VIVIR SIN NOSOTROS: CRÍTICA DE CINE

 

VIVIR SIN NOSOTROS, está escrita y dirigida por David Färdmar.

Hampus (Jonathan Andersson) y Adrián (Björn Elgerd) son una pareja que deciden dar por finalizada su relación sentimental, tras varios años de noviazgo.  Aunque ambos se confiesan que se siguen queriendo, Hampus  se siente aliviado ante la ruptura con Adrián, pues considera que su relación  comenzaba a ser autodestructiva, mientras que Adrián sigue locamente enamorado, no sabiendo muy bien cómo afrontar la nueva etapa que se abre ante él.

El director de casting, productor, guionista y director, David Färdmar, estudió teatro, cine y televisión en la Universidad de Gotemburgo y en el Instituto de Educación Superior en Televisión. Entre los años 2003 y 2014, trabajó como director de casting en Rolands Hörna Film, para diversas series televisivas y largometrajes. Escribió y dirigió el cortometraje “My name is love” 2008 (ganando diversos premios internacionales). Produjo el cortometraje “Life is Tennis” 2009, dirigió y produjo “A Sting of Maud” 2011, produjo el cortometraje “A Last Farewell” 2013 de Casper Andreas, produjo y codirigió “We Could Be Parents” 2016 de Björn Elgerd, hasta llegar a su último cortometraje “No More We” 2018. Su primer largometraje documental llegó en 2013 con “No Tears Behind the Camera” y este este año nos ofrece su primer largometraje de ficción “Vivir sin nosotros”

Escuchamos frecuentemente, cuando a nuestro alrededor una pareja se separa, que el amor se desgasta o que con los años desparece. ¿Hasta qué punto es real, esta afirmación?. Vivir  sin nosotros, es una de esas historias que aun queriéndose, la pasión desaparece y en un matrimonio o pareja entrada en la tercera edad, podría ser normal, pero en la de dos jóvenes en su plenitud, no. Lo que también hay que entender, algo que muchas veces no sucede, es que cuando se decide pasar página, hay que saber hacerlo con dignidad, pues el espiar al otro con quien o a donde va, insistir en quedar para tomar un café o el ir a buscar una segunda oportunidad; lo único que puede provocar, es un mayor desgaste, un conflicto emocional añadido o lo peor de todo, que surjan los reproches que como puñales impactan en la otra persona. Un dolor añadido a lo que ya se está experimentando.

Vivir sin nosotros cuenta con dos magníficas interpretaciones que nos acercan al problema de una ruptura y las consecuencias que la han ocasionado, como pueden ser las infidelidades, los celos, las mentiras, la rutina convertida en aburrimiento y el no hablar, pues la comunicación verbal, es tan importante como la sexual; tema este último en el que ambos se complementan a la perfección, cuando dejan de ser pareja, pues hasta ese punto, la chispa se había disipado. Adrián (Björn Elgerd) y Hampus (Jonathan Andersson)  nos ofrecen un drama íntimo a través del cual se desnudan en cuerpo y alma, con total honestidad. La sexualidad está expuesta con naturalidad y sus conversaciones calan, con una verdad que duele; una verdad expuesta a través de dos personajes muy diferentes, aquel que está dispuesto a encontrar un nuevo amor y quien se refugia en los momentos vividos, no desando perderlos. Un filme cuidadosamente fotografiado por  Johannes Stenson, Robert Lipic y Camilla Topuntoli, captando ese grado de privacidad, que nos convierte en voyeurs.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Mayo

REPARTO: Björn Elgerd, Jonathan Andersson, Micki Stoltt, Nemanja Stojanovic, Victor Iván, Melker Wernberg, Shirin Golchin, Michaela Thorsén, Lisberth Johansson, Maria Hedborg, William-Patrik Molvén.

PRODUCTORA: Färdmars Film// Embem Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

STARZPLAY ADQUIERE LA SERIE DE TERROR Y COMEDIA “SHINING VALE”

EVA CALLEJA Y PRISMA IDEAS, nos informa que STARZ adquiere la serie de terror y comedia “SHINING VALE” protagonizada por COURTENEY COX, GREG KINNEAR Y MIRA SORVINO.

La serie de media hora por episodio de Jeff Astrof, Sharon Horgan y Warner Bros. Televisón también está protagonizada por Merrin Dungey, Gus Birney y Dylan Gage.

STARZ anuncia que ha adquirido la serie de ocho episodios de comedia de terror “Shining Vale”, protagonizada por la nominada al Globo de Oro® Courteney, el nominado al Oscar® y ganador del Emmy® Greg Kinnear, la ganadora del Oscar® Mira Sorvino, Merrin Dungey, Gus Birney y Dylan Gage. Dearbhla Walsh ha dirigido y es productor ejecutivo del episodio piloto. La escalofriante comedia de media hora de duración de Jeff Astrof, Sharon Horgan y Warner Bros. Television es el título más reciente de STARZ, que recientemente ha lanzado la iniciativa #TakeTheLead para continuar con el compromiso de la cadena de profundizar en su actual apuesta por las narrativas de, sobre y para las mujeres y el público infrarrepresentado.

“'Shining Vale' es una serie inteligente, escalofriante y divertida que cuenta la historia de una familia en apuros que de repente convive con un ser paranormal que ayuda al personaje de Courteney Cox a recuperar la estabilidad al tiempo que hace que empiece a cuestionarse su propia cordura”, ha dicho Christina Davis, STARZ President of Original Programming. “Este grupo de talentosos actores, productores ejecutivos y director mezcla brillantemente la comedia y el terror a lo largo de esta serie que ejemplifica el compromiso de la cadena por mejorar la representación femenina dentro y fuera de la pantalla.”

“Shining Vale” es una comedia de terror sobre una familia disfuncional que se traslada de la ciudad a una casa en un pequeño pueblo y donde han tenido lugar terribles atrocidades. Pero nadie parece darse cuenta de ello excepto Pat, que está convencida de que o bien está deprimida o poseída… resulta que los síntomas son exactamente los mismos. Patricia “Pat” Phelps (Cox) es una antigua “niña salvaje” que saltó a la fama por escribir una novela de empoderamiento femenino (también conocida como “lady porn”); todo con un alto contenido con drogas y alcohol. 17 años después, Pat está limpia y sobria, pero totalmente insatisfecha. Todavía no ha escrito su segunda novela, no puede recordar la última vez que tuvo sexo con su marido (Kinnear) y sus hijos adolescentes están en esa etapa en la que te quieren ver muerto. Era una esposa fiel hasta que tuvo su único desliz: un tórrido romance con el joven y atractivo manitas que vino a arreglar el fregadero, mientras Terry estaba trabajando. En un último esfuerzo por salvar su matrimonio, ella y Terry ponen encima de la mesa todos sus ahorros y trasladan a la familia de la “locura” de la ciudad a una gran casa antigua en los suburbios, que tiene su propia historia. Todo el mundo tiene sus demonios, pero para Pat Phelps, pueden ser reales.

