La Herida (The Wound), el filme de John Trengove, con
guion compartido con Malusi Bengu y Thando Mggolozana. Tan dura
como honesta.
La historia nos lleva a Sudáfrica, a
una zona ocupada por la tribu Xhosa, un pueblo nativo donde las tradiciones
ancestrales continúan muy arraigadas entre los habitantes. Xolani (Nakhane
Touré) es un trabajador soltero, que cada año participa como tutor en la
iniciación de los nuevos jóvenes que quieren ser reconocidos como hombres. Un ritual que
comienza con la circuncisión y el pasar unos días en medio de la naturaleza.
Uno de los nuevos iniciados es Kwanda (Niza Jay Ncoyini), proviene de
una familia acomodada y pronto será la diana de las burlas de los demás iniciados.
Entre los tutore está el mejor amigo
de Xolani, Vija (Bongile Mantsai), aunque Kwanda descubrirá que Xolani lo
considera más que un amigo, pues está enamorado de él.
Lo
mejor, sin la menor duda, es la fusión que se crea entre los paisajes naturales
y sus personajes. Entre los diálogos que parecen ser llevados por el viento y
escondidos entre los árboles para no ser aún desvelados a la sociedad que les
rodea, pero sí al espectador y al mundo como grito desesperado de libertad
contenida. Entre la desnudez natural de sus personajes cubiertos de pintura
blanca, mantas como única prenda de abrigo y la verdad oculta de algunos de
ellos, para no sentir el rechazo de un colectivo que su sociedad repudia, como
es la homosexualidad.
Un duro y sólido ejercicio de una
realidad que duele, por la credibilidad ofrecida por sus tres personajes
principales y dondeTrengove busca
impactar en las mentes de un país, Sudáfrica, aun confuertes contrastes, choques y conflictos
sociales, que aquí serán ofrecidos por sus actores, sus personajes y el entorno
que recrea, para crear una fuerte denuncia social.
De nuevo estamos ante uno de esos
filmes, que se dice más con las miradas, los gestos, las expresiones
corporales, que las propias palabras, aunque estas sean precisas cuando son
pronunciadas. La falta de adornos innecesarios deja al descubierto, por una
parte, la calidad de las interpretaciones, desde sus tres personajes
principales, hasta el último de los secundarios, y por otra, la narración que
nos brinda John Trengove, quien con cámara al hombro, nos retrata un entorno al
más puro estilo documental, a través de la magnífica fotografía de Paul
Ozgur.
Un filme de denuncia, como he
comentado antes, delicadamente dirigido, exquisitamente montado y el cual considero
de obligada visión como reflejo de una parte más de nuestra sociedad. No es una película más sobre la
homosexualidad, es una visión tan dolorosamente desgarradora, sincera y real,
que apasiona.
Recomendable
para un público maduro.
Mi nota es: 8
ESTRENO en ESPAÑA: 15 de DICIEMBRE
REPARTO:
Nakhane Touré, Bongile Mantsai, Niza Jay Ncoyini, Thobani Mseleni, Gamelihle Bovana,
Halalisani Bradley Cebekhulu, Inga Qwede, Sibabalwe Ngqayana.
PRODUCTORA:
Coproducción Sudáfricana – Alemania - Países Bajos (Holanda) – Francia/ Riva
Filmproduktion/ Das Kleine Fernsehspiel/ ZDF/ Arte.
El
gran desmadre, comedia navideña con tintes de drama, bajo guion y dirección de, Scott Moore y Jon Lucas
(Resacón en las Vegas)
Falta unos días para llegar la Navidad
y en las casas de Amy (Mila Kunis),
Kiki (Kristen Bell) y Carla (Kathryn Hahn) han comenzado los
preparativos, lo que ignoran, es que las tres recibirán la visita de sus respectivas madres. La
de Amy, Ruth (Christine Baranski) Millonaria controladora y obsesiva por
la perfección. La de Kiki, Sandy (CherylHines) busca estar tan cerca de su única hija, que hasta lleva en sus
prendas de vestir, la imagen de ella. Y la de Carla, Isis (Susan Sarandon),
Jugadora, bebedora y vividora.
Las navidades que ellas
tienen planeadas, no se parecerán en nada a las que tienen previstas sus
madres, como las navidades perfectas, pues aparentemente no valoran la vida ni la
forma de comportarse de sus hijas. ¿Quién ganará la partida en este
enfrentamiento madres e hijas? ¿Dónde está el equilibrio para ser una buena madre?
