DESPUÉS DE LA TORMENTA: CRÍTICA DE CINE

En “Después de la tormenta” Kore-Eda Hirokazu nos presenta un filme cargado de dramatismo, donde la banda sonora es el sonido ambiental de los lugares donde los personajes hablaran de sus vidas, de sus sueños rotos, de los recuerdos, de los vicios en los que se ven envueltos por la soledad que les persigue, de una infancia olvidada, en definitiva, de su intimidad.

Hirakazu prescinde de todo lo artificial y nos muestra un filme directo, sincero, puro, sin nada que pueda perturbar las interpretaciones de los actores que recrearán a unos personajes tan vivos que nos parece sentir próximos, entre familiares, amistades, conocidos e incluso vecinos.

Las interpretaciones de sus cuatro actores principales, resultan auténticas, sin engaños.  Hiroshi  Abe (Ryota Shinoda) nos mostrará un hombre anclado en el tiempo, resignado en el presente, salvo en el deseo de recuperar un amor perdido. Yoko Maki (Kyoko Shiraishi) será la ex mujer tímida pero decidida, donde cree tener muy claros los pasos a seguir en la vida para conseguir su felicidad, pero… Taiyo  Yoshizawa (Shingo Shiraishi) nos dejará ver el desconcierto que cualquier niño puede percibir ante el por qué sus padres se han divorciado y el cuarto posicionamiento, nos viene dado por la experiencia, la madurez de quien ha vivido toda una vida junto a un hombre del que no tiene buen recuerdo, pero no lo abandonó nunca. Kilin Kiki (Yoshiko Shinoda) Su fina ironía, sus palabras afiladas que caen como sentencias, el observar al destino sin prisas, porque ya no hay motivo para ello, confieren al personaje de Kilin, una de las mejores interpretaciones, entre miradas, silencios, caricias sutiles e incluso las que no se ofrecen.

Hirokazu narra con sutileza, con planos sencillos para hacernos sentir espectadores de excepción de una historia cómplice en conversaciones, delicada en su planteamiento, sagaz en lo que quiere mostrarnos y divertida para no abrumarnos.

Puede parecer un drama familiar al uso, pero al finalizar la historia, nos damos cuenta que Hirokazu le da ese toque especial que nos convence, sin ser tal vez lo que esperamos.

          Mi nota es un: 7,5

          Estreno en España: 11 de Noviembre

REPARTO: Hiroshi Abe, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki, Taiyô Yoshizawa.
Productora: Aoi Promotion

Distribuidora en España: Golem Distribución

UNA NUEVA FELICIDAD: CRÓNICA DE UNA PRESENTACIÓN

El pasado 29 de octubre a las 12 del mediodía se presentaba en Madrid, en El Espacio Ronda, en la C/ Ronda de Segovia, la primera novela autobiográfica de Curro Cañete Leyva.  “Una nueva felicidad” Con la Editorial: Destino

La sala ofrecía un ambiente espectacular, no sólo por el lleno que presentaba, sino por la buena energía que se percibía y es que sin duda, esa energía la transmite Curro desde el momento en que se le conoce, con su llana sonrisa y forma de expresarse.

El acto fue presentado por Máxim Huertas, escritor, periodista y conocido por su trabajo en la cadena Telecinco junto a Ana Rosa. Una presentación distendida, divertida, cercana, donde Máxim hizo reír al público con anécdotas sobre la novela y el autor. Luego fue el propio Curro quien intervino con su marcado acento andaluz, primero dando paso a Paqui Luna, notable contadora de historias ofreciendo a todos los presentes un pequeño cuento cargado de emotividad, en su voz dulce y aterciopelada, para pasar a lo que él tenía previsto. Una intervención  que desvelaría algunos pasajes del libro, el tiempo que le llevó escribirlo, un total de 3 años y las aventuras que durante ese proceso, vivió y disfrutó. Nos emocionó hablando de su hermano al que rindió un merecido homenaje.

“Una nueva felicidad” es el testimonio conmovedor sobre la importancia de ser valiente en la vida. La historia de un viaje extraordinario hacia la libertad y el amor, y sin duda esa libertad y amor desprende Curro estando en su presencia.

        Tras la presentación, firmó libros y fueron muchos los que desearon tener un ejemplar ese día.

        Algunos esperaron pacientemente mientras llegaba su turno, tomando un refresco y un tentempié que el autor tenía preparado.

        Mis felicitaciones Curro, no sólo por el libro sino por tu carisma tan positivo y verdadero.   Me voy a quedar con una de tus frases o más bien pregunta.

“¿Qué pasaría si en lugar de hablar de la felicidad hiciéramos todo lo posible para ser felices?”

“Una nueva felicidad” con la Editorial Destino, la podéis adquirir en las librerías.