Cox interpreta el papel protagonista de Patricia “Pat” Phelps, y Kinnear interpreta a su siempre optimista marido, Terry Phelps, cuya paciencia y autocontrol se pondrán a prueba como nunca antes. Sorvino interpreta a Rosemary, que es el alter ego de Pat, una doble personalidad, su ídolo, su musa o un demonio que intenta poseerla. Dungey interpreta a Kam, la más antigua amiga de Pat y editora de libros. Gus Birney y Dylan Gage también interpretan a los hijos adolescentes de Pat y Terry, Gaynor y Jake.

“Shining Vale” está producida por Jeff Astrof de Other Shoe Productions, Sharon Horgan y Clelia Mountford de Merman, Aaron Kaplan y Dana Honor de Kapital Entertainment. Courteney Cox es productora. Astrof escribió el guión del piloto, a partir de una historia de Horgan y Astrof. La serie está producida por Warner Bros. Television y Lionsgate Television en asociación con Other Shoe Productions, Merman y Kapital Entertainment.

Senior Vice President of Original Programming, Juan Alfonso, es el ejecutivo que supervisa “Shining Vale” en nombre de STARZ.

“Shining Vale” se emitirá en STARZ en Estados Unidos y Canadá y en su plataforma internacional de streaming STARZPLAY en Europa, América Latina y Japón.

HIJOS DEL SOL: CRÍTICA DE CINE

 

Hijos del sol está dirigida por Majid Majidi compartiendo guion con Nima Javidi.

Varios niños se encuentran robando en el parking de un supermercado, neumáticos de coches, cuando son sorprendidos por el guarda de seguridad. Cuatro de ellos logran escapar, introduciéndose en el interior de dicho supermercado.

De esta forma conoceremos a Alí (Roohollah Zamani) y a sus tres fieles amigos. Los cuatro trabajan en un taller de neumáticos, con el fin de ganar un dinero y de esta forma ayudar a sus familias. Alí recibe el encargo de encontrar un tesoro que se encuentra enterrado en el cementerio, al lado de la Escuela del Sol, en la que deberá matricularse para poder acceder al sótano y desde allí, al entramado de túneles que le llevarán hasta dichas riquezas. Alí aceptará el trabajo e involucrará a sus compañeros.  

El guionista, productor y director, Majid Majidi, de adolescente trabajó como actor en varias compañías de aficionados. En 1978 ingresó en el Instituto Dramático de Teherán. Trabajó durante una temporada en televisión y luego saltó a la gran pantalla. En la dirección se inició en el cortometraje con “Enfejar (Explosión)” 1981, “Hoodaj” 1984, “Rooz-e Emtehan (Día de exámenes) 1988 y “Yek Rooz Ba Asiran (Un día con prisioneros de guerra) 1989. Debutó en el largometraje en 1991 con “Baduk”, para continuar con “El padre” 1996,  “Niños del cielo” 1997, “El color del paraíso” 1999,  “Lluvia” 2001, “Barefoot to Herat” 2003, “Las cenizas de la luz” 2005,  “El canto de los gorriones” 2008, “Mahoma” 2015, “Beyond the Clouds” 2017 y en el 2019 presenta “Hijos del Sol”

Tras la cita inicial, “La película está dedicada a los 152 millones de niños trabajadores en el mundo y a los que luchan por sus derechos”, comienza este intenso, realista y duro film, que nos mantendrá con el corazón en un puño, gracias a la impactante dirección de Mijad Majidi, el sobrecogedor guion que comparte con Nima Javidi y la innata naturalidad de los jóvenes actores, a lo largo de los ajustados 99 minutos de metraje.

Un filme que nos recuerda, a “Los Goonies” 1985 de Richard Donner, en su idea  inicial, un grupo de niños en busca de un tesoro que se encuentra bajo tierra, pero  Majidi lo sitúa en un contexto totalmente diferente, pues la aventura se torna drama, la búsqueda en arduo y peligroso trabajo y el resultado final, muy diferente al de aquella historia, también juvenil. Una película con tantas subtramas como polvo y barro, se pega a la piel de nuestros protagonistas, principalmente en la de Alí. Un adolescente callejero, con una madre enferma y huérfano de padre, noble por naturaleza, inteligente, trabajador y hasta enamoradizo. Sentimiento que guarda con celo hacia  su amiga afgana,  Zahara (Shamila Shirzad), a quien protege y ama. Alí es el corazón que hace latir a los hijos del sol y el alma en busca de sus sueños. Le seguimos en cada uno de sus pasos, de sus carreras, de sus pensamientos; en los momentos claustrofóbicos que sufre dentro de los túneles y allá donde nos llevé; pues Roohollah Zamani, lo encarna con absoluta verdad y naturalidad. Una obra que navega entre el drama contenido y la sonrisa que se dibuja en nuestros rostros, de vez en cuando, ante algunas de las situaciones, sobre todo, las más inocentes.

Majidi, en su nueva obra, vuelve a retratar la cruda situación de su país. Una  sociedad que permite la explotación de niños en el trabajo, bajo el pesado manto de la pobreza, las drogas, la falta de un padre por estar preso o en el peor de los casos, por haber muerto. La miseria acampando a sus anchas por cada rincón y quienes más la padecen, los más indefensos, los niños, que tienen que madurar antes de tiempo, siendo privados de una parte importante de sus vidas; la infancia, el cariño y la educación. Nos ofrece también, la situación de los inmigrantes afganos y el deseo de estos de integrarse en la sociedad iraní o de la importancia de la educación escolar, entre otros temas. Por todo lo expuesto, puede parecer que el director busca la lágrima fácil en el espectador, pero no es así, sino el denunciar el lamentable e inadmisible trance por el que pasan millones de niños en el mundo.

De todas las actuaciones destaco al joven Roohollah Zamani y a su compañera Shamila Shirzad, como la temperamental Zahara; pero todas y cada una de las interpretaciones merecen ser subrayadas, pues cumplen sobradamente con sus personajes, positivos y negativos, como es de esperar; con el fin de despertar conciencias.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Mayo

REPARTO: Shamila Shirzad, Ali Nassirian, Mohammad Javad Ezzati, Tannaz Tabatabayi, Safar Mohammadi, Ali Ghabeshi, Roohollah Zamani, Abolfazl Shirzad, Mohammad Mahdi Mousavifar y Mani Ghafouri

PRODUCTORA: Majid Majidi Film Production

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Film.