Scott Moore y Jon Lucas, se ponen al frente con la secuela de “Malas
Madres” donde si bien logran acertar en la dirección; en cuanto al guion, cometen fallos
de principiantes. En esta ocasión han recurridoa las madres de las tres amigas, tres madres/abuelas muy diferentes con
métodos muy distintos de celebrar la Navidad. Lo que podría haber sido una comedia
desmadrada y disparatada al más puro estilo norteamericano, por momentos la historia de
madres e hijas se convierte en drama, debido a las diferencias de pensar entre las
unas y las otras, entre esas madres del
pasado y las modernas. La sobreprotección, el miedo a la soledad, el no desear romper
el cordón umbilical de forma definitiva, el ego personal, la lucha entre madres
y abuelas hacia los hijos/nietos, las diferencias de posiciones sociales y el
no hablar cuando se debería haber hecho, serán temas que envolverán a esta
obra, entre el drama y la comedia, entre los sentimientos a flor de piel por
una partey el desparrame de situaciones
cómicas, desenfrenadas e irónicas, por la otra.
Lo que sí deseo destacar para finalizar, porque
sobre los aspectos técnicos y visuales nada que objetar, ya que está cuidado al milímetro, es el elenco actoral. Un acertado
casting donde cada una defiende a su personaje, con la personalidad que se les
ha conferido, y digo cada una y no todos, por estar ante un filme creado para
lucimiento de sus actrices, pues los personajes masculinos se limitan a seguir
sus locuras, excentricidades o vivencias sentimentales.
Con el gran desmadre, volvemos a estar
ante una película clásica para estas fiestas que se nos vienen encima y que tienen un público muy fiel. Un filme
para disfrutar en compañía con las golosinas, palomitas y refrescos al gusto de
cada uno.
Mi
nota es: 6
Para amantes de las comedias navideñas.
ESTRENO
en ESPAÑA: 8 de Diciembre
REPARTO:
Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Susan Sarandon, Justin Hartley, Oona
Laurence, Emjay Anthony, Cade Mansfield Cooksey, CherylHines, Christine Baranski, David Walton, Jay
Hernandez, Peter Gallagher, Wanda Sykes, Joey Thurmond, Lyle Brocato, Patti
Schellhaas, Terayle Hill, Patrick R. Walker, Keith Hudson, Airana Greenblatt.
EL Vacío
cuenta con guion y dirección de Steven Kostanski y Jeremy Gillespie en una obra
de terror con cierto aire vintage y místico.
Una noche un policía se encuentra con
un hombre herido en medio de la nada y decide trasladarlo a un pequeño
hospital, que cuenta con las mínimas existencias, ya que pronto cerrará. Mientras
atienden al herido, el agente se sorprende al ver por una de las ventanas, las
figuras de extraños seres encapuchados y vestidos de blanco. Decide que nadie
salga del hospital durante la noche y así estar protegidos, pero en realidad el
mal ya está dentro, para crear las peores pesadillas, mientras una extraña
criatura, va creciendo en los sótanos.
Película de ese subgénero B con mayúscula que en esta ocasión es con minúscula, de bajo presupuesto y exclusivamente para fans. Ofrece altas
dosis de sangre, vísceras y otros elementos no identificados entre las
siniestras luces y las múltiples imágenes ininteligibles, pues hasta la
fotografía de Sammy Inayeh, resulta
caótica, vulgar, esperpéntica y mal iluminada. Solo se puede salvar, siendo muy
generoso, los primeros 20 minutos.
Lo de si es una dirección aceptable o
no, lo dejo a gusto de los consumidores de este subgénero, pero lo que sí tengo
claro, es lo relacionado al guion, muy claro. No existe. Los pocos diálogos y
los muchos gritos, demasiados gritos en ocasiones sin saber de dónde proceden y
de que garganta salen. Todo parece haber surgido durante una noche entre
truenos y relámpagos, con alguna que otra dosis de alcohol y sustancias
psicotrópicas. Es la única forma de intentar
comprender tal despropósito y la manera delicada de decir que es una pena que
alguien gaste el tiempo y el dinero en hacer una película tan sumamente fuera
de tiempo. Sí, fuera de tiempo, porque además de ser patética, este tipo de
películas era aceptable en los 70 e incluso si me apuran mucho en los 80, pero
señores, por favor, que estamos en pleno siglo XXI y es tiempo de madurar,
avanzar y sobre todo, desarrollar ideas novedosas, que con cuatro euros, algunos
creadores ya lo han demostrado. El cine de terror, merece un respeto.
