CRASH: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Canadá y Reino Unido, CRASH está escrita y dirigida por David Cronenberg, basándose en la novela de James Graham Ballard. “Un filme impactante, duro y no apto para todos los paladares”

James (James Spader) es un productor de cine que tiene una extraña relación con su esposa, Catherine (Deborah Kara Unger). Ambos mantienen relaciones sexuales con otras personas y luego disfrutan contándoselas el uno al otro, antes o después de consumar el acto.

Una noche, mientras conduce dirección a casa, James sufre un accidente de tráfico invadiendo el carril contrario y chocando de frente con el coche de la Dra. Remington (Holly Hunter). Les ingresan en un hospital cerca del aeropuerto en habitaciones separadas y se conocerán en uno de los pasillos, mientras realizan sus ejercicios de rehabilitación. Tras darles el alta, los dos entablan una tórrida relación sexual, basándose en la experiencia que ha ocasionado el accidente. Hará amistad con Vaughan (Elias Koteas), amigo de la doctora, que lidera un grupo de fetichistas de accidentes de automóviles, y con Gabrielle (Rosanna Arquette) miembro de ese grupo.

Crash se estrenó en España el 31 de octubre de 1996. Obtuvo el Premio especial del jurado en el Festival de Cannes y 6 premios Genie Awards  de las 8 nominaciones que recibió ese año (Mejor cinematografía, Mejor guion, Mejor Edición, Mejor dirección, Mejor dirección de sonido y Premio Golden Reel) Está adaptada de la novela de J.G. Ballard, cuya primera edición salió al mercado en 1973. Una historia sobre la sinforofilia, que se basa en el fetichismo sexual que provoca un accidente automovilístico, en donde sus protagonistas se excitan sexualmente al ver, organizar y participar en colisiones reales de autos. En España fue distribuida por José Frade Producciones Cinematográficas S.A.

David Cronenberg, nació en un ambiente cultural, pues su padre era escritor, editor y periodista y su madre, pianista. Asistió al Harbord Collegiate Institute y se graduó en la Carrera de Literatura en la Universidad de Toronto. Con 23 años rodó su primer cortometraje “Transfer” 1966 y un año más tarde “From the Drain”. Su primer largometraje llegaría con “Stereo” 1969 al que han seguido “Crimen of the Future” 1970, “Vinieron de dentro de…” 1975, “Rabia” 1977, “Cromosoma 3” y “Tensión en el circuito” 1979,  “Scanners” 1981, “Videodrome” y “La zona muerta” 1983, “La mosca” 1986,  “Inseparables” 1988, “El almuerzo desnudo” 1991, “M. Butterfly” 1993, “Crash” 1996, “eXistenZ” 1999, “Spider” 2002, “Una historia de violencia” 2005, “Promesas del Este” y “A cada uno su cine”  ambas en 2007,  “Un método peligro” 2011, “Cosmopolis” 2012 y su último filme lo rodó en 2014 “Maps to the Stars”. Entre su amplia filmografía, también encontramos diversos cortometrajes, documentales, telefilmes y series para televisión.

El mundo del fetichismo, desde que el mundo es mundo, ha servido de vehículo para las relaciones sexuales, desde las más inocentes, pasando por las poco habituales y llegando a las consideradas tóxicas y peligrosas. El comportamiento “enfermizo” que presentan los personajes de esta película, nos hace cuestionarnos hasta qué punto el ser humano puede llegar a disfrutar del dolor ajeno y propio, alcanzando cotas de máximo placer. Las parafilias que forman parte de ese mundo oscuro y prohibido, en el cual convergen la vida y la muerte, el morbo, el deseo, el sexo, el peligro, el sufrimiento y la excitación, entre otros; le sirven a Cronenberg no solo para adaptar la novela de J.G. Ballard sino para mostrarnos, con planos impactantes -  tomando ese objeto tan cotidiano como es el automóvil, aunque para muchos considerado como una prolongación del alter ego- y sin ningún pudor, un arma mortal y sexual por igual. No son los personajes de carne y hueso los protagonistas, con sus deformaciones, discapacidades y cicatrices tanto interiores como exteriores, sino el automóvil con su rugido y rapidez y por supuesto, la retorcida y un tanto perversa mente del director, haciendo una clara crítica de la sociedad. Un ejemplo, entre otros muchos, lo encontramos en la recreación del accidente que  James Dean sufrió con su deportivo el 30 de septiembre de 1955 y cuya escena se podría considerar el detonante de esa obsesión malsana.

El filme comienza con una escena de alto voltaje dejando claro que no estás ante un filme muy convencional y que te agarres a la butaca, pues aunque han pasado 25 años de su estreno y  desde entonces por la gran pantalla han desfilado un buen número de películas relacionadas con la sexualidad y algunos de sus trastornos, Cronenberg no te va a dejar indiferente. Una primera escena, filmada con suma elegancia y exudando erotismo, nos muestra a una Catherine, encarnada por la extraordinaria y sensual Déborah Kara Hunger, siendo penetrada por detrás sobre una reluciente avioneta a la que acaricia como si fuera la piel de su amante, el amante que la está poseyendo a la vez que ella, se siente extrañamente atraída y dominada por la aeronave.

Una película desagradable y adictiva, pues nada excita más al ser humano que lo prohibido y desconocido, aunque muchos cerebros lo rechacen de inmediato y Cronenberg lo sabe, por lo que con cada nueva escena, te dará un poco más, una bofetada, un latigazo que va marcando la piel de tu interior, hasta llegar al clímax, a ese final que sin ser esperado comprendes, tras verlo, que es el que la obra requiere; aunque todo te resulte una locura llevada al extremo. Un filme al que clasifico de pornográfico y no precisamente por sus escenas de sexo explicitas, sino por su contenido.

Una obra en donde el director logra su objetivo,  no exenta de esas obsesiones tan arraigadas en él y en la cual, además de las extraordinarias interpretaciones, que asfixian por el realismo que transmiten, destacaré la magnífica y sucia fotografía de Peter Suschitzky, la impactante banda sonora de Howard Shore y  el sonido a cargo Lou Solakofski y Orest Sushko.

Mi nota es: 8,5

REESTRENO: 29 de Enero

REPARTO: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger, Rosanna Arquette, Peter MacNeill, Yolande Julian, Cheryl Swarts, Judah Katz, Nicky Guadagni, Ronn Sarosiak, Boyd Banks, Markus Parilo, Alice Poon y John Stoneham Jr.