VITRINE FILMES ESTRENA DOS PELÍCULAS DE TSAI MING-LIANG

Vitrine Filmes estrena dos películas de Tsai Ming-Liang. El clásico restaurado “Goodbye, Dragon Inn” y su última película “Rizi/Days” se proyectarán a partir del viernes 14 de mayo

A partir de este viernes 14 mayo celebraremos el estreno doble de dos películas del maestro de la segunda nueva ola del cine taiwanés Tsai Ming-Liang. Su última película, “Rizi/Days”, y su clásico en versión restaurada “Goodbye, Dragon Inn” se proyectarán en cines, museos, centros culturales y filmotecas de varias ciudades españolas. Siguiendo una estrategia de distribución que permita dar a conocer ante audiencias muy diversas la obra fundamental de uno de los mejores directores en activo del mundo, la distribuidora de reciente constitución en España Vitrine Filmes apuesta por un estreno doble que constituye una declaración de intenciones acerca del tipo de cine internacional contemporáneo que quiere acompañar en su recorrido por salas de todo el país.

Presentar la última película de Tsai Ming-Liang, aclamada por la crítica internacional, junto con la copia en 4K restaurada el año pasado de su clásico filmado en 2003 es una oportunidad única de conocer dos obras fundamentales de su filmografía y un alegato a favor de la importancia de la restauración de películas y su reestreno en salas. La primera proyección de Goodbye, Dragon Inn tendrá lugar el viernes 14 de mayo en Cineteca Madrid; la misma sede acoge el estreno de Rizi/Days el jueves 20 de mayo. Todas las futuras proyecciones, sedes y horarios se pueden consultar en https://vitrinefilmes.com/en-cartelera.

Además, se presentará en varias salas la pieza sonora Evaporación. Condensación. Precipitación, obra comisionada por Vitrine Filmes que ha sido concebida como homenaje al cine de Tsai Ming-Liang, poeta del agua en todas sus manifestaciones posibles. Los cineastas Alfredo Ruiz y Mario Sanz han creado una pieza que se originó entre México y España a través de grabaciones y recreaciones con los sonidos del agua y sus formas de comunicación. Tras la proyección, el agua se cuela por los altavoces para proponer un viaje exclusivamente sonoro que prolonga la experiencia de la película, explorando formas inmersivas de escucha sin imagen y desafiando las convenciones de la sala de cine.

Tsai Ming-Liang

Nacido en Malasia en 1957, Tsai Ming-Liang se mudó a Taiwán a los veinte años. Estrenó su primera película Rebels of the Neon God en la Berlinale en 1992. Su segunda película, Vive L'amour (1994), ganó el León de Oro en el Festival de Venecia, y The River (1996) obtuvo el Premio del Jurado en Berlín,consolidando así su reconocimiento internacional.

Habiéndose convertido en uno de los principales referentes de la segunda nueva ola del cine taiwanés, Tsai trabaja con su cine contemplativo alrededor de los conceptos de la soledad, el cuerpo, el tiempo y el espacio. Sus películas, a menudo ausentes de diálogo y compuestas de tomas lentas y largas, presentan fragmentos de vida en su forma más auténtica, mostrándonos el desamparo de los seres humanos, el deseo y el vacío.

En los últimos años, Tsai ha sido invitado a participar en varias exposiciones y festivales de arte y ha planteado ideas como el “Cine esculpido a mano” y “La eliminación de los procesos industriales de la creación artística”. En 2012, comenzó su serie Slow Walk y desde entonces ha completado ocho películas, proyectadas en festivales de arte y galerías de todo el mundo. De vuelta a Taiwán, promovió activamente el concepto de “El museo como cine” y “La forma intencionada de ver del autor”, introduciendo nuevos modos de ver películas como forma de equilibrar un mercado cinematográfico excesivamente comercializado. También ha presentado sus videoinstalaciones en las bienales de Venecia y Shanghái, y es dramaturgo y director de teatro.

Goodbye, Dragon Inn (Taiwán I 2003 I 83’)

En una noche oscura y húmeda, un histórico y regio cine chino ve su última película. Junto con un pequeño puñado de almas, dicen "Adiós, Dragon Inn”.

Director: Tsai Ming-Liang// Guion: Tsai Ming-Liang// Productor: Liang Hung-chih// Fotografía: Liao Pen-jung// Edición: Cheng Sheng-chang// Sonido:Tu Duu-chih

Rizi/Days (Taiwán I 2020 I 127’)

Kang vive solo en una casa grande. A través de los ventanales, mira hacia los árboles golpeados por el viento y la lluvia. Siente un dolor extraño de origen desconocido que apenas puede soportar y que afecta a todo su cuerpo. Non vive en un pequeño apartamento en Bangkok donde prepara platos tradicionales de su pueblo natal. Cuando Kang se reúne con Non en un cuarto de hotel, ambos comparten su soledad.

Dirección y guion: Tsai Ming-Liang// Fotografía y edición: Chang Jhong-Yuan// Diseño sonoro: Dennis Tsao// Producción: Claude Wang// Producción ejecutiva: Tsai Ming-Liang, Yu Pei-Hua// Sonido directo: Terry Lin, Lee Yu-chih, Minshi Wang//

Evaporación. Condensación. Precipitación. (México, España I 2021 I 7’)

Como una gota de agua, escuchamos un instante sonoro como forma de expresión de la naturaleza: son los sonidos que emite el agua de forma voluntaria para comunicarse.

Autores: Alfredo Ruiz y Mario Sanz// Producción: Vitrine Filmes

Han dicho...

“El meticuloso encuadre de Tsai celebra las acciones silenciosas (triturar un pepino, aceitar un cuerpo) que el cine narrativo suele considerar demasiado prosaicas como para darles importancia. Aquí el minimalismo se manifiesta como un acto político deliberado que nos invita a ver cine. Al hacerlo, Days materializa lentamente la particular visión de Tsai sobre el realismo fílmico”. British Film Institute (BFI).

“Goodbye, Dragon Inn es una carta de amor al cine y también a las salas de cine”. The New York Times.

“No hay ningún director contemporáneo que utilice el tiempo y el espacio con tanto rigor y expresividad como Tsai. Sus películas son a la vez exigentes y gratificantes, y sólo pueden experimentarse realmente en una pantalla grande”. Museum of the Moving Image.

“Goodbye, Dragon Inn es una de las veinticinco películas más bellas del siglo XXI”. Taste of Cinema.

“Days es una obra mayor y bellísima sobre la soledad, el amor y el tiempo (...) Pocas escenas de amor tan intensas, tan calculadas, tan perfectas. Tan desoladoras. De nuevo, Tsai Ming-Liang juega con las ventanas, las puertas y hasta los árboles para encuadrar cada escena como si de un Douglas Sirk existencialista se tratara (...) Un declarado elogio de la lentitud; una invitación hierática, cálida y emocionante a reconocer el olor tibio y dulce de la derrota, de todas las derrotas de Aquiles que también son las nuestras”. El Mundo.