JOTA DE SAURA: CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

Sabiendo que el documental cuenta con guión y dirección de Carlos Saura, el producto resultante, es difícil que tenga  fisuras importantes, pero no por eso se convierte en una obra maestra, pues a mi modo de ver, peca de cometer un fallo.

“Jota de Saura” es el largo documental con el cual el maestro rinde homenaje a la Jota aragonesa, tal vez una pequeña “deuda” con su tierra natal  o “regalo” hacia ella.  

El director de obras como: “Bodas de sangre” “Carmen” “¡Ah Carmela!” o “Tango” entre otras, nos presenta la historia de la Jota,  partiendo de los cantes y bailes más tradicionales, hasta llegar a las fusiones, sobre dicho género  musical.

El Jazz, el Flamenco e incluso la música celta, nos irá acercando aún más a la Jota y con ello descubriremos similitudes y adaptaciones realizadas hacia el género, que resultan más que interesantes de escuchar y ver. No  se privará  de contar con los mejores, con un gran despliegue de bandas, solistas, bailarines; todos ofreciendo lo mejor de su arte y para ello Saura recurrirá, una vez más, a los decorados de paneles y paredes, con los que parece querer proteger a los protagonistas y arroparlos con  la soberbia iluminación, puesta en escena, brillante fotografía, el impecable montaje y sutil ambientación. Crea en algunos momentos, perfectas estampas entre luces y sombras, entre los colores y los efectos visuales. Todo aparentemente muy sencillo y a la vez muy práctico.

Sin duda Carlos Saura pretende con esta obra traer un recuerdo del pasado, vivo en el presente y con proyección hacia el futuro.

Al comienzo de este texto, comenté que a mi juicio existía un error,  y ese es la falta de un narrador que en ocasiones, no siempre, nos pudiera explicar de forma breve lo que estamos viendo, a través de los cantes y bailes, pues sus 92 minutos de duración, pueden resultar un poco espesos, creyendo ser partícipes de un largo concierto de voces y danzas.

Mi puntuación es de: 7,5

Participan: Miguel Ángel Bernal, Sara Baras, Ara Malikian, Carlos Núñez, Giovanni Solima, Juan Manuel Cañizares y Enrique Sonilis.

PRODUCTORAS: Telefónica Studios S.L. / Movistar+  / Tresmonstruos  MEDIA / Tresmonstruos PC.

DISTRIBUIDORA: para España: Sherlock Films.

ENTREVISTA A SANTI SENSO: ACTOR Y DIRECTOR

Hoy os traigo a un director y actor que conocí por deseo del destino en uno de sus actos íntimos, de los cuales también hablaremos en esta entrevista. Hablo de Santi Senso

J.S.- Santi, como suelo hacer con todos mis entrevistados, comienzo con unas preguntas personales, que no íntimas. ¿Cómo era Santi de niño?

S.S.- Inquieto, expectante, arriesgado, mal estudiante pero con muy buen oído para el coro del colegio de curas, diferente a los demás pero a la vez necesario, esto es algo que me he dado cuenta ya de mayor, organizaba las fiestas, los viajes, era confidente de muchos y  muchas amigas guardando muchos secretos, celestino, abogado de pleitos pobres, pacificador, y a la vez “carne de cañón”.

Hay una frase que siempre me habita y es que “YO NUNCA HICE NADA PARA LLAMAR LA ATENCIÓN, Y ESO ES LO QUE MÁS LLAMABA LA ATENCIÓN”.

J.S.-  ¿Cuál era el juego favorito de Santi y por qué?

S.S.- Los juegos de posguerra, el clavo, los guarrinos, mosca, zorra, al cinturón; supongo que no tenía mucha elección o eso o jugar a juegos de niñas que me parecían más educativos y no tan violentos. Me he criado y educado en un barrio del centro de Cáceres “Hispanoamérica” Mi pandilla era todo el barrio, más de 70 niños y niñas de distintas edades, éramos una tribu, una comuna con su jerarquía y si querías mantenerte en ella, debías hacer muchas cosas que no querías. Yo la mayoría de las cosas no las hacía y por eso era muy rechazado y a la vez muy deseado.

J.S.- La familia, el amor, la amistad. ¿Qué valor tienen en tu vida y en qué orden los clasificarías?

S.S.- Afortunadamente son tres que no puedo separarlas. Mis padres y hermanos siempre han formado parte de mis círculos de amigos del barrio, del instituto o los de mi grupo de teatro “CHEIRA” y el amor ha sido algo que nos ha mantenido unidos.

J.S.- Como tantos que hemos abandonado nuestros lugares de origen, tú decides un día dejar Cáceres para trasladarte a Madrid. ¿Cuál fue el motivo de cargar aquella maleta?

S.S.- En mi maleta solo llevo una cosa “TIERRA EXTREMEÑA” para masticarla, para reafirmar y no olvidar quien me parió y me sigue alimentando. Nunca me fui.