PRODUCTORA: Alliance Communications Corporation// Recorded Pictures Company (RPC)// The Movie Network (TMN)// Téléfilm Canada.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA 2021: A CONTRACORRIENTE FILMS.

PALM SPRINGS: CRÍTICA DE CINE

 

Basándose en la obra original de Andy Siara y Max Barbakow, Palm Springs, está dirigida por Max Barbakow y guionizada por Andy Siara. ¿Quién dijo que vivir en un bucle temporal es desesperante y aburrido?

Nyles (Andy Samberg) y Misty (Meredith Hagner) son una pareja que acuden a la boda de Tala (Camila Mendes) y Abe (Tyler Hoechlin). En medio de la ceremonia, Nyles da un discurso en honor a la novia, cuando debería haber sido Sarah (Cristin Milioti), la hermana de Tala, quien lo hiciera. Sarah se sorprende ante las palabras que dedica a su hermana. Durante la boda ambos se presentan y comienzan a contarse sus problemas, pero como bien digo, ese es el comienzo, pues Nyles tiene un problema mayor llamado Roy (J.K. Simmons) y un mundo muy especial, que descubriremos muy pronto.

El guionista y director, Max Barbakow, obtuvo su MFA en Dirección en el Conservatorio AFI, se formó con Werner Herzog en la Escuela Internacional de CineTV en Cuba y se graduó en la Universidad de Yale.  Entre sus obras nos encontramos con el documental “Mommy, I´m a Bastard!” 2013, el cortometraje “The Duke: Based on the memoir “I´m the Duke” by J.P. Duke” 2016 y tras otros trabajos llega con su primer largometraje de ficción, “Palm Springs”

Los bucles temporales en el cine han tocado diversos géneros, desde el bélico, juvenil, terror, ficción, histórico, acción,  comedia, animación y por supuesto el romántico; desfilando filmes sobradamente conocidos como la archifamosa “Atrapado en el tiempo” 1993 de Harold Ramis y continuando con otras obras como “Mickey descubre la Navidad”1999 de Jun Falkenstein, Alex Mann, Bradley Raymond, Toby Shelton y Bill Speers, “El efecto mariposa” 2004 de Eric Bress y J. Mackye Gruber, “Codigo fuente” 2011 de Duncan Jones, “Al filo del mañana” 2014 de Doug Liman, “Si no despierto” 2017 de Ry Russo-Young, “Feliz día de tu muerte” 2017 de Christopher Landon o el telefilme “12:01, testigo del tiempo” 1993 de Jack Sholder. Quedarse atrapados en el tiempo, da mucho juego si se es original en el planteamiento y “Palm Springs”,  no solo es original, sino que va un poco más allá.

El filme comienza con un joven que da la sensación de estar resignado a vivir con una novia egoísta y por otro lado, surgiendo cierta curiosidad por conocer a  Sarah, que parece perdida en la boda de su propia hermana. Una cueva será el desencadenante de esta historia de amor que como muchas veces, empieza como una amistad. Dos personajes muy diferentes y a la vez complementarios cuando se enfrentan a sus miedos, a la soledad, sus pasados o esa ausencia de amor y sin duda, la necesidad imperiosa de compartir con alguien, además de sus problemas y frustraciones, todo lo demás. El bucle temporal en el que se ven envueltos, nos mostrará las diversas caras del ser humano, convirtiendo este filme en una comedia deliciosa que se disfruta de principio a fin, pues  han sabido cuidar, hasta los pequeños detalles.

Más de una vez os he comentado, ante filmes fallidos de este género, que una comedia básicamente debe partir de una idea sencilla y original, como la que han tenido Andy Siara y Max Barbakow, sabiendo equilibrar y desarrollar muy bien los tiempos de cada situación, los personajes y espacios. Han logrado repartirse de forma acertada las labores principales y con ello alcanzar el objetivo principal de toda comedia, que el espectador disfrute. Andy se ha encargado del guion y Max de la dirección y juntos demuestran de lo que son capaces. Un buen tándem que espero nos sigan sorprendiendo en el futuro, con obras tan ingeniosas, disparares y divertidas, como “Palm Springs”.

Un filme que entre risas y sonrisas, te lleva a reflexionar sobre algunos aspectos de la vida y de todo aquello que dejamos atrás por diversas circunstancias y esas reflexiones, esas capas que se van desprendiendo poco a poco a lo largo de un metraje correctísimo, las apreciaremos y disfrutaremos junto a los personajes de esta película, no solo de los dos principales, sino también en algunos secundarios entre diálogos y frases, escritas con inteligencia. Destacaré a la pareja protagonista: Andy Samberg, encarnando a Nyles, está divertidísimo con ese lado cínico con el que logra empatizar con el espectador desde que aparece en pantalla y Cristin Milioti, en su papel de Sarah, nos va cautivando, a medida que vamos descubriendo a su personaje.

La película cuenta con una elegante y vistosa fotografía de Quyen Tran, mientras que de la banda sonora se encarga Matthew Compton, quien no solo acompaña a los personajes en sus aventuras y desventuras, sino que abraza con delicadeza a la fotografía. Al final de la reseña os dejo todos los temas que suenan durante la obra. En definitiva “Palm Springs” es una de esas películas amables, que te invita a disfrutarla de principio a fin, dejándote un buen sabor de boca y una gran sonrisa.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Enero en Movistar+

REPARTO: Andy Samberg, Cristin Milioti, J.K. Simmons, Meredith Hagner, Tyler Hoechlin, Camila Mendes, Peter Gallagher, Dale Dickey, Chris Pang, Erin Flannery, Mark Kubr, Roxanne “Rocky” Meyers, Tongayi Chirisa, David Hutchison, Aleshya Uthappa y David Philip Reed.

PRODUCTORA: Culmination Productions// Limelight// Party Over Here.