“La última película de Tsai Ming-Liang es otra obra maestra en una de las carreras más extraordinarias del cine contemporáneo”. Rotten Tomatoes.

“Tsai Ming-Liang reinventa con su cine una poética existencial que sigue los pasos de Antonioni, Bresson y el Truffaut más `radical’, donde los toques de camp y la apropiación cinéfila funcionan como reflexiones no solo de los estados de ánimo de sus personajes sino de la materia misma de la que está hecho el discurso cinematográfico”. Filmoteca Española.

“Los pasillos, la cabina de proyección, la taquilla e incluso los baños son, de una manera extraña pero ineludible, una parte del cine. También lo es la pantalla. Me gusta sentarme en la primera fila o cerca de ella, porque mi relación con las imágenes del cine no es únicamente visual o psicológica, sino también física. Goodbye, Dragon Inn consigue esa sensación mejor que cualquier otra película que haya visto”. The New Yorker.

“Days nos propone un pausado y deslumbrante viaje fílmico (...) Esto (y aquí es donde entra la magia del cine de Tsai) solo puede conseguirse dejando pasar el tiempo. La película dura poco más de dos horas, pero es como si se alargara, en un sentido glorioso, durante días”. Otros Cines Europa.

Vitrine Filmes es una compañía distribuidora y productora cinematográfica fundada en 2020 con sede en Donostia-San Sebastián y enfocada en acercar al mercado español una variada selección de cine. El catálogo de la distribuidora se plantea como una combinación de formatos, estilos y temporalidades; y refleja la voluntad de llevar a las salas españolas un panorama del cine de autor internacional contemporáneo pero también de expandir la experiencia cinematográfica con cortometrajes y organizar programas pensando en las películas de patrimonio y su reestreno en salas.

Vitrine Filmes cuenta con diez años de trayectoria en Brasil, donde ha estrenado más de 150 títulos en las carteleras del país, incluyendo lo más destacado del cine brasileño e internacional.

ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre España y Francia, ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS, está dirigida por Igor Legarreta compartiendo guion con Jon Sagalá. “Deje de utilizar mi dolor. Es solo mío”

“Primero estaba la oscuridad. Después llegaron las luces y, con ellas, el miedo”. En el final de la Tercera Guerra Carlista, las monjas de un orfanato refugian a las niñas en un lugar que consideran seguro, pero durante los rezos, una bomba cae en el interior. Al impacto sobrevive una niña (Haizea Carneros) que queda atrapada por una viga de madera. Entre los escombros aparece una figura cubierta por completo, la niña le pide que la ayude, porque no quiere morir, el personaje encapuchado la toma entre sus brazos y se la lleva en medio de la noche a través del bosque, hasta un lugar en el que estará a salvo. La extraña figura resulta ser una mujer (Itziar Ituño), que la promete no abandonarla jamás. 

El guionista y director, Igor Legarreta, se licenció en Artes Audiovisuales por la Universidad del País Vasco. Junto a otros compañeros, dirigió  el cortometraje “Diminutos del calvario” 2001 y con Emilio Pérez Pérez el cortometraje “El gran Zambini” 2005. Debutó en el largometraje con “Cuando dejes de quererme” 2018 y este año, 2021, nos ofrece “Ilargi Guztiak. Todas las lunas”

Cuántas veces hemos cuestionado  la inmortalidad y qué haríamos si estuviera a nuestro alcance. El director Ilargi Guztiak, al respecto de su nuevo film, comentó: “Todas las Lunas es la historia de una condena. La condena de vivir para siempre. Algo que, por definición, implica no vivir” Narrada de forma poética, con ese halo de romanticismo que respiran algunas fábulas, vestida de paisajes intimistas que invitan a la reflexión y a la paz y rodada entre espacios naturales de Guipúzcoa (Mutriku, Gaintza y Zizurkil), Vizcaya (Orozko) y el norte de Navarra (Erratzu, Urbasa, Aldatz y los embalses de Leurtza); Igor nos sumerge entre esos montes, hermosas cascadas, bosques mágicos, caseríos, grutas y bordas; lagos y vegetación de ensueño, plasmados a través de la extraordinaria fotografía en la mirada de Imanol Nabea y acompañada de una bucólica y hechizante banda sonora, en la partitura de Pascal Gaigne. Todas las lunas es un filme para soñar despiertos, rodado íntegramente en euskera.

Una historia de amor, vida, soledad y muerte. Entre supersticiones, exorcismos y miedos, esos miedos que como sombras persiguen al ser humano. Una obra rica en matices y lecturas y entre ellas, una de las más hermosas y dolorosas, a partes iguales. La de una mujer que concede la vida eterna a una niña a cambio de su compañía, porque lo queramos reconocer o no, vivir eternamente puede resultar muy doloroso, viendo como los seres queridos envejecen y mueren, como es ley de vida y a la vez, sentir ese terrible vacío, esa soledad que devora el alma, como un lobo hambriento. Una hermosa historia de maternidad, del deseo de ser madre que fue truncado en el instante en que la vida y la muerte, danzaron juntas y por otro lado esa niña, esa niña vieja, como ella misma se define en un momento determinado, que busca el descanso, tras años vagando. El descanso que le ha sido arrebatado, pues como ella misma cita “Siempre. Siempre es demasiado tiempo”. Una historia vampírica, en donde lo gótico, es sustituido por los parajes rústicos y embrujados de las tierras vascas, junto a dos interpretaciones excepcionales como son las de esa niña encarnada por Haizea Carneros y en el papel de esa madre, Itziar Ituño.

Lo he comentado en algunas ocasiones y me repito una vez más, el cine vasco se nutre de grandes profesionales, no solo delante de las cámaras, sino detrás de las mismas, como firma inequívoca de su rica filmografía. Nombres que se escriben con mayúscula, pues sus trabajos han sido reconocidos y premiados en diversos festivales. Entre ellos mencionaré a Laurent Dufreche en el montaje, Miquel Serrano en la dirección artística, Alazne Ameztoy como responsable del sonido, Leire Orella en el vestuario o Lola López e Itziar Arrieta a cargo del Maquillaje y Peluquería, por nombrar a algunos; en representación de todos  los que han colaborado en este drama de otros tiempos. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Mayo

REPARTO: Haizea Carneros, Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Josean Bengoetxea, Lier Quesada y Elena Uritz

PRODUCTORA: Arcadia Motion Pictures// Kowalski Films// Noodles Production// Pris & Batty Films// ETB // Pris and Batty// TVE // Vodafone.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

"LA VIDA ES UN ROMANCE" EL ESPECTÁCULO DE MARÍA JUNCAL

RECORD-TIME nos informa que MARÍA JUNCAL estrena su espectáculo “LA VIDA ES UN ROMANCE”

MARÍA JUNCAL, estrenará el próximo 21 de Mayo en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid su último espectáculo “LA VIDA ES UN ROMANCE” que estará en cartel todos los viernes, sábados y domingos, hasta el 4 de julio.

