursi, Bárbara Santa-Cruz. El director Sergio Barrejón y los productores C. D`Ursi  y Mª Luisa Gutiérrez.

Pases: 15:45 – Teatro Cervantes – Pase de prensa y público // 17:20 – Photocall – Hall Teatro  // 17:30 – Teatro Cervantes – Rueda de prensa + entrevistas concertadas // 20:30 – Alfombra roja.

SINOPSIS.

César es el JEFE de una exitosa empresa valorada en muchos millones de euros. Uno de esos jefes que creen estar por encima del bien y del mal, probablemente a punto de ser denunciado por acoso laboral y con algún que otro vicio… Un “capullo” de toda la vida. Solo que éste, está a punto de recibir la hostia de su vida y encima, un lunes. De la noche a la mañana su mujer le echa de casa, sus socios le traicionan, sus acciones se desploman y Hacienda encuentra un agujero en las cuentas de la compañía. Y sólo tendrá una semana para solucionarlo. Atrincherado en su despacho trabaja de sol a sol para recuperar su empresa, y su vida. Pero no lo hará solo, César encontrará en Ariana, la limpiadora del turno de noche, una aliada inesperada que afortunadamente se entrometerá, sin quererlo, en su vida.”

ESTRENO EN CINES: 6 de Julio

MIÉRCOLES 18 - EL PINTOR DE CALAVERAS de Sigfrid Monleón – Especial documental.

Con la presencia del su director Sigfrid Monleón, los protagonistas Pepe Dámaso y Carmensa de la Hoz y el productor Andrés Santana.

Pases: 18:00 – Museo Picasso de Málaga – Pase de prensa y público.

Al terminar, tendrá lugar un coloquio y el director y los protagonistas atenderán entrevistas.

SINOPSIS

El pintor y cineasta Pepe Dámaso (Agaete, Gran Canaria, 1933), convaleciente de una grave enfermedad, decide donar a sus paisanos la obra que ha guardado consigo a lo largo de setenta años. Los cráneos y los esqueletos son el motivo principal de un universo plástico, pero no para abrazar un sentimiento sombrío del mundo, sino para celebrar la fragilidad de lo finito. Antes de desprenderse de sus cuadros, Dámaso regresa a los paisajes y argumentos de su infancia: La cultura neolítica de los aborígenes canarios, la pintura renacentista proveniente de Flandes, los cantos populares, el sincretismo de las fiestas religiosas… un conjunto de elementos identitarios sobre los que ha labrado una original alegoría plástica de la vida insular”

SE ESTRENARÁ EN CINES DURANTE EL 2018

VIERNES 20  - QUE TE JUEGAS de Inés de León – 5 minutos.

Con la presencia de Amaia Salamanca, la directora Inés de León y los productores Mª Luisa Gutiérrez y Gabriel Arias-Salgado.

Pases: 17:00 h – Rectorado UMA- Presentación + entrevista concertada con antelación.

SINOPSIS

“Una joven monologuista, sin un duro paro con ganas de comerse el mundo, se cruza en las glamurosas vidas de Roberto, un esnob idealista, y su hermana Daniela, una ejecutiva agresiva: los ricos y triunfadores herederos de la naviera Allende Salazar. Sí, además, por el camino aparecen un chamán traído del Amazonas como consejero espiritual, un almirante de agua dulce y dos eternos aspirantes a actores… ¿Qué te juegas a que ya nada será lo que parece?”

LA CASA TORCIDA: CRÍTICA DE CINE

          La casa torcida es la nueva novela de Agatha Christie que se adapta al cine bajo guion de Julian Fellowes y la dirección de Gilles Paquet-Brenner.

          En la primera escena veremos las manos de una mujer preparando una inyección y suministrándola en el brazo de un hombre, ese hombre es Arístides Leónides, un multimillonario griego que se trasladó en su día a Inglaterra donde construyó la Casa Torcida, una impresionante mansión en la que vive junto a toda su familia.

          Charles (Max Irons) es un detective por vocación propia, habiendo dejado en su día un cargo diplomático. Sophia (Stefanie Martini) nieta del millonario, descubre a su abuelo muerto y contacta con Charles para que lleve el caso antes de que intervenga Scotland Yard, pues está convencida de que ha sido asesinado. Charles y Sophia se conocieron en un viaje por Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Charles se entregará por completo al caso, cuando descubre que en efecto, en la inyección de insulina existía una cantidad determinada de veneno.

          Siempre es bien recibida en la gran pantalla, la  adaptación de una novela de la gran escritora de suspense Agatha Christie, quien además respecto a la casa torcida comentó: “Escribir la casa torcida fue un placer de principio a fin, y me atrevo a decir que es una de mis mejores obras” Tal vez por lo retorcida que resulta la historia y del final que como siempre aun siendo inesperado, aquí choca descubrir quién es el/la  asesino/a.