J.S.- Cine, teatro, televisión… Vamos por partes y comenzaremos con el cine. Estudiaste con maestros como: Jaime Chávarri, Eva Lesmes, Mariano Barroso, Geli Albadalejo, Eduardo Milewiez ¿Qué supuso adquirir conocimientos con profesionales tan diferentes entre ellos?

S.S.- Ellos y ellas me educaron como lo hace cada día mi vecina Carmen, la gatita Martina que me da los buenos días y las buenas noches desde su ventanita de la corrala, como lo siguen haciendo mis amigos y familiares difuntos, y como lo hace la persona a quien AMO. Tengo muy aceptado que no solo me dan ellos y ellas sino que yo también les doy, sólo así podremos compartirNOS durante un acto de entrega donde “Si regalas generosidad, un día la generosidad te sonreirá, te saludará. El generoso no sólo es el que da, sino el que se deja dar, recibir”.

Pero si una cosa debo destacar y agradecer a mis compañeros de profesión, es que reafirmaron lo feliz que me hace ser comunicador, intérprete, ACTOR.

J.S. La primera intervención ante la gran pantalla fue en el 2002 con el largometraje “La vida de San Antonio de Pauda”  del director Humberto Marino, pasando por cortometrajes como “La última Carta” 2003 de Jerónimo García, “Reina y Mendiga” 2004 de Vicente Villanueva, “América Cofee” 2005 de Manuel Eirás o el documental “Casting” de Koen Suikgeest que fue nominado al Goya 2006. ¿Qué recuerdas de aquellos inicios?

S.S.- Realmente mi primera intervención en el cine fue en la película “1492, La Conquista del Paraíso” junto a Gérard Depardieu y dirigida por Ridley Scott en el año 1992 y fue así: Acompañé a mi madre a las filas para apuntar a mi hermano German como extra en la película que se rodaría en Cáceres, y una señora se acercó a mí y me dijo: “Tú ven conmigo que eres muy guapo”  Y me vi inmerso en un rodaje sin saber de qué iba la película ni  quiénes eran los actores; hasta me manifesté con unos cuentos revolucionarios para que nos pagaran más e hicimos una sentada en la plaza de Santa María en la parte antigua, y conseguimos que nos pagaran más. Con mi primer suelo me compré un balón de fútbol por 1000 pesetas.

La verdad ni sé el porqué de esta compra, porque yo no jugaba al fútbol, supongo que era para integrarme con mis amigos del barrio, el resto del dinero se lo di a mi madre.

J.S.- Tu primer papel protagonista llegará de la mano de Dani Diosdado con su largometraje “Sesión” ¿Qué supuso enfrentarse a la responsabilidad de un papel protagonista?

S.S.- Siento esta película como mi primer Acto Íntimo en cine y mi primer encuentro con la idiosincrasia de la industria y los intereses que mueve el cine y así fue: Yo tenía una idea para juntarnos un grupo de actores que previamente al rodaje no podíamos saber quiénes completaban el elenco, trabajaríamos individualmente el personaje con disfunciones sexuales y amaríamos una patología supervisada por el director. Durante 3 días de convivencia en una casa de campo, viviríamos una terapia grupal llama “Sesión”.

Vicente de 30 años Satiriasico o Donjuanismo, lo que viene siendo en una enfermedad femenina “ninfómana” ya que no existe el término ninfómano.

Este personaje y lo vivido durante y después del rodaje, me desveló hasta donde puede el ser humano llegar para conseguir sus propósitos a costa del sufrimiento, y jugar con los sentimientos de los demás. Os invito a ver la película ya que no os dejará nada indiferentes, e incluso seguro que os reconoceréis en alguno de los testimonios.

J.S.- Tu aspecto físico, tu cabello casi siempre largo, tu barba, tus ojos claros; dan el perfil perfecto del personaje que interpretarías bajo las órdenes de Guillermo Benet “Hijo del hombre” en el papel de Jesucristo. ¿Qué supuso acometer un personaje histórico tantas veces llevado a la gran pantalla?

S.S.- Hijo del Hombre, Semay,  33 Hágase mi voluntad, y hasta decenas de nombres hasta llegar a “Canción para después de la Batalla” lo que sería mi segundo Acto Íntimo en cine y mi segundo tropiezo con la idiosincrasia del cine y la ambición desmesurada del ser humano.

Jesús que no Jesucristo, ya que en esta película es un hombre que no se siente mesías y desea VIVIR, tener hijos, disfrutar de su hermano y llegar a ser un anciano, desafiando sus creencias y a su Dios hasta el último momento increpando y reivindicando su deseo de VIVIR y NO MORIR. ¿Por qué debemos aceptar lo que nos impone el mundo?

J.S.- Cambiemos de formato y nos vamos a la pequeña pantalla. A través de ella te hemos podido ver en series como protagonista en “Amar en tiempos revueltos” TVE, pasando por  “El elegido” o “Brigada policial” en la Sexta o “Sexo en Chueca” de Tele 5, hasta llegar a “Águila Roja” ¿Qué diferencia notable apreciaste en la forma de trabajar entre el cine y la televisión?