“La Vida es un romance” es un espectáculo luminoso y optimista; un cancionero sobre «el encargo de vivir» en el que recupera la tradición de «contar historias de persona a persona», un romancero sobre el camino. En palabras de María Juncal “La Vida es un Romance es un cancionero. Reunidos alrededor de un fuego, de una mesa, de una plaza....  alguien llegaba con su romancero y con sus vivencias nos hacía viajar”. 

María Juncal aprendió que si quería seguir un camino propio, la ruta estaba en hacerse valer en solitario, con todo lo que ello implica. Es su propia productora y coreógrafa y a través de su arte, es un claro ejemplo del empoderamiento de la mujer en el marco de una de las disciplinas que siempre han estado marcadas por un entono mayoritario de  hombres. Y afirma “Ser Artista es una responsabilidad primero con unos mismo. Yo siempre me pregunto qué significa exactamente ser Artista. Hasta ahora solo puedo concluir que es vivir y entregarte a lo que amas sin límites y sin miedo a nuestras debilidades y a nuestras fortalezas. Sin miedo a ser consecuente. Cuando el escenario se va, se va mi corazón...” 

SINOPSIS: La vida es un romance, el cancionero de un caminante que halla hallando, vive viviendo, siente sintiendo y cierra los ojos para ver!
Componer un romance, hacer rimar las palabras, hacer rimar los sonidos, los corazones.

Qué encargo maravilloso el de vivir. En nuestras manos las letras que de una forman dicen todo y de otra no significa nada…

La vida es un Romance, el cancionero de un caminante que no siempre avanza, pero nunca deja de andar.

Así la canción del despertar y el amor, la del primer adiós, la de la soledad, la del ayer, la del miedo, la del cielo y la de la mujer.

EL ESPECTÁCULO

El espectáculo está dividido en cuatro canciones, cuatro expresiones distintas en cuatro momentos diferentes la vida: “La canción de la piel sin mácula”, “La canción del caminante”, “La canción del agua” y “La vida es un romance”.

Todos con un hilo conductor que no es otro que mostrar al espectador un espejo sobre las emociones que confeccionan el relato de una vida. Todo desde esa esencia de baile que distingue a María Juncal como una artista inclasificable.

La bailaora canaria ha contado con la dirección artística de Ángel Rojas, y el asesoramiento coreográfico de Jesús Carmona. Sobre textos de Jesús Corbacho, la música es de Óscar Lago con la colaboración de Ricky Rivera en “La piel sin mácula”; acompañan a María Juncal el propio Oscar Lago en la guitarra, Javier Teruel en la percusión y los cantaores Juan Triviño, Jonatan Reyes y Jesús Corbacho. El vestuario es de María Lafuente, la iluminación de Ángel Rojas y la escenografía de Paulina Ramos.

Un talentosísimo equipo que hacen que este espectáculo sea pura magia, belleza y sentimiento; y María Juncal, la esencia misma del arte.

MARIA JUNCAL

María Juncal, nacida en Las Palmas de Gran Canaria. Considerada uno de los exponentes del Baile Flamenco de este Siglo, representa la continuación de una de las familias que han escrito páginas en la historia del este Arte, los Borrull. Es con una de sus tías abuelas, Trini Borrull, que inicia sus estudios de danza española en las islas para luego continuar su formación especializada de Flamenco en la prestigiosa escuela Amor De Dios en Madrid. Sus maestros: Ciro, Merche Esmeralda, Guito, Manolete, La Tati, Cristobal Reyes, entre otros.

Se ha hecho acreedora de distintos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera:

Premio Nacional de Danza en Córdoba “Antonio Gades”

Primer Premio Danza Flamenca del Cante de Las MInas “Trofeo desplante”

Primer Premio de Coreografía del Teatro Albéniz

Mención de Honor de Gran Teatro de La Habana.

Premio “Best of de vest” por su espectáculo “El Encierro de Anne Frank”, entre otros

Distintos los espectáculos que la han llevado a los Teatros del mundo

“Destemplao”

“Tercera Llamada”

“Quimera”

“El encierro de Anne Frank”

“Flamenco Natural”

“Fantasía Flamenca”

Su obra más reciente estrenada en Agosto de 2019 “La vida es un Romance”

Colabora activamente con el proyecto comunitario “A Compás flamenco” en Cuba, siendo esta labor reconocida con el premio “Excelencia del Arte” por el apoyo al desarrollo de la cultura en los barios desfavorecidos de La Habana.

Asimismo colabora con la Fundación CONFE para personas discapacitadas.

Imparte cursos de Flamenco internacionalmente así como en la escuela Amor De Dios, la más destacada institución representativa de la enseñanza en este Arte

GHOSTS: CRÍTICA DE CINE

 

GHOSTS está escrita y dirigida por Azra Deniz Okyay. “Nueva vida. Nueva Turquía. Nueva residencia”

El 26 de octubre del 2020, Estambul se convierte en una zona de guerra, tras provocarse un apagón en el país que ha ocasionado el caos en la ciudad, desatándose la violencia y los disturbios. En medio de la noche, una mujer recoge a una joven en coche y tras ordenarla que se ponga un pañuelo a la cabeza, se internan entre sus calles, con una misión.

Unas horas antes al apagón, tres mujeres: Didem, una joven aficionada al baile (Dilayda Günes), es despedida de su puesto por estar bailando, mientras trabaja. Iffet (Nalan Kuruçim), es una madre cuyo hijo, Asil, amigo de Didem, está en la cárcel y necesita urgentemente dinero, para que  no tenga problemas con los presos y Ela (Beril Kayar), una activista feminista buscando  justicia para las mujeres; cruzarán sus caminos.