          Está ambientada a finales de los años 50 y esa recreación se disfruta durante todo el metraje, por una parte con la impecable dirección artística de Simon Lamont, el correctísimo vestuario de Colleen Kelsall y finalizando con la soberbia fotografía en cuidadísimos encuadres y un color que recuerda estampas de la época, bajo la mirada de Sebastian Winterø.     Una historia presentada como muchas de las obras de Agatha, en entornos teatrales, recreando en la gran mansión pequeños escenarios para exponer cada situación y poder desenvolverse los personajes. Todo a través de un esmerado montaje y donde una vez más, el arte se abraza: literatura, teatro y cine.

          Gilles dirige acertadamente, con aplomo inglés sin serlo, esta obra rodeada de un fabuloso casting actoral. La flema británica de la autora, está muy bien representada a través de un elenco de actores y actrices en su mayoría británicos, quedando claramente reflejado el carácter de sus personajes. No podemos además obviar que un número importante de los actores y actrices, han pisado escenarios teatrales y eso se percibe en las interpretaciones, sobrias y elegantes.

          En resumen, estamos ante una historia más que interesante para los amantes de las obras de la autora de suspense, unas correctas interpretaciones, una puesta en escena vistosa y precisa y todo bajo la “batuta” de su director, Gilles Paquet- Brenner.

          Mi nota es un: 7

          MUSICA: Hugo de Chaire

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Glenn Close, Max Irons, Stefanie Martini, Terence Stamp, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Amanda Abbington, Julian Sands, John Heffernan, Roger Ashton-Griffiths, Christian McKay, Honor Kneafsey, Preston Nyman, Jenny Galloway, David  Cann.

          PRODUCTORA: Brilliant Films/ Fred Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

ALMA MATER: CRÍTICA DE CINE

            Alma Mater, de Philippe Van Leeuw, nos narra un drama  con telón de fondo de la guerra en Siria.

          Oum Yazan (Hiam Abbass) es madre de tres hijos, su  único objetivo es protegerles de los conflictos armados en Siria y de quienes intentan invadir su hogar. Su casa la ha convertido en una zona segura para los suyos, el novio de su hija mayor y los vecinos de arriba. Halima (Diamand Abou Abboud), la vecina que acoge Oum, tiene un niño recién nacido y el marido está buscando la forma de huir del país, esa misma noche.

         La zona está rodeada por francotiradores, uno de los cuales dispara al marido de Halima. Las bombas caen demasiado cerca para hacer una vida normal. Las casas son abandonadas y saqueadas por los ladrones que aprovechan para entrar y arrasar con todo lo que han dejado. Oum no está dispuesta a renunciar a su hogar y mucho menos que los suyos sufran el menor percance.

        Philippe, con guion propio, nos ofrece una nueva visión de la guerra en Siria, en esta ocasión a través del encierro voluntario de sus protagonistas entre  las cuatro paredes que ofrece la  vivienda, cuyos actores (habitantes),  se mueven con total naturalidad, en los espacios  limitados por las habitaciones, el salón, la cocina e incluso el cuarto de baño. Una realidad a través de un argumento ficticio, con una gran carga emocional, dura, demoledora, angustiosa, realista y sincera, que desgraciadamente forma parte de la vida en ese rincón del planeta, pues muchos de los habitantes de dicho país, siguen viviendo en ese estado lamentable, bajo condiciones inhumanas, confiando y creyendo en la paz, aunque no en sus políticos.

           Un refugio del cual conoceremos cada recodo durante un periodo de  24 horas, un día que el  director estima oportuno para ofrecer su historia a través de un cuidadísimo uso de la cámara, la cual se desplaza sutilmente y de forma precisa, como si fuera un habitante más. Hogar que bien podría representar al país y quienes en el habitan, bajo el miedo, la desesperación y la amarga sensación de ser robados, violados o asesinados.

        Magnifica dirección de actores.  como ya he comentado, en interpretaciones tan creíbles que creemos cercanas aún en la lejanía, destacando como la gran alma mater a Hiam Abbass, ofreciendo un personaje de madre coraje, luchadora y defensora de los suyos, cueste lo que cueste y duela lo que duela; acompañada muy de cerca por la dulce y madre primeriza, Diamand Bou Abboud.

          La fotografía de Virginie Surdej y la música de Jean-Luc Fatchamps, serán los perfectos acompañantes de la angustiosa historia. Una obra necesaria, que recomiendo encarecidamente.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas.

          PRODUCTORA: Altitude 100 Production/ Liaison Cinématographique.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

NUEVO DISCO Y CONCIERTO: FUNDACIÓN TONY MANERO

       LA FUNDACION TONY MANERO, pionera de la música disco-funk en España, ha sacado al mercado su nuevo trabajo titulado “Lugares Comunes” tras cumplir los veinte años de trayectoria.  Un disco íntimo, lleno de belleza, ritmo y sensibilidad, en el que lejos de acomodarse, la banda da un paso más en su constante evolución a la búsqueda de un lenguaje propio dentro de la escena negra nacional, comenzando su gira de conciertos.

       El disco es una colección de ocho canciones para disfrutar cómodamente en nuestro hogar o bailar en los clubs.  Grooves de armonías preciosas que nos evocan el jazz-funk de los 70, pero con la pulsión rítmica de las producciones de la música negra actual, guiños al sonido acid-jazz de los noventa, y la personalidad propia de la banda, en un gran momento de madurez creativa. Una Fundación menos disco, pero más soul.