S.S.- Diferencias más bien pocas, todo debe ser rodado de una forma muy rápida y en la mayoría de la ocasiones, no hacer más de una toma porque nunca hay tiempo y es caro el hacer más tomas. El cuidado del actor en rodajes de TV y Cine está en ver un poquito de luz en alguna mirada del equipo que te diga: “Estoy contigo, no estás solo, sigue por ahí, bravo” La mayor parte del tiempo estás perdido, pero eso a mí me pone, me seduce y sale lo más visceral de mí.

J.S. En la serie, que si no estoy equivocado está en su última temporada, “Águila Roja” interpretabas al Secretario Real. ¿Qué supuso intervenir en una producción como esta?

S.S.- Formé parte de un capítulo muy especial: el número 100 y regalé, compartí mis frases con mi “compi de barbas” ya que yo tenía el texto y él no hablaba. Me pareció que sumaba más que si éramos siameses, decir el texto juntos. Supuso una aceptación del Ego y que mi personaje brillaría mucho más, con la verbalización de mi compi.

J.S.- Saltemos al formato más apreciado por los grandes actores, el teatro. Andrés Lima, Claudio Tolcachir, Juan Echanove, Cristina Rota, Leonardo Eiríz… Entre otros muchos han sido tus profesores, subiéndote a las tablas bajo las órdenes de Leonardo Eiríz con “Lorca x Lorca” o “Edipo Rey” continuando con “Rebelión en la granja” de Isidro Timón. ¿Qué sientes cuando estás directamente ante el espectador?

S.S.- Me paralizo al sentirles expectantes, les escucho y les doy abiertamente lo que siento sin prejuicios ni censuras, pero si con respeto.

De esos profesores que mencionas,  en su día yo fui espectador de sus palabras y sus gestos; algún día cuando se atrevan vendrán a disfrutar de lo que crearon en mí, un “loco lindo”.

J.S.- Tus clases de canto y voz en el conservatorio de Cáceres y con profesores como Ángel Ruiz, Mía Paterson, Concha Doñaque; te darán la oportunidad de participar en el musical, con obras como: “La Paz”  dirigido por Juan Margallo (Teatro Clásico de Mérida) “Yo soy aquel negrito” de A. Gil Aparicio. “El diluvio que viene” de P.P. Juárez y Miramon Mendi José Luis Moreno y “La reina de las nieves” de Manuel Román. Interpretar y cantar a la vez. ¿Cómo se prepara un actor ante un musical?

S.S.- Con mucha disciplina y rigor, algo que yo no llevaba muy bien y no por el trabajo en sí, sino por el agotamiento emocional y repetido sin dar cabida a lo inesperado, a la sorpresa, ya que todo está muy medido y ajustado en los musicales. Honestamente, me aburría un poco.

J.S.- Además del musical “La paz” mencionado en la anterior pregunta, participas en obras como “Lisistrata” interpretada por Paco León y dirigida por Jerome Savary  y “Agripina” de los directores Eugenio Amaya y Mauricio Celedón y protagonizada por Cristobal Jodorowsky en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Todos los amantes del teatro sabemos que es un lugar de culto y donde desean actuar muchos actores. ¿Cómo se siente uno en él, sabiendo que está siendo observado, desde esas gradas tan especiales?

S.S.- Cierro los ojos al contestar esta pregunta y me veo delante del altar situado detrás del escenario, lugar donde rezaban los actores antes de pisar la arena del escenario, huele a incienso y siento el calor de las antorchas y el murmullo de los espectadores como entran por lo vomitorios. Silencio, risas, lágrimas, sobrecogimiento, aplausos.

J.S.- Pero no será el último festival en el que participarás, pues tienes la oportunidad de hacerlo en tu lugar de nacimiento. Cáceres, con la obra de Moliere “Don Juan” dirigida por Joan Daniel Laval ¿Fuiste profeta en tu tierra?

S.S.- Siempre digo que soy profeta en mi tierra, ya que así lo quieren y me demandan los que allá siguen habitándola. Eso me hace responsable y debo cuidar de cada acto dentro del marco del Festival de Teatro Clásico o fuera de él. No sólo la responsabilidad está en lo profesional, sino en lo humano, en lo terrenal.

J.S.- Llegamos a tus “Actos íntimos” y dice la leyenda que cuando alguien vive un acto íntimo de Santi Senso, queda atrapado para siempre en sus redes, pero la leyenda se vuelve realidad cuando uno lo experimenta y puede contarlo. ¿Cómo nacen los actos íntimos?