LA BANDA SONORA LA COMPONEN: “Forever and Ever” interpretada por Demis Roussos, “August 10” por Khruangbin, “Megatron Man” escrita e interpretada por Patrick Cowley, “Turn It On” interpretada por Chester Moore II, “Man Stupid Being” escrita e interpretada por S.E. “Rogie” Rogers, “A Lover´s Concerto” interpretada por SRM, “Hear and Now” escrita e interpretada por Alan Power,  “No Other” escrita e interpretada por Gene Clark, “One hot Afternoon” escrita e interpretada por Patrick Cowley, “Turn It On” interpretada por Max Boogie Overdrive, “Cantina” Interpretada por Los Straitjackets, “Like The Weather” Interpretada por 10.000 Maniacs, “One More Lonely Night” escrita e interpretada por Terry Devine-King y Steve Levine, “Sink” interpretada por Bianca Gisselle, “Saturday Night Blues” interpretada por Natural Child, “El Palomito” interpretada por Los Cadettes De linares, “Barracuda” interpretada por John Cale, “Ulu Palakua” Interpretada por Iwalani Kahalewai, “A Lover´s Concerto” interpretada por Peter Gallagher y Jacqueline Obradors, “The Brazilian” interpretada por Genesis, “You Know More Than I Know” escrita e interpretada por John Cale, “In My Hour Of Darkness” interpretada por Gram Parsons,  “The Partisan” Interpretada por Leonard Cohen, “Cloudbusting” interpretada por Kate Bush y “When The Morning Comes” interpretada por Daryl Hall y John Oates.

MI NIÑA: CRÍTICA DE CINE

 

MI NIÑA cuenta con guion y dirección de Lisa Azuelos. Una comedia con tintes de drama sobre la maternidad y del instante en que los hijos abandonan el nido.

Héloïse (Sandrine Kiberlain) está divorciada de Franck (Yvan Attal) quien le  era infiel con otras mujeres y que pretende culpar de la separación a su mujer. Es madre de tres hijos: Lola (Camille Claris), Théo (Victor Belmondo) y la más pequeña, Jade (Thaïs Alexandrin). Jade va a cumplir los 18 años y tras el examen de acceso, logra una plaza en la Universidad MCGILL de Montreal.

El acontecimiento de que su hija pueda estudiar en una buena universidad la hace feliz, pero a la vez separarse de ella, le ocasionará una depresión a medida que se acerca el día en que la joven tenga que abandonar el hogar. Recordará todos los momentos vividos con ella, desde su nacimiento hasta la actualidad que en resumen, es parte de su vida.

A nadie sorprende que experiencias personales puedan estar reflejadas de una forma u otra en los personajes que crean algunos escritores, en mayor o menor medida, a través de sus novelas o guiones. Eso es lo que le sucedió a Lisa cuando decidió escribir esta historia, pues se basó en el conflicto interno que supuso ver marchar a su hija pequeña a la universidad. Ella misma afirmó “Cometí el error de querer hacerme amiga de mis hijos” Sinceramente, yo no creo que sea un error, el error es no querer entender que al igual que ella dejó el nido, sus hijos un día también lo tendrían que hacer, aunque la historia se repita generación tras generación.

La productora, actriz, guionista y directora, Lisa Azuelos, creció en un entorno artístico y estudio arte en la Universidad Dauphine. Su primer contacto con el cine lo tuvo como guionista para la serie “Academia de Modelos” 1993 y como asistente de Luc Besson. En 1995 junto a Patrick Alessandrin, compartió guion y dirección en su primer trabajo para la gran pantalla “Mujeres a flor de piel” continuando con: “Comme t`y es belle!” 2006 y “Bienvenidos al mundo de LOL” 2008; tras el éxito obtenido con esta última película, dirigió el remake para Estados Unidos bajo el título de “LOL” 2012. Dos años más tarde en 2014 realizó el cortometraje “14 millones de gritos” y el largometraje “Reencontrar el amor”. En 2016 llegará “Dalida” y este año, nos presenta “Mi niña”. Lisa cuenta con su propia productora: Bethsabée Mucho.

Siempre escuchamos hablar de las crisis de los 30, 40, 50… pero pocas veces se hace referencia a la crisis de ver crecer a los hijos, de sentir que no sólo ellos se hacen mayores, sino uno mismo; de no asumir o querer admitir, que lo que ellos (hijos) viven ahora, lo vivieron ellos (padres) en su tiempo y no me vale escuchar “ahora todo es diferente, ahora hay mucha más libertad, ahora…” No, porque siempre ha existido la rebeldía y el peligro, pero cuando se es joven no se ve así, pues es parte de nuestro aprendizaje. Cada generación tiene su momento.

Es evidente que la obra está escrita por una mujer y madre y decir esto no es ni feminismo ni machismo, simplemente es una realidad. La unión que existe entre una madre y sus hijos, está presente desde antes de nacer, desde el cordón umbilical que une a ambas personas y por el que el consciente y el inconsciente, estarán siempre en larga batalla y en constantes contradicciones.  Estamos ante  un filme amable en el cual la ingenuidad en algunos diálogos y comportamientos de los personajes, provoca la sonrisa y es que las madres, nunca dejarán de serlo, para fortuna de los hijos aunque por instantes, les desconcierte. Una obra que viajará en la memoria de Héloïse, entre el pasado y el presente. 

Un filme que nos habla del vacío que se provoca en el  nido, de las drogas, del alcohol, de la noche, de las fiestas, de los estudios, del primer amor y del que nunca pasa, de la infidelidad y de esquivar las culpas, de los amigos y de la familia como columna que soporta a los unos y a los otros, además de ese lado tan importante como es la responsabilidad de ser madre y en ocasiones llevarlo al extremo, más cuando no se tiene el apoyo de la figura paterna. Una comedia ligera que nos ofrece unas buenas interpretaciones, destacando a esa madre y esa hija interpretadas por: Sandrine Kiberlain y Thaïs Alessandrin, que se tienen mucho que decir.

La obra ofrece una buena fotografía por parte de Antonio Sanier y una cuidada banda sonora, que además de la escrita por Yael Naim nos encontramos con temas como: “Wow” de José-Emmanuel Nzengo, interpretada por Josmas, “Black block”, “Wasp” y “Party Pops” de Germain Vaudaux, “Sing Hallelujah!” de Douglas Ian Carr, Alban Nwapa, Dag KristerVolle interpretada por Dr.Alban, “Bubble Paradise” de Claude Pelouse, “He´s a Winner” de Adrian Meehan, Jerry Meehan y Nichol Thomson, “Tu m´oubliereas” de Yves Dessca, Erwan Dessca y Marc Hillmar interpretada por Larusso, “Serves You Right” por Alex Bayly, “Fading Out” de Matthew A. Thomas y Ryan William  Keaton y “Rapper´s Delight” de Nile Rodgers y Bernard Edwards.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Enero

REPARTO: Sandrine Kiberlain, Thaïs Alessandrin, Arnaud Valois,     Victor Belmondo, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Arthur Benzaquen, Sarah Deffeyes, Marie Bouvet y Chloé Zahar.