Antes de terminar, porque no merece
hablar de nada más, ya que todo sería para exponer lo que nunca se debió hacer,
decir que hay un punto, solo un punto que me pareció elogiable. En tiempos
donde la guerra por presentar en un filme lo último en efectos visuales, Steven
y Jeremy siguen siendo fieles al producto artesanal, aunque desgraciadamente se pierdan en el sin sentido.
No hay nota, no hay recomendación,
porque sinceramente no sé de nadie que podría disfrutar con esta burla al género de terror, por muy B que sea.
ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Diciembre.
REPARTO: Ellen Wong, Katheleen Munroe, Aaron Poole,
Kenneth Welsh, Art Hindle, Daniel Fathers, Stephanie Belding, Amy Groening,
Trish Rainone, Evan Stern, Mik Byskov, James Millington, Grace Munro, David
Scott, Jason Detheridge.
PRODUCTORA:
Cave Painting Pictures/ JoBro Productions, Film Finance.
Llegando
a cierta edad, en ocasiones es importante hacer las paces con el pasado, para
vivir plácidos el presente y mirar sonriendo hacia el futuro. Este podría ser
uno de los mensajes de: El Sentido de un Final dirigida por el indio, Ritesh Batra.
Tony
Webster (Jim Broadbent), es un
hombre que vive, aparentemente, tranquilo tras su jubilación y divorcio.
Regenta una pequeña tienda de cámaras de fotos y acompaña a su hija a las
clases de maternidad.
Un
día recibe una carta certificada, en la cual le comunican que la madre de
Verónica (Freya Mavor) su novia de
juventud, ha muerto y le ha dejado en su testamento un diario que guardaba su
mejor amigo, quien se emparejara con Verónica después de Tony. Dicho diario
está en manos de Verónica (Charlotte Rampling)
ya entrada en la tercera edad como Tony y rodeada de misterios.Tony, mientras espera tener en su poder dicho
diario, se verá obligado a regresar al pasado para recordar aquellos momentos,
que creía ya olvidados y en los cuales…
El
sentido de un final, está basada en la novela de Julian
Barnes, en una magnífica adaptación de Nick Payne. Una precisa y delicada narración por parte del director
Ritesh Batra, involucrando a su
protagonista Jim Broadbent y contagiando
a los espectadores. Una dirección lenta, que se recrea en el pasado donde los
fantasmas de las mentiras, los celos, los amores y desamores le rodearán, hasta
llegar a un presente y entender la coraza que, en mayor o menor medida todos creamos
con los años, a lo largo de nuestras vidas, para protegernos ante el dolor y el
padecer muchas veces innecesario y en esta ocasión, de recuerdos más imaginados, que reales.
Una
correctísima dirección de actores destacando la figura de Tony, tanto en el
pasado como en la actualidad, y sobremanera en ese presente siendo encarnado por en el gran actor
británico Jim Broadbent, que exprime al personaje hasta el límite, un límite que él mismo se impone. Y una más
que correcta presencia de una de las
grandes damas, la también británica, Charlotte
Rampling.
Una
obra cuyo montaje se muestra tan delicado y sutil, que los flash-back entre
pasado y presente se ejecutan con tal maestría que no es percibido más que por
los cambios de escenarios entre una época u otra, fantásticos por cierto, donde
también tiene mucho que decir el maestro de fotografía Christopher Ross, logrando sacar todo el partido posible a las
estampas mostradas, a la gran iluminación de las escenas y al frágil juego del
color. Destacar como suele suceder en muchas de las películas británicas, el
vestuario y no quiero ya olvidarme de la partitura de Max Richter, que te lleva de la mano hasta los títulos de crédito.
Recomendable
para los amantes del drama y de un cierto romanticismo.
Mi
nota es: 7
ESTRENO
en ESPAÑA: 8 de Diciembre.
REPARTO: Jim Broadbent, Charlotte Rampling, Harriet
Walter, Michelle Dockery, Emily Mortimer, Billy Howle, Joe Alwyn, Freya Mavor,
Matthew Goode, Edward Holcroft, James Wilby.