S.S.- Con el descubrimiento de los secretos de mi familia y las cartas de amor de mis padres, leyendo la ropa interior de mi abuela, con la aceptación de que no era muy común en un adolescente estar cantando todo el día y de la máquina de escribir, con la que con más de 300 pulsaciones por minuto escribirían, lo que 20 años después se escenificaría con la más bella vulnerabilidad, los llamados y amados “Actos Íntimos”.

J.S.- “Hiela el calor” fue el primero de ellos a los que han continuado “ORGIAme, la depravación del Yo”, “Desnudando a los Clásicos”  “La religión de Sade” “YO INDIGENA, la conquista de uno mismo”  “Manada” “El Descanso de Caronte”, entre otros ¿Qué crees que tienen los actos íntimos que atrapan a los espectadores que acuden a ellos?

S.S.- Que primero me atrapan ellos y ellas a mí, me provocan y me hago cargo de ello y por eso y solo por eso, pueden conectar con la propuesta de mirarNOS a los ojos y sentirNOS VIVOS, VIVAS. Que la dramaturgia se escriba en el momento y nunca más pueda ser representada de la misma forma.

J.S.- “LOOK AT ME FOR WOMEN OF BROOKLYN”  Será el acto íntimo que crearás en Nueva York junto a pintoras de dicha ciudad ¿Cómo resultó la experiencia?

S.S.- Sin pactar, con la espera de pintores en una clase común de pintar a un modelo desnudo, y mi deseo de impregnar y dejar sobre el tapiz del taller, esas gotas de sudor con las que humedecer los cuatro pinceles de las cuatro pintoras que se atrevieron a asistir, y que las líneas corrieran por sus lienzos sin pretensiones, sin técnica, sin apenas mirar el resultado sin dejar de apartar la mirada sobre el modelo móvil, ofreciendo una coreografía y no una sola pose.

J.S.-  Tú última obra es “Pornocapitalismo a Sangre viva” Presentada en el festival “Surge de Madrid”. ¿Qué críticas tuviste de dicha obra?

S.S.- La más reveladora que echaban de menos  ser tocados, invadidos y mi no desnudez física. Ahí es donde sentí la crítica constructiva donde la desnudez de los Actos Íntimos no está en el físico, sino en lo emocional y en el deseo de ser tocados, penetrados, y que el orgasmo emocional les llegue días después en sus trabajos, en el salón de la casa o por la calle. Los Actos Íntimos transcienden, son eternos. Ahora tras mi viaje por Sudamérica, cuando llegue  a Madrid continuaré con la gira, con esta obra, por España y festivales, donde habrá novedades, como la incorporación de la actriz venezolana Arlette Torres, además de Cary Rosa Varona y Federico Pouso

J.S.- Aprovechando que has estado en Sudamérica, cuéntanos algo de esta nueva experiencia por aquellas tierras.

S.S.- Ir a Sudamérica es como sentirme en casa por la forma en que me acogen. Allí he protagonizado el musical “Tan Lejos” dirigido por Felipe Havranek en el Teatro de Anglo, obra que se estrenó el 12 de octubre y de la que guardo un gran recuerdo. Una obra donde interactúo con los espectadores e intento mostrar que todos somos responsables de nuestros actos, que son nuestra herencia, que debemos dejar atrás los odios, competitividad, los rencores… que la vida es muy corta. La obra trata también de la inmigración y lo complicado que es salir de la zona de confort.
Luego Rodé “Ojos Grises” junto al actor Leonardo Sbaraglia y dirigida por Santiago Ventura. Una película de ciencia ficción retro. Una crítica social sobre la pérdida de los sentimientos en la sociedad actual y donde esa pérdida ha provocado que los seres humanos no vean en color, sino en gris. Interpreto al personaje de un asistente de un doctor que investiga precisamente, el porqué de la pérdida de los colores.
He habitado   casas particulares, calles, escuelas como La Escuela Implosivo Artes Escénica y en el Instituto Nacional de las Artes Escénicas en Montevideo y en el Teatro NÜN de Buenos Aires.
Una gran experiencia que seguramente repetiré muy pronto, porque resulta muy estimulante cambiar de aires.

J.S.- ¿Cuáles son tus nuevos proyectos?

S.S.-   Primero lo que te he comentado, continuar con la gira de “Pornocapitalismo, a sangre viva”  Después voy a impartir una serie de Master Class  en La Central de Cine para actores y actrices del mundo del audiovisual, tanto de cine como televisión, donde entrarán en contacto con ese estado de vulnerabilidad para interpretar. Estado del que carece normalmente el cine y la televisión, al darle mayor importancia a la técnica… Por ahora, hasta aquí te puedo contar. Más adelante ya te iré informando, porque como bien sabes, no me gusta estar en activo.  

J.S.- Llegamos a la última pregunta y todo un clásico. ¿Qué te hubiera gustado que te preguntara y no he hecho?

S.S.- Si consigo conciliar el sueño después de todo esto.