PRODUCTORA: Love is in the Air // Pathe Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine

SOLITARIAS DE ESTRENO: CRÍTICA TEATRAL

SOLITARIAS DE ESTRENO es una obra escrita y dirigida por Andrés Alemán.

Lucía (Berta Hernández) y Cris (Paula Berenguer) se conocen en el coro de la parroquia de su pueblo y pronto intiman. Tras ser sorprendidas por una de las monjas y recomendarles que sean discretas, deciden abandonar el pueblo para instalarse en Madrid, con la intención de continuar con sus estudios. Los comienzos como siempre son duros, pero el amor es intenso. Un día, al igual que les sucede a otras parejas, la tentación de estar con otras personas provocará una seria fisura en su relación.

Antes de continuar, conozcamos un poco a Andrés Alemán. En 2001 finalizó sus estudios de Magisterio de Lengua Extranjera en la Universidad de Murcia, en 2009 la Licenciatura en Interpretación en el Musical en la Escuela Superior de Arte Dramático y entre 2013/14 realizó el Máster de Teatro y Artes Escénicas en la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de la adaptación y las letras de las canciones del musical infantil “Los batautos y el 42 de septubre” así como la dirección y textos del musical “Las nueve y cuarenta y tres” (Primer Premio del CREAJOVEN 2003 y Premio del Público BroadwayWorld Spain 2017 al Mejor Musical de Pequeño Formato, además de otros premios). En 2015 escribe y dirige “Solitarias de estreno”, continuando con la dirección  del monólogo dramático “Hubiera” escrito por Julián Escribano Moreno y la comedia “De repente… un tranvía sobre el tejado de zinc caliente” de Luis Escobar, entre otros trabajos.

El espacio escénico de “Solitarias de estreno” en la sala Lola Membrives del Teatro Lara, nos acerca a este melodrama musical sobre la amistad, el amor y la complicidad de dos jóvenes, donde Andrés Alemán se encarga de la dramaturgia y la dirección escénica y Juan Carlos Lax, de las canciones y la dirección musical. Texto y temas que se complementan para sumergir al espectador en ese viaje de vida que navegará entre las emociones y los sentimientos, los deseos y los sueños, las verdades y los engaños o el amor y el desamor; en una obra que por instantes despierta sonrisas y  en otras contrae el corazón. Una pieza teatral muy actual en la cual la relación de Lucía y Cris, bien podría representar a cualquier pareja, pues el amor no conoce de orientación sexual. Como tantas veces hemos escuchado, la carne es débil y de errar nadie se libra. El amor se puede recuperar si hay razones para ello, pero si no fuera así, ¿por qué separaciones dolorosas cuando puede quedar una amistad? Nunca se sabe lo que el destino nos puede deparar en el futuro. 

Si bien “Solitarias de estreno” cuenta con un cuidado guion y un magnífico libreto musical, las dos columnas vertebrales sin la menor duda son, Berta Hernández y Paula Berenguer, dando vida a dos personajes muy diferentes y afines a la vez, enriqueciendo la obra con las lecturas que nos ofrecen en torno  al comportamiento del ser humano como individuo en la libertad del ser y como ser, dentro de la pareja. Dos potentes interpretaciones que a mi juicio, enternecen más cuando cantando expresan las emociones de lo que desean transmitirnos, que con la narración propiamente dicha, pues con cada tema musical, parecen desprenderse del dolor que no quieren compartir, de las palabras que no se atreven a decirse y de cuanto su alma grita por salir al exterior. Pensamientos que muchas veces hemos vivido y que nos hemos guardado para nosotros, como parte de nuestra intimidad. Una obra que enternece y nos hace reflexionar por igual.

Solitarias de estreno, en su conjunto, resulta redonda y con momentos muy destacables, entre los que cabe mencionar el instante en que Lucía canta en el Pub, mientras Cris recibe una triste noticia en su móvil (Impecable puesta en escena). El uso del lenguaje de signos durante el transcurso de algunos de los temas musicales (Detalle que se agradece como inclusión, aunque no sea durante toda la obra) y posiblemente el más conseguido y divertido, cuando ambas chatean por WhatsApp. Aunque repito, que desde el comienzo hasta el final, el espectador permanece expectante de cuanto sucede en el escenario. Un escenario por cierto prácticamente desnudo, con tan solo cuatro cajas de madera y un perchero con unas pocas prendas de vestir. Elementos muy útiles para que las actrices, verdaderas reinas de la escena, aprovechen para dar cuerpo a las diferentes situaciones.

El tiempo puede jugar a favor o en contra  de todos nosotros, por lo tanto, aprovechemos esos instantes positivos y no pensemos en lo que nos puede traer el viento, pues nos impedirá disfrutar de la felicidad, aunque esta sea efímera.

La obra se representa todos los jueves en sesión de 19:30 horas en el Teatro Lara y a partir del 11 de Febrero a las 20:15 C/Corredera Baja de San Pablo 15  Metro: Callao.

EQUIPO TÉCNICO:

Dramaturgia y Dirección escénica: Andrés Alemán

Canciones  y Dirección musical: Juan Carlos Lax

Reparto: Paula Berenguer y Berta Hernández

Arte: Abrahán Arsis

Iluminación: José Antonio Valera

Lenguaje de Signos: Cris M. Riquelme

Músicos (bases musicales):

Producción, guitarra y teclados: Juan Carlos Lax

Percusión: Gabriel González

Violín y viola: Manu Clavijo

Guitarra eléctrica: Santi Guillén.

LOS PREMIOS FEROZ 2021 "ON-LINE"

 

Los Feroz vuelven a reunir a nominados y creadores audiovisuales en tres encuentros abiertos al público de forma “on-line” en colaboración con la Comunidad de Madrid.

El martes 26 habrá un encuentro con los creadores de “El año del descubrimiento”, el primer documental que compite por el Premio Feroz a la mejor película dramática. 

El jueves 28 acudirán Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, autores de la serie “Antidisturbios”. Y una semana más tarde, una masterclass de Victoria Abril, Premio Feroz de Honor.