La fotógrafa y directora, Azra Deniz Okyay, Tras terminar la escuela secundaria en el Lycee Francais Pierre Loti de Estambul, se afincó en París para estudiar Cine en la Universidad Sorbonne Nouvelle donde se licenció con una maestría. Con tan solo 12 años se inició en la fotografía y con 14 trabajó como asistente  de la fotógrafa Dora Gunel. Tras terminar sus estudios trabajó en la productora Partizan de Michel Gondry. En el año 2010 regresa a Turquía convirtiéndose en la primera directora de Depo, una productora de publicidad de Estambul. Realiza diversos cortometrajes y videoclip musicales. Entre los cortometrajes encontramos “La Clowne” 2006, “Little Black Fisher” 2013 y  “Sulukule Mon Amour” 2016. En 2020 debuta en el largometraje con “Ghosts”

Rodada en dos formatos diferentes, Ghosts, recorre las calles de Estambul durante un día a través de la mirada de su directora Azra Deniz Okyay y acompaña de sus protagonistas principales, cada una de ellas representando un rol diferente en sus vidas, en el día a día de una ciudad que va mudando lentamente, rodeada de miseria y deseos de cambios, cambios en su estado urbanístico, pero no en el pensamiento de algunos, como los caciques y especuladores; entre esos edificios en ruinas bajo la idea de construir una nueva Turquía. Un día que comienza con apagones de luz intermitentes y que al llegar la noche, toda la ciudad se vuelve un caos, cuando el apagón es absoluto.

Una obra dura y tensa en la que se nos muestra la pobreza, el machismo, las creencias religiosas, el activismo feminista en busca de justicia para las mujeres, los delatores entre los propios vecinos hacia la policía, el tráfico de drogas, las fiestas clandestinas en las que se reúnen los jóvenes y los gays; los pisos patera, cobrando un alquiler no por una habitación, sino por camas, en donde los inquilinos viven sobre ellas, sin más espacio para disfrutar; la rebeldía de la juventud que sueña con un mundo más moderno, en donde no se les prohíba bailar o vestir como desean, sin tener que ser amonestados e insultados. En definitiva, un día cualquiera en la vida de un barrio, entre los chavales que juegan al balón, los adolescentes persiguiendo sus sueños y los adultos que buscan la forma de sobrevivir y luchar ante las adversidades. 

Azra nos narra esta historia escrita por ella misma, fragmentada a través de saltos temporales acaecidos en el mismo día, para, mediante la repetición de imágenes,  incidir en lo que ella desea legar como testimonio y a la vez cale, en la mente del espectador. “Toda acción conlleva a una reacción” y será en el último tramo de la historia, en esa noche sin electricidad que veíamos al comienzo, donde se resuelva cada uno de los temas que se nos han ido mostrando, aunque la directora no haya profundizado lo suficiente en ellos.

Además de la correcta dirección general que se nos brinda, con unas potentes y naturales interpretaciones, hay que destacar la fotografía de Baris Ozbicer, favorecida por una cuidada iluminación, pues la gran mayoría del filme está bajo los “focos” de linternas, faros, móviles, luces de colores o farolas, que acompañan a los personajes; logrando que percibamos la tensión, la asfixia y la claustrofobia, que se vive en esa ciudad, en ese lugar del mundo que Azra Deniz Okyay, nos presenta con absoluta honestidad. 

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Mayo

REPARTO: Dilayda Günes, Beril Kayar, Nalan Kuruçim y Emrah Ozdemir

PRODUCTORA: Heimatlos Films// MPM Film

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: ConUnPack Distribución.

LA PRODUCTORA DE FICCIÓN "CATTLEYA PRODUCCIONES" LLEGA A ESPAÑA

MARIÉN PINIÉS y MP COMUNICACIÓN &PR nos informa que LA PRODUCTORA ITALIANA CATTELEYA E ITV STUDIOS lanzan en España LA PRODUCTORA DE FICCIÓN “CATTLEYA  PRODUCCIONES”

Arturo Díaz, reconocido ejecutivo y productor de televisión, nombrado director general.

Cattleya, productora líder italiana perteneciente a ITV Studios, crea una nueva productora en España, Cattleya Producciones. Será la primera productora de ficción de ITV Studios en España y se especializará en la creación y producción de series y películas de ficción para España y el mercado internacional.

Con sede en Madrid, la nueva empresa estará dirigida por Arturo Díaz, recientemente nombrado director general. Díaz, que cuenta con una dilatada trayectoria en la industria audiovisual, se incorpora desde Netflix donde ha ocupado el cargo de director de contenidos originales enfocado en España y Latinoamérica en los últimos casi cinco años, período en el que ha trabajado en proyectos como Las Chicas del Cable, Élite y Memorias de Idhún en España, Club de Cuervos, Diablero y el relanzamiento de Rebelde en México, y El Robo del Siglo y Frontera Verde en Colombia, entre otros.

Arturo Díaz será el encargado de crear el catálogo de contenidos premium y de relevancia global para Cattleya Producciones. Antes de su paso por Netflix, Díaz fue responsable de contenidos en Dynamo Producciones, productor en Sangre Films y ejecutivo de desarrollo en NBCUniversal Media.

Cattleya Producciones estará supervisada por el fundador y codirector ejecutivo de Cattleya, Riccardo Tozzi, junto a Giovanni Stabilini y Marco Chimenz, ambos también codirectores ejecutivos de la compañía, y  por Lisa Perrin, directora general de producción internacional de ITV Studios. ITV Studios se encargará de distribuir todas sus series de ficción a nivel internacional. 

Con la creación de Cattleya Producciones, último paso en la ambiciosa expansión de su negocio internacional de contenidos de ficción, ITV Studios se propone satisfacer la creciente demanda de ficción europea premium en España y a nivel mundial. 

En palabras de Arturo Díaz: “Es muy emocionante seguir participando en la expansión de contenidos en español para una audiencia global y explorar nuevas vías y oportunidades para que el talento de habla hispana trabaje en series y películas que impacten en España, América Latina y el resto del mundo. Y es fantástico tener a ITV Studios y a Cattleya como compañeros de viaje, que con su amplio historial de proyectos de éxito y su red de contactos, ofrece a los creadores más herramientas y oportunidades para seguir contando historias.”

Riccardo Tozzi, fundador de Cattleya, añade: “España, de hecho todo el mundo de habla hispana, es enormemente rico en talento creativo. A lo largo de los años hemos coproducido muchas películas con socios españoles y hemos tenido el placer de trabajar con algunas de sus grandes estrellas como Penélope Cruz, Victoria Abril o Aitana Sánchez-Gjión. Recientemente, rodamos parte de Gomorrah en España, por no hablar de ZeroZeroZero, que se filmó en gran parte en México, y trabajar en estos territorios ha enriquecido artísticamente nuestras producciones. La oportunidad que  brinda ITV Studios a Cattleya para  trabajar en producciones españolas es un sueño hecho realidad para nosotros. También somos muy afortunados de tener a Arturo Díaz como director general para guiar a Cattleya Producciones en este mercado dinámico, pero también muy competitivo”.

Lisa Perrin, directora general de producción internacional de ITV Studios, ha comentado: “Desde hace mucho tiempo ITV Studios ambiciona trabajar en el mercado español de contenidos de ficción. España es conocida por su creatividad y narrativa. No hay nada mejor que lanzar esta productora, Cattleya Producciones, con un equipo de ensueño: Cattleya y Arturo, y estoy deseando trabajar en nuevos y emocionantes proyectos con ellos”.