PRODUCTOR: Origin Pictures/
BBC Films/ FilmNation Entertainment.
LAS ESPADAS LÁXER DE STAR WARS
ILUMINARÁN MADRID EN UNA EXPOSICIÓN ÚNICA.
Ha aterrizado en Madrid #LightTheForce, una exposición única en el
mundo de 8 réplicas gigantes de espadas láser de la saga Star Wars ubicadas en
diferentes localizaciones de Madrid. Estas imponentes reproducciones, que miden
6 metros de alto y proyectan un haz de luz, podrán verse en la capital
hasta el sábado 30 de diciembre.
La exposición contará con réplicas de las espadas a
tamaño gigante, de Luke Skywalker, Darth Vader, Kylo Ren y Rey
distribuidas por la ciudad. Ventas, Plaza Castilla, Fuencarral, Gran Vía,
Santiago Bernabéu, Moncloa, Alonso Martínez, Paseo del Prado serán las
localizaciones escogidas para iluminar Madrid hasta el 30 de diciembre todos
los días desde las 6 y coincidiendo con el horario de la iluminación navideña*.
ATENCIÓN AL HORARIO DE ILUMINACIÓN
*Horario de la
iluminación de las espadas láser: domingos, lunes, martes y miércoles desde las
18.00 hasta las 23.00 horas, y los jueves, viernes, sábados y vísperas de
festivo, de 18.00 a 24.00 horas. El día 25 de diciembre y los días 1 y 6 de
enero, el horario será de 18.00 a 24.00 horas. El día 24, de 18.00 a 03.00
horas; el 31, de 18.00 a 06.00 y el 5 de enero, desde las 18.00 hasta las 03.00
horas
Desde aquel octubre de 2016 al día de
hoy, ha llovido mucho y sobre “El mundo entero” de Julián Quintanilla con Loles
León interpretando a La Chary, ha llovido y no precisamente agua, sino premios.
Un total de 29 premios internacionales avalan a este cortometraje, que incluye
la clasificación a los Oscars 2018, tras ganar el primer premio en el Festival
Internacional de Cleveland (USA)
Además sigue de enhorabuena porque es
también uno de los 15 cortometrajes de ficción seleccionado para competir en la
categoría de cortometrajes en la 32ª Edición de los Premios Goya. Gala que se
celebrará el 3 de febrero del próximo año. Los nominados definitivos serán
anunciados el 13 de diciembre.
En palabras de Julián Quintanilla.
“Nuestra peliculita es una fábula contra todas las fobias. La Chary, el
personaje que Loles interpreta, transmite un claro mensaje de tolerancia que
nos parece importante – ahora más que nunca- y por eso queremos que la vea… ¡El
mundo entero!
“El Mundo Entero” sigue en cartel los
jueves en los cines mk2 Palacio de Hielo de Madrid. Entradashttp://madrid.elmundoentero.com. Y en estos momentos en algunas salas de París.
Durante
elrodaje de “OLA DE CRÍMENES”
dirigida por Gracia por Querejeta, recibieron la visita del Ministro de
Educación, Cultura y Deporte.
Maribel
Verdú, Paula Echevarría, Juana Acosta, Raúl Arévalo, Antonio Resines y Raúl
Peña, con la colaboración especial de Luis Tosar, integran el reparto
principal, que completan los jóvenes talentos Asier Ricarte y Miguel
Bernardeau.
En
su última semana de rodaje, ya en Madrid, la comedia de acción dirigida por
Gracia Querejeta OLA DE CRÍMENES, recibió ayer jueves 23 de noviembre la visita
del ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, acompañado
por el director general del ICAA, Oscar Graefenhain. En el set, el Ministro
tuvo la oportunidad de asistir al rodaje de una de las complejas secuencias de
acción para la que las actrices Maribel Verdú, Paula Echevarría y Juana Acosta
han tenido que prepararse a fondo con la colaboración de un equipo de
especialistas.
Ola de Crímenes es una producción de
Telecinco Cinema, Bowfinger International Pictures, Historias del Tío Luis y
Crimen Zinema A.I.E., con la participación de Mediaset España y Movistar+.
Distribuye la cinta Universal Pictures International Spain.
TODO EL DINERO DEL MUNDO
El
director y los productores de TODO EL DINERO DEL MUNDO han
tomado una decisión sin precedentes: reemplazar a Kevin Spacey en el papel del
multimillonario J. Paul Getty por el prestigioso actor Christopher
Plummer.