Las sesiones se retransmitirán en directo a las 19.30 a través de YouTube desde la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid

La Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), organizadora de los Premios Feroz, celebrará las dos próximas semanas un ciclo de encuentros abiertos al público de forma 'on-line' en los que nominados y creadores debatirán sobre diferentes temas de actualidad de la industria audiovisual. Estas sesiones, organizadas en colaboración con la Comunidad de Madrid, que los aficionados al cine y las series en general podrán seguir a través de YouTube, se retransmitirán en directo a las 19.30 desde la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

La primera sesión, el martes 26 de enero, reunirá al equipo de “El año del descubrimiento”, largometraje que ha obtenido 4 nominaciones a los Feroz 2021. Además de competir en la categoría de Mejor documental, por primera vez una cinta de no ficción compite también por los galardones a mejor película dramática, mejor dirección y mejor guion. Para desgranar el éxito de “El año del descubrimiento” contaremos con la participación de su director y guionista, Luis López Carrasco; el coguionista Raúl Liarte; y el montador, Sergio Jiménez. El encuentro estará moderado por Pepa Blanes, jefa de Cultura de la Cadena SER. El enlace para poder disfrutar de este encuentro es el siguiente: https://youtu.be/wUTA4mTaf8s

El jueves 28 de enero será el turno de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, creadores de la serie “Antidisturbios”, que suma 5 nominaciones a los Feroz 2021: mejor serie dramática, mejor actriz protagonista (Vicky Luengo), mejor actor protagonista (Álex García, Hovik Keuchkerian y Raúl Arévalo) y mejor actor de reparto (Patrick Criado). La charla estará conducida por Elena S. Sánchez, periodista y presentadora de TVE. El enlace para poder disfrutar de este encuentro es el siguiente:  https://youtu.be/GR5zBDFeTDc

Finalmente, el miércoles 3 de febrero se celebrará en el marco de estos encuentros la tradicional clase magistral del Premio Feroz de Honor, que este año recogerá la actriz Victoria Abril en reconocimiento a su incomparable trayectoria profesional, con cerca de un centenar de películas y una veintena de series de televisión. "Su carrera es el espejo mismo de las entrañas emocionales de las mujeres españolas a lo largo de varias décadas de nuestra historia”, decía la presidenta de AICE, María Guerra, al anunciar el galardón. La propia Guerra y el periodista David Martos serán los encargados de moderar la masterclass cuyo enlace será el siguiente:  https://youtu.be/PiHJHuegu8I

Todas las sesiones se retransmitirán desde la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid  a las 19.30 horas por los canales de Youtube de los Premios Feroz (www.youtube.com/PremiosFeroz) y de la Consejería (www.youtube.com/CulturaComMadrid) y abrirán un canal de comunicación para que los espectadores puedan realizar en directo sus preguntas a los ponentes.

Los Premios Feroz® están organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), patrocinados por el Ayuntamiento de Alcobendas y Mercedes-Benz España. Cuenta también con la colaboración de la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Silestone® by Cosentino, FlixOlé, la Denominación de Origen Ribera del Duero y con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura y Deportes.

La AICE es un grupo plural de más de 230 periodistas y críticos dedicados a informar sobre cine en televisión, radio, prensa e Internet de todo el país. Desde 2014 entregan los PREMIOS FEROZ® para destacar lo mejor de la producción audiovisual española del año. 

CINE Y FESTIVALES 2021 (II)

CARAMEL FILMS nos informa de que “FALLING” de VIGGO MORTENSEN y “EL OFICIAL Y EL ESPÍA” de ROMAN POLANSKI, están nominadas al GOYA a LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA.

Tras la lectura de las nominaciones a los Premios Goya 2021, nos alegramos de informarte que tanto “FALLING”, de Viggo Mortensen, como “EL OFICIAL Y EL ESPÍA”, de Roman Polanski, han conseguido formar parte de la lista de nominadas en la categoría de mejor película europea.

Los Premios Goya se entregarán este año el próximo sábado 27 de febrero en Málaga, y el cuarteto de nominadas a mejor película europea son: “CORPUS CHRISTI”, “EL OFICIAL Y EL ESPÍA”, “EL PADRE” y “FALLING”

BTEAM PICTURES CONSIGUE 13 NOMINACIONES A LOS PREMIOS GOYA.

“LAS NIÑAS” consigue 9 nominaciones, entre ellas la de “Mejor Película”. “El Agente Topo” y “El Olvido que Seremos” de Fernando Trueba competirán por el Goya a Mejor Película Iberoamericana. Isabel Coixet está nominada a Mejor Dirección por “Nieva en Benidorm”, que también ha conseguido la nominación a “Mejor Dirección de Fotografía”

“LAS NIÑAS”, ganadora este fin de semana del Premio Forqué a “Mejor Película” están de nuevo en los cines desde el pasado viernes día 15 de enero. El próximo miércoles 20 de enero, “Las Niñas” recibirán el Premio Mejor Película de Días de Cine.

Tras la premiere mundial de la película en febrero 2020, en el pasado  Festival Internacional de Cine de Berlín, Berlinale, “LAS NIÑAS” ganaron la Biznaga de Oro, la Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía y el Premio Feroz Puerta Oscura en  Festival de Málaga que se celebró el mes de agosto. Con seis nominaciones a los Premios Feroz (entre ellas la de Mejor Película), “LAS NIÑAS” ganaron el Premio a la Mejor Ópera Prima, Película y Dirección en el Festival de Cine de Almería y en Cibra, el premio al Mejor Guion.  El próximo miércoles día 20 de enero, la película recibirá el Premio Días de Cine a Mejor Película.

“LAS NIÑAS” se estrenó con éxito de público y crítica el pasado 4 de septiembre y ya ha sido vista por más de 100.000 espectadores.  Este pasado viernes ha vuelto a los cines. La ópera prima de Pilar Palomero cuenta la historia de muchas de las mujeres de hoy, dibujada a través de la educación que recibieron a principios de los 90 en España.
“LAS NIÑAS” es una producción de Inicia Films y Bteam Prods. Cuenta con la participación de Radio Televisión Española, Televisión de Catalunya, Televisión de Aragón, Movistar Plus y con el apoyo del ICAA y del ICEC. También cuenta con la participación del Programa Media y de Ibermedia, el Gobierno de Aragon y el Ayuntamiento de Zaragoza 

SINOPSIS: Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia.  En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

En “EL AGENTE TOPO”, nominada a Mejor Película Iberoamericana, participa España con María del Puy Alvarado, de Malvalanda y Marisa Fernández Armenteros, que apostaron por el talento de Maite y la originalidad de la historia.  Es una coproducción con Chile (Micromundo), Estados Unidos (Motto Pictures), Alemania (Sutor Kolonko), Holanda (Volya Films) y cuenta con la participación de Orange España. Ganó el Premio del Público a Mejor Película Europea en el Festival de San Sebastián y compitió en el pasado Festival de Sundance y en el de Karlovy Vary.