Cattleya Producciones tendrá gestión local y contará con el apoyo de ITV Studios y la italiana Cattleya. Algunos éxitos mundiales recientes de Cattleya incluyen: la innovadora serie italiana y de éxito internacional de Sky Gomorrah; Suburra, la primera serie original italiana de Netflix, que narra las incómodas alianzas entre miembros del crimen organizado, políticos y poderosos del Vaticano; ZeroZeroZero, el drama sobre el comercio de cocaína aclamado por la crítica de Sky, Canal + y Amazon Prime; y Petra, basada en las populares novelas de la española Alicia Giménez-Bartlett, que fue la serie italiana mejor valorada en Sky Original de los últimos años. También forma parte del grupo Think Cattleya, líder italiano en producción publicitaria, que ha realizado algunos de los anuncios más prestigiosos de la última década, trabajando con directores de renombre como Sam Mendes, Frank Miller, Matteo Garrone y Stefano Sollima.

Cattleya Producciones se une al exclusivo grupo de productoras europeas que forman parte del grupo de producción y distribución ITV Studios, que incluyen la productora de ficción Cattleya en Italia (Gomorrah, Suburra, ZeroZeroZero), Apple Tree Productions en Dinamarca (Equinox, Blackwater), Tetra Media Studio France (Balthazar, Paris Police 1900), World Productions (Bodyguard, Line of Duty, The Pembrokeshire Murders) y Mammoth Screen en el Reino Unido (The Serpent, Poldark). 

ITV Studios crea, produce y distribuye programas líderes en el mundo, de los que siempre dejan a la gente con ganas de más. Conectamos cada día con millones de personas, configurando y reflejando el mundo en el que viven. Somos “Más que Televisión”.

ITV Studios reúne a algunas de las mentes creativas más destacadas y elabora más de 8.400 horas de programación original bajo 55 sellos de producción. Nuestra presencia mundial abarca 13 países, incluidos el Reino Unido, EE. UU., Australia, Francia, España, Alemania, los países nórdicos, Italia y los Países Bajos, y nuestra división de distribución internacional se ocupa de vender nuestro catálogo de más de 46.000 horas a cadenas y plataformas de todo el mundo.

ITV Studios es parte de ITV PLC, que engloba además la mayor cadena comercial de Reino Unido. 

Cattleya es uno de los principales productores independientes de cine y televisión de Italia, ha realizado más de 70 películas de ficción para cine y numerosas series de televisión. En los últimos años, Cattleya se ha centrado principalmente en la producción de un catálogo de ficción para televisión, desarrollando proyectos tanto para el mercado nacional como para el internacional. Series como Gomorrah y Romanzo Criminale, aplaudidas tanto por el público como por la crítica, han colocado a Cattleya entre el escalón más alto de los productores europeos, lo que le ha permitido crear programas de renombre internacional como Suburra, ZeroZeroZero, Summertime y Romulus. En 2017, ITV Studios, la empresa de producción y distribución más grande del Reino Unido, adquirió una participación mayoritaria en Cattleya.

VALHALLA RISING: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Dinamarca y el Reino Unido, VALHALLA RISING, está dirigida por Nicolas Winding Refn compartiendo guion con Roy Jacobsen.

Nos encontramos en plena Edad Media, One Eye (Mads Mikkelsen) es un guerrero con una extraordinaria fuerza que se encuentra secuestrado por el jefe de una tribu, Barde (Alexander Morton). De vez en cuando le sacan de la jaula de madera enfrentándolo a otros guerreros, tras darles muerte de forma violenta, One Eye, regresa a su lugar, siempre en silencio. Un joven esclavo de nombre Are (Maarten Stevenson) es el encargado de llevarle comida. Un día, One Eye, logra escaparse gracias a la punta de una flecha que encuentra en el fondo del río, mientras se baña, y decide llevarse con él al joven Are; emprendiendo un extraño viaje entre el misticismo y la violencia extrema.

El director, guionista y productor danés de cine y televisión, Nicolas Winding Refn, de familia cinéfila, se mudó a Nueva York con tan solo ocho años hasta cumplir los diecisiete, regresando a Dinamarca para completar sus estudios. Una vez finalizados, volvió a Nueva York, matriculándose en la American Academy of Dramatic Arts, de la que fue expulsado e ingresando en la Danish Film School, en donde tampoco terminó la carrera. A los 26 años rodó su primer largometraje “Pusher: Un paseo por el abismo” 1996 continuando con “Fuera de sí” 1999 (Mejor película Festival de Sarajevo), “Fear X” 2003, “Con las manos ensangrentadas (Pusher II) 2004, “Soy el ángel de la muerte (Pusher III) 2005, “Bronson” 2008,  “Valhalla Rising” 2009,  “Drive” 2011(Mejor director Festival de Cannes entre otras nominaciones internacionales), “Solo Dios perdona” 2013 (Mejor fotografía Festival de Sitges) y “The Neon Demon” 2016 (Premio de la crítica Festival de Sitges). Ha dirigido el video clip “Bleeder: Psycho Power” 1997, los cortometrajes “Gucci Première” 2012 y “Hennessy X.O: Odyssey” 2016; telefilmes como “Miss Marple: Hacia cero”  y “Miss Marple: Némesis” 2007 y la serie “Demasiado viejo para morir joven” 2019.

Con la frase: “Al principio solo estaba el hombre y la naturaleza”, comienza este filme dividido en seis capítulos: 1.- Ira, 2.- El guerrero mudo, 3.- Hombres de Dios, 4.- Tierra Santa, 5.- Infierno y 6.- Sacrificio. Nicolas, se toma al pie de la letra la frase, pues será el hombre, varón y salvaje, quien ocupe los territorios naturales que nos presenta en su historia. Una extraña narración con dos partes bien diferenciadas, la primera en la cual predominan las altas escenas de violencia y muerte, y la segunda, cuando a bordo de la nave se ven en medio de una espesa niebla, surgiendo los miedos, las supersticiones y desatándose la locura, ante la falta de lo más esencial, la comida y la bebida o el sentirse perdidos, en medio del mar. Un viaje, en entornos naturales y vírgenes, donde  sin duda, al espectador más curtido en este cine oscuro, naturalista y de épocas de reconquistas, le asaltarán los recuerdos de otras obras emblemáticas y tan densas como esta. 