“Scott
Free Productions e Imperative Entertainment confirman
la reciente decisión de reemplazar a Kevin Spacey por Christopher
Plummer en el papel de "J. Paul Getty" en la película TODO
EL DINERO DEL MUNDO. Se volverán a rodar las escenas en las que interviene
Kevin Spacey a partir del 20 de noviembre en Roma y en Londres. Si bien ello
representa un gran desafío, tanto los actores como el equipo técnico afectados
por las escenas que se deben rodar nuevamente apoyan por completo esta valiente
decisión.
Bajo la dirección de Ridley Scott y
los productores Dan Friedkin y Bradley Thomas, y con el apoyo de su equipo de
producción, todo el equipo de la película está motivado y decidido a que los
procesos de producción y postproducción sean lo más transparentes posible para
todas las partes interesadas, en el mundo.
Sony Pictures también respalda
totalmente la decisión de volver a rodar, con la producción programada para
finalizar el rodaje a tiempo para su estreno en EE.UU el 22 de diciembre.
Las circunstancias que se han
producido no tienen precedentes y afectan a una película de la que todo el
equipo se siente muy orgulloso. Scott y el equipo de producción creen que
adoptar esta posición, a pesar del desafío que supone, es determinante para
garantizar que las desafortunadas acusaciones contra un actor no socaven una
película en la que han trabajado incansable y éticamente durante varios años
más de 800 actores, escritores, artistas, artesanos y equipo técnico.”
Sinopsis: Roma, 1973. Unos hombres
enmascarados secuestran a un adolescente llamado Paul (Charlie Plummer). Su
abuelo, J. Paul Getty (Christopher Plummer), es el hombre más rico del mundo,
un magnate petrolero tan multimillonario como avaro. El secuestro de su nieto
favorito no es razón suficiente para renunciar a parte de su fortuna.
“Todo el dinero del mundo” cuenta la
historia de Gail (Michelle Williams), la persistente y tenaz madre de Paul para
quien, al contrario que Getty, sus hijos son lo más importante. La vida de su
hijo depende de un tiempo que se acaba, y los secuestradores se muestran cada
vez más determinados, inestables y violentos. Cuando Getty envía a su
enigmático hombre de seguridad, Fletcher Chace (Mark Wahlberg), a velar por los
intereses de su nieto, él y Gail se alían en una carrera contrarreloj que
revelará el valor del amor frente al dinero.
Todo el Dinero del Mundo Llegará a
nuestros cines de la mano de Diamond Films España en febrero 2018
CAVERNÍCOLA Es el próximo film del creador de Wallace y Gromit, Nick
Park, que ha recreado para la ocasión, rodando de nuevo en stop
motion, un lugar prehistórico bajo el amparo de los estudios de animación
Aardman (La oveja Shaun) y que
será distribuida en España por: Vértice Cine.
El reparto de voces en su versión inglesa está encabezado
por los actores Eddie Redmayne (La teoría del todo), Tom Hiddleston (Thor) y Maisie
Williams (Juego de Tronos).
Les acompañan en esta aventura también los actores Timothy
Spall, Johnny Vegas, Selina Griffiths, Mark Williams, Gina Yashere,
Simon Greenall, Richard Webber y Richard Ayoade.
En palabras de Nick Park:
“Vamos a conocer a la tribu de
Dug, un adorable grupo de inadaptados a quienes ponen voz
excepcionales talentos británicos. Son esencialmente un grupo de hombres
de las cavernas ineptos y de mujeres. Entre ellos Treebor, interpretado por Richard
Ayoade, un gigante apacible que se asusta de su propia sombra; Magma, la
madre de Treebor, no se anda con chiquitas, pone su voz Selena
Griffiths, y Mark Williams interpreta a Barry, cuyo mejor amigo es
una roca. El jefe Bobnar, interpretado por el brillante Timothy Spall,
encabeza el pelotón, como líder es la figura paternal de una tribu de
brutos"
Dug, humano y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva
aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de
Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia (y de
paso inventan las reglas del fútbol). Dug y Hognob tendrán que ayudar a su
tribu de cavernícolas, sorteando con gracia y astucia múltiples peligros y
derrotando al malvado y moderno Lord Nooth para no perder su hogar,
jugándosela en el partido de fútbol más épico de la historia...