NOTA

FOTOS de Almudena Cadalso

TOTAL LOOK de Black&Liberty

ESTILISMOS de Fede Pauso

AL AMPARO DE UNOS DIOSES AJENOS: PRESENTACIÓN POEMARIO

           La semana pasada se presentó la nueva obra poética de Guillermo Arróniz  López, en el Museo Cerralbo de Madrid, titulada “Al amparo de unos dioses ajenos”.

OBRA DE QVIRON LETHEBAIN

Un ejemplar donde las palabras homenajean a la arquitectura, pintura, escultura y fotografía. Tanto a las obras como a sus autores, pues sin las manos, la mente y la magia del artista, la creación no existiría.

QUIOSCO DEL MUSEO CERRALBO

Para tal acontecimiento, además de su pareja Qviron, que desde la sombra le ayuda a preparar todos los eventos, Guillermo se rodeó del prologuista del libro, Octavio Aceves, quien con sus palabras suaves, templadas y sinceras, presentó el poemario y a su autor.

          Guillermo tomó la palabra para deleitarnos con algunos de los poemas contenidos entre dichas páginas, y como ya viene siendo habitual, envolvió el acto de solemnidad, en esta ocasión apoyándose en el gran violonchelista: Beltrán Alonso.  

EL MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN

En la voz de Guillermo pudimos escuchar los poemas dedicados  al “Quiosco del Museo Cerralbo”. “Gran farol del claustro”. “Cubre tu rostro con un velo y esparce cenizas sobre tu cabeza” de Qviron Lethebain. “El violín canario” (Fotografía por hacer). “San Sebastián” de Berruguete. Museo Nacional de Escultura de Valladolid. “La Piedad de Nicodemo” de Miguel Ángel Buonarroti.  “Lord Byron o his death bed” de Denis Odevaere. “El martirio de San Sebastián” de El Greco. Catedral de Palencia. Y para que la magia no se rompiese, entre uno y otro, se escucharon las piezas musicales: El estudio número siete de Jean Louis Du Port. Un fragmento de la ópera Jerjes de Haendel. El adagio de la Sonata en La Mayor de Boccherini y la suite número 5 de Bach (Sarabande)

Todo ello en una sala con una magnífica sonoridad, un lleno absoluto y un nuevo éxito de presentación para un poemario al cual auguro, todo lo mejor.

 

LA HISTORIA DE JAN: CRÍTICA DE CINE.

¿Algún día podré jugar con mi hijo al futbol? Esa es una de las primeras preguntas que le hace Bernardo a su mujer Mónica, cuando se enteran que su hijo tiene el síndrome de Down. Una frase dicha entre el dolor, la resignación y sabiendo el largo camino y lucha que les queda por delante.

Por delante el espectador tiene 94 minutos en un documental  cargado de positivismo, de energía vital, de sueños y esperanzas que nunca se rompieron, aunque los ojos en muchas ocasiones se inundaban en lágrimas y el cansancio físico, se apoderaba de ellos.

Bernardo Moll Otto y Mónica Vic, son los padres del pequeño Jan, que tras el primer impacto de la noticia, aunque ambos ya lo intuían desde su nacimiento, no solo afrontan la patología de su hijo, sino que Bernardo compra una cámara para grabar el día a día de su historia.

Un día a día donde las secuencias, planos, imágenes desfilan por la gran pantalla para mostrar una realidad que están viviendo miles de familias. Una realidad que muestra a esos niños y niñas, sufrir como todos, pero sin poderse comunicar de la misma manera. Donde anhelan con un futuro en el que verse integrados en la sociedad de una forma natural, sencilla, como cualquier niño, cualquier adolescente, cualquier adulto.

Un matrimonio que envuelve a su hijo en amor y le dotan de todo aquello que precisa para que el día de mañana, en ese futuro que ha decidido ese padre grabar desde su nacimiento, sea un niño feliz, como lo es Jan, tras pasar por muchas pruebas.

Un documento filmado con temple, con muchos matices, donde no se busca la lágrima fácil, sino entrar en la historia de Jan, conocer ese mundo, descubrir cómo se cuida, se trata y se siente junto a un chico con este síndrome.

Documento que se sustenta con el guión sólido, tomado del blog que también, en ese día en el que les dieron la noticia, Bernardo decidió escribir para dar a conocer su historia.  Hoy en día, no han dejado de escribir en él, pues es la historia de un campeón, es la historia de un luchador, es la historia de una familia coraje que representa a todas esas familias con hijos que padecen esta patología, u otras parecidas.

Sé que este documental, esta película, desgraciadamente no va a tener una gran distribución como lo pueden tener las grandes películas que se acercan a las salas comerciales, pero si tú, amigo lector de esta reseña, tienes la oportunidad de verla, no lo dudes, pues su visionado debería ser obligatorio para todo el mundo.