        Soul sofisticado y contemporáneo que habla de los lugares comunes  a los que hace referencia el nombre del disco, de elementos fundamentales de la vida de todos nosotros: la familia, de aquellos que están y de los que se han ido (Algoritmo, Antes de que te olvides de mí), el amor (Beibi), la paternidad (Bruno & Mia), los amigos (La Llama), los momentos importantes (Sin Querer) y la vida cotidiana (Nana). Lugares a los que volvemos para sentirnos mejor o para encontrarnos a nosotros mismos, tratados en los textos de una manera tierna, llana y natural, buscando la proximidad y la complicidad con el oyente. Un disco escrito en primera persona que habla de las cosas importantes de la vida.

       Los Manero abandonan por un momento su zona de confort, el hedonismo disco, y nos brindan unas composiciones maduras y coherentes con el momento vital en el que se encuentran sus componentes. 

        Lugares Comunes es una experiencia única, una fusión caliente de ritmo y sensibilidad, de baile y belleza, de amor y humor, de nostalgia y proyección hacia el futuro.

       La primera edición del CD se presenta en una edición Deluxe limitada a 300 unidades numeradas, con un artwork claramente inspirado y a la vez homenaje a las portadas de los vinilos de CTI Records.

LA GIRA COMIENZA EN MADRID EL: 14 de abril en el Café Berlín y continúa:

20 abril.-  Girona - Festival Strenes

27 abril.- Barcelona - La Farinera

5 mayo.-Zaragoza - Sala López

25 mayo.- Sevilla - Sala X

Podéis adquirir las entradas en:

https://www.ticketea.com/entradas-concierto-fundacion-tony-manero-cafe-berlin-madrid/

VERANO DE UNA FAMILIA DE TOKIO: CRÍTICA DE CINE

         Verano de una familia de Tokio es la nueva entrega del director japonés   Yoji Yamada, quien nos narra las aventuras y desventuras de los personajes que ya se  han hecho familiares, entre los espectadores españoles.

          Los conflictos entre el matrimonio formado por Shuzo Hirata (Isao Hashizume)  y Tomiko Hirata (Kazuko Yoshiyuki) continúan y a ellos se añadirá que tanto su mujer como  el resto de la familia, buscarán que Shuzo deje de conducir, por sus continuos despistes al volante y su edad avanzada.

          Tomiko decide irse de vacaciones con un grupo de la tercera edad para ver La aurora boreal, el sueño que tiene antes de morir y por su parte, Shuzo se reunirá con sus antiguos compañeros de estudios, mientras la familia sigue planeando la mejor forma de que el abuelo abandone la idea de seguir al volante. Pero como dice el dicho, los problemas no vienen solos.

          Yoji Yamada, regresa puntualmente con otra historia familiar, en esta ocasión exponiendo temas como los conflictos, la vejez, la soledad ante el abandono de los suyos, la muerte, los recuerdos, la búsqueda por mantener una actividad tras la jubilación y sobre todo, una fuerte crítica hacia la política japonesa, el paro, la burocracia y la falta de apoyos a los más mayores.

          La primera entrega de lo que parece se está convirtiendo en una saga o al menos se ha llegado a la trilogía, comenzó en el 2013 con “Una familia de Tokio” y tras el éxito obtenido, tres años más tarde Yoji nos presentó “Una maravillosa familia de Tokio” y ahora, con nuevos temas sociales y muy en boga, llega “Verano de una familia de Tokio” añadiendo algunos personajes a sus descabelladas aventuras y dejando con buen poso y de forma sutil, mensajes muy importantes.

          En esta ocasión, aunque el personaje de Isao Hashizume, está en el centro de la historia, serán los más jóvenes quienes cobran mayor importancia en la narración, enfrentándose a los conflictos que de forma natural o provocada, surgen en la tercera edad, cuando las generaciones conviven juntas y la familia permanece unida.

          Una obra que si bien despierta sonrisas y alguna carcajada, posiblemente para el público europeo resulte más drama que comedia y algunas situaciones sociales y familiares que nos presentan en tono cómico, se entiendan más en su país natal, que en el  nuestro, dadas las claras diferencias culturales.

          Cuenta como ya sucediera en las anteriores entregas, con unas correctas interpretaciones, donde cada actor tiene bien asumido a su personaje y al clan familiar al que pertenece,  algo que se percibe desde las primeras imágenes. Ese compañerismo, esa complicidad, hasta el punto de creernos que pueden ser una familia auténtica y no ficticia.  Actores que junto a sus personajes, convencen, entretienen y logran sus propósitos.

          Para finalizar destacar la agradable banda sonora a cargo de Joe Hisaishi y la correctísima fotografía de Shinji Chikamori

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 6 de Abril

          REPARTO: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki, Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya.

          PRODUCTORA: Hakuhodo DY Media Parthers/ GyaO, Asahi Broadcasting Corporation (ABC)

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films.