Si algo tiene Valhalla Rising, es la facultad de apoderarse de tu mente, atrapándote y encadenándote a la butaca, con el deseo de que acompañes al joven Are y al guerrero tuerto, en su tortuoso viaje. Dos magníficas interpretaciones en donde Mads Mikkelsen nos vuelve a sorprender con un personaje, duro, despiadado e incapaz de mostrar la menor mueca de compasión, salvo en raras ocasiones hacia el joven Are, al que ha decidido proteger, desde el momento en que se unió a él. Esos ligeros destellos de ternura delatan su humanidad, aunque pasen tan fugaces como algunas estrellas.

El filme forma parte de ese cine experimental que cada determinado tiempo visita la gran pantalla. En esta ocasión lo hizo en 2009, año en el que se estrenó y regresa ahora, para volver a dividir a los espectadores y a la crítica por igual, pues no siempre se está en el momento más idóneo para un visionado de estas características, e intentar comprender lo que el autor nos ha querido transmitir. Sea como sea, Valhalla Rissing es un filme inmersivo, de gran belleza visual, expuesta a través de la espléndida fotografía de Morten Søborg a quien acompaña Peter Kyed y Peter Peter con la extraordinaria banda sonora.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Mayo.

REPARTO: Mads Mikkelsen, Gary Lewis, Maarten Stevenson, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell y Douglas Russell.

PRODUCTORA: La Belle Allee Productions// NWR Film Productions// Nimbus Film Productions// One Eye Production// Savalas Audio Post-Production// BBC Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

HBO MAX COMIENZA CON LA PRODUCCIÓN DE LA SERIE ORIGINAL "¡GARCÍA!"

MADAVENUE PR., nos informa que HBO MAX arranca la producción de su nueva serie original, ¡GARCÍA!

Antes de su llegada a Europa en la segunda mitad de este año, HBO Max anuncia el inicio de la producción de su nueva serie original ¡GARCÍA!, basada en la novela gráfica de Santiago García y Luis Bustos, publicada por Astiberri Ediciones.

Ambientada en una hipotética España actual, en un país dividido y al borde del caos político, la serie está protagonizada por Antonia (Veki Velilla), una joven periodista de investigación que tropieza por casualidad con una conspiración urdida hace décadas: la existencia de un superagente criogenizado, García (Francisco Ortiz), creado en un laboratorio en los años 50 por los servicios secretos del general Franco. Un soldado perfecto con una fuerza sobre humana y programado para obedecer órdenes sin cuestionarlas al que Antonia acaba de despertar después de seis décadas congelado. García se siente desorientado y confuso en una España que encuentra completamente cambiada. El viejo mundo choca con el actual mientras García y Antonia aprender a trabajar juntos al verse involucrados en una conspiración política que amenaza con acabar con la democracia en favor de una nueva y brutal dictadura.

Además de Francisco Ortiz y Veki Velilla, el reparto también cuenta con actores como Emilio Gutiérrez Caba, Francisco Reyes, Daniel Freire, Nico Romero, Helio Pedregal, Mario Pardo, Miki Molina, Marina Gatell, Pepe Ocio y Silvia Abascal.

“Cuando leí el primer episodio de ¡GARCÍA!, disfruté muchísimo al identificar en sus ingredientes tantos elementos que siempre me han gustado, pero fue la frescura que emanaba la combinación de los referentes y la sensación de no haber leído algo así antes lo que me conquistó por completo. Poder jugar con un material tan original, con un universo tan rico y unos personajes que nunca dejan de crecer mientras intentan darle sentido a los constantes giros y revelaciones que encierra la trama, es un gran reto técnico y artístico. Y un enorme privilegio”, relata el director Eugenio Mira.

“¡GARCÍA! es un proyecto con una enorme ambición narrativa y visual. Está diseñado hasta el mínimo detalle para ser una serie divertida, llena de acción y aventuras, respetando a veces la tradición del género y reventándola otras. Con ¡GARCÍA! vamos a disfrutar de una historia llena de sorpresas en la que veremos que en nuestro país han cambiado muchas cosas a lo largo de las décadas, pero otras no se han movido en absoluto”, explica Miguel Salvat, productor ejecutivo de la serie.

En palabras de Antonio Asensio, presidente de Zeta Studios: “¡GARCÍA! es sin duda una de nuestras grandes apuestas. Un proyecto muy ambicioso que supone un importante reto a nivel de producción y que nos hace una gran ilusión comenzar a hacer realidad. Estamos seguros de que hacerlo junto a HBO, una de las compañías más importantes y de referencia en el sector, supondrá el inicio de una fructífera etapa de colaboración juntos.” 

Miguel Salvat, Steve Matthews y Antony Root son los productores ejecutivos de la serie. Los Max Originals, encargados en Europa, están producidos por la división WarnerMedia Original Programming liderada por Antony Root. Los servicios de producción corren a cargo de García La Serie, S.L., una compañía subsidiaria de Zeta Studios, para WarnerMedia.

Sobre HBO Max

HBO Max®es la plataforma D2C de WarnerMedia con una oferta del mejor entretenimiento de calidad. HBO Max ofrece una espectacular colección de narrativas para todas las audiencias bajo el sello de marcas icónicas como HBO, Warner Bros., DC, Cartoon Networks, Adult Swim, Turner Classic Movies y mucho más. La plataforma de streaming se lanzó en Estados Unidos el pasado mes de mayo de 2020. A lo largo de este año llegará a América Latina y como actualización de los servicios existentes de HBO en Europa (en los Países Nórdicos, España, Centro Europa, los Países Bálticos y Portugal).

Sobre WarnerMedia 

WarneMedia es una compañía líder de medios y entretenimiento que crea y distribuye contenido premium y popular firmado por un diverso grupo de creadores y periodistas, dirigido a una audiencia global a través de sus marcas de consumo: HBO, HBO Max, Warner Bros., TNT, TBS, truTV, CNN, DC, New Line, Cartoon Network, Adult Swin, Turner Classic Movies y otras. La compañía también posee la suite Xandr's para soluciones avanzadas de publicidad, diseñada para ayudar a mejorar en sus campañas a marcas, editores y consumidores. WarnerMedia es parte de AT&T Inc. (NYSE:T)

Sobre Zeta Studios

ZETA STUDIOS nace con el objetivo de diseñar, crear y producir contenido de ficción para las principales plataformas y mercados de distribución y exhibición de contenidos. Nuestras áreas de desarrollo y producción propia encauzan las inversiones dirigidas a proyectos audiovisuales con garantías de éxito, participando en todas las fases de gestión del proyecto. Zeta Studios cuenta con un amplio equipo multidisciplinar de profesionales especializados en la industria del entretenimiento que está presente desde la concepción de una idea hasta la exhibición del resultado. Nuestra experiencia abarca tanto largometrajes de ficción como documentales, series de televisión y programas de entretenimiento. Entre los proyectos más recientes destaca la producción de las series Élite y El vecino ambas para Netflix y Reyes de la Noche para Movistar.