SINOPSIS: Rómulo es un detective privado. Cuando una clienta le encarga investigar la residencia de ancianos donde vive su madre, Rómulo decide entrenar a Sergio (83 años), que jamás ha trabajado como detective, para vivir una temporada como agente encubierto en el hogar. Ya infiltrado, con serias dificultades para asumir su rol de “topo” y ocultar su adorable y cariñosa personalidad, se acaba convirtiendo, más que en un espía, en un aliado de sus entrañables compañeras.

“EL OLVIDO QUE SEREMOS”, también nominada a Mejor Película Iberoamericana, dirigida por Fernando Trueba y protagonizada por Javier Cámara, ha sido escogida por La Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas (ACACC) como su película seleccionada para participar por Colombia en la categoría de  Mejor Película Internacional en la edición número 93 de los Premios Oscars. Recibió el Cannes Label 2020 y clausuró el pasado Festival de San sebastián. Está basada en el best seller del mismo título.

SINOPSIS: Héctor Abad Gómez (Javier Cámara) dedicó los últimos años de su vida, hasta la misma noche en que cayó asesinado en pleno centro de Medellín, a la defensa de los derechos humanos. “El olvido que seremos” es la reconstrucción amorosa, paciente y detallada de su vida, a través del recuerdo de una ciudad y de una familia.

“NIEVA EN BENIDORM”, dirigida por Isabel Coixet y estrenada en cines el pasado 11 de diciembre, ha conseguido la nominación a Mejor Dirección y a Mejor Fotografía. Inauguró el pasado octubre, la Semana Internacional de Cine de Valladolid.

SINOPSIS:Peter Riordan es un hombre solitario y metódico, obsesionado por los fenómenos meteorológicos. Obligado a jubilarse anticipadamente en el banco de Manchester donde ha trabajado toda su vida, decide visitar a su hermano Daniel, que vive en Benidorm. A su llegada, descubre que su hermano ha desaparecido y que era propietario de un club de burlesque donde trabaja Alex, una misteriosa mujer que ejerce una poderosa fascinación sobre él. Peter y Alex intentan averiguar qué ha sido de Daniel, ayudados por una policía obsesionada por la presencia de Sylvia Plath en los años cincuenta en Benidorm.

La ciudad de Benidorm, con su increíble geografía y su peculiar mezcla de británicos de vacaciones y jubilados españoles en pos de un merecido carpe diem, es un personaje más de este thriller romántico en el que Peter descubre que la vida, la verdadera vida, puede empezar en cualquier momento, incluso cuando creíamos que ya no era posible.

Pero si nieva en Benidorm, cualquier cosa es posible.

MADAVENUE PR COMMUNICATIONS y AMANIA FILMS nos informan de que ANE consigue 5 nominaciones a los GOYA. La ópera prima de DAVID PÉREZ SAÑUDO está nominada a  Mejor Película, Mejor Dirección Novel, Mejor Actriz, Mejor Actriz Revelación y Mejor Guion Adaptado. Ane, rodada en Vitoria, es una de las películas surgidas de LA INCUBADORA de ECAM.

ANE ha conseguido 5 nominaciones a los Premios Goya. La película de David Pérez Sañudo está nominada a MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECCIÓN NOVEL (David Pérez Sañudo), MEJOR ACTRIZ (Patricia López Arnáiz), MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN (Jone Laspiur) Y MEJOR GUIÓN ADAPTADO (David Pérez Sañudo y Marina Parés).

La ópera prima de Pérez Sañudo continúa sumando premios y reconocimientos desde su estreno en el Festival de San Sebastián. Patricia López Arnáiz recibió este fin de semana el Premio Forqué a la Mejor Actriz y añade ahora a su nominación a los Feroz, la nominación a los Goya.

ANE fue seleccionada en la II edición de La Incubadora de The Screen, una iniciativa de la ECAM que apuesta por el nuevo talento español y está dirigida por David Pérez Sañudo, co-escrita junto a Marina Parés y producida por Amania Films. 

Protagonizan ANE Patricia López Arnáiz (Mientras dure la guerra, El guardián invisible) y Mikel Losada (La pequeña Suiza, La higuera de los bastardos). Basada en el corto homónimo rodado en 2018, ANE cuenta además con la participación de actores de la talla de Aia Kruse (Handia), Luis Callejo (Tarde para la ira), Nagore Aranburu (Loreak), Gorka Aguinagalde (Errementari. El Hierro y el diablo), Fernando Albizu (Gordos), David Blanka, Iñaki Ardanaz y la joven actriz Jone Laspiur.

La banda sonora original de ANE está compuesta por Jorge Granda. A su vez, la película cuenta con éxitos de grupos españoles como Berri Txarrak y Willis Drummond.

SINOPSIS: EUSKADI, 2009. Lide (Patricia López Arnáiz) trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad, un proyecto que genera protestas sociales en las calles. Cuando vuelve a casa después de trabajar y pasar la noche de fiesta, prepara el desayuno para dos, pero su hija adolescente, Ane, no está. Al día siguiente, ésta sigue sin aparecer.

Lide mantiene la calma, seguramente su desaparición está causada por la fuerte discusión que tuvieron el día anterior. Buscando entre las cosas de Ane, se irá dando cuenta de que su hija es una persona a la que no conoce.

Junto con su exmarido Fernando (Mikel Losada), investigarán el paradero de su hija. Ambos se sumergirán en el mundo de Ane, un espacio activista, inestable y adolescente.

ANE es una historia de búsqueda, de comunicación y falta de ella, de cuidados y descuidos, de obras y reconstrucciones, porque todas las relaciones tienen un poco de cada una.