Nick Hammen El Viaje(The Journey),nos acomoda en uno delos
asientos del monovolumen junto a Martin McGuinness e Ian Paisley en el
viaje que compartieronen 2006junto a su conductor Jack (Freddie Highmore)
Ian
Paisley (Timothy Spall) líder del Partido de la Unión Democrática y
Martin McGuinness (Colm Meaney) líder del Partido Republicano Sinn Fein,
fueron políticos enemigos que en 2006 durante las Conversaciones de Paz en
Escocia, se vieron obligados a emprender juntos un viaje en coche, debido a que
el aeropuerto estaba cerrado por mal tiempo e Ian Paisley precisaba llegar a
Belfast para asistir a la celebración de sus bodas de oro. Lo que no se sabe
con certeza, si Martin McGuinness viajo voluntariamente o a la fuerza, durante
esos 85 kilómetros en el monovolumen.
Nick
Hamm se interesó por esta conversación tras el comentario a la prensa por parte
de Martin quien afirmó que él e Ian nunca habían hablado de nada y que llevaban
ya siete meses trabajando incansablemente. Además a Nick un periodista le
comentó que durante determinados conflictos, era normal que los líderes de partidos
adversarios viajaran juntos, para evitar atentados. Todo ello le llevó a
investigar y descubrió el viaje realizado por ambos en 2006.
Con guion de Colin Beteman y en versión libre sobre
lo sucedido durante dicho trayecto, seremos testigos de la conversación que dio
lugar al comienzo del fin de las hostilidades entre católicos y protestantes en
Irlanda del Norte. Una contienda que duró 40 años y hubo 3500 muertos.
Película sin duda arriesgada.
En primer lugar por el tema a tratar, ya queestamos ante una historia poco conocida, aunque en mayor o menor medida
hayamos leído sobre aquellos enfrentamientos. En segundo lugar crear una
película prácticamente con dos actores y en un escenario reducido que
representa el interior de un monovolumen. Pero el atrevimiento por parte Nick Hamm, funciona con la precisión de
un reloj suizo, manteniendo al espectador expectante ante todo lo que sucede,
al igual que a esos observadores que van siguiendo el trayecto del viaje, desde
el centro de mando, pues al vehículo lo han equipado con cámaras y micrófonos y
con un conductor que tiene una misión mayor, que la de llevarles al destino.
“El viaje”, es el claro
reflejo de cuando una película modesta, narrada y filmada al más puro estilo
teatral, se convierte en obra imprescindible. Una magnífica dirección por parte
de Nick Ham y una perfecta e
impecable fotografía a cargo de Greg
Gardiner, en un montaje con un ritmo que en ningún momento decae.
Cuenta con un elenco de
actores secundarios de primera fila, correctísimos en suspersonajes, pero lógicamente destaco por
encima de todos ellos el trío formado por: Timothy Spall y Colm Meaney, en sus
personajes principales y Freddie Highmore como secundario.
Aunque estamos ante una obra
tensa, muy política y seria, los momentos de humor e ironía por parte de los
dos políticos, ayudan a que dicha tensión se relaje, como lo hacen ellos
mismos. Este humor, no es gratuito en la película, pues los dos políticos
pasaron a la historia como: “The Chuckle Brothers” (Los hermanos risitas).
Recomendable para los amantes del cine político y curiosos en general.
Mi nota es: 7,5
ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Diciembre
REPARTO: Timothy Spall, Colm Meaney, Freddie Highmore, Toby Stephens, John Hurt, Catherine McCormack, Ian McElhinney, Ian Beattie, Barry Ward, Kristy Robinson, Frank Cannon, Michael Hooley, Aaron Rolph.
PRODUCTORA: Greenroom Entertainment/ Tempo Productions Limited.
Suburbicón.
Cuando una comedia negra atrapa al espectador desde el minuto uno, gracias a la
esencia e ironía que aportan los Coen tras el guion y a Clooney, en la dirección.
La película comienza con un spot
publicitario sobre una nueva urbanización, a modo de NODO cinematográfico,
donde se ofrece tranquilidad en un buen ambiente vecinal. Pero como suele
suceder en tantas ocasiones, no es todo oro lo que reluce.