Estreno: 4 de Noviembre

Dirige: Bernardo Moll Otto

Distribuidora: Sherock Film / Contracorriente Films
 

LA DANSEUSE (LA BAILARINA) : CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

             La Danseuse (La bailarina) es la ópera prima de la directora y fotógrafa francesa, Stéphanie Di Giusto, quien irrumpe en el séptimo arte por la puerta grande, pues "la bailarina", partamos de entrada, es una película más que interesante de ver y disfrutar.

             "La bailarina" nos cuenta la historia de Loïe Fuller (Soko), una mujer adelantada a su tiempo, que tenía muy claro cuál era su destino y sueño a alcanzar; el ser bailarina, pero no una más. Se convirtió en un icono de la Belle Époque, bailarina de la Ópera de Paris e inspiración para Toulouse-Lautrec y los hermanos Lumière.

            Además de bailar, diseñaba minuciosamente sus puestas en escena, creando juegos con luces de colores, efectos de espejos y los vestidos utilizados entre otros, para intentar sorprender en cada salida al escenario, a los espectadores. Cuando Fuller estaba en lo más alto de su carrera, aparece una joven de nombre Isadora Duncan (Lily-Rose Depp)…

           Loïe Fuller se arropará en sus momentos de debilidad y fragilidad en Louis (Gaspar Ulliel) y Gabrielle (Mélanie Thierry) quien se convertirá en su sombra, como amiga y manager.

          Una obra de sufrimientos, de éxitos, de miserias, de logros personales, de zancadillas, de amores, de sueños e imaginación. Una obra donde su directora Stéphanie la dota por partes iguales, de frágil, delicada, fuerte y vigorosa. Una obra donde además de los personajes principales, destacaría la espléndida y sugerente fotografía de Benoît Debie, que corteja a la ambientación y los decorados de la época, convirtiéndose en parte imprescindible de la historia.

        Toda la película se presenta en una armonía perfecta. En el estado puro que la danza ofrece con su tremendo esfuerzo tan desconocido por el  espectador, y el resultado que éste ve con total naturalidad cuando se ejecuta en la escena, sobre las tablas, bajo los focos y frente a un telón que cada día al abrirse busca mostrar algo que sorprenda. Una sintonía entre los personajes sobre los que destacaría la impecable interpretación de Soko, la delicada actuación de Mélanie Thierry, sin olvidar a un Gaspard Ulliel, enfermizo y melancólico, estados tan propios de un final de siglo XIX

 

           Nada se escapa a los ojos, oídos y la percepción de la directora, quien tiene la habilidad y el temple de mostrarlo de tal forma, que no sepamos que lo que estamos viendo es una película, hasta el final de la misma.

          Muy recomendable para los amantes del cine y de la danza en especial.

          Mi nota es de: 8

           ESTRENO EN ESPAÑA: 4 NOVIEMBRE

REPARTO: Soko, Lily-Rose Melody Depp, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel, François Damiens, William Houston, David Bowles, Louis-Do de Lencquesaing, James Flynn, Petra Buckova, Frans Boyer, Charlie Morgan.

PRODUCTORA: Les Films du Fleuve / Les Productions du Trésor / Sirena Film / Wild Bunch

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VERTIGO FILMS  ESPAÑA

 

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Hoy no os traigo ni una entrevista, ni una crítica, ni siquiera una crónica, hoy os traigo publicidad, sí, pocas veces lo he hecho, pero me apetecía, porque sé que estos productos son necesarios para la vida diaria de algunas personas y si encima son con productos naturales, mucho mejor.
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REGRESAN LAS ENTREVISTAS EN SU SEXTA TEMPORADA

Hola a todos/as  los/as Lectores/as de este blog.

Un año más, al llegar estas fechas, regresan las entrevistas en profundidad, que este año entra en su sexta edición.

Seis años consecutivos donde desde el primer día, intento traeros a hombres y mujeres que se dedican al mundo del espectáculo, aunque en alguna ocasión también de otras profesiones, porque las considero interesantes.

Hombres y mujeres que no tienen normalmente una gran difusión, como se merecerían tener y que desde mi modesto blog, os los presento cada quince días.

Hace no mucho un lector me preguntó una vez más, por qué cada 15 días. El motivo es muy sencillo. Busco que el blog sea dinámico, tenga variación en sus temas, que como veis, el mundo del cine ha entrado con mucha fuerza y es que es un producto muy demandado.

No había hablado de este apartado cinematográfico hasta ahora, pero os contaré que tendréis críticas puntuales, pues desde hace un tiempo colaborado con una revista de cine por la cual accedo a los pases de prensa que les ofrecen.

Seguramente, durante este otoño – invierno, incluida la primavera, entrarán otros apartados, que espero sean de vuestro agrado.

Me despido de todos vosotros, no sin antes agradeceros vuestras visitas al blog.

Un abrazo.