Nominaciones y Premios de ANE

Premios Goya

Nominada a Mejor Película

Nominada a Mejor Dirección Novel

Nominada a Mejor Actriz

Nominada a Mejor Actriz Revelación

Nominada a Mejor Guión Adaptado

Premios Forqué

Premio a Mejor Actriz  - Patricia López Arnáiz

Premios ASECAN

Nominada a Mejor Película no andaluza

Nominada a Mejor Guión Adaptado Marina Parés Pulido & David Pérez Sañudo

Premios Feroz

Nominada a Mejor Película Dramática

Nominada a Mejor Actriz Protagonista de una película Patricia López Arnaiz

Nominada a Mejor guion Marina Parés Pulido & David Pérez Sañudo

Premios Blogos de Oro

Nominada a Mejor película

Nominada a Mejor guion Marina Parés Pulido & David Pérez Sañudo

Nominada a Mejor actriz protagonista Patricia López Arnaiz

Nominada a Mejor actriz revelación Jone Laspiur

Festivales

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Premio Irizar - Mejor película vasca 

Mejor guion vasco - Marina Parés Pulido & David Pérez Sañudo 

Festival Abycine

Premio de la prensa mejor película 

Festival de Málaga

Tres Premios Mafiz (Málaga Festival Industry Zone): ayudas a la postproducción de imagen, banda sonora y distribución internacional. 

AVALON nos informa que “MY MEXICAN BRETZEL” y “AKELARRE” han sido nominadas a los Premios Goya 2021.

La Academia de Cine anunció los nominados a la 35ª edición de los Premios Goya, que se entregarán en el Teatro Soho Caixa Bank de Málaga el  6 de marzo.

“My Mexican Bretzel” está nominada a Mejor Película Documental y Mejor Dirección Novel. La ópera prima de Nuria Giménez Lorang, producida por Avalon PC y Bretzel & Tequila, se estrenó en cines el pasado 11 de diciembre tras un largo y exitoso recorrido en festivales nacionales e internacionales. Desde entonces, lleva 6 semanas ininterrumpidas en los cines y ahora mismo todavía se puede ver en estas salas.

“My Mexican Bretzel” tuvo su premiere internacional en el Festival de Rotterdam, donde ganó el Premio Found Footage. Desde entonces ha continuado su exitoso recorrido en festivales, entre los que destacan el New York Film Festival, Visions du Reel, el Festival Internacional de Cine de Monterrey o el Festival de Mannheim-Heidelberg, en el que recibió el International Newcomer Award y el Fipresci de la Crítica Internacional.

En España ha recibido los premios del Jurado de Cine Español a Mejor Película, Guion y Dirección del Festival de Gijón y el Premio del Público en el pasado Festival D'A, convirtiéndose por aquel entonces en un pequeño fenómeno para los amantes del cine durante el confinamiento. Posteriormente, fue uno de los títulos seleccionados para formar parte de la sección Made in Spain del pasado Festival de San Sebastián.

My Mexican Bretzel también está nominada a los Premios Feroz (Premio Especial).

“My Mexican Bretzel” está nominada a Mejor Película Documental y Mejor Dirección Novel. La ópera prima de Nuria Giménez Lorang, producida por Avalon PC y Bretzel & Tequila, se estrenó en cines el pasado 11 de diciembre tras un largo y exitoso recorrido en festivales nacionales e internacionales. Desde entonces, lleva 6 semanas ininterrumpidas en los cines y ahora mismo todavía se puede ver en estas salas.

“My Mexican Bretzel” tuvo su premiere internacional en el Festival de Rotterdam, donde ganó el Premio Found Footage. Desde entonces ha continuado su exitoso recorrido en festivales, entre los que destacan el New York Film Festival, Visions du Reel, el Festival Internacional de Cine de Monterrey o el Festival de Mannheim-Heidelberg, en el que recibió el International Newcomer Award y el Fipresci de la Crítica Internacional.

En España ha recibido los premios del Jurado de Cine Español a Mejor Película, Guion y Dirección del Festival de Gijón y el Premio del Público en el pasado Festival D'A, convirtiéndose por aquel entonces en un pequeño fenómeno para los amantes del cine durante el confinamiento. Posteriormente, fue uno de los títulos seleccionados para formar parte de la sección Made in Spain del pasado Festival de San Sebastián.

“My Mexican Bretzel” también está nominada a los Premios Feroz (Premio Especial).

DYP COMUNICACIÓN nos informa que “CARTAS MOJADAS” de Paula Palacios está nominada a Mejor Película Documental en los Premios Goya.

La película documental “CARTAS MOJADAS”, dirigida por Paula Palacios, ha sido nominada en la 35º Edición de los Premios Goya en la categoría Mejor Película Documental tal y como ha informado la organización esta mañana desde la Academia de Cine en un acto presentado por Dani Rovira y Ana Belén. La película documental se disputará la estatuilla el 6 de marzo con “El año del descubrimiento”, “Anatomía de un Dandy” y “My Mexican Bretzel”

“CARTAS MOJADAS” corona con esta nominación un exitoso recorrido tras su paso por el Festival de Málaga donde recibió el Biznaga de Plata Premio del Público a Mejor Documental, y las dos más recientes: la nominación a los Premios Forqué y los Premios Feroz; estos últimos aún por celebrarse el próximo 8 de febrero.

El largometraje de la directora novel, que recorre los años más trágicos de la migración hacia Europa y la misión más dura del Open Arms, es uno de los cinco documentales más taquilleros del 2020 tras su estreno en salas el pasado 9 de octubre.

“CARTAS MOJADAS” cuenta con la producción asociada de Isabel Coixet, y es una producción de Morada Films, con el apoyo del ICAA - Gobierno de España y de Al Jazeera Documentary Channel.

SINOPSIS: Miles de personas han cruzado el Mediterráneo los últimos años tratando de alcanzar Europa. Cartas Mojadas cuenta, a través de una voz misteriosa desde el fondo del mar, la epopeya más trágica de nuestra historia contemporánea. Siguiendo cartas escritas de madres a hijos, la voz acompaña al barco de la ONG Open Arms, en su misión más dramática, luchando por salvar a 550 personas de un naufragio. Después traslada al espectador a las calles de París, donde la violencia policial contra los migrantes contrasta con el esfuerzo invertido en alcanzar Europa. Olvidándonos de que se trata de una historia real, la situación empeora cuando la película nos lleva a bordo de un barco de guardacostas libios y nos sumergimos en el lugar más peligroso del mundo, en Libia, donde se maltrata y esclaviza a seres humanos.

FESTIVAL FILMS nos informa de que “BABY”, el último trabajo de JUANMA BAJO ULLOA, ha conseguido dos nominaciones en los Premios GOYA que se celebrarán el próximo 6 de marzo: Mejor Dirección y Mejor Música Original. 