Conoceremos a la familia compuesta por
el cabeza de familia, Gardner Lodge (Matt
Damon), su mujer, Margaret (Julianne
Moore), su hijo, Nicky (Noah Jupe)
y el tío Mitch (Gary Basaraba),
quienes viven felices, hasta que una noche reciben la visita de dos extraños
personajes. Atarán a los miembros de la familia y…
Como bien sabéis quienes seguís mis
críticas o reseñas, me gusta comenzar con lo que más me ha impactado de la
película, pero esta vez es difícil, porque todo está deliciosamente bien
orquestado. Así todo, como hay que empezar por algún punto, lo haré con la
extraordinaria fotografía a cargo de Robert
Elswit. Ya en el prólogo disfrutamos de unas estampas que parecen extraídas
de las revistas de la época, bien como reflejo publicitario de la urbanización
o del vestuario de los 50, mientras la cámara detalla el decorado en el cual se
desarrollará la función. Observaremos a los personajes en quietud de maniquíes,
reflejando la armonía de las familias que allí habitan, en poses perfectamente
coreografiadas, para saltar más tarde a la violencia que se genera por los
ataques a unos vecinos afroamericanos. Toda la obra cuenta con una maravillosa
iluminación, entre tonalidades cuidadosamente seleccionadas, en efectivos encuadres.
La piedra angular de la película, es
sin la menor duda su sobresaliente, cínico, crítico, irónico guion escrito en
parte por George Clooney y Grant Heslow, pero sobre todo, la
fuerza que impregnan los hermanos Coen:
Ethan y Joel. El gran derroche
de imaginación y crítica social de estos dos genios, está al servicio de este
film al más puro cine Neo-noir.
George Clooney acomete con audacia y
buen hacer esta obra, que en ningún momento decae, sino por el contrario, va
elevándose a medida que el metraje transcurre, para hacer un recorrido por lo
peor del ser humano. El chantaje, la traición, los engaños, las rupturas familiares,
las apariencias, la manipulación, la segregación racial tan presente en aquellos 50, la
hipocresía tanto en el seno familiar como en el vecinal, la violencia…Como he
dicho antes, con una orquestación precisa. Una obra que además, con pinceladas sutiles, se homenajea a grandes directores,
incluso en la música, recordándonos al maestro del suspense.
Notables interpretaciones donde
destaco al cínico Gardner Lodge, interpretado por Matt Damon y la sobresaliente
actuación del joven Noah Jupe, como Nicky. Aunque estoy seguro que el espectador disfrutará con cada uno de ellos, por las lecturas que encierran sus personajes.
Si
comencé hablando sobre la excelente fotografía, cerraré con los aspectos
técnicos que están cuidados al milímetro. Una excelente ambientación de los
años 50. Un espléndido vestuario y peluquería. Un buen montaje que aporta el
ritmo preciso al metraje de la obra. Como dije al principio y sumo ahora: Todo está
orquestado con precisión en una obra que entretiene al espectador en sus 105
minutos de duración.
En el argot culinario, se me ocurre describir a
Suburbicon, como una exquisita tarta confeccionada con los mejores
ingredientes, decorada con crítica y fina ironía.
Recomendable para amantes del cine en general.
Mi nota es: 8
ESTRENO
en ESPAÑA: 8 de Diciembre
REPARTO: Matt Damon, Julianne Moore,
Oscar Issac, Glenn Fleshler, Michael D. Cohen, Noah Jupe, Steve Monroe, Gary
Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell,
Lauren Burns, Tony Espinosa.
PRODUCTORA: Black Bear Pictures/ Silver Pictures/
Smokehouse Pictures/ Paramount Pictures.
De nuevo estamos ante uno de esos
filmes, que se dice más con las miradas, los gestos, las expresiones
corporales, que las propias palabras, aunque estas sean precisas cuando son
pronunciadas. La falta de adornos innecesarios deja al descubierto, por una
parte, la calidad de las interpretaciones, desde sus tres personajes
principales, hasta el último de los secundarios, y por otra, la narración que
nos brinda John Trengove, quien con cámara al hombro, nos retrata un entorno al
más puro estilo documental, a través de la magnífica fotografía de Paul
Ozgur. 
Un filme de denuncia, como he
comentado antes, delicadamente dirigido, exquisitamente montado y el cual considero
de obligada visión como reflejo de una parte más de nuestra sociedad. No es una película más sobre la
homosexualidad, es una visión tan dolorosamente desgarradora, sincera y real,
que apasiona. 