Javier Sedano

HITCHCOCK, MÁS ALLÁ DEL SUSPENSE: LA EXPOSICIÓN

Desde el  5 de octubre al 5 de febrero en la Fundación Telefónica de la calle Fuencarral de Madrid, se está celebrando la exposición: “Hitchcock, más allá del suspense”  Una exposición que pretende descubrir nuevas facetas del maestro del suspense, que aún tres décadas después de su muerte, sigue fascinando por la forma en que dirigió sus obras y  que en su tiempo ofreció a los espectadores de los cines, provocándoles tensión y terror.

La exposición es una retrospectiva que comienza con algunas imágenes sugerentes de sus películas y su biografía, con fechas muy importantes: 1899 Su nacimiento. 1925 la dirección de su primera película “El jardín de la alegría”. 1938 cuando David O. Selnick le contrató para afincarse en Estados Unidos y rodar “Rebeca” hasta llegar a su amplia filmografía que lo componen 57 películas.

A través de panales bien diferenciados y una magnífica iluminación, podremos disfrutar de fotogramas ampliados, secuencias de películas proyectadas en grandes pantallas o monitores, storyboards, bocetos de decorados, vestuario y peluquería, sin olvidar los carteles de la época y los misterios de sus diseños; pequeños cortometrajes,  fotografías, vestidos, revistas. Un amplio abanico donde el visitante realiza un recorrido audiovisual que a medida que llega al final, va sintiendo aún más la fascinación por este gran creador, que no se limitaba con dirigir una película, sino que se  ocupaba de la comercialización de la misma, de los mínimos detalles, de rodearse del mejor equipo al que exprimía al límite, de su obsesión por las mujeres que interpretarían a las buena y malas en sus películas, con claras diferencias entre las unas y otras, de cómo burló a la censura de su tiempo, de la influencia que su esposa Alma Reville tuvo en su trabajo... Nada se dejaba al azar en el mundo cinematográfico de Hitchcock y esta exposición, lo recoge fielmente.

Muy recomendable para los amantes del cine y fans del director.

          Como he comentado esta exposición se abrió el 5 de octubre y continúa hasta el 5 de febrero en horario de 10:00 a 20:00 horas de lunes a domingo.

Existes algunos días donde hay visitas guiadas (gratuitas) las cuales recomiendo.

Os dejo la página oficial donde podéis encontrar más información:   https://espacio.fundaciontelefonica.com/evento/hitchcock-mas-alla-del-suspense/

LA CHICA DEL TREN: CRÍTICA DE CINE

“La chica del tren” es la última obra del director Tate Taylor (Criadas y señoras) Una película que a primera vista, al menos en la primera mitad de la misma, nos puede resultar: confusa, extraña e incomprensible, pero a medida que sobrepasamos ese ecuador, nos sentirnos más intrigados y comenzamos a comprender lo que Taylor nos ha estado ocultando con tanta perversidad.

“La chica del tren” nos narra la historia de tres mujeres cuyas vidas se entrelazan bajo la mirada de una de ellas, Rachel (Emily Blunt) una divorciada sumida en el alcohol que cada día toma un tren y a través de su ventanilla observa y fantasea, sobre las parejas que viven en las casas que bajo su mirada, se cruzan; unas casas que le recuerdan a un tiempo no muy lejano, pues cerca de ellas vivió con su ex marido.

Una historia basada en el best seller de Paula Hawkins y que en esta adaptación, Tate Taylor confecciona un thriller de intriga tan singular como absorbente. Tan extraño como comprensible y duro en el final, pues juega con despistar al espectador en un montaje tan disparatado, que  por instantes se confunden los flashbacks y los constantes cambios narrativos, con la realidad vivida por el personaje de Rachel, donde Emily Blunt borda su papel entre las luces y la oscuridad de su atormentada mente.

La dirección de actores, sobre todo la de sus dos protagonistas femeninas, está cuidada y mimada, para de esta manera deleitarnos con un tándem perfecto en sus interpretaciones; como peones que les toca representar en esta pieza dramática viajando en esos trenes y entre esas casas, ser partícipes del sufrimiento ocasionado por el alcohol, las separaciones, los maltratos, las inseguridades, la maternidad, la soledad… Piezas de nuestra sociedad que aún arrastramos como lastres, creyendo que nunca encontraremos la estabilidad deseada. Pero siempre hay una salida, aunque tal vez en ese intento, no acertemos a tomar el tren correcto.

“La chica del tren” por tanto, no es sólo un ejercicio interpretativo, ni psicológico, ni siquiera de una dirección excéntrica; sino tal vez, un ejercicio para no caer en las redes que el ser humano traza en ocasiones para su único beneficio.

Mi nota es de: 7

Estreno en España: 21 de Octubre.

  REPARTO: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Edgar Ramirez, Justin Theroux, Allison Janney, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Lana Young, Nicole Bonifacio, Marko Caka, Daniell M. Williamson, Alexander Jameson, Sidney Beitz.

PRODUCTORA: DreamWorks Studios/ Amblin Entertainment/ Marc Platt Productions.