BABY es una película de una poesía y una belleza extraordinarias que nos cuenta la historia de una joven madre y su camino hacia el redescubrimiento del amor y la vida. Con esta pequeña joya cinematográfica Juanma Bajo Ulloa nos vuelve a conectar con el cine en estado puro. Además, cuenta con un atractivo reparto internacional compuesto por Natalia Tena (Juego de Tronos, 10.000 Km), Harriet Sansom Harris (Ratchet, El hilo invisible), Rosie Day (Blackwood) y Charo López (Secretos del corazón, Rey Gitano).

Sinopsis: Una joven adicta, da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al comercio infantil. Arrepentida, tratará de recuperarlo descubriendo una realidad sobrecogedora.

PREMIOS Y FESTIVALES

Premios Goya 2021: Nominada a Mejor Dirección y Mejor Música Original

Premios Feroz 2021: Nominada a Mejor Música Original

Sitges 2020 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya: Sección Oficial

Seminci 2020 - Semana Internacional de Cine de Valladolid: Película sorpresa clausura

PÖFF 2020 - Tallin Film Festival: Sección Oficial

CIFF 2020 - El Cairo Film Festival: Sección Oficial

VASAVER nos informa que la ópera prima de Ainhoa Rodríguez, “DESTELLO BRAVÍO”, abrirá la sección principal de la 50ª edición del Festival Internacional de Cine de Róterdam.

La película tendrá su estreno mundial compitiendo en la sección oficial del festival - Tiger Competition- el 2 de febrero.

“Destello Bravío”, el primer largometraje de Ainhoa Rodríguez, competirá en la 50ª edición del Festival Internacional de Cine de Róterdam, dentro de su sección principal, Tiger Competition, que tendrá lugar del 1 al 7 de febrero de 2021. La película se podrá ver por primera vez en el festival el día 2 de febrero. Protagonizado por no actrices y no actores, este relato misterioso, oscuro y sugestivo con notas de realismo mágico y surrealismo, ha sido rodado íntegramente en localizaciones de la Comarca de Tierra de Barros (Badajoz).

La película es una coproducción entre Tentación Cabiria, la productora de la propia Ainhoa Rodríguez, y Eddie Saeta, compañía de Lluís Miñarro, que cuenta con una larga y prestigiosa carrera en festivales internacionales. Róterdam forma parte de la trayectoria de Eddie Saeta: ganó el Tiger en 2011 con “Finisterrae” y el propio Miñarro ha participado también como director con las películas “Stella Cadente” y “Love Me Not”.

Ainhoa Rodríguez, directora, guionista y productora del proyecto, cuenta con una amplia carrera como docente y sus proyectos cortos han conseguido numerosos premios en festivales internacionales. Su debut en el largometraje ahonda en su trabajo con mujeres de áreas rurales en diversos laboratorios de cine y miradas no normativas y hace hincapié en la importancia del cine para crear nuevas feminidades.

Sinopsis: Va a pasar un destello bravo, bravío, y todo va a cambiar…, Isa se habla a sí misma dejándose mensajes en su grabadora para cuando desaparezca o pierda la memoria. Cita se siente atrapada en un matrimonio en una casa llena de santos y vírgenes. María regresa a la población donde nació para enfrentarse a su soledad. Las mujeres de una pequeña localidad rural, suspendida en el tiempo y azotada por la despoblación, viven entre la apatía de su día a día donde nada extraordinario ocurre y un profundo deseo de experiencias liberadoras que les hagan reencontrarse con el lugar donde fueron felices o soñaron serlo.

Destello Bravío es un filme enigmático y sugestivo, una ficción que a veces parece un documental y que mezcla códigos del suspense y el realismo mágico, para narrar la vida de una localidad muy pequeña del sur de España donde sus habitantes se enfrentan al fin de un tipo de vida tradicional y en decadencia. Está protagonizado por no actrices, mujeres rurales de diferentes edades, que no siguen patrones normativos y que visibilizan lo natural, lo cotidiano. Estas mujeres aportan su verdad emocionante, cruda y sin artificio a esta película compuesta por bellos encuadres que encierran a los personajes en su universo, acompañados de una muy sugerente banda sonora de música electrónica y psicodelia. 

VASAVER nos informa que “ADU” de Salvador Calvo, ha conseguido 13 nominaciones a los Premios GOYA 2021, incluyendo las de mejor película y mejor dirección.

ADÚ se alzó el pasado 18 de enero como la película con más nominaciones a los Premios Goya 2021 con 13 nominaciones. La película, producida por Ghislain Barrois y Álvaro Augustin (Telecinco Cinema), Javier Ugarte (La Terraza Films), Edmon Roch (Ikiru Films) y Un Mundo Prohibido AIE, con la colaboración de Mediaset España y Mediterráneo Mediaset España Group y la financiación del ICAA fue distribuida en cines por Paramount Pictures Spain. Con motivo de las nominaciones, la película se reestrenará en cines este viernes 22 de enero.

Desde su estreno en cines, el 31 de enero de 2020, la película, dirigida por Salvador Calvo y protagonizada por Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Moustapha Oumarou, Zayiddiya Disssou y Adam Nourou ha recaudado más de 6 millones de euros en taquilla y ha sido vista por más de un millón de espectadores, siendo la segunda película española más vista del año.

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.

Nominaciones ADÚ a los Goya 2021

Mejor película

Mejor dirección, Salvador Calvo

Mejor actor revelación, Adam Nourou

Mejor actor de reparto, Álvaro Cervantes

Mejor guion original, Alejandro Hernández

Mejor dirección de producción, Luis Fernández y Ana Parra

Mejor dirección de fotografía, Sergi Vilanova

Mejor sonido, Eduardo Esquide, Juan Ferro y Nicolás de Poulpiquet

Mejor montaje, Jaime Colís

Mejor canción original, Sababoo - de Cherif Badua y Roque Baños

Mejor música original, Roque Baños

Mejor maquillaje y peluquería, Elena Cuevas, Mara Collazo y Sergio López

Mejor dirección artística, César Macarrón

“ADU” SE HA REESTRENADO ESTE 22 DE ENERO.

Estrenada en 395 salas el 31 de enero de 2020, ADÚ, fue la segunda película española más vista de 2020 con más de un millón de espectadores y  una recaudación de más de 6 millones de